『壹』 電影《美麗心靈》觀後感作文1000字5篇
美麗心靈 觀後感 1000字
這部電影裡面，有一句話，特別揪心:
「要是你那一天發現你所珍惜的一切，不是消失也不是死亡，而是根本就不存在時，會有多痛苦?」
《美麗心靈》是一部關於一個真實天才的極富人性的劇情片。故事講述的是數學家納什。英俊而又十分古怪的納什早年就作出了驚人的數學發現，開始享有國際聲譽。但納什出眾的直覺受到了精神分裂症的困擾，使他向學術上最高層次進軍的輝煌歷程發生了巨大改變。面對這個曾經擊毀了許多人的挑戰，納什在深愛著的妻子艾麗西亞的相助下，毫不畏懼，頑強抗爭。經過了幾十年的艱難努力，他終於戰勝了這個不幸，並於1994年獲得諾貝爾獎。這是一個真人真事的傳奇故事，今天納什繼續在他的領域中耕耘著。
千變一律的 勵志電影 ，總感覺沒什麼新意。倒是，這是我第一次知道精神病患是如何治療，也明了為什麼精神病那麼難治療的原因。我總在想，為什麼主角不給那些想像人物一拳呢?或許只要一拳頭，那些幻想就會被打的煙消雲散，也或許只是電影里沒有打罷了;又或許，是主角還是有一點不希望那些幻想消失，畢竟，那些想像曾經帶給他成就感和自信，和愛，就像主角說的:「我真害怕你們不是真的。」
人就是人，到頭來還是渴望有人陪伴，人不是孤傲的王者，孤傲的王者還是渴望有人陪伴。惟有證明自己的存在價值，人才會感到幸福。
愛，很多電影的主題。就算看了千遍萬遍，就算看到膩了，它依然是世界上最能使人感到幸福的，世界上最不可缺少的。主角之所以能堅持不懈的過正常生活，而不是去精神病院過著什麼事都不能做的生活，也是因為愛，為了世界上那些還帶來愛給主角的人，妻子、兒子以及那些大大小小支持著人，當然，最重要的就屬他的妻子。
永遠不要放棄自己，非凡是沒一個人都可以做到的，雖然要冒一點險，但人生又何嘗不是靠冒險豐富起來的呢?
電影的最後，納什這樣說:「我一直相信數字，不管是方程式還是邏輯學都引導我們去思考。但經過終生的追求我問自己:邏輯學到底是什麼，誰去決定原由，我的探索讓我從形而下到形而上，隨後到了妄想症。就這樣我走了一個來回，在事業上我得到了最大的突破，在生命中我得到了最重要的人。」
曾經也看過納什的故事，他是一個經歷了艱苦人生，最終得到成功的人，最然這樣評價很委屈他，因為他是天才，是科學家，是大智慧的人。但我想，無論是誰，這樣的精神是要有的，這樣的思想是不能放棄的，也只有這樣的堅持和忍耐才能叫做完整的人生。
電影《美麗心靈》觀後感 作文
我把《美麗心靈》這部電影看了兩遍，終於明白了美麗心靈的含義。美麗是因為執著，約翰.納什對數學的執著，艾莉西婭對約翰.納什的執著。
約翰.納什是一個生性孤僻，不善於交際的人，他整天忙於尋找有創意的理論，他就像我們眼中的書獃子，但是執著和瘋狂卻成就了一個數學天才。約翰.納什對數學的瘋狂以至可以用數學來解釋一切。在他的眼裡世界就是充滿數字、邏輯和推理的理性世界，他可以用數學公式來表達生活的一切，如： 橄欖球 比賽，鴿子的活動周期等。因為執著，他撰寫出了關於博弈論的論文——「競爭中的數學」。因為這個論文，約翰.納什的生活就開始改變了。
因為孤僻，沒有朋友，但是每個人都是渴望友情的，所以就在他盛名的頂峰的時候，他得了精神分裂症。他開始不斷地幻想，分不清夢幻和現實。了解精神分裂症的人都會對這個病產生恐懼感，覺得不可思議，排斥或歧視那些患者。但是約翰.納什又很幸運地遇到了執著的艾莉西婭。在約翰.納什得了精神分裂症之後，艾莉西婭表現出了鋼鐵般的意志，她堅信納什能夠感受到她真實的愛，她堅信納什有足夠的力量戰勝幻覺，重拾迷失的自我。她就憑著這種信念，用耐心和毅力創造了奇跡，帶著納什走出困境。艾莉西婭的不離不棄感動著每一位觀眾。我深深地佩服艾莉西婭的勇氣和執著。現實生活中應該沒有多少願意與約翰.納什交往的，我佩服艾莉西婭堅持真愛的勇氣，欽佩她永不動搖的信念。她讓我深刻地體會到了，相愛，就要用一生去呵護;幸福，就要兩人共同創造。
在患病的三十年裡，約翰.納什唯一一次停止用葯是為了家庭，為了照顧兒子，為了滿足妻子的需要。毫無疑問的是他深深地愛著自己的妻子。所以盡管別人嘲笑，他還是堅持回到醫院跟疾病做斗爭，在妻子的陪伴下，他戰勝了幻覺。在諾貝爾經濟學的領獎台上，他發自內心地感謝妻子：「今晚我能站在這里，全是你的功勞，你是我成功的因素，也是唯一的因素。」 他們對彼此的執著值得我們每個人去學習。
《美麗心靈》讓我深刻地體會到了執著的力量，我們以後要走了的路還會曲折坎坷的，但是只要我們有執著的精神，只要我們堅持走下去，就一定會體會到成功的喜悅。迷茫無助的時候，想想自己的家人，他們一定時時刻刻在支持著我們的，抱著對未來的憧憬，堅持著信念，朝著有夢的方向飛去吧!
