美國電影本領

『壹』 有哪些值得一看的美國電影

影片一：《金剛》

《金剛》這部以美女與野獸為話題的電影2005年上映時火了一把（我當時才剛上高一），後來上大學時才看了這部電影。在這個追求個性彰顯個性的年代，種族之於愛情不是障礙，性別之於愛情不是障礙，《金剛》告訴我們甚至人獸之於愛情都不是障礙。

整個影片在現實和夢境中重疊交替，甚至在夢中之夢，看完後的心情跟看完《天才在左瘋子在右》這本書的感受有一拼，怎麼說呢，讓人渾身起雞皮疙瘩，有點毛骨悚然的感覺，看完後自己回想起劇情細節，仍然心有餘悸。

電影中關於入夢的儀器設備還有方法不夠專業或者毫無邏輯，但都絲毫不影響這部電影所要表達的思想。另外，劇中大量特效製作堪稱完美，雖然小李子的奧斯卡之獎終於圓夢在《荒野獵人》，但是小李子及其搭檔在《盜夢空間》的演技也是有目共睹的，給我們帶來了一場不錯的視覺盛宴。

『貳』 有一部超能力電影，裡面很多會超能力的，記得有個人能從手上長出鋼爪來

<< X戰警>>1-3 你說的是金剛狼，休 傑克曼主演

X戰警（X-Men）是驚奇漫畫所創造的超級英雄團體。角色創造者是Stan Lee和Jack Kirby，初次登場是在1963年9月漫畫X-Men #1中。同時也是美國漫畫史上賣座最佳的書，於2000年推出同名電影，全球票房收入達3億美元，並且其系列電影已拍攝三部。影片講述一群懷有特異功能的變種人，在X教授的號召下，成立了保護人類與地球的戰警小組。不料，人類對變種人開始產生疑慮而展開了彼此的爭斗。與其他英雄漫畫人物不同的是，《X戰警》告別個「個人英雄主義」，充分詮釋了「團結就是力量」的真義，每一位X戰警都有自己的獨門絕技，但也都有各自的弱點，只有團隊合作才是英雄們的致勝法寶。

《X戰警》(X-Men)

導 演： 布萊恩·辛格 Bryan Singer
主 演： Matthew Granger 詹姆斯·麥斯登 James Marsden 伊安·麥克萊恩 Ian McKellen 帕特里克·斯圖爾特 Patrick Stewart 法米克·詹森 Famke Janssen 哈利·貝瑞 Halle Berry 布魯斯·戴維森 Bruce Davison 安娜·帕奎因 Anna Paquin
上 映： 2000年07月13日
類 型： 科幻 驚秫 動作
地 區： 美國
時 長： 104 分鍾
摘 要：
一群天生懷有特異功能的變種人，在X教授的號召下，成立了保護人類與地球的戰警小組。不料，人類對變種人開始產生疑慮而展開了彼此的爭斗……

《X戰警2-聯盟》(X-Men 2: X-Men United)

導演：布萊恩·辛格Bryan Singer
主演：休·傑克曼Hugh Jackman -- 金鋼狼羅根
詹姆斯·馬斯登James Marsden -- 獨眼龍
哈莉·貝瑞Halle Berry -- 暴風女
帕特里克·斯圖爾特Patrick Stewart -- X教授
伊恩·麥克萊恩Ian McKellen -- 萬磁王 [完整人物表]
類型：科幻/動作 片長：134分鍾
級別：PG-13(科幻動作與暴力，性與部分語言)
發行：20世紀福克斯公司20th Century Fox
上映日期：2003年5月2日全美公映

人類總是對比自己強大的事物懷有戒心，變異人就面臨這種情況。雖然在第一集中，變異人在X教授的指揮下，將邪惡的萬磁王打入冷宮，但是依然得不到社會的承認。在一次政治要人遭到暗殺後，所有的矛頭又一次指向變異人。這一次，X教授也感到壓力大增，以致於跟美國總統都要就此事進行磋商。一個擁有很高聲譽的前將軍，率領著反對變異人的聯盟連續對x教授施壓。萬磁王在這種情況下，不得不尋找與X教授聯手抵抗前將軍的方式。金鋼狼的身世也將在本集中進一步揭開。

《X戰警3-最終戰役》（X-Men: The Last Stand)
片名：X-men：The Last Stand
譯名：X戰警3：最後之戰 /X戰警3：兩極爭霸
導演：布萊特·拉特納 Brett Ratner
主演：休·傑克曼 Hugh Jackman
哈里·貝瑞 Halle Berry
伊恩·麥凱倫 Ian McKellen
帕特里克·斯圖爾特 Patrick Stewart
類型：動作/奇幻/科幻/驚悚
片長：103分鍾
級別：PG-13級
出品：20世紀福克斯
上映日期：2006年5月26日(美國)

《X-Men Origins: Wolverine》
(尚未上映，據悉會在2009年上映。)
己簽約演員: Hugh Jackman 飾 狼人Wolverine

《Magneto》
（ 尚未上映)
暫定演員: Ian McKellen 飾 萬磁力Magneto
Rebecca Romijn-Stamos 飾 妖後Mystique

除了Wolverine和Magneto外,據說,官方有意開拍以漫畫中的性感女神白女王Emma Forst及Professor X的學生為主題拍2部外傳.但詳情還未布.

製作團體

20世紀福克斯公司(20th Fox, USA)2000年出品——《X戰警》(X-Men)
20世紀福克斯公司(20th Fox, USA)2003年出品——《X戰警2》(X-Men 2: X-Men United)
20世紀福克斯公司(20th Fox, USA)2006年出品——《X戰警3》(X-Men: The Last Stand)

主演

帕特里克·斯圖爾特(Patrick Stewart) ... X教授 （Professor Charles Xavier）
詹姆斯·馬斯登(James Marsden) ... 鐳射眼 （Scott Summers / Cyclops）
芬姬·贊臣(Frake Jamseen) ... 琴-葛雷/黑鳳凰 (Jean Grey/Dark Phoneix)
休·傑克曼(Hugh Jackman) ... 金剛狼 （Logan / Wolverine）
伊恩·麥凱倫(Ian McKellen) ... 萬磁王 （Eric Lehnsherr / Magneto）
安娜·帕奎因 (Anna Paquin) ... 小淘氣 （Marie / Rogue）
哈莉·貝瑞( Halle Berry) ... 暴風女（Ororo Munroe / Storm）
艾倫·斯坦佛( Aaron Stanford) ... 火人 （John Allerdyce / Pyro）
肖恩·阿什摩（Shawn Ashmore） ... 冰人 （Bobby Drake / Iceman）
麗貝卡-羅米金-斯塔莫斯(Rebecca Romijn-Stamos) ... 妖後(Mystique/Raven Darkholme)

