美國電影規模

㈠ 試分析美國電影各發展階段的特點

一、起源

有記錄的第二張捕捉並再現運動的照片記錄為埃德沃德·邁布里奇在加利福尼亞的帕羅奧多拍攝的一組奔馬照片。在拍攝時，他將一組靜止的照相機擺於一排。他的成就促使各地的發明家開始嘗試製作類似功能的裝置，以捕捉此類運動。

在美國，托馬斯·阿爾瓦·愛迪生就是最早開始製作這類裝置的人之一，他製成了活動電影放映機，但由於該裝置的專利實施很嚴格，致使早期的電影製作人只能尋找替代品。

在美國，最初只是在輕歌劇的間歇為許多觀眾放映電影。企業家的各種電影展示活動，促使了戲劇性電影製作的首次世界范圍性的嘗試。

在美國電影業發展的早期，紐約是電影製作的中心。位於皇後區的考夫曼·阿斯托里亞製片廠（Kaufman Astoria Studios）創建於無聲電影時期，那時馬克思兄弟和費爾茲（W. C. Fields）在那裡工作。

此外，曼哈頓的切爾西也是電影製片的主要場所。奧斯卡最佳女主角瑪麗·畢克馥的很多早期電影也是在這個地區拍攝的。但是，因一年四季的宜人氣候，好萊塢成為電影拍攝的更佳選擇。

二、好萊塢的崛起

在1910年初，美國電影放映機與傳記公司（American Mutoscope and Biograph Company）派導演大衛·格里菲斯帶著他的演員團隊到西海岸去拍攝電影，演員包括巴蘭徹·斯威特（Blanche Sweet）、呂倫居殊、瑪麗·碧克馥、萊昂納爾·巴里摩爾等。

他們在洛杉磯市中心喬治亞街附近的一個空曠外景地開始了拍攝。當時，公司又決定開發新地區。於是他們又向北前進了幾英里，到達好萊塢。當時還是小村莊的好萊塢，非常願意讓電影公司在那裡拍電影。

之後，格里菲斯完成了在好萊塢拍攝的第一部電影。這部電影叫做《在古老的加利福尼亞》（In Old California），是一部傳記式情節劇，描述18世紀初的加利福尼亞，當時還隸屬於墨西哥。美國電影放映機與傳記公司的人員在好萊塢呆了數月，又繼續拍攝了幾部電影，才返回紐約。

當時是1913年，在聽說了該公司在好萊塢取得的成功後，很多電影製作公司也紛紛向西挺進，以避免托馬斯·愛迪生的電影製作工藝的專利費。在加利福尼亞的洛杉磯，電影公司和好萊塢同步發展起來。第一次世界大戰前，電影僅能在幾個美國的城市完成。

但隨著電影業的發展，電影製作公司被吸引到加利福尼亞南部，因為那裡氣候溫和、陽光明媚，一年四季都可在戶外拍攝，那裡還有各種各樣的布景。雖然電影（特別是美國電影）的起始點眾說紛紜，但是格里菲斯於1915年拍攝的史詩電影《一個國家的誕生》，成為全世界第一個電影詞彙，至今仍在膠片史上占據重要地位。

在20世紀早期，當媒體還是新事物的時候，很多猶太移民在美國電影業中找到了工作，並留下了自己的足跡：在臨街的五分錢劇院（Nickelodeon）中放映電影短片（劇院取此名是因為當時的門票價格為五分錢）。

一些年後，其中有抱負的電影人，如塞繆爾·戈爾德溫、威廉·福克斯、卡爾·拉姆勒、阿道夫·朱克爾（Adolph Zukor）、路易斯·B·邁爾（Louis B. Mayer）和華納兄弟（即哈利、亞伯特和傑克）紛紛轉到電影製作上，很快就成為了新型企業，即電影公司的巨頭。

（當時還有一位身兼女導演、也是製作人和電影公司巨頭的人物愛麗絲·蓋·布蘭琪（Alice Guy-Blaché））他們為電影業的國際化奠定基礎；不過美國電影業常被指責為以美國為中心的偏狹觀念。

一戰後，一些歐洲導演恩斯特·劉別謙、阿爾弗雷德·希區柯克、弗里茨·朗、讓·雷諾阿，以及演員魯道夫·范倫鐵諾、瑪蓮娜·迪特里茜、羅納德·考爾曼和查爾斯·鮑育（Charles Boyer）等電影人紛紛來到美國。

他們加入了一個演員的自我發掘時代——在有聲電影誕生後，紐約城劇院的演員紛紛加盟了這個20世紀最受矚目的發展行業。20世紀40年代中期，電影行業達到高峰期——美國影院每年上映約400部電影，每周有近9000萬美國民眾前去影院觀看。

「威廉·海斯拯救美國電影業」，出自美國漫畫家賽勒斯·亨格福德（Cy Hungerford），1922年

20世紀20年代後期，有聲電影在好萊塢逐漸升起。1927年，首部有聲電影《爵士歌手》使用維他風唱片機，同年5月，西方電氣公司旗下分部電器研究產品有限責任公司（簡稱ERPI）在電影配音方面獲得壟斷權。

有聲電影一方面的影響就是許多無聲電影演員接不到工作，因為他們多數人的嗓音糟糕或是記不住台詞。1922年，美國政客威廉·哈里森·海斯（Will H. Hays）離開政壇，組建了前身為電影製作室組織的美國電影製片發行商協會（MPDAA），該協會在其退休後改為美國電影協會。

有聲電影的發展早期，美國的電影製片廠發現他們的有聲作品不為非英語國家的電影市場所接受，甚至在其他的英語國家中也遭到冷遇，原因是那時的同步配音技術仍相當不成熟。解決辦法之一是製作與之對應的外文版好萊塢電影。