2017美麗心靈觀後感1000字
《美麗心靈》是天才約翰—納什教授的傳奇故事，主要講述生性怪癖的納什拒絕與同學、周邊的人交往，而把所有精力都投注在數學研究上，盡管同學們的嘲笑和欺凌以及導師的失望使他無比痛苦和自卑，但他並未放棄心中的理想，孜孜不倦地研究數學。他經常說：「一定要做出點成績來!」，但由於對研究過於深入，而情感世界又過於貧乏，種種原因導致最後他患上了精神分裂症，面對這個曾經擊毀了許多人的挑戰，納什在深愛著妻子艾麗西亞的相助下，頑強抗爭，經過努力他終於戰勝了這個不幸，並與1994年獲得諾貝爾經學獎。
看完這部電影，它令我最為嘆服的地方不是片中驚心動魄的或感人至深的情節，而是編劇的創作思路。該編劇不落窠臼，打破普通影片那種戲外人理解事情的來龍去脈，蒙在鼓裡的只是戲中人物，體現觀眾的聰明才智，角色的無知的傳統創作思路，片中情節發展與所有人的人生一樣，以未知的方式來演繹，不管是身在其中的角色還是旁觀的我們，沒有到最後都不知道事情的發生，一切都那麼順理成章地發展，絲毫沒有欺騙觀眾，直到真相大白那一刻，我們才恍然大悟。作為觀眾當我知道被編劇徹底欺騙後，一點都沒有失落哀怨，反而被他高超的戲弄觀眾的技術深深折服。兩個小時的電影，我簡直就是跟著主人公納什一起精神病，覺得一切都那麼正常和理所當然，以致於一直都沒有發現問題的存在。當羅深醫生說納什得了妄想症並強壓他上車時，我十分不相信這事情，並深切同情納什，因為我認為一定是醫生判斷錯誤，納什被認為是精神病只是因為他做地下工作，他沉迷於解除密碼是為了國家和人民的安全。而且那個室友就是出賣他的人。直到他的妻子找到納什投放在廢樓里的郵箱里的所有未開封的所謂加密郵件和納什挖著手臂試圖尋找植入其中的鉛管而未得後，我才肯定他的病。我只能嘆服編劇對人物性格了解的透徹，他的才智騙過了我們這批觀眾雪亮的眼睛。其實有很多時候，我們認為自己足夠聰明，自認明白一切，卻不知道自己已被別人蒙騙，被人玩弄於手掌之中。片中還反映：事出必有因，任何事的發生都有其內在的根源，疾病當然也不例外。納什患上妄想症於他的處境密切相關。他孤獨寂寞，害怕失敗並渴望得到認可、支持和鼓勵他的人，於是他幻想出室友查爾斯，這是納什不善交際，有渴望與人分享內心想法的需要。美蘇冷戰時期，納什成功解除了敵方的密碼，為國防做出了貢獻，此後，他渴望成功，希望報效祖國，於是他有幻想 出國 防官員——威廉—伯切爾，為了完成威廉交給他的任務，他全身心地投入工作——解除密碼。他對女性情感一無所知，於是在他與艾麗西亞相愛後，他又妄想出一個可愛的小女孩瑪西，這說明他前意識里渴望了解女性。由此可見，納什的幻想內容與他的個人需要和切身利益等存在必然聯系。
看完該片，我還認識到一點：別太在意別人的看法。導師的失望和同學的嘲笑都沒有使納什對自己的事業失掉信心，最後他研究出偉大的平衡理論;最終他又因為不害怕別人的嘲笑和愚弄得以康復，靠自己的意志力和妻子的愛以及朋友的支持使幻想中的人在也左右不了他的思想。走自己的路，讓別人嘲笑去吧。