導演：布萊恩·辛厄(Bryan Singer) 布雷特·拉特納( Brett Ratner)
種類：科幻片/ 動作/劇情

劇情簡介

在3套X戰警中,X戰警1是為了被大眾接納而戰,X戰警2是為了生命而戰,而X戰警3則是為了全球的變種人而戰.3套X-Men,3種主題,令人一看再看.
http://ke..com/edit/id=68978
X戰警1
與生俱來，他們就是一群具備特異功能的另類，在出生的時候每個人便帶有突變的基因，這使得每個人都能顯現出超乎人類想像的力量：鐳射眼(詹姆斯-馬斯登飾)，兩眼發出的死光能夠在山體上打出一個洞；琴-葛雷(芬姬-贊臣飾)，擅長瞬間移動和心靈感應；還有暴風女(哈里-貝瑞飾)，她能夠控制天象，呼風喚雨。
在這個到處充滿著仇恨和偏見的人類主宰的世界裡，他們是變種，是另類，是一群怪物。一些人害怕他們，厭惡他們，拒絕接受他們，一心只想將他們趕出人類的視野。參議員羅伯特-凱利(布魯斯-戴維森)正是這樣一位「誹謗者」，這位職業政客想通過立法來揭露這些「危險」的異種人。在他認為，由於社會對異種人知之甚少，異種人和他們許許多多的同類才能得以生存。
在人類最著名的特異功能大師查爾斯-澤維爾教授(帕特里克-斯圖爾特飾)的帶領下，這些天才的另類學生總算懂得了如何為人類的利益而控制各自的非凡本領。他們的目標是要為了保衛這個害怕他們的世界而戰斗。
又有兩個新的成員加入教授的麾下：金鋼狼(修-傑克曼飾)，一個孤獨的戰斗機器，他有超強的自我恢復能力，有一對收縮自如的合金鋼爪和一副暴躁的脾氣。另一個是小淘氣(安娜-帕奎因飾)，一個令人驚奇的小女孩，只要接觸對方，她就能吸收對方的記憶和能量。
教授的「X戰警」不久就發現他們已捲入了一場艱苦的戰斗，對手是澤維爾教授過去在大學里的同事和朋友萬磁王(依安-麥克萊恩)，他是世界上最強大的異種人之一。他堅信異種人和人類根本不可能和平共處，只有異種人才應該是這個世界未來的統治者。他和他的邪惡的追隨者們發誓，不達到目的決不罷休，看看他們都是誰吧！劍齒虎(泰勒-馬勒飾)；變形魔女(麗貝卡-羅米金-斯塔莫斯飾)和有些近視的癩蛤蟆(瑞-帕克飾)，他們的黑手不僅威脅著人類的生存，也包括其它異種人。為了保護自己和人類，X戰警只有一條路--戰斗到底！

X戰警2
故事開場緊接著第一集的結尾，「金剛狼」羅根為了找回自己過去的記憶離開了X教授的學校，隱姓埋名前往艾卡里湖(Akali Lake)工業中心；另一邊，人類議會正忙於重建在變種人大戰中受到重創的自由女神像；萬磁王則繼續在X教授精心打造的塑料監獄中服刑。從表面上看這個世界似乎漸漸回復了正常，但是X戰警們沒有察覺到，在這個世界的黑暗深處，新的陰謀正在悄悄臨近。

對於變種人來說，平靜的日子並從來都難以長久。在一次針對美國總統的驚天刺殺行動中，具有瞬間移動和隱性能力的新類型變種人--藍魔鬼(Nightcrawler)的現身，不但再度引起政府和社會上對變種人的抵觸情緒，更掀起了一場來勢洶洶動機不純的反變種人運動。在白宮內，一向敵視變種人威廉·史崔克將軍與參議員羅伯特·凱利，正與總統籌劃展開針對變種人總部X學院的武力行動。而總統身邊的助手，秘密化名安妮·瑞諾德斯(Anne Reynolds)的變種人--死亡女，也有著不為人知的秘密打算。

X教授這邊，金剛狼在艾卡里湖的調查一無所獲，只有先返回X學院助陣；而具有操縱火焰能力的新X戰警火人(Pyro)登場，也令X戰警們士氣大振。集合了力量的X教授希望通過自己的超能力，找到刺殺總統的新類型變種人藍魔鬼。但是，藍魔鬼的特殊能力使他散發出的變種人信號非常微弱，連X教授也無法找到他的確切位置，只能模糊地感覺到其人應該身處波士頓附近。

為了確認藍魔鬼的行蹤，X教授派出暴風女和琴葛蕾博士，前往波士頓進一步調查。但所有人都沒料到，史崔克將軍的特種部隊抓住機會乘虛而入，發動奇襲重創了X學院，不但放走了萬磁王，還逮捕了X學院中的學生並控制住了X教授。在沖突中，金剛狼與史崔克將軍的交鋒，令金剛狼察覺到史崔克將軍與自己過去的記憶有著千絲萬縷的關系。但是記憶碎片的沖擊卻使金剛狼陷入記憶深處的混亂而失去了戰鬥力，直到小淘氣、冰人、和火人趕來相救，才使他得以逃離險境。但是，自以為躲過一劫的X戰警們卻還沒有意識到，史崔克將軍的真正目標並不是學院中的學生，而是X教授所使用的，可以找到世界上每一個變種人的X主腦(Cerebro)！

史崔克將軍的兒子傑森(Jason)也是一名變種人，並曾在X學院中學習，代號「變種人143」，特有的意識操縱能力與X教授頗有淵源。但是，史崔克將軍的邪惡野心卻妄圖利用自己兒子的超能力操縱X教授，控制X主腦來向世界各地的變種人發動腦波攻擊。

與此同時，金剛狼等人與琴葛蕾博士和暴風女在波士頓匯合，並且成功招募了藍魔鬼，使X戰警的隊伍中又多了一名強有力的成員。重獲新生的X戰警們來到冰人的家中，准備稍作休整。但是，冰人的家人卻可恥地背叛了自己的孩子，向政府報警而因此引來了軍方的圍堵，甚至連X戰警乘坐的X戰機也被軍機擊落！就在千鈞一發之際，感受到史崔克威脅的萬磁王在緊要關頭出現，令人意外地出手救下X戰警，並且建議X戰警與自己展開合作，共同對抗變種人共同的敵人--史崔克。

艱苦的大決戰到來了，所有的X戰警一同駕機奔赴史崔克將軍的老巢--坐落在艾卡里湖工業中心的秘密基地。一場空前慘烈的惡仗打響了......