1930年左右，美國公司在法國橋連城建立了一家電影製片廠。多個不同的電影攝制組在那裡分時工作，他們使用相同場地，穿著相同服裝，甚至絕大部分的場景也是相同的。國外的失業演員、劇作家、選秀比賽中的優勝者經過篩選後被派往好萊塢去拍攝好萊塢英語電影對應的非英語版電影。

這些版本的電影的拍攝預算不高，由二流的只會講英語的美國導演執導，通常在晚上拍攝。西班牙語攝制組中包括了路易斯·布努埃爾，恩里克·嘉蒂耳·彭塞拉（Enrique Jardiel Poncela），莎維爾·庫加（Xavier Cugat）和埃德加·內維列（Edgar Neville）等人。

一些外文版的好萊塢電影絕對可以和它們的原聲版相媲美，西班牙文版的《驚情四百年》就是其中一。到了20世紀30年代中期，同步配音技術已經發展得相當成熟了，外文配音就變得很尋常了。

三、好萊塢的黃金時代

所謂好萊塢「黃金時代」，是指從1920年代末，即無聲電影時代末期，至1950年代末這段時間。成千上萬部電影在此期間產生。其開始標志是1927年出品《爵士歌手》，其中音效的使用不僅結束了無聲電影時代，同時也增加票房收入。

不管是西部片、鬧劇、音樂劇、動畫片還是傳記片，好萊塢影片幾乎都遵循一個模式——每個電影公司出品的電影，都有自己特定製片團隊。

例如，塞德里克·吉本斯（Cedric Gibbons）和赫伯特·史托哈特（Herbert Stothart）效力於米高梅電影公司，艾佛瑞·紐曼在二十世紀福克斯電影公司工作了20年，賽西爾·德米爾的電影大多由派拉蒙電影公司製作，而導演亨利·金（Henry King）的電影則大多由福克斯出品。

同時，人們根據影片中的演員陣容就可以大致猜出該部電影的出品公司，米高梅聲稱「旗下的電影明星比天堂里的還要多」。每個電影公司的電影題材和獨特風格也使得人們猜到每部電影的出品公司——這一現象在今已不復存在。但是每部電影都與其他電影有著些許區別。

不像汽車製造者，拍攝電影的人都是一些藝術家。譬如，1944年的電影《逃亡》（To Have and Have Not）之所以出名，並不僅僅是因為男一號的扮演者亨弗萊·鮑嘉和勞倫·巴爾考，而且是因為這部電影的劇本出自兩位諾貝爾文學獎作家：電影原著小說作者海明威和該劇本改編者威廉·福克納。

在整個1930年代以及黃金時代的大部分時間里，米高梅主宰著電影市場，並擁有大量好萊塢超級明星。同時，米高梅也因創造了好萊塢明星制而備受好評。

米高梅的明星包括「好萊塢之王」克拉克·蓋博、萊昂內爾·巴里莫爾、珍·哈露、諾瑪·舒利亞、葛麗泰·嘉寶、珍妮特·麥克唐納（Jeanette MacDonald）及其丈夫金·雷蒙德（Gene Raymond）、斯賓塞·屈賽、朱迪·加蘭以及金·凱利。

在這一時期美國電影業取得的另一個偉大成就是華特迪士尼公司。1937年，迪士尼製作了當時最成功的電影，《白雪公主與七個小矮人》。1939年，米高梅創作了歷史上最成功的電影——《亂世佳人》，盡管在大蕭條時期，這部電影仍然是史上票房最高的。

很多電影歷史學家對這一電影高產時期創作出的許多偉大電影作品都做出了評價。其中一個原因可能是：製作了這么多部電影，並不是每一部都必須成為熱門。

電影廠可以在一部有著優秀劇本與相對不是那麼出名的演員的中等預算故事片身上冒險：而由奧森·威爾斯導演的《公民凱恩》符合以上描述，它也被視為史上最偉大的電影。另一些情況下，像霍華·霍克斯、希區柯克及法蘭克·卡普拉等堅定的導演們為了達到他們的藝術理念，而與片廠進行「斗爭」。

1939年是片廠制度的鼎盛時期，有很多經典電影在這一年發行，如：《綠野仙蹤》、《亂世佳人》、《驛馬車》、《史密斯先生上美京》、《呼嘯山莊》、《天使之翼》、《異國鴛鴦》與《午夜》等。

黃金時代以來的電影中，現在被譽為經典的有：《卡薩布蘭卡》、《風雲人物》、《一夜風流》、原版《金剛》、《叛艦喋血案》（Mutiny on the Bounty）、《城市之光》、《紅河》與《大禮帽》等。

四、片廠制度的沒落

「小三」(環球影城，美國藝術家和哥倫比亞影業)沒有自己的劇院，拒絕分享同意裁判書。許多獨立製片人也對折衷和形成一個眾所周知的獨立運作電影製片人的體系，控告派拉蒙壟斷底特律劇院不滿意-因為派拉蒙通過控制演員，像鮑勃霍普，波萊特戈達德，維朗妮卡湖，貝蒂赫頓；

經紀人透露賓克羅斯比，艾倫拉德和長期為加里庫珀工作室工作的長期演員-自1942年開始。在二戰期間，五大電影公司沒有達到同意裁判書的要求，沒有發生重大後果。但是二戰結束後，在好萊塢反壟斷案中，他們作為被告加入了派拉蒙。

最高法院最終裁決主要製片廠電影院的所有權和影片發行是違反謝爾曼反托拉斯法。結果，工作室開始釋放演員和技術人員通過與他們的合同。好萊塢主要的工作室改變了電影的模式，因為每個工作室都挺有一個完全不同的演員陣容和創新團隊。