1994年，納什得到普林斯頓的大學教師的鋼筆，代表了人們對他一生成就的肯定與贊賞，並與那年，他獲得了諾貝爾經學獎，在獲獎演講中，他說：「我一直相信數字，不管是方程式或是邏輯學都引導我們去思考，但經過終生的追求，我問自己邏輯到底是什麼，誰去決定原由，我的探索……讓我從形而下到形而上，最後得了妄想症，就這樣來回走了一趟，在事業上我我有了最重大的突破，在生命中我也找到了最重要的人，只在這神秘的愛情方程式中，才能找到邏輯或原由來，今晚我能站在這里全是你的功勞，你是我成功的因素，也是唯一的因素，謝謝你!」，這些話，也許是對他這一生最好的概括。
納什的一生有坎坷、有苦痛也有幸福與成功，而且他是經歷苦難，頑強拼搏後才取得成功的，我想，這種人生才是我應該追求的，因為只有這種人生才是完整的人生。
美麗心靈觀後感1000字
當身邊的同學都相繼發表論文時，他焦急，渴望自己做出成績，只不過他瞧不起任何沒有原創性的理論和解釋。由於得不到世人的認可，這個時候，他在腦海中幻想出了他的葡萄牙室友查爾斯、威廉帕徹等多個不存在的人物。當真相大白的時候，心疼他說晶元不見了時的那種難以接受，感傷他不能滿足妻子的那種愧疚，理解他好多次和「好友」爭辯的那種痛楚。可是，納什沒有自暴自棄，他選擇了面對。他拒絕承認曾經最親密的朋友，放棄了自己的狂傲，當Princeton玻璃上原本白色的幾何圖案編程變成一個個代數方程，我們明白，他連自己最寶貴的研究興趣也舍棄了……正常與幻覺之間，納什在堅持。30年的時光爬上了納什的額頭，真真假假，是是非非，儼然已經不重要!就像納什最後說的那樣，「我依然會產生幻覺，他們一直都沒有消失，只是我選擇不去關注。」他的勇氣令人動容。是他對生活的信念在在支撐著他。也許每個人的生命里總會有一些傷痕殘存著，它們像魔鬼一樣纏繞著我們的心。我們不願意去觸碰他們，因為只要輕輕一碰，便會隱隱作痛，血流不止。所以我們選擇了迴避，選擇了躲閃，選擇了蜷縮在彷彿只有自己的世界裡療傷，慢慢失去自信，失去了開拓新世界的能力，長此以往，傷痕便會冰凍我們的情感，令我們無所適從，令我們無力做我們的工作和事情，所以，有些痛楚，我們不得不面對，獲得重新獨立生存的勇氣比什麼都重要!
納什的妻子，艾麗西婭，是一個擁有美麗心靈的天使，是她，撐起了這個在風雨中搖曳的家，是她，給了納什鼓勵與支持，讓這個天才受到重大打擊後，依然有安身立命之所，並最終讓偏離軌道的他像恆星一樣高掛天際，重放光芒!我清楚地記得當納什的朋友問她，是否撐得下去的時候，她說：「有的時候我恨納什，恨上帝。但每當看著納什並告訴自己他是我的白馬王子時，我便成了一個愛他的人，雖然這樣的時候不多，但卻足夠了。」輕描淡寫的幾句話，卻讓人倍受感動。不去計較付出與得到，只知道他是自己深愛的人便足矣!或許，愛是一種特殊的邏輯，是沒法用正常的邏輯來推斷的。在這個物慾橫流的世界裡，燈紅酒綠的生活讓我們變得狂躁不安，金錢、權力蒙蔽了我們的心靈。純潔的愛情，似乎已蹤跡難覓。養情人、做小三的現象在當今社會越來越常見，成為我們難以言喻的痛，而艾麗西婭的這份愛便更顯彌足珍貴。是她，艾麗西婭，讓我們心靈受到了震撼。這份愛，純潔而神聖。艾麗西婭的堅持是士兵突擊裡面的「不拋棄不放棄」的真實寫照，相信有一天，我們會明白，真愛無價!