X戰警3
界聞名的沃森頓公司終於研製出了治療「變種基因」的葯物，變種人終於第一次有了自主選擇命運的權利：或是放棄超能力，成為真正的人類；或是拒絕接受「治療」，保持獨特的變種能力，繼續隔絕成為異類。然而，選擇與否已經不再自由，在軍方科學家的離間之下，人類對變種人的害怕與憎恨超乎想像，「和平至上」的X教授和身懷絕技的X特警們也在喪失能力的威脅下無法抉擇。X戰警3
而一心企圖令變種人稱霸世界的萬磁王，則覺得這退無可退的境地是最好的機會，擺脫囚禁後變得格外強大、狡猾的他，吸收了龐大的新鮮力量，召集成威力無比的變種軍隊，准備毀滅沃森頓公司，進而讓人類稱臣。史無前例的人種之戰一觸即發！
X戰警們不可避免地陷入了這場矛盾對抗，然而，他們將面對的卻不僅僅是害怕和憎恨他們的人類、自己內心的掙扎和萬磁王的誘惑，還有死而復生的琴格雷--他們具有心電感應、隔空取物和瞬間移動等非攻擊型能力的X戰警同伴。死裡逃生之後性格開始狂亂分裂的「黑鳳凰」，徹底成為了黑暗皇後，被萬磁王招自麾下的她，將會毀滅所有阻擋她去路的事物。面對人類、變種人甚至是世界的毀滅，X戰警們無路可退……

內幕大解構

22個秘密
1.《X戰警》是驚奇漫畫最成功的一部。
2.《X戰警》傳聞拍電影版已傳足20年，不過拍板正式開拍還是在6年前。
3.《X戰警》最初至少有6個電影劇本草稿，撰寫的編劇包括來自《角鬥士》《七宗罪》等。
4.《X戰警》內共有500個特技效果，但導演布萊恩-辛格卻堅持這不是一部「動作片」。
5.雖然《X戰警》拍攝過程極度保密，但仍有不少小道消息流傳於網上，有網頁製作人更僱用「間諜」秘密采訪，或「懸紅」提供該片的內幕消息。
6.本片為《X戰警》的第一個電影版本，其實福克斯公司已於1992年製作了該片的卡通片集。
7.《X戰警》製作費用高達7500萬美元，但它仍不算是最貴的漫畫電影，當年喬治-克魯尼主演的《蝙蝠俠與羅賓》製作費就足足是該片的兩倍。
8.扮演主角「狼人」的休-傑克曼其實只是第二人選，最初導演找來《職業特工隊2》的奸角道格里-斯科特，但道格里錯失了機會。而女主角暴風女神,一開始導演非常喜愛Angela Bassett，而X迷也熱烈擁載她，但因不明原因，Angela Bassett錯失了機會，暴風女神一角在1999年6月終定了由哈里-貝莉飾演。
9.由於《X戰警》漫畫獲得太多Fans愛戴，電影當然招來不少挑剔，例如：「狼人」戰衣不應由本來的黃、藍色變成黑色；成熟貌美的「獨行女俠」不應讓「靚妹」安娜-帕奎因演出；「靈鳥」電影版女角費克-簡森前額少了綹紅發等等。不過Fans抗議得最厲害的當然是飾演「暴風女神」哈利-拜瑞的長白假發，被投訴「假得極不自然」。
10.「妖後」能變形當然可怕，不過據飾演此角的瑞貝卡表示，最可怕還是在拍攝之前，除了要花數小時將身體畫上藍色外，還要由工作人員將90塊碎膠布貼在身上。
11.本片中飾演大奸角「萬磁王」的伊安-麥克萊恩其實與導演布萊恩-辛格早於《Apt Pupil》一片中合作，伊安飾演納粹軍官。而二人再度合作的本片中，伊安又飾演壞蛋首領，不過無獨有偶，「萬磁王」是納粹集中營的遺孤，你說巧不巧。
12.由瘦弱的伊安飾演大奸角「萬磁王」，為免穿起戰衣時顯得不夠武氣，故此他需要穿上一些「肌肉衣」，令自己的肩膀、胸膛及手臂看來更粗點。
13.原以為「鐳射眼」戴起個紅色液晶體眼鏡真有型，其實他戴上眼鏡後視線受阻，在片場行走還要人攙扶。
14.雖然演員在銀幕下相處愉快，不過飾演主角「狼人」的休-傑克曼，在台下就拒絕與戲中飾演強敵「劍齒虎」的泰勒-曼恩運動或健身，說是要保持那種「較量的感覺」。
15.電影中各演員所穿的戰衣皆由厚厚的黑皮所制，密不透氣，主角「狼人」休-傑克曼就曾拍了幾場動作戲，翻了幾個跟頭之後中暑暈倒。
16.各大《X戰警》漫畫迷對於電影版極為期待，皆因原作者斯坦-李將在片中粉墨登場，客串一個賣熱狗的小販。
17.原以為「劍齒虎」只需加兩只尖牙就行了，其實飾演此角的泰勒-曼恩還要戴著個巨型的假「前額」，並需穿上一對四寸高跟鞋。
18.原來《X戰警》曾與《星際旅行》(Star Trek)中的人物相遇，第一次是在《X戰警》漫畫中，講述變種英雄聯同《星》艦隊隊員合作；第二次則是在《星際旅行》出版的《Planet X》中，講述X教授及朴克隊長(Captain Picard)一行人等相遇。如果拍成電影版，那帕特里克-斯圖爾特豈不要一人分飾兩角？
19.《X戰警》漫畫風行了37年，書中總共出現了34個變種人。由於此次的電影版內只能出現10個主角，有不少Fans就抗議其他受歡迎人物，如「幻影貓」(Shadowcat)及「銀匠」(Colossus)只有等續集才有出場機會了。
20.基於美國《X》迷的狂熱，事實上電影未上映，眾位監制及電影公司已有開拍續集的打算，並計劃加入更多人物。-Chibi
21.哈里-貝莉憑X-Men勝了不少名聲，雖然在X1及X2未擔正，但名氣卻勝女主角安娜·帕奎因及芬姬-贊臣一半有多。
22.小道消息指:當初FOX找哈里-貝莉為暴風女神是貪她的美貌比Angela Bassett更漂亮，但薪金更便宜。可惜2001年哈里-貝莉榮升第74屆奧斯卡影後，身價狂升，但卻不能突然更換女主角，所以忍痛附她比全劇演員更高的薪金，並特意設計3場讓暴風女神控制天氣的好機會。

製作內幕
早於1963年，驚奇漫畫(Marvel Comics)出版社總編斯坦-李(Stan Lee)創作了《X戰警》漫畫及眾多的英雄人物。像《超人》、《蜘蛛俠》等一樣，《X戰警》亦是一群擁有強大超能力的英雄，他們在對抗大壞蛋之餘，本身經歷亦因與常人不同，且充滿悲劇性。
2000年電影版《X戰警》經過了數年的籌備，其實早在6年前，本片監制羅蘭-舒樂-當拿(Lauren Shuler Donner)已有意將這部大受歡迎的漫畫搬上銀幕。1998年，福克斯電影公司(Twentieth Century Fox)集齊人馬，包括《非常嫌疑犯》導演布萊恩-辛格(Bryan Singer)、《蝙蝠俠歸來》視覺效果指導麥克爾-芬克(Michael Fink)開始《X戰警》的製作。而港產武術指導，曾拍攝《黑客帝國》、《羅密歐必死》(Romeo Must Die)的袁和平亦有份參與，可算是為港人爭光。
耗資7500萬美元製作的《X戰警》，除了動用大量電腦特技外，花費巨資製造了多個不同的場景，數目竟多達80個之多，而負責製作布景的工作人員就多達200個，他們營造的場景就包括伊麗莎白時代城堡、德軍軍營、印第安人村，及忠奸各方的巨型基地。其中最高難度的，便是製造萬磁王的地下堡壘。曾獲提名奧斯卡最佳製作設計的約翰-梅爾(John Myhre)表示：「這個堡壘除用了沉甸甸的金屬外，整個基地都由水包圍。我們先在場景鋪滿瀝青，再製造一條護城河，灌注10寸高的水，我們有時都要站在水中拍攝！」
單是場景已經這么厲害，難怪當風行了接近38年的《X戰警》，在傳出製作電影版的消息後，即為各《X》迷熱烈追捧，除網友秘密報道《X戰警》小道消息外，美國電影雜志《首映》更專程為《X戰警》上映而製作三個封面的特刊號。另外，由於《X戰警》於美國的上映日期為7月14日，而澳洲則是7月13日，有《X》迷為了先睹為快，更不惜搭飛機到澳洲搶先觀看《X戰警》，務求快人一步！