這導致了逐漸失去特色，米高梅電影製片公司、派拉蒙公司、宇宙公司，哥倫比亞公司，RKO公司和福克斯電影公司很快認識到這一點。

但是某些電影人，例如塞西爾B德米爾公司同演員的合同也是到他們職業生涯的最後或者電影使用相同的創意團隊，以至於德米勒電影無論是1932年製造還是1956年製造看起來仍然像是一個模式。並且每年電影製作的數量隨著平均預算猛增而下降，在行業策略上標志一個重大變化。

現在工作室目的在於生產娛樂，而這種娛樂是電視無法提供的： 壯觀的，有英雄色彩的影片。工作室還開始出售部分電影膠片庫給其他公司去銷售電視。到1949年，所有大型電影製片廠放棄了他們劇院的所有權。

電視也有助於好萊塢黃金時代的下降，因為它打破了電影業在美國娛樂界的霸權地位。盡管電影業在19世紀50年代隨著長期政府檢查制度淡化，在未來電影中能夠獲得一些影響力。在派拉蒙反壟斷案結束後，好萊塢電影製片廠不再擁有電影院，因此致使美國影片能夠在美國電影院不需要審查制度。

這補充了1952年奇跡在斯泰因公司同約瑟夫威爾遜事件的決定。 美國最高法院改變了其早期的立場。從1915年的相互電影公司同俄亥俄州案工業委員會的案件中，陳述了電影是藝術的形式，有權保護第一修正案；美國法律不再審查電影。

到1968年，美國電影協會（MPAA）代替了海斯法典-在政府威脅檢查後，其現在極大侵犯了美國電影協會，證明准則的起源已經同電影分級制度一起結束了。

五、新好萊塢和後經典電影

後經典電影這詞用來形容新好萊塢變化的故事敘述方式。人們認為新的劇本與塑造人物的新方式利用觀眾在經典時期培養起的期望：打亂的年份，以結局出人意料為特色的故事情節，主角與反派間模糊的台詞。

後經典故事敘述的本質展現在黑色電影中，如1955年《無因的反抗》，以及希區柯克情節支離破碎的《驚魂記》。

「新好萊塢」一詞用來描述新一代電影學院培養的導演的崛起。他們掌握了六十年代歐洲發展起來的技巧。1967年電影《邦尼和克萊德》標志著美國電影重振的開端，也意味著此後新一代電影，在票房上能夠取得成功。

好萊塢一直堅守製片人中心制的原則，新好萊塢獨立製片的出現，開創了導演和製片人融合的趨勢，形成導演資本制。

同時擔任電影製片人和導演的法蘭西斯·福特·柯波拉、佐治·盧卡斯、布萊恩·德·帕爾瑪、馬田·史高西斯、威廉·弗萊德金、史蒂芬·斯皮爾伯格開始拍攝向電影歷史致敬的影片，並發展了現有的電影體裁與技巧。七十年代早期，他們的電影不僅受到好評，還取得票房成功。

早期的新好萊塢電影，例如邦尼與克萊德，逍遙騎士是成本較低的影片，沒有道德上的英雄而是增加了性和暴力，然而，哥普拉，斯皮爾伯格與盧卡斯各自憑借《教父》，《大白鯊》以及《星際大戰》取得了巨大成功，這有助於現代大片的產生，也吸引製片廠更加關注製作更多大片。

這些年輕導演的更多投入並沒有帶來好處。通常，他們把時間表排的太滿，預算超支，因此導致自己或攝影棚破產。最有名的兩個例子是科波拉的《舊愛新歡》，最典型的是邁克爾·西米諾的《天堂之門》，單是這部影片就使美國聯藝電影公司破產。

Sir Alfred Hitchcock，（1899年8月13日－1980年4月29日）原籍英國，是一位聞名世界的電影導演，尤其擅長於拍攝驚悚懸疑片。

這位世界所公認的恐怖大師，事實上也是由他發明了「驚悚文藝類影片」（the thriller genre）這一電影類型。阿佛萊德·希區柯克同時也是個優秀的技師，熟練的把性感、懸疑、幽默都融合在一部電影里。

(1)美國電影規模擴展閱讀：

今日好萊塢

一、運作特色

好萊塢電影常會有透過片廠（電影發行商）與製作人簽約合作的方式，分別讓片商負責販售的通路，而製作人則專注於電影本身，出產行銷全球的大型製作影片。

二、敘事美學

在好萊塢影片的劇情鋪陳，少有文化或語言的障礙，其主題多是可跨文化傳播的高概念電影，這樣的作品因為主題符合主流市場，故全球都容易推銷。因此現在好萊塢也成為世界許多地方電影的代名詞。

雖然此類電影票房好、跨文化，但也有文化評論者批判若獨尊高概念電影，會造成電影敘事風格如出一轍，了無新意，「是一種商業化和專斷化，最終將導致多樣化的消失。面對這樣的全球霸權，負責任的電影人和批評家應該讓眼光超越好萊塢，建設多元的電影模式」。

三、產業規模

美國因為電影相關的文化產業，造就了許多的工作機會與龐大的商機。據美國電影協會報告指出，2011年美國電影業造就的就業總數超過220萬人，其中約有70萬名為直接的電影行業從業人員，另外150萬名為間接受雇支援電影製作工作的各種人員，2012年美國電影業收入為107億美元。