美麗心靈觀後感1000字
一位天才數學家約翰納什，1947年進入普林斯頓大學開始進修數學，他一直堅持找到自己的原創理論，所以從來不聽課，在他的同室好友查爾斯的鼓勵下，終於，他找到了平衡理論，提供了博弈論的數學支持，並因此進入了惠勒研究室。
幾次被請入五角大樓做了密碼破譯工作後，他碰到一個名為威廉帕徹的特工，邀請他作一名俄羅斯間諜，專門負責在各類報紙、雜志上破譯各種可能的密碼，並把他們投入一個固定信箱。
由於從事間諜工作的心理壓力及生命威脅，他變的精神恍惚，被帶入麥克阿瑟精神病院。至此，我們得知，他在大學期間是一個人住，換言之，他根本沒有名叫查爾斯的室友，而威廉帕徹也是他徹頭徹尾虛構出來的人物，他患了精神分-裂症。
經過一段時間的治療，他出院了，幻覺漸漸減輕了，但是他需要不停的服葯，而服葯的結果是，他不能正常的工作，無法研究數學理論，也無法滿足自己妻子的需要。
所以他自己偷偷停止服葯，更為嚴重的後果是，他的幻覺又重新出現，這些幻覺人物逼迫他傷害他的妻子，就在最後一刻，他突然頓悟，他幻覺中的一個小女孩從來沒有長大過，由此明白了這些人物都是自己的幻覺。
之後，他經過學校的批准，待在普林斯頓大學的圖書館，繼續自己的研究工作，直至1994年，獲得了諾貝爾獎。
這期間，那幾個幻覺人物一直待在他身邊，正如他自己所說：「我必須壓制自己對圖案的敏感以及夢想和想像的空間，就像一個貪食的人壓制自己的食慾一樣。」
看完整部片子，我開始明白，為甚麼羅素克洛在出演《角鬥士》的時候沒有拿到奧斯卡最佳男主角獎，而憑借這部片子卻一舉奪魁。《角鬥士》可能任何一個長相威嚴、身體壯闊的男人都可以出演，效果不會相差很多，但是，這部片子，他對人物內心的把握，確實讓人震撼，特別是他妻子發現收垃圾的人不是他的幻覺時，他靦腆的一笑，動人。
空有一腔感觸但是理不清頭緒的我，和同學討論起這部片子，一位看了7-8遍的同學，給了我很大的啟發，他說，美麗心靈極有可能是指他的妻子。因為他的一生如果沒有他妻子的不離不棄，那將會是另外一個軌跡，也像他自己的獲獎感言中說到的：「你(他的妻子)是我成功的全部因素，也是唯一因素。」然後親吻了第一次約會時他妻子放進他口袋的那塊手帕。
更有高深的影評人道出，美麗心靈應該是指的普林斯頓大學，因為正是這座大學輕松和包容的學習研究氣氛才成就了一個又一個天才。
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『貳』 想要一篇歐美英雄電影的影評，原創1000字以上
影評：
看很多人說《美國隊長2》和《鋼鐵俠3》之間隔著一百多個《雷神2》！這么說有點扯，但漫威影業的《鋼鐵俠3》《雷神2》打得確實沒勁，反而好久沒《美2》這樣爽的火爆片了。這種追殺反追殺過癮，高科技航母爆炸唬人，大口徑槍戰和肉搏齊全，帥哥辣妹的暖味情愫，你看似很俗很扯的爆米花，卻做到了香甜可口。除了《鋼鐵俠3》《雷神2》血淋淋的例子，想想前陣子的韓國科幻大片《雪國列車》，奉俊昊同樣有克里斯·埃文斯，卻拍得沉悶壓抑、打鬥疲軟、漏洞百出，他能有「安東尼·盧素、喬·盧素」兄弟那水準嗎？木有！
片中，史蒂夫·羅格斯好容易在70年後病床上見到了老去的曾經女友，不料神盾局內部鬧出了陰謀與政變，獨眼龍尼克·弗瑞在街頭被打成重傷，自己又成為替罪羊，時刻身處危機之中。在看《美隊2》時，我腦海總想起以前各種經典作品。例如看到男主角亡命天涯與房頂跑酷打鬥時，我想到了《諜影重重》系列，例如各種先進武器登場時，我立即想到了《特種部隊》與《復仇者聯盟》。但《復聯》已是2012年作品，《特種部隊》隨著第二集縮水了高科技，也僅留下「忍者雪山廝殺」那段精彩片段，這時《美隊2》來的恰到好處。