『叄』 有一部美國電影，講的是一個人行騙技術很高，去了很多國家，變換了很多身份，警察都抓不到他。

逍遙法外

弗蘭克（萊昂納多·迪卡普里奧 Leonardo DiCaprio飾）是FBI有史以來年齡最小的通緝犯。他的犯罪手段神通廣大，偽裝身份的能力超乎常人，全美各地幾乎都留下他的犯罪足跡。喬裝醫生、律師、飛行員，統統都是他曾經的身份。當然，弗蘭克憑著這個「本領」，騙取了高達幾百萬的金額

『肆』 幻視 在那部電影有什麼特別本領

幻視（Vision）是美國漫威漫畫旗下超級英雄，初次登場於《Avengers》第57期 （1968年10月），是奧創為了對付復仇者聯盟，將二戰英雄初代霹靂火的身體改造，並用神力人的腦波將之激活而成的生化人，之後在與復仇者的多次戰斗中、幻視被復仇者成員之間的人性所感動、從而背叛奧創加入復仇者聯盟，並且遇到了同為復仇者成員的緋紅女巫、於是兩人墜入愛河結為夫妻。
在電影《復仇者聯盟2：奧創紀元》中改編為是鋼鐵俠設計的人工智慧管家「賈維斯」的升級版本（註：成為幻視後意識已經不是賈維斯，而自我產生了一個新的思維和意識），身體是奧創用「再生搖籃」製造，並使用振金為材料，生命來源源自於洛基權杖上的心靈寶石，在布魯斯·班納（綠巨人）和托尼·史塔克（鋼鐵俠）上傳賈維斯的意識後、由雷神托爾的雷神之錘放電激活完成。因為心靈寶石的原因，所以能夠舉起雷神之錘，後加入復仇者聯盟。
不管在電影還是漫畫中，幻視和旺達都是地球上最強的情侶，幻視振金之軀、刀槍不入，旺達掌控魔法、操縱意念。電影中兩人的愛情溫暖且單純，但是在原著漫畫中卻是一段千古虐戀....
幻視是復仇者聯盟之一，是緋紅女巫的丈夫。他頭頂的寶石能夠發射激光，同時他也能夠控制物體的密度以及穿越物質。
幻視到底有多強？
電影宇宙中，幻視在各個方面，都可以稱的上是最強復仇者。
無視物理規則穿越物體（牛頓的棺材板要按不住了呀）、躲避物理攻擊，輕松拿起雷神之錘，振金塑造的超高強度身軀，甚至還可以連接世界上所有的計算機！
只是心智方面，因為成為「人類」的時間不長，大多數問題都聽從自己的爸爸鋼鐵俠。

『伍』 有一部美國電影今年出的，叫什麼 講的是個天才女孩 記數字非常厲害 過目不忘，有個拳擊手保護她

中文名： 暫告安全
外文名： Safe
其它譯名： 火線反擊（台） / 安全啦
製片地區： 美國
導演： 鮑茲·亞金
編劇： 鮑茲·亞金
類型： 動作，犯罪，驚悚
主演： 傑森·斯坦森，克里斯·薩蘭登
上映時間： 2012-04-27
對白語言： 英語

電影劇情

萊特是一個不守規矩、只認死理的前紐約警察。一天，經歷同事變節愛人慘死和無辜的人因為自己受害的他在地鐵站里看到一群持械的黑幫成員在圍剿一個12歲的華裔女孩。他心裡的正義感油然而生，遂出手教育了這群黑幫，並把小女孩保護了起來。
可不料，這只是一連串事件的開端。更多的黑幫--香港的三合會成員、俄羅斯混混以及政客派來的殺手和警局裡的惡棍源源不斷地找上門來。無奈之下，萊特只得帶著這個小姑娘在紐約的版圖上開始了東躲西藏的亡命生涯。這個華裔女孩既不是名流後代，身上也沒有被藏入鑽石，為什麼會成為黑幫的熱門眼中釘呢？打聽之下，萊特才知道這個女孩有著過目不忘的本領，她記下來了一連串的數字，而這些數字經過解密後是一個密碼。
知道了事件原委的萊特，此時更加不能讓這個女孩落入黑幫的手中了--不僅是正義感使然，更重要的是在和女孩的相處中，萊特體會到了一種責任感……隨著劇情的發展，影片一開始涉及的關於萊特到底是什麼身份的問題也有了答案，正如萊特在影片中的台詞「你收到了錯誤的信息」，如果你覺得萊特只是垃圾工，只是退休警察，只是正義的警察，只是身手矯健，你收到的都是錯誤的信息。萊特的身份一直到最後觀眾也只能了解皮毛，這也是影片吸引人的地方。

『陸』 請問美國當代獨立電影的特點請詳細，謝謝

獨立電影來源於英文「independed film」，又被稱為獨立製片電影，它是與好萊塢主流電影相對應的一個概念。眾所周知，電影發展成一個成熟的產業基本上是在好萊塢完成的，在大製片廠制度、明星制、類型片模式等逐漸成型以後，好萊塢的電影工業也基本上成熟了；好萊塢成為世界電影工業的中心，其在美國本土的地位更是說一不二，已然成為電影工業的代名詞。但是電影的特性決不僅僅只能用商業來衡量，從電影誕生的那一天開始，其作為藝術形式和思想表達工具的一種，就不斷的被人們探索著、實踐著。當然，從整個電影發展史的角度來看，好萊塢電影工業對電影在全世界的推廣起到了至關重要的作用，但矯枉難免過正，電影工業的過度發達，必然會損害到電影藝術的發展，因此，有一批藝術家們開始不考慮商業利益，僅以個人意志為標竿，自籌資金開始了電影創作，這種創作就被冠以了「獨立電影」的名頭。

獨立電影發端於上個世紀60年代的美國，最初僅僅是對好萊塢製片體制的一種反叛。但隨著電影事業的發展，現在的獨立電影，已經不能僅僅從製片體制上來區分了。在當今，獨立電影更加類似於「作者電影」，在形式上、精神內核上都呈現出某種內在的特性，是不是被製片商納入電影工業體系，倒並不重要了。也就是說，所謂「獨立電影」，更多的應該是從其藝術、思想特性上來考察，至於製片體制，則僅僅是個參考指標罷了。如果一部電影從一開始，就能保證按照藝術家的自由意志來進行創作，而製片商僅僅作為投資人的角色出現，並不幹預影片的具體內容，那不管該片在片頭加上米高梅的獅子還是派拉蒙的雪山峰，都不會影響其作為獨立電影的身份了。