㈡ 為什麼美國電影投資都這么大

投資主要有這么幾個去向：
1.演員片酬，如今大牌明星片酬往往在2000萬美元以上
2.搭建布景。大片里宏大奇幻的場景只用電腦做的話會顯得很假，所以需要真材實料的搭建起來，就拿加勒比海盜3來說，裡面那座19世紀的新加坡可是按著一座真城市的規模搭起來的
3.租用外景地。在風景區或城市裡拍電影，那麼劇組自然要向當地管理部門支付不菲的租金，這筆費用也很高昂。比如在埃菲爾鐵塔上拍電影，可能就要支付上百萬美元。
4.龐大劇組的生活費和酬金，這個不用多說，一部大片往往有上千工作人員。而僱傭特技、視覺特效公司的費用也是相當之高。
5.宣傳費用，為了使電影盈利，在上映前發行方會採用各種方式做廣告來造勢，這又是一筆巨大的費用。

赤壁花費的是少，一方面與我國勞動力廉價有關，另一方面最終效果也確實不咋地

不過請注意，大部分美國電影投資還是不算很高的，絕大多數是幾百萬到幾千萬美元。投資幾億美元的總是少數頂級製作，一年也就那麼十幾部

㈢ 關於美國電影發展史

美國電影發展史：

美國是世界第一電影強國，雖然美國只有200餘年歷史，沒有什麼歷史底蘊，但在幾百年的短暫發展中，逐漸形成了具有鮮明特色的美國文化，其核心就是追求夢想，平等，自由，以及包容一切。而這些在其電影中都有著很好的體現，這些都是很多其他國家電影所不具備的。

包容這一點尤其是其他國家望塵莫及的，最典型的例子是2006年的電影《硫磺島來信》，能從侵略者和敵人的角度來表現戰爭，發掘敵人身上的閃光點與無奈，在全球恐怕沒有多少國家能做到。因而美國電影一直引領著世界電影產業發展的潮流。

19世紀末20世紀初，美國的城市工業經濟和中下層居民數量迅速增長，美國電影成為適應城市平民需要的一種大眾娛樂。它起先在歌舞游樂場內，隨後進入小劇場，在劇目演出之後放映。1905年在匹茲堡出現的鎳幣影院很快遍及美國所有城鎮，到1910年每周的電影觀眾多達3600萬人次。

這些影片都是單本一部的，當時的產量是每月400部，主要的製片基地在紐約，如愛迪生公司、比沃格拉夫公司和維太格拉夫公司。1903年鮑特，E.S.的《一個美國消防員的生活》和《火車大劫案》使電影從一種新奇的玩意發展為一門藝術。

影片中使用了剪輯技巧，鮑特成為用交叉剪輯手法來造成戲劇效果的第一位導演。電影收益高，競爭激烈。自1897年開始，愛迪生即為爭奪專利進行訴訟。

到1908年，成立了由愛迪生控制的電影專利公司，該公司擁有16項專利權，並與電影膠片專營者之一的伊斯曼柯達公司達成協議：只有專利公司成員組織方能購買伊斯曼膠片。到1910年，電影專利公司壟斷了美國電影的製作、發行和放映。

獨立製片商為擺脫專利公司的壟斷，相繼到遠離紐約和芝加哥的洛杉磯郊外小鎮好萊塢去拍片，這里的自然條件得天獨厚，遠離專利公司的控制，又臨近墨西哥邊境，一旦專利公司提出訴訟便可逃離。

格里菲斯此時開始了他的電影生涯，他於1907年加入比沃格拉夫公司，1908年導演了第一部影片《陶麗歷險記》。至1912年，他已為該公司攝制了近 400部影片，把拍片重心逐漸移向好萊塢，並發現和培養了許多後來的名演員，如塞納-馬恩省特，M.、璧克馥，M.和吉許，L.姐妹等。

到第一次世界大戰爆發前夕，鎳幣影院逐漸被一些條件較好的電影院所代替；電影專利公司的壟斷權勢也逐漸消失，終於在1915年正式解體。此時以格里菲斯為代表的一批新的電影藝術家已經出現。製片中心也從東海岸移到好萊塢。

第一次世界大戰不同程度地破壞和損害了歐洲各國的電影業，卻促成了美國電影的勃興。美國電影源源不斷地湧入歐洲市場。待到第一次世界大戰結束時，美國電影已經建立起在歐洲的霸權地位。

美國電影風格：

1、個人主義是美國價值觀中的核心組成部分，它重視個人成就、崇拜個人奮斗，講究個人價值最大程度地實現。

美國電影是灌輸個人主義的主要工具，從《蜘蛛俠》、《超人》再到《2012》，「救世主們」一次次讓美國扮演拯救世界的角色，英雄來到地球是「為了美國式的真理和正義」，讓觀眾在不知不覺中認同美國具有拯救並主導世界強權地位的天然能力。