從海盜船上反劫持，《美隊2》就拍出不亞於《菲利普船長》的驚險窒息感，羅傑斯和敵人搏擊時各種翻滾，更吸取了香港動作片精髓。而黑人獨眼龍街頭遭埋伏時，敵人的機關槍、砸門大錐子、火箭筒，一窩蜂瘋狂襲來，既讓你看到精彩飈車與槍戰，還不乏火光爆炸、遁地逃亡，酷斃了！「美國隊長」羅傑斯這次繼續帶著盾牌，進行著無堅不摧的「外掛式」打鬥，一群特工電梯里圍攻他，被打得滿地找牙，一架飛機沖過來，幾個回合就被盾牌收拾掉。那盾牌可以當防護盾、飛鏢，還可以跳樓時用來擋住身體摔殘，逆天了！
這種看似平常不可能發生的事情，《美國隊長2》就利用密不透風的驚險動作，讓你沒時間來不及思考合理性，反覺得很可能。例如地下室內，舊式電腦里藏著納粹博士的靈魂，告訴你以前「九頭蛇」沒死掉，而是化身為神盾局內部高官，接著就要炸地下室，這種愣做出驚險，揪住你的視聽神經。那個退役黑鬼士兵，前一分鍾要加盟正派，下一分鍾已經穿著金屬翅膀，翱翔在高科技航空航母上，變成了桀驁英雄「獵鷹」，這種「敘事快、過渡快、打鬥快」的劇情瞬間信息量極大，刺激著影迷的腎上腺素爆發。
而雷德福扮演的壞BOSS，拿著爆炸控制器，就連斯嘉麗扮演黑寡婦，都險些被他威脅住，同樣叫人提心吊膽。「冬日戰士」巴基·巴恩斯則是戴著鐵胳膊、武功高強、行動詭異，還拿著大口徑槍支狂掃正派人士，連美國隊長、黑寡婦都被他打得狼狽不堪，超級不好對付。但這兩個人物，同樣出現了劇情漏洞，一個是神盾局最高指揮官，收拾這些手下，大可以暗地裡捅刀子，不必這么興師動眾槍戰炸車，後者是男主角昔日死黨，70年後洗腦為冷酷殺手，這根本比《特種部隊》第一集總BOSS是男主角小舅子更不可思議。
《美國隊長2》能做到讓你不用動腦子思考BUG，就覺得酣暢淋漓，絕對是兩位新導演功勞。本集合由於從二戰背景轉移到現代，大膽棄用了上集導演喬·庄斯頓，並不說後者有多差勁。而是喬導演《火箭人》《勇敢者游戲》那套招數，太像90年代老古董風格，而《廢柴聯盟》的盧素兄弟明顯更朝氣蓬勃，漫畫英雄片的續集需要這種有新鮮想像力的組合！換了老一代，誰敢用空中航母當結尾爆炸的禮花？誰敢讓黑寡婦就親了羅傑斯一下來逃避追蹤？誰敢在《鋼鐵俠3》《雷神2》既拖沓又虛假完，用著酣暢淋漓的密集打鬥，重新復活了超級英雄猛片？望著片尾彩蛋里雙胞胎超能BOSS，彷彿神馬《雷神2》《鋼鐵俠3》《雪國列車》都遺忘在了腦後，怎麼一個爽字了得。這種爽是不是A片那種擼爽的，都很爽！
『叄』 對一部歐美電影的評價1000字
《冰雪奇緣》
這是我最愛的一部動漫電影。
它講述了關於一對姐妹成長的故事。姐姐艾爾莎從小擁有冰雪魔法，一次與妹妹安娜玩耍時，不小心用魔法擊到她的頭部。在石頭精靈的幫助下，安娜脫離了危險但她失去了與姐姐玩耍的記憶。而艾爾莎也因魔法日漸強大而感到恐慌，最終在加冕典禮上暴露了真相。於是她逃到雪山造了皇宮。安娜也踏上尋找她的征程。在這過程中，艾爾莎正視了自己，兩人的親情加深，最終艾爾莎回到了自己的國度，重新治理國家。
「不讓別虧襪人看見，做我自己，就像我的從前，躲藏不讓他們看見。」先前，艾爾莎害怕自己的魔法，不敢面對，把自己封閉起來，把自己的心鎖在冰雪之中。動漫中有一個畫面：艾爾莎戴著厚厚的藍色手套，無助孤獨的蜷縮在門口，她把頭深深埋在肩膀之間，雙臂不停的顫抖著。而周圍已結出冰棱，四面牆壁上都是冰雪，就像一間冷藏室。冰封的屋子斬斷了她與外界的交流，美麗而危險的魔法斬斷了她與外人的接觸，而造成這一切是因為艾爾莎對自己的魔法的害怕，她沒有勇敢地面對它。