獨立電影發展到今天，已經是一個被廣泛接受的概念了。事實上，世界各國都有所謂「獨立電影」的稱呼，從廣義上來說，只要是游離於該國主流（商業/官方）電影體系之外的電影創作，都可以被歸入到獨立電影的范疇里去。這也就造成了獨立電影在質量上的參差不齊，根據創作者的個人水準，它既有可能是上乘的藝術精品，也有可能是粗製濫造的垃圾。但相對而言，獨立電影最為發達、取得成就最高的地區恰恰是商業電影最發達的美國，所以，以美國獨立電影為例，能夠讓我們對獨立電影有一個相對全面和較為深入的認識。當然，單純從概念出發，紀錄片、動畫片都可以被算在獨立電影之列，但在實踐中，獨立電影一般只是指劇情片，在這里，我們也是從劇情片的意義上來指稱「獨立電影」的。

多元的靈魂

美國是一個多元的社會，在這里，各種各樣的文化、思想和價值觀念都能找到自己的一席之地，這也是美國獨立電影之所以層出不窮的一個重要原因。當然，主流的「權威」聲音還是存在的，但對熱衷於獨立電影創作的藝術家們來說，那些聲音只是「Bull Shit」罷了，他們所要做的，是發出他們自己的聲音。對獨立電影來說，重要的不是你說了什麼，而是你說了。

這種開放、多元的文化形態也直接造成了美國獨立電影的開放和多元。基本上，美國獨立電影的題材是沒有任何限制的。政治、暴力、情色、科幻、犯罪，甚至莫名其妙的夢幻，都可以成為獨立電影的題材。因此，我們很難用某一種具體的類型來涵蓋獨立電影——那些類型片的劃分方法通常只對好萊塢商業片有效。

獨立電影的多元特徵甚至能從它們的創作者身上得到印證，如果你仔細考察一下，你就會發現獨立電影導演們往往出身於不同的種族、階層、地域，他們各自有最擅長的題材領域，這些領域交織在一起，就構築成了美國獨立電影的復雜景觀。比如約翰·卡薩維蒂，這位「美國獨立電影之父」，就是出身於希臘移民的家庭，希臘人對家庭觀念、家族關系的重視，也自然而然的影響到了卡薩維蒂的創作，所以，在他的作品中，我們能很清晰的看到他對美國家庭細致入微的觀察和拷問，貫穿卡薩維蒂作品的，就是這種深入人物內心的對家庭以及由家庭所帶來的各種關系的反思；大名鼎鼎的伍迪·艾倫則是出身於紐約布魯克林區的猶太知識分子家庭，這樣的家庭環境使得伍迪·艾倫的作品由衷的散發出一種知識分子的氣息，因此，我們可以看到，他總是在批判，從《安妮·霍爾》到《梅蓮達與梅蓮達》，伍迪·艾倫的知識分子責任感一點也沒有消退的跡象；同樣是出身紐約，同樣是大腕級導演的斯派克·李則站在了另一個截然不同的角度，由於膚色的原因，種族問題成了斯派克·李電影中揮之不去的主題線索，平民家庭的出身又讓斯派克·李的電影街頭味十足，二者相疊加，所構制出的斯派克·李的電影風貌與伍迪·艾倫自然是大相徑庭，同是紐約城，但在兩位藝術家的眼裡，卻有著截然不同的景象；吉姆·賈木許的父親是匈牙利人，母親是伊朗人，這樣的血統使得賈木許的電影就多了幾分「異客」色彩，很明顯的一點就是賈木許的作品中所蘊含的非基督教的思考方式，顯然，作品中的這種特點與他的家庭出身——特別是他的那位伊朗母親不無關聯；大衛·林奇動盪的童年生活和他在費城貧民區生活的經歷，則讓他的作品總是黑暗色彩十足，而且充滿了對腐敗、暴力的恐懼感，這與其他導演的風格又是迥然相異的，有所謂「林奇主義」之稱。

即使是同樣一個題材類型，在不同的獨立導演那裡也往往有不同的視角和觀點。以性愛為例，在伍迪·艾倫的《性愛寶典》那裡，無厘頭的鬧劇解構了傳統的性愛模式，插科打諢的玩笑取代了原本嚴肅的討論，為了把這場鬧劇進行到底，伍迪·艾倫甚至親自扮演了一個喋喋不休的精子（天哪，也只有這傢伙能想得出來）；而在索德伯格那裡，性愛又成為指代當代人精神危機的一個符號，所以在《性，謊言，錄像帶》里，性愛都是扭曲變形的，只會讓人們焦慮不安，而絕不會有伍迪·艾倫般的輕松搞笑；到了格雷格·阿拉奇的《三人同床》那裡，性愛則成為了年輕人標榜自我、張揚個性的有效途徑，它既不沉重、也不搞笑，甚至連既有的模式也沒有，幾乎走向了一種「性愛虛無主義」；而在理查德·科恩的獨立電影短片中，所有的性愛又都是變態、畸形的自我表達手段，是徹徹底底的淪喪和頹廢……總之，獨立電影的導演們，各有各的風格，各有各的主題，這種多元化的面貌混雜在一起，也就成了獨立電影的整體景觀。

當然，雖然多元，但相對的中心還是有的。從地域上看，美國獨立電影的中心是在紐約，這或許有些諷刺意味：紐約是全美乃至全世界的經濟中心，是商業化氛圍最濃厚的地方，怎麼會孕育出反商業的獨立電影？主要原因莫非如下幾點：一來從文化上看，好萊塢屬於西海岸的太平洋文化圈，紐約則屬於東海岸的大西洋文化圈，兩地在文化屬性上的迥異，為獨立電影在紐約的興盛，奠定了文化上的基礎；二來從經濟上看，紐約雖然經濟發達，但電影產業的中心卻是在好萊塢，紐約不能也不可能再樹立起一個商業電影的體系，這也就為獨立電影預留了生存空間；此外，紐約作為一個龐大的都市，其文化消費也是多元、多層次的，單一的好萊塢商業電影無法滿足芸芸「紐約客」的眾多口味，獨立電影的出現，也恰好填補了這個空白。不過，隨著近幾年獨立電影的發展，紐約的中心地位已經開始動搖，相信在今後的幾年中，美國獨立電影應當呈現出一種無中心的散亂發展態勢。