2、美國電影很注重鏡頭和敘述場景的精雕細琢，自由女神像、星條旗、曼哈頓街道都是時常出現的鏡頭。

無論是現代科技製作出來的震撼鏡頭，還是藝術浪漫的日常生活場景的展示，都會激起一部分觀眾對美國的嚮往。

3、美國電影善於將精神內核和商業外殼有機結合，價值觀傾向被包裝在具有強烈視聽效果的表層結構之下。

美國影視產業不僅為美國帶來巨額經濟利益，帶動了美國文化產業的發展，同時推銷了美國的價值理念，營造了一個有利於國家形象傳播的「美國文化群落和文化生態」。

㈣ 為什麼美國電影個個都能破好幾億

你要知道美國電影和中國本土電影在中國院線的上線規則是不一樣的，中國本土的電影拍出來廣電說可以了，自然就能播了，有人拍有人投資就可以，受眾一開始就是國內觀眾，而美國電影對於本土也是一樣的，但美國電影一開始設計的受眾不是中國人啊，美國電影製片公司也不會主動把電影拿來中國內地播出啊，一般都是中國本土的電影公司購買美國電影的版權，將美國電影引進國內播出的。而中國本土的電影公司也不傻啊，肯定選的是優秀的能賣個高票房的電影，甚至是在國外已經賣出了高票房的電影，而不是一些感覺可能賣不出票房的差電影、小眾電影，自然美國，甚至所有我們能在電影院看到的外國電影在國內的票房都不會太差，但這和所有美國、外國電影來到國內都會有高票房是兩個概念。
簡而言之，這就好比很多小投資的很差的電影在國內上映沒幾天就連排片率都沒有了是一個道理，院線和電影公司都是要賺錢的，肯定優先把有限的資源給更好的、更能賣的，而國內有的電影即便再差，只要它登陸了院線，哪怕票房十萬八萬你也看得見它，但美國引入的如果不行，在進國門那一步就已經被我們的電影公司篩選掉了，你連在院線看見它的機會都沒有，能進來的已經都是精品了，自然票房高。
如有用請採納。

㈤ 美國平均每年上映多少部電影(電影院上映的)

大約每月有4.5部 多了10部都有 所以每年差不多150部吧

㈥ 我就不懂美國為啥一個拍一個電影要1億美金

美國電影作為大眾文化典範，一方面是為了獲利而向大批消費公眾銷售的娛樂產品，另一方面由於製作資金的充足也形成了電影文化的良性循環發展。應該承認美國電影為大眾文化的發展與提高做出了貢獻，它的這種旺盛的生命力及其不斷的發展是有其內在的規律性的。
首先，美國電影充分認識到了電影的娛樂性本質，並採取各種方式和技術手段去張揚電影的娛樂性。實際上，我們應該拋棄用純藝術的觀念去看待電影的傳統做法。要認識到，電影自誕生起便是一門大眾化的視聽文化形式，同時也是一項工業生產。作為一項特殊的生產形式，首先應滿足人們的審美娛樂的需要。美國人在電影發展的早期就已經清楚地看到了這一點，所以，他們把電影定義為娛樂，並通過經營這種娛樂行業，來獲得商業上的利潤。美國電影大師格里菲斯的經歷充分說明了這一點。他的影片《一個國家的誕生》引起了世界的轟動，也為製片人、投資人賺足了錢，然而他的另一部名片《黨同伐異》雖然拍的也相當得出色，但由於電影的藝術理念太超前，缺乏相應的娛樂性，觀眾接受起來較為困難，最後影片的票房收入以失敗而告終，格里菲斯也從此一蹶不振。這充分說明電影創作要佔領市場，就必須贏得觀眾，滿足觀眾的審美需要，也就是說電影作為一門大眾化藝術首先應該重視大眾的審美心理，它應該盡可能地適應不同層次、不同年齡大多數觀眾的審美需要。不管何種類型的影片都應該拍得精彩好看，要讓觀眾在流動的五彩繽紛的銀幕世界裡，得到一種身心的愉悅和審美的滿足。人類有追求娛樂的天生本能，電影作為一種大眾的審美藝術形式，它自然不能忽略人類內在的娛樂生理機制。由此，我們就不難理解人們為什麼熱衷於娛樂性電影，也不難理解人們對一些喜劇性的、獵奇性的、刺激性的、槍戰武打的娛樂性大片趨之若鶩了。因為人們在這類影片中所表現出的情與愛、生與死、沉與浮之中，釋放著一些被抑制的潛意識，或者激起對現實環境缺憾的一些幻想，從而在影像視聽藝術世界之中獲得某種娛樂性的審美滿足。由此可見，電影藝術首先要滿足人們的精神愉悅，然後才是認知世界、闡釋人生和表達理想的審美思考。
其次，美國電影以各種視覺造型和高科技手段打造了影片的奇觀性。好萊塢電影的奇觀性更多地體現在它的文本構成和視覺形象的創造上。也就是說，美國娛樂影片的製作大多是一系列奇觀元素的綜合，並最終形成一種沖擊力極強的視覺效果。所謂奇觀性無非是指電影構成因素的非常規化和宏大化，它具體體現在影片的結構、情節、人物、場景、畫面等諸多方面。電影的奇觀性來源於大製作和大投入，早在上世紀初，由於大金融資本的介入和電影公司為了獲取高額利潤，好萊塢就開始製作大規模豪華影片。如米高梅電影公司推出的《亂世佳人》，影片對美國南北戰爭進行了史詩性的反映，對主人公跌宕多姿的愛情處理也非常有特色，還有火車站廣場那龐大的傷兵隊伍、亞歷山大城那場映紅了半邊天的熊熊大火等宏大場景，以及克拉克·蓋博、費雯麗等靚麗明星的出演，再加上當時還很少見的彩色技術的使用，無不使影片充滿了令人驚嘆的視覺奇觀，使電影這一大眾化的娛樂形式對觀眾形成了巨大的吸引力。此後電影的奇觀性一直是好萊塢電影獲得票房的殺手鐧。在當代，電影面對電視的擠兌，更是以其眩目的奇觀性提供一種電視無法望其項背的獨特的視覺體驗。一些巨型的災難片、科幻片和劇情片大量地涌現，如《大白鯊》、《外星人》、《侏羅紀公園》、《泰坦尼克號》、《珍珠港》等影片，以高科技的優勢，創造了令人瞠目的電影奇觀，吸引了世界各國觀眾的眼球，並為之帶來了巨大的商業利潤。
美國電影作為大眾文化，其影片內涵往往具有超越性。好萊塢電影的商業策略是全球化的，其目的是吸引更多的觀眾以獲取商業上的更大利潤，為了實現這個目的，美國電影首先在影片的思想內容上打起了所謂「人性」大旗，試圖以超越世界各地區、各民族、各階級以及不同的政治文化差異的電影文本，來實現其全球化的目的。如斯皮爾伯格的《辛德勒的名單》是以一個典型的德國人良知的覺醒，並且不惜冒生命危險反叛納粹而營救猶太人的真實故事為底本創作的影片，顯然人道主義精神是這部影片重要的思想背景，沒有這個背景，猶太人在戰爭中所經受的非人的磨難就缺乏強有力的理性沖擊；沒有這個背景，也就不能夠引起世界不同民族和階級人們強烈的同情感。美國人善於將帶有普遍意義的人性化做為影片中的視覺造型，將消費群影像轉變成人性的對象，從而使影片魔力般地吸引了世界各國不同的觀眾。為了實現電影的超越性，美國人還採取了多元文化雜合的方式來進行電影創作，以試圖滿足不同國家和地區、不同民族文化傳統人們的審美需要。美國本身就是一個移民國家，多民族的到來和融匯使得這個國家從建國開始就具有很強的對外來文化的包容性，也正是基於這一點，就決定了美國電影文化的多樣性。隨著20世紀後半期全球國際化步伐的加速，多元文化元素的聚合就迅速演變為好萊塢電影的主要生產方式，從而使美國電影的生產不僅能夠為本國觀眾提供娛樂文本，而且也讓世界不同國家和民族的人們看到了自己熟悉的文化因素，並從而喜歡上這種電影文化。為了實現電影文化的多元性，好萊塢早就以開放的姿態聚集了世界各國大批的影藝人才，如來自瑞典的英格利·褒曼、英國的費雯·麗、澳洲的梅爾·吉布森，以及中國的成龍、李連傑、吳宇森等著名藝人。這些不同國籍、不同歷史文化背景的藝術家們匯集到好萊塢，為美國電影的多元化發展奠定了堅實的基礎。
此外，在影片的敘事選擇和人物塑造上，美國電影除了描繪和反映本國的現實之外，也在極力地去描繪世界不同國家和民族的生活現實和故事，以吸引世界上其他民族的觀眾。如美國電影中有關中國歷史和現實的影片《末代皇帝》和《花木蘭》等就是典型的例證，在動畫片《花木蘭》中，迪斯尼以其獨特的視角和手法演繹了中國這個家喻戶曉的女扮男裝、替父從軍的故事。美國電影還推出其他民族和國家文學名著中的一些故事和人物，如《理智與情感》、《戰爭與和平》、《安娜·卡列尼娜》等影片，採取這種方法去向海外推廣美國文化，真可謂取得了文化輸出和商業利潤的雙豐收。
可以說美國電影正是牢牢抓住電影的大眾文化本性，並依靠其娛樂性、奇觀性和內涵的超越性等特點形成了其電影在世界市場商業上的強勢地位，使用這種策略，不但形成了美國電影的良性循環，也大大促進了電影藝術的不斷發展。