「現在開始讓我看見，是我的突破和極限，不分對錯，沒有極限。」在逃離了皇宮後，艾爾莎不再對魔法感到恐懼，她也不需要把自己封閉起來。現在她可以盡情施展自己的魔法，她可以在幾秒模空掘內建造一座雄偉的宮殿，可以堆出能說會道的雪人。「我的力量從天而降，我靈魂隨著四周的冰片盤旋而上，思想化為結晶如一陣冰風。」在這片雪地上，她是舞台的主角，勇敢與美麗的化身。在這里，她打開心鎖，激發了自己的潛能。於是她永不回頭看，以往會被埋藏。最後正如歌詞所說：「隨他吧，隨他吧，讓我在曙光中升華，讓完美被蒸旦核發，懸崖上，在陽光之下，任風吹雨打，反正冰天雪地我也不怕。」艾爾莎正視了自己，不再畏懼，她的靈魂得到了升華，最終能利用自己的魔法造福她的臣民。
艾爾莎對自己魔法的態度由恐懼到勇敢面對，這使我心中波瀾起伏。我們雖沒有魔法，但我們也碰到阻礙我們成長的「魔法」——生活中的困難挫折，別人的譏諷嘲笑以及我們自身的不足。我們會因為這些變得自卑膽小，沒有勇氣面對，甚至屈服於這些困難。於是我們忽略了自己的潛能，我們選擇了逃避，選擇躲藏，我們軟弱，最終我們碌碌無為默默無聞。但我們若能勇敢地面對它們，不管別人想說的話，任風吹雨打，即使冰天雪地也不怕，那麼我們就能發揚我們的長處，突破我們的極限。
「隨他吧，隨他吧，嚴寒再也無法侵擾我。」《冰雪奇緣》是我最愛的一部電影，它讓我明白：不論遇到多大的難事，都要勇敢面對，逃避是無濟於事的。
初三年級：武則天
作文網專稿 未經允許不得轉載
點評：文章開篇和結尾的遙相呼應讓讀者們都了解了這是作者深愛的一部電影，喜愛之情從文字中緩緩流露出來。
電影所講述的故事在作者的筆觸下立馬顯得生動活潑起來，雖未看過，但依然被作者的文字描述所吸引，與大多數人一貫的文字描寫不同，鮮有的語言描寫，更是為文章添色不少，也是值得大家學習的地方，結尾處的歌曲，更是讓文章顯得俏皮可愛。
美中不足之處在於，電影的情節描述過多，反而讓感想顯得勢單力薄，如果能穿插自己的感受的話，這篇文章一定是上乘之作。
『肆』 經典電影《肖申克的救贖》1000字觀後感
《肖申克的救贖》 故事 發生在1947年，故事開頭交代了銀行家安迪因為妻子有婚外情，酒醉後誤指控用槍殺死了她和她的情人，被判了無期徒刑，但是他靠自己的個人才智與不屈精神最終擺脫了監獄。我為大家帶來幾篇《肖申克的救贖》1000字 觀後感 供大家閱讀。
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《肖申克的救贖》觀後感600字6篇
《肖申克的救贖》觀後感優秀範文
關於《肖申克的救贖》觀後感500字
關於《肖申克的救贖》觀後感800字
《肖申克的救贖》觀後感300字以上
電影《肖申克的救贖》1000字觀後感1
當我看完《肖申克的救贖》時，我體會到了這一切，監獄中生活絕對沒有樂趣可言，更加染不李敏上什麼希望，在絕望中找希望更是困難。人們總說不要和命運抗爭，可是當安迪戰勝命運的時候，我們也可以說這種勝利恰恰是命運的一部分。
《肖申克的救贖》是一部拍攝於1994年的經典，故事發生在1947年，講的是一個銀行家安迪因為妻子有婚外情，酒醉後誤指控用槍殺死了她和她的情人，被判了無期徒刑，意味著他將在肖申克監獄中度過他的餘生。該片透過監獄這個強制使人失去自由，高度強調紀律的特殊背景來展現作為個人的人對時間流逝、環境改造的恐懼。
所謂的救贖，並不是安迪本身，因為枯擾激他不但拯救自己，也拯救了他的獄友。面對獄友的拯救體現在精神上的拯救，他讓瑞德明白了追求自由和希望的可貴，這兩個人，在安迪真正獲得救贖的時候又走到了一起。