黑色幽默

美國獨立電影里的黑色幽默，更多的是一種心酸的幽默，用來作為那些邊緣的、社會底層的小人物的精神寄託。這種幽默所造成的情感效果，要麼是對他們自身的憐憫，要麼就是對那些虛偽的「大人物」的嘲諷。後者的主要代表就是伍迪·艾倫，這位知識分子氣十足的獨立電影導演，以誇張、嬉鬧的喜劇見長，而且大都是對傳統和權威的顛覆，特別是他的早期作品，如《香蕉》、《性愛寶典》和《傻瓜大鬧科學城》，就是對好萊塢的政治片、情色片和科幻片等經典類型片的嘲弄和戲仿。但這些嘲弄、戲仿絕不是無價值的、廉價的笑料，而總是發人深思，並讓人在笑過之後，頗感幾分心酸。在伍迪·艾倫中後期的作品中，這種黑色幽默獲得了長足的發展，不再僅僅是針對好萊塢，而是對整個社會和人性本身進行調侃、諷刺了。例如在《星塵往事》、《人人都說我愛你》和《子彈橫飛百老匯》里，人性、愛情、暴力、幸福等深層次的概念取代了好萊塢，變成了伍迪·艾倫的靶子。盡管聽起來有些玄乎，但伍迪·艾倫天才的喜劇本領總能抖出意想不到的包袱來，讓觀眾們捧腹。即使是那部被認為是向伯格曼致敬的最晦澀的《星塵往事》，還是清楚的能看到伍迪·艾倫的自嘲，他在這部影片中大肆模仿歐洲藝術電影大師們的技法，以致於被評論界語帶嘲諷的稱為是伍迪·艾倫的「9又1/2」，但伍迪·艾倫不僅接受了這樣的評價，還心安理得的把它當作自己最出色的作品。當然，對好萊塢的嘲諷是伍迪·艾倫永誌不忘的主題，最具有代表性的就是《開羅的紫玫瑰》了，這部影片好萊塢電影工業製造夢幻進行了辛辣嘲諷和對抗。影片中真實世界和電影世界形成巨大的反差，也是片中各種噱頭笑料的來源，這無疑是在把現實生活和電影中誇張、粉飾了的生活做著對比，從而對電影工業提出兇猛的反詰。影片選擇的大蕭條時期的歷史背景，也是伍迪·艾倫用來刻意強調銀幕內外反差的重要條件。這是伍迪最重要的作品之一，它對電影本身的思考已經使它具有經年不朽的獨特魅力。

而更直接的，對小人物自身的嘲諷，則是大多數獨立電影導演的常用技巧。如科恩兄弟就是個中翹楚，從他們踏入影壇的《血迷宮》開始，這種溫柔、謙遜而又略顯怪異的黑色幽默，便成了科恩兄弟作品的標記。尤其是《血迷宮》一片，它是獨立電影史上一部具有里程碑意義的影片，這部影片的內容和形式上的基本特徵，影響了以後很多的美國影片，尤其是90年以後出現的大量獨立電影作品，幾乎在十年後成為一種潮流。不過《血迷宮》還只是科恩兄弟的初試啼聲，數年後的《巴頓·芬克》才使得科恩兄弟真正的蜚聲國際，同時，在這部作品中哥倆的黑色幽默也走向成熟。與伍迪·艾倫一樣，在《巴頓·芬克》中，也充滿了科恩兄弟對好萊塢的嘲諷，也許這是《血迷宮》成名之後兄弟倆切身感受的體現。對於那些好萊塢大亨們來說，《巴頓·芬克》中的電影公司老闆就是他們的典型代表，金錢至上的態度使他可以跪下去吻一個編劇的腳，也可以把一個不符合要求的職員一腳踢開，毫無人情味可言，當然，所謂電影藝術更不在他的考慮范圍之內。在這之後，科恩兄弟的《赫德薩克代理人》、《法爾戈》和《謀殺綠腳趾》，都承襲了《巴頓·芬克》中的黑色幽默風格，藉由這種黑色幽默，科恩兄弟不僅延伸了他們在電影中對金錢、藝術的思考，更使他們在商業上獲得了意想不到的成功。而2000年的《老兄，你在哪裡》則成為繼《巴頓·芬克》之後，科恩兄弟創作歷程的又一個里程碑，這部描述三個笨賊越獄的電影，竟然是改編自史詩《奧德賽》。在這個故事中，科恩兄弟對美國歷史和政治進行了隱喻式的探討，追尋著美國民主政治、宗教以及民眾心態在上個世紀30年代的歷史性變遷，在這一點上，影片可以被稱為一部史詩而當之無愧。例如在這部影片的結尾，科恩兄弟的黑色幽默讓影片本該具有的悲劇色彩最終有了一個喜劇的結局：天降洪水救出了即將被處死的三個笨賊。看來，科恩兄弟在這里調侃的不僅是好萊塢的老闆，而是《聖經》的老闆了。

同樣的例子還有昆汀·塔倫蒂諾。這位迷戀中國功夫的美國電影奇才，也是以黑色幽默的風格而著稱的。從他的成名作《水庫狗》開始，這種以黑幫、犯罪、暴力等為主要對象的嘲弄和諷刺，就已然成為昆汀特有的標記；而在《低俗小說》里，所有的黑幫成員都被描繪成齷齪、愚蠢、缺乏正常思維能力之徒，他們在弱者面前往往虛張聲勢，而遇到比他們更強的角色，就手忙腳亂不知所措，甚至甘願接受人格、肉體的侮辱來擺脫窘境，十足一幫跳樑小丑，讓人忍俊不禁；在昆汀的近作《殺死比爾》里，這種「黑色暴力美學」更是發展到了極致，女主角揮舞著武士刀，與日本黑幫火並，殺個人比踩只螞蟻還簡單，這種場景，恐怕也是昆汀對好萊塢濫用中國功夫的嘲諷吧！

這種黑色幽默在吉姆·賈木許的作品中也是司空見慣。例如他那部《鬼狗殺手》，影片的主角是一個以日本武士的方式做殺手的美國黑人，但賈木許找了個大胖子來演繹這個角色，看這個幾百斤的黑哥們在銀幕上大耍武士刀，展轉騰挪，本身就是一找樂的事，但這還不算，賈木許還讓殺手用「飛鴿傳書」的方式跟他師傅聯系，加上Hip-Hop音樂的襯托，更是讓人捧腹。除了《鬼狗殺手》之外，《天堂陌影》、《神秘列車》、《你看見了死亡的顏色么》，乃至最近的《破碎花》，如果細細品味，你就會發現其中隱含著不少的黑色幽默的橋段。雖然賈木許的影片素來以冷峻、異樣和對美國文化的疏離而著稱，但其中的黑色幽默成分，卻是地地道道的美國貨。

美國獨立電影中最典型的黑色幽默片的代表，還得數凱文·史密斯的《店員》。這部只花了2萬7千美元的獨立製作，足以讓1994年乃至整個90年代的好萊塢喜劇電影汗顏。故事很簡單，主角是兩位普通的店員，他們的生活中並沒有發生什麼驚天動地的大事，但導演匠心獨運，讓二位主角經歷了一連串看似啼笑皆非但又都在情理之中的糗事：開店沒有生意；關店去打高爾夫球，卻洋相百出；去參加葬禮，甚至打翻了棺材……影片的故事都是發生在一天之內的，雖沒有直接的聯系，但卻演繹得絲絲入扣，導演編故事、講故事的能力實在是讓人佩服。故事稀鬆平常，卻飽含著深刻的哲理，在這樣一連串的小故事中，人與人之間的交往被不斷的反思著，最後向我們揭示了一個看似簡單卻常常被忽略的道理：善待你身邊的親人和朋友，時刻不要忘記。《店員》的成功很大程度上還要歸功於那些精彩的對白，凱文·史密斯天馬行空，不忌葷腥，牢牢抓住了年輕人的口味。