㈦ 美國電影如何分級

美國電影分級如下：

G級：大眾級，所有年齡均可觀看大眾級，適合所有年齡段的人觀看——該級別的電影內容可以被父母接受，影片沒有裸體、性愛場面，吸毒和暴力場面非常少。對話也是日常生活中可以經常接觸到的；

PG級：普通級， 建議在父母的陪伴下觀看，有些鏡頭可能讓而用產生不適感.輔導級，一些內容可能不適合兒童觀看——該級別的電影基本沒有性愛、吸毒和裸體場面，即使有時間也很短，此外，恐怖和暴力場面不會超出適度的范圍；

PG-13級：普通級，但不適於13歲以下兒童.特別輔導級，13歲以下兒童尤其要有父母陪同觀看，一些內容對兒童很不適宜——該級別的電影沒有粗野的持續暴力鏡頭，一般沒有裸體鏡頭，有時回遊吸毒鏡頭和臟話；

R級： 限制級，17歲以下必須由父母或者監護陪伴才能觀看．限制級，17歲以下觀眾要求有父母或承認陪同觀看——該級別的影片包含成人內容，裡面有較多的性愛、暴力、吸毒等場面和臟話；

NC-17級：17歲或者以下不可觀看 17歲以下觀眾禁止觀看——該級別的影片被定為成人影片，未成年人堅決被禁止觀看。影片中有清楚的性愛場面，大量的吸毒或暴力鏡頭以及臟話等。

(7)美國電影規模擴展閱讀

美國分級制度的發展歷史：

從20世紀二三十年代開始，直到20世紀60年代，美國的電影審查制度一直按照海斯委員會（The Hays Commission）所制訂的《海斯法典》（Hays Code）來執行。

海斯法典》是絕對倫理化的、類似清教徒教規的一種電影法典，其嚴厲程度在今天的電影導演看來是難以拍出任何一部生動電影的。

在《海斯法典》中處處是禁忌，比如，該法典規定在電影中禁止表現黑白通婚，包括禁止表現有黑白種族的性關系；過多的擁抱以及富有慾望意義的鏡頭都不予表現；禁止有裸體和生孩子的場面，哪怕是側影也不可以。另外，像走私、吸毒、暴力的具體過程以及縱火都不予表現；

甚至是跳舞場面時的不雅動作和舞蹈時性動作的暗示都是不能表現的。這樣一種捆縛電影創作的規定，20世紀五六十年代後被渴望享有拍攝自由的電影作者們沖破了。《海斯法典》在1968年以後徹底被另外一種方式代替－-美國電影協會分級制度（MPAA ratings）