整部電影就是圍繞三次就是而演。第一次安迪幫獄警逃稅，為獄友贏得了每人三瓶啤酒;第二次，他在預警榜首播放《費加羅的婚禮》，展現音樂的美;而第三次，則是在獄中辦起了圖書館，其經費是安迪以每個禮拜兩封信向州長申請的，這是個劃時代的勝利。
後來，出現了來一個扭轉乾坤的年輕犯人，他知道關於安迪所犯案子的真凶，然而很不幸的，這個年輕人被殺害了。這時，瑞德以為安迪會在使我中選擇自殺，恰好相反，真正想獲得自由的人，會選擇另一條路，一條通往自由的路。真凶自由應該也是本片所要表現的主旨之一。
安迪曾經對那個年輕人說過一句話，「人，不是忙著或，就是忙著死。」人生的不同境遇，在於人的選擇，有時候是死亡，有時則是繼續生存下去，當面對是絕望的時候，你會怎麼選擇，死亡還是生存下去?一個人能夠在痛苦的監獄生活，不放棄對自由的嚮往，所以他成功了，獲得了自由。
其實，認識本身就是一個鑒於，我們每個人都是被社會體制化的產物，它就是希望就在我們心裡，放棄了希望，生活就是灰暗的，不要人文希望是痛苦的根源。記得《誰動了我的乳酪》書中一言：克服你內心的恐懼，改變你自己，釋放你自己。
末了，我想對大家說，希望是個好東西，也許是世界上最好的東西，好東西從來不會流逝。
電影《肖申克的救贖》1000字觀後感2
是每一朵花都可以結出果實，但每一顆果實都曾是一朵沒襪花。
在一個朋友的建議下，我看了《肖申克的救贖》。之所以給我推薦這個片子，是因為我向他抱怨自己的專業不好，學習沒動力，上大學前許下的諾言也正在秋風中飄零。
在肖申克里，獄警們就想判你一個終身監禁。隨便打死人、貪污受賄的現象每時每刻都可能發生。可以這樣說：肖申克就是地獄。
當你進入了這么一個地方，目睹了一切的罪惡，是否還有勇氣去想離開(逃跑)呢?人是可以被環境化的。瑞德在評價布魯斯的死時說，這周圍的高牆，一開始你討厭他們，但慢慢會習慣、依賴，知道最後無法離開他們。所以在肖申克呆了五十年布魯斯得到假釋的通知後試圖殺死希活使自己留下來。
並不是每一個堅持的人都能成功，但每一個成功的人都堅持過。就像安迪，他成功了!他始終相信自己能活著出去，他用小槌在厚厚的石牆中打開了通道，他爬過了狹長而骯臟的下水道。當大雨沖刷他身上的污穢，剩下的便是一個解脫、自由的人。
也許逃脫對瑞德來說是不可能的事，用那把小槌子鑿一個洞，他認為要用六百年。這不能怪他，那是瑞德對地質不了解。他不知道壓力和溫度等外界條件對石頭的影響。這無所謂，重要的是態度，就是在看似無望的處境中仍抱有「幻想」。沒有發生的事情永遠都不要去想絕對!只要你還有權利去「幻想」，就不要放棄這種權利。弗蘭克爾說過：在任何特定的環境，人們還有一種最後的自由，就是選擇自己的態度。無論如何，都不要把事情看成必然。生活不是簡單地加減乘除，還有隨機分布。
想想自己的處境，雖不能說進了肖申克，但有一些共同點，就是在做自己不喜歡的事，有點被壓迫的感覺，而自己又沒有什麼目標，想逃離。周末經常泡在網吧;晚上不知忙些什麼一轉眼又到了熄燈時間，上課時則不知老師所雲趴在桌子上睡覺。看過不少描寫大學生墮落的小說或文章，在碌碌無為中消磨自己的個性，忘記自己的追求。就像這大學輕松的環境，由不適應到適應，到離不開它，不能容忍一絲的壓力。
是時候了，該覺醒了!外界的條件從來都不是阻礙你成功的因素，而是你的態度，你的對策。環境從來沒有好壞之分，而不能決定你能否成功。當你想要成功堅持不懈時，沒有什麼可以阻擋你前行。從現在開始，朝著前方，邁進吧!