此外，在獨立電影中，往往會有一個或幾個出彩的喜劇角色，來貫穿全片的黑色幽默。如《木蘭花》中的湯姆·克魯斯，《我愛哈克比》中的達斯汀·霍夫曼，《為所應為》中的塞繆爾·傑克遜，等等。他們這些角色的設置，給原本嚴肅的影片增添了幾許輕松色彩，看似無足輕重，其實承前啟後、結構全篇，在表演上也有較大的空間，所以，欣賞這類角色，看著他們的扮演者大飆演技，實在也是一件過癮之事。

自由·反叛·暴力

對獨立電影來說，自由，應當是其最核心的特性所在了。這里的自由，不僅是指擺脫了商業羈絆的自由，更是指表達自我心靈的自由。從這個意義上來說，所謂「獨立電影」，其實也就是「自由電影」。當然，自由也就意味著沖破束縛，而沖破束縛，又意味著對既有的反叛。如此說來，獨立電影所特有的獨特精神內涵，也就是這種「自由的反叛」了。

所以我們會發現，在許多獨立電影里，主人公們都是不為現有社會體系相容的，他們往往憤世嫉俗、放縱不羈，以此來作為反抗的方式。以大衛·林奇的《我心狂野》為例，片中的主人公就是這樣一對男女，他們為了沖破世俗的陰謀和阻力而在一起，不惜採用種種聳人聽聞的方式。在這部影片中林奇運用超現實的血腥暴力場面和色情幻想，展示出現代人焦慮郁悶的精神狀態，充滿了弗洛伊德式的心理分析，詭異色彩濃重，但也不時流露出一種浪漫激情，是一種極其另類的愛的執著。《我心狂野》也是一部典型的公路片、搖滾片，主人公最常見的狀態就是開著車在高速公路上疾馳，以一副叛逆搖滾歌手的面目出現在世人面前。爾後的《迷失的高速公路》則基本上可以看作是《我心狂野》的延續，影片的風格、特徵、影像手法甚至主演（尼古拉斯·凱奇）都沒有更換。只是這一次，《我心狂野》中那些抽象、概念化的世俗壓力被具象成了一盤盤揭人隱私的錄像帶，這是一部實驗性、夢魘般的影片，描述了人物黑暗、詭異、混亂的心理，是林奇影片中最怪異、最不明就裡的影片。值得注意的是，除了主人公的反叛不羈以外，這種直達人物內心深處的赤裸裸的揭示，其實也是獨立電影反叛的一種形式，藝術家藉由這種形式來釋放人物的心靈，實際上就是對好萊塢虛假的「造夢工廠」的反叛，這樣的情形在獨立電影中是普遍存在的，只是在大衛·林奇這里，更明顯、更極端一些罷了。

不過跟奧利弗·斯通比起來，大衛·林奇就顯得溫柔多了。至少那部《天生殺人狂》的狂暴乖戾在《我心狂野》和《迷失的高速公路》里是絕對找不到的，《天生殺人狂》可能是整個90年代美國獨立電影中最暴力的一部作品了。在這部影片中，奧利弗·斯通砸碎了一切條條框框，甚至毫不顧及觀眾的觀影感受，把暴力對感官的刺激發揮到了極致。這不僅僅是對好萊塢的反諷，更是對美國社會、美國文化陰暗面的徹底反擊。然而，這種反擊是絕望的，相對於社會來說，個體的力量總是顯得那麼渺小，主人公只能通過大開殺戒甚至濫殺無辜來表達他們的憤怒和反抗。當然，對於暴力斯通也不是無條件的絕對美化，當男主角殺死一位慈祥的印第安老人後，影片對他的態度明顯轉向了貶抑，這與監獄暴動那場戲里對男主角英雄般的刻畫形成了鮮明的對比。

《天生殺人狂》的這種純粹、不加修飾的、赤裸裸的暴力與昆汀·塔倫蒂諾的黑幫片有著異曲同工之妙，在昆汀為數不多的幾部作品裡，暴力同樣成為貫穿影片的有力線索。特別是《殺死比爾》一片，在敘事上昆汀並沒有下多大功夫，但對暴力本身卻詳加描繪，甚至讓其呈現出某種詩意的色彩。這種極端的暴力美學在感觀上要比《天生殺人狂》讓人舒服得多，但在表意效果上卻並無二致。

值得一提的還有《槍擊安迪·沃霍爾》一片，這部由女導演瑪麗·哈倫在1996年拍攝的獨立電影是根據真實事件改編而成，基本採用了白描的手法，對事件做了簡單而真實的復述，冷靜的為我們呈現了一個女權主義者的悲劇一生。對於安迪·沃霍爾這位在通俗藝術史上舉足輕重的人物，影片沒有太多的正面描繪，而是把視線集中在刺殺他的維米莉身上，而且著重表現這次刺殺的內在動機，把維米莉這個女性主義先驅人物推到前台。維米莉並不是多麼自覺的女性主義先驅，她的反抗更多的是來自於她的個人經歷，也正是因為這種情緒性反抗是來自深層次的沖動，才使得它沖擊力更強也更猛烈。維米莉身為一個大學生，在街頭乞討、賣淫，本身就是對體制的反叛。從這個意義上講，《槍擊安迪·沃霍爾》中的暴力並不是維米莉施加給安迪·沃霍爾的暴力，而是美國社會施加給維米莉的暴力。《槍擊安迪·沃霍爾》作為女權主義電影的代表，表達了美國現代女性對男權社會的控訴和反抗，意味著女性意識在上個世紀末的重新崛起。從這個意義上來說，《槍擊安迪·沃霍爾》即使是在獨立電影中也算得上是反叛之作，因為該片所反抗和控訴的男權意識，不僅僅在好萊塢主流電影中，在獨立電影中，也是普遍存在的。《槍擊安迪·沃霍爾》的成功也啟迪了後來者，此後不久，《男孩不哭》、《女魔頭》、《百萬美元寶貝》等女權主義電影相繼登上了大銀幕並都取得了巨大的成功。