1968年11月，第一次來自美國電影協會的分級系統被宣布了，這個系統的分級相對今天的美國電影分級制度來說是比較簡單和籠統的，它分為四個級別。

G和M的級別是普通級別，對於年齡階層沒有限制，到了R這個級別就是限制級，16歲（後改為17歲）以下的觀眾必須有家長和成年人陪同才能觀看。而X這個級別是後來新增加的。

為什麼選用X這個字，其來源是古羅馬字母里的第10個，也表示10歲，古代羅馬的圓形競技場規定入場者必須超過10歲才能觀看。但X這個級別後來被更為具體的年齡限制級NC-17所代替了。

不過從此以後，X這個字母在電影放映系統里便成為一個人人皆知的色情電影的象徵性字母。 經過20世紀八九十年代以來對分級制度的逐步修改，目前美國的電影分級制度由美國電影協會分為五個級別： G、 PG 、PG-13 、R、NC-17。

實踐證明，電影分級制度的引入，也確實在鼓勵藝術創作自由和強調藝術創作的社會責任方面起到了一定程度的平衡作用。一部影片的定級確實與票房收入密切相關，美國電影史上的票房十強集中在G、PG和PG-13級影片上。

㈧ 美國目前大致有多少電影院，多少塊電影屏幕這個數字還在上升趨勢嗎

截至2015年底全球電影屏幕數量達到152，000塊，較上年同期增長8%。當中北美市場數量為43661塊，EMEA地區數量為40665塊，亞太市場數量為56106。約有4000多家電影院。這個數字還在一直上升。

在如此基數下的美國電影正在蓬勃發展。

2017年上映的《銀翼殺手2049》作為《銀翼殺手》的續篇，出於致敬和還原真實的城市質感的目的，也運用了大量的微縮模型拍攝，通過3D軟體雕刻出板材之後再手工上色，在合適的燈光與鏡頭運動下，呈現出的效果還甚於CG。

㈨ 急求!!美國電影業的產值資料,在全球電影業的佔有率,在美國GDP的比重.最好說明出處

第一節 美國文化產業發展概況

縱觀美國的歷史，我們不難發現，美國在不同的歷史時期抓住主導產業而逐漸成為世界強國（現在是唯一的超級大國）。在第一次世界大戰前，美國只是一個普通的年輕的資本主義國家，很少參與國際事務。但兩次世界大戰及冷戰時期，美國以外交手段為渠道，著重發展軍工產業，逐漸成為世界霸主。從冷戰後期到上個世紀末，美國逐漸轉變為以計算機和互聯網產業為主導產業引領世界發展。從上個世紀末開始，美國在發展網路產業的同時，漸漸轉向文化產業的發展。美國哈佛大學政治學教授塞繆爾·亨廷頓《文明的沖突與世界秩序的重建》，提出了頗具影響的「文明沖突論」。該理論認為隨著冷戰的結束，意識形態不再重要，「文明沖突」模式成為新的對抗和協調模式。文化的共性和差異影響國家間的對抗和聯合；最可能升級為更大規模戰爭的地區沖突是那些來自不同文明的集團和國家之間的沖突。雖然這種理論還存在爭議，但該理論認為文化將成為將來國際競爭中的決定因素卻得到認同。可以說，美國現階段成功的奧秘之一就在於美國文化產業的成功。

美國是一個年輕的移民大國，有多元的文化。同我國相比，沒有悠久的歷史和燦爛的文明，也不是文化資源大國，卻是一個文化產業強國。在美國，文化產業有著多種不同的提法，例如，版權產業、創新產業、內容產業、信息產業、藝術產業、休閑娛樂產業等，而版權產業使用最多。通過版權產業的概念來表述商業和法律意義上的文化產業。在美國版權產業，尤其是核心版權產業，已經成為國民經濟的支柱產業和美國經濟增長的主要動力。

在尖端技術和雄厚資本的支持下，美國文化產業取得了另世人驚嘆的發展。根據《美國經濟中的版權產業：2004年報告》提供的數據，在1997年-2002年，美國核心版權產業增速是3.51%,超過同期美國GDP2.4%的年均增長速度;2002年美國核心版權產業的增加值為12500億美元,約佔美國GDP的11.97%。在就業方面，2002年核心版權產業就業人口有548.4萬人，佔美國就業總人口的4.02%。同年，全部版權產業就業人口有1147.6萬人，佔美國就業總人口的8.41%。僅核心版權產業創造的就業機會就遠多於飛機、鋼鐵、葯品、紡織、食品加工和電子器件等傳統知名產業。

目前，美國有1500多家日報，8000餘家周報和小報。《紐約時報》、《今日美國》《華爾街日報》的發行量都超過100萬份。有1.22萬種雜志，1965家電台，電視台1440家，擁有美國廣播公司、哥倫比亞廣播公司、全國廣播公司三大電視網。好萊塢是世界最大的電影生產基地，其先進的電影生產流水線和成熟的商業運作經驗使它多年來壟斷世界電影市場，迪斯尼公司的動畫片製作世界聞名。音像業已經成為美國最有影響的行業之一，曾以每年12%—20%的勢頭增長，其出口額已經超過航空業的出口額。到20世紀末，美國的傳媒產業走向集約化和巨型化，如2000年有美國在線與時代華納合並而成的媒體巨人—美國在線-時代華納公司，已經成為一個龐大的文化產業鏈，年銷售額超過200億美元以上。文化產業與製造業、金融業相互融合，共同組成的產業群憑借其規模優勢開拓國內國際和市場。

隨著經濟全球化步伐的加快，美國文化產業不斷向世界各國滲透，成為對外擴張的重要渠道，音像產品占據了40℅以上的國際音像份額，電影出口額占據世界電影市場80℅的份額。1996年，其文化產品（電影、音樂、電視節目、圖書雜志和計算機軟體）的出口首次超過汽車、農業、航空和軍火等傳統行業，位居所有出口產品之首。美國控制了世界75%的電視節目和60%以上廣播節目的生產和製作。美國的電影產量只佔世界電影產量的6%-7%，但好萊塢電影卻占據了世界電影市場份額的90%以上。2001年美國IT產業產值高達6000億美元，占據世界IT產業產值的75%，美國的網站佔了全球網站的70%以上。2004年，美國的文化產業佔GDP的20℅左右，400家最富有的美國公司有72家是文化企業，同時，文化產業為美國國內提供了1700多萬個就業崗位。由此可見，文化產業已經成為21世紀美國推行全球文化擴張的重要戰略。

美國文化產業的成功當然與全球政治格局的深刻變革和經濟全球化的充分擴張（美國領導著全球經濟浪潮）有密不可分的聯系。但美國有眾多產業為何文化產業獨樹一幟，這要從美國內部去尋找答案。美國是一個極賦創新精神的國家，在文化產業發展方面也顯得那樣與眾不同。

在行政體制上，美國沒有文化部；在文化政策方面，至今沒有一個官方文化政策文件。其實，這正是美國文化政策的精妙之處，美國採用「無為而治」的文化政策為文化產業的發展提供了寬松的外部環境。與此同時，政府高水平的管理，進一步促進了文化產業的發展。美國文化產業的成功有以下幾個原因：

第一，政府創造寬松的外部環境。首先是美國政府注重通過法律加強對版權的保護。美國國會先後通過了《版權法》、《半導體晶元保護法》、《跨世紀數字版權法》、《電子盜版禁止法》《偽造訪問設備和計算機欺騙濫用法》等一系列有關版權保護的法律法規，為版權產業的繁榮和發展提供了法律保障。

其次是加大對文化產業的投入，這種投入面向所有符合規范的團體，鼓勵多元投資機制和多種經營方式，鼓勵非文化企業和境外資金投入文化產業。現在美國投資主體非常多樣，一是政府投資大。這種投入面向所有符合政策導向的團體。二是吸收非文化部門和外來投資，來自於各大公司、基金會和個人捐助的數額遠遠高於各級政府的資助。

再次是形成了比較完善的融資體制。一些有實力的文化產業集團如美國廣播公司、哥倫比亞公司等，背後都有金融大財團的支持。

第二，政府高水平地的引導和管理。在美國，政府機構中保護版權產業的機構很健全。政府機構中設有版權辦公室——隸屬於國會圖書館，主要負責版權的登記、申請、審核等工作，以及為國會等部門提供版權咨詢；美國貿易代表署——負責知識產權方面的國際貿易談判；海關——主要負責涉及知識產權產品的進出口審核等相關工作；商務部國際貿易局、科技局和版權稅審查庭。此外，隨著版權產業的需要，美國政府還成立了一些直屬政府部門的工作小組，加強對版權的監督和保護，如柯林頓政府設立了美國國家信息基礎設施顧問委員會、信息政策委員會等機構。

各州政府和市政府等各級政府都十分重視文化產業。例如，紐約市政府比國家藝術捐贈部門有更高的年預算。在布隆伯格（Bloomberg）市長的領導下，文化產業在紐約經濟中的重要性日益增加，並且通過電影戲劇廣播市長辦公室等機構改進了對文化產業的服務。的職責是使每個地區都有文化生活，用於資助文化事業的經費由政府核定，議會審查批准。同時要保證這些活動符合法律的規定，凡是背離法律規定的，政府有權給予取締。美國在對文化市場進行管理時不僅運用經濟的、行政的、行業自律的手段，還非常重視法律的約束。

第三，重視科技在文化產業中的作用。美國文化產業的成功，並能引導全球文化產業發展，在經濟和政治因素促成的基礎上，科技含量高是其重要原因。尤其是大眾傳播媒介，它直接構成了美國文化產業的輸出機。如果缺少了電視、電影、收音機、印刷新聞媒介和廣告這些傳媒的支撐，那麼，至少美國文化的傳播不會如今日這般普泛與深入。尤其是在大眾傳播媒介領域，印刷復制、錄音錄像、電子排版、網路傳輸、數字化、地球通訊衛星等高新技術的廣泛應用，使美國文化產業具備了向全世界擴展的「橋梁」和「利器」。

美國文化產業的產品，尤其是好萊塢的電影、幾大電視網的肥皂劇及娛樂節目、自由的無線廣播，在世界各地都形成了這種媒介霸權。首當其沖的就是《星球大戰》、《阿甘正傳》、《侏羅紀公園》、《拯救大兵瑞恩》、《諜中諜》等好萊塢大片，特別是那些投資巨大的娛樂影片搶佔了全球票房的大部，甚至全球正在放映的電影中85%都來自好萊塢。

第四、放眼全球，充分吸收國際資本、世界文化資源和各國人才，同時廣泛開展國際合作。藉助貿易自由化潮流，美國文化產業已經取得了向全球輸出的主導權，且正在從資金、技術、信息等要素的全球自由流動中受益。特別是在資本方面具有壓倒性優勢，美國文化產業的投資者，無論是好萊塢的電影製片廠還是流行音樂的唱片公司，其實都是以外來跨國資本為主的。在文化產品製作中，則立足於全球市場需求並引領潮流，牢牢把握海外銷售市常美國的電影產量僅佔全球的6％，而市場佔有率卻高達90％。輸出美國的文化價值觀，並通過影響人們的觀念來進一步培育消費市場成了美國人發展文化產業的法則。