當然，並不是只有暴力才能作為反叛的手段。有時候，溫情脈脈也是一把無聲的手槍。例如《水牛城』66》一片，在這部由文森特·加洛自編自導自演自彈自唱的獨立電影中，幾乎沒有任何暴力鏡頭的出現，全片只是在低調哀傷的氣氛中，輔以淡淡的鋼琴、感傷的另類民謠和晃晃悠悠的踢踏舞配樂，給我們娓娓講述了一個落魄孩子回家的故事。但就在這種看似溫情脈脈的氛圍中，美國家庭人際關系的冷漠與疏離撲面而來。最令人印象深刻的是主人公和父母、女友同在一個桌上吃飯的戲，鏡頭故意生硬地只給餐桌上的四分之一的人，鏡頭里獨自的誇誇其談然後換人，然後下一個人誇誇其談，缺乏交流沒有感情的家庭尷尬在這里表現得淋漓盡致。在這種簡單的鏡頭剪切中，觀眾可以強烈感受到一種「冷暴力」的存在，正所謂「此時無聲勝有聲」，雖然沒有任何強烈的肢體語言，但在這種木訥和無言中，主人公其實已經發表了他的反叛宣言。

與《水牛城』66》相仿，斯派克·李的《為所應為》也更多的採用了「冷暴力」的表現手法。這是一部關於種族問題的電影，從影片一開始，白人族群與黑人族群之間的尖銳對立就被清晰無疑的展現出來。但與其它街頭電影不同的是，斯派克·李並沒有讓這種對立很快轉化為強烈的肢體沖突，而是含而不露，將暴力化為一堆影像的碎片，並盡量拉長事件的瞬間，從而形成一股強大的戲劇張力，讓觀眾在觀影過程中不自覺的投入到事件之中。在斯派克·李的這部《為所應為》中，暴力的反叛呈現出一條清晰的發展曲線，溫水煮青蛙式的層層推進，最終達到一個不大不小的高潮，既沒有《水牛城』66》那樣溫情，也沒有《天生殺人狂》那樣暴力，可以說，斯派克·李的創作是獨樹一幟的，在他的手裡，暴力被拿捏得恰到好處，反叛和自由才是他作品中的主題，暴力決不會喧賓奪主。
思想的痛苦

決不是故弄玄虛愣充大尾巴狼，之所以使用「思想的痛苦」這樣酸溜溜的詞藻，實在是因為找不到比這更恰當的表達方式了。猶太人說：「人類一思考，上帝就發笑」，但總還是有那麼一群人，固守著思想的蘆葦地。具體到美國電影來說，沒有所謂「藝術電影」、「詩電影」的群體，電影的思想、藝術功能，主要是由獨立電影來承擔的。當然，我並不是說主流電影沒有思想、藝術功能，只是相對於大多數商業片純粹的感官刺激來說，獨立電影在這方面的氣質，要濃厚得多了。

此外，與歐洲和世界其它地方的藝術電影不同的是，美國獨立電影植根於當代西方的文化土壤，習慣於直接反映當下人的生存問題。不管影片採用何種題材、何種類型，這種對人性的深層次探索和對當下生存的焦慮，在美國獨立電影中是普遍存在的。

以約翰·塞爾斯的《孤星》為例。該片採用了警匪片的題材，而且結合了懸疑、西部、恐怖等商業片常用的因素，乍一開始，還真讓人以為這是一部稀鬆平常的商業片而已，但隨著影片的進行，獨立電影的氣質也就逐漸顯現出來。對故事抽絲剝繭般的敘述，帶給觀眾一個又一個的謎團，而隨著謎團相繼的解開，事實的真相也逐漸浮出水面。就在這一過程中，影片對美國當代社會中政治的作用及其對普通民眾的影響進行了深入的反思，可以說，《孤星》披著警匪片的外衣，實質上卻是一部嚴肅的政治片。

同樣，斯派克·李的《山姆的夏天》也是一部犯罪題材的獨立電影。在這部影片中，故事同樣是由兇殺案引起，並由兇殺案作為情節助推器層層推進，影片的主人公捲入到這場由兇殺案所引起的風波中，但重點卻不在兇殺案本身，而是圍繞著兇殺案，對人與人之間的關系，展開了深入的探討。隨著情節的進展，兇殺案最終只是作為一個背景被徹底虛化了。斯派克·李想要給我們講述的，決不是一個犯罪推理故事，而是在面臨危機時，親情、友情、背叛、忠貞交織在一起的倫理問題。在《山姆的夏天》中，這種痛苦的思考是可以明顯感受得到的，事實上，斯派克·李自己也沒有答案，他只是給我們指出了若干可能性，究竟該怎麼辦，恐怕還是留待觀眾自己思考。

《山姆的夏天》與格斯·范·桑特的《大象》有著異曲同工之妙，在《大象》里，格斯·范·桑特也是用冷峻的鏡頭語言來交待故事，雖然全片以校園槍擊事件為主題，但直接描寫這一事件的場景並不多，跟斯派克·李一樣，格斯·范·桑特也是引領觀眾自己去思考，他所做的，只不過是盡可能真實的還原事件的原本場景而已。

值得一提的還有麥克·菲吉斯的《遠離拉斯維加斯》，這部充盈著濃濃感傷色彩的獨立電影，從一開始就把觀眾帶入到了導演設置的思考情景中。在你觀看《遠離拉斯維加斯》時，絕不會體會到好萊塢「夢工廠」般的虛假刺激，而是真真切切的痛苦。菲吉斯給我們安排了一個妓女和酒鬼的愛情故事，但在影片中，不管是妓女還是酒鬼都沒有絲毫人性的缺失，相反，我們所感受到的，卻是整個社會對兩位主人公的壓制和束縛，在這里，妓女和酒鬼其實都只是身份的隱喻，導演真正想說的，是對當下人們生存困境的焦慮。

保羅·托馬斯·安德森的《木蘭花》比《遠離拉斯維加斯》走得更遠。在《木蘭花》里，導演給我們呈現了一個惶恐、焦慮、頹廢的當代人群像，在長達三個多小時的篇幅里，安德森運用插敘的手法巧妙地將一天24小時內平行發展的9個事件連綴起來，以父母與孩子、憤怒與寬恕、電視里的虛幻世界與真實生活、期盼與迷失、機會與錯失等為切入點，真實的展現了人們的迷惘和抗爭。《木蘭花》的這種帶有濃厚的現代氣息表達手法，與好萊塢商業電影可謂是涇渭分明。

更為典型的現代派則要屬索德伯格的《卡夫卡》了，這部以著名作家卡夫卡為主角的影片其實跟卡夫卡本人並無任何關系，索德伯格重新編織了一個政治驚險片的故事，卡夫卡只不過是他所借用的表意符號而已。整部片子緊湊而節奏清晰，為我們清晰的展現了一個迷離、狂亂的妄想狂的內心世界。能夠把卡夫卡的故事改編到如此地步，索德伯格的編導功力確實令人嘆服。

講到這里，有一部電影不得不提。那就是吉姆·賈木許的《你看見死亡的顏色了嗎？》與其它獨立電影不同，該片的時代背景設置在19世紀末的美國，講述了一個無辜青年的逃往歷程，在逃亡的過程中，情節越來越超現實，人物的內心也越來越匪夷所思，該片使用了西部片慣用的場景與氣氛，精緻的黑白影像完美再現了西部的原始和蒼涼，也純化了影片在精神層面上的思考。當主人公在結局時躺在小舟中安然接受死亡的時候，影片便具有了一種啟示錄般的救贖情懷。《你看見死