電影《肖申克的救贖》1000字觀後感3
看完這部電影我突然心血來潮想寫些什麼，也許是折服於主人公安迪的聰慧，也許是感慨於他的堅持，也許僅僅是想寫些什麼而給自己找的借口罷了，不管是哪種理由有一點卻不可否認：這部電影的確打動了我。
電影中一共出現兩派人物：以安迪為代表的囚犯和以諾頓為代表的掌權派。兩者有利益的交疊也有地位角色的沖突。拋開其他因素不說僅從兩派代表人物自身特點來說，就存在很強的可比性。
首先從安迪的個人品質來說，在許多方面他的行為都堪稱典範：無論是剛入獄時面對不公的命運時候的理智，還是和獄警哈德利打交道時的冷靜，不管是遭遇姐妹花騷擾時的勇敢的反抗，還是為達目的堅持不懈的那種自信……不可否認他所作的一切極其平常，但正是彼時彼刻的這種從容豁達真地打動了我。設身處地的考慮他所面對的一切，我不敢說我能做得和他一樣好。他為目標而痴狂，為理想而奮斗，用執著的奮斗續寫了一首不屈的歌。
除了安迪，另一位主角瑞德的美好品質也不可否認，他作為故事的講述者，安迪的朋友，一個在監獄里能夠得到違禁品的善良的人。如果不考慮他的個人歷史(謀殺犯)，不考慮他所處的具體環境(監獄)，可以說他是一個非常和善的老人。兩個人都有人性中最美的一面：純朴，善良。
說起掌權派的代表人物：獄警哈德利和典獄長諾頓。前者象徵冷漠，暴力，和絕對的服從。是統治者的冷血工具。後者象徵貪婪，自私，和殘暴。是邪惡的化身。地位的相對優越讓他們習慣於用武力壓制一切，掌握一切。
從安迪入獄的那一刻起，所有的人權都已不復存在，他和他的同伴所要面對的是所有的不公正：遭受沒有理由的責打，吃掉難以下咽的飯菜，進行簡單的重復的洗衣工作，體會單調乏味足以讓人窒息的禁閉……
掌權者披著一幅仁慈的偽裝，卻肆意的踐踏著囚犯的一切。
囚犯因為獲罪而入獄，卻表現出善良的本性，掌權者身為官吏卻毫無憐憫之心，強烈的對比讓人不得不對當時的現實 反思 。也許影片正是想通過這樣的地位的沖突和角色行為的沖突來對現實社會進行強烈批判。我記得安迪的一句台詞：「我在外邊心直口快做一個正直的人，而在裡面我卻不得不做一個壞蛋。」這句台詞不僅是主人公對現實強烈不滿的表現，更是對現實無情的諷刺。
也許現實就是如此殘酷，也許監獄的確如此真實，也許在社會的某個角落正在重復著這種不公。但所有的一切僅僅只存在於假設之中，現實的所有也因為假設的存在而把真相隱藏。只給我們一個「或許是真」的假象，讓我們猜測，讓我們想像讓我們體會那更深層的含義……
電影《肖申克的救贖》1000字觀後感4
在這部影片里，德拉邦特想要表現的是誰對誰的救贖呢?
沒有任何辯駁的自由，巧舌如簧的檢察長把安迪的生命交給了肖申克漫長的歲月。被冤枉的銀行家不會甘於命運，然而肖申克並非福地，第一天晚上就有人被活活打死了。「把信仰交給上帝，把身體交給我。」監獄長的訓詞非常露骨，他的意思無非是「在這里，你們沒有自由，必須無條件地做任何事，不要有什麼不切實際的幻想，那是屬於上帝的」，於是，一場關於尊嚴和人性的斗爭就此開場，不過在這場斗爭中，救贖主不是上帝。
救贖主是兩個字：希望。被救贖的也是兩個字：自由。
或許這篇文章的讀者會認為我太過抽象化了，但是當你在頭腦里從頭至尾一而再、再而三地不斷閃回那些片段的時候，你會輕而易舉地理解我這么說的緣由的。
希望，是整部影片的主題。
在安迪來肖申克之前，監獄里的話題除了變態、打架就是無所事事地消磨時間，混亂、骯臟、恐懼、絕望共同織就了這里惡劣的環境，犯人沒有任何人權可言，為監獄長無償出賣他們的廉價勞動力。在安迪入獄之後，這個不甘現狀的銀行家盡管依然無力改變犯人受壓迫受凌辱的事實，但他卻至少帶來了希望，一種不曾有過的自由生命的氣息。這種希望不同於監獄長口頭上說的「我是世界的光明，跟著我就不會有黑暗」，因為他是個徹頭徹尾的「偽基督」，他只是借基督之名行魔鬼之事，監獄長 教育 囚犯們「不許褻瀆上帝」，其實他正是把自己當作上帝的，而骨子裡，他殘暴的稟性是要讓囚犯們屈服於「紀律和聖經」，甚至於「要你吃你就吃，要你拉你就拉」，暗無天日的折磨最終把肖申克的每一個人都制度化了，導致了老布的死亡，導致了瑞德出獄後仍帶上了毫無人權的「請示」的烙印，失去了希望，就始終無法像一個正常人那樣的生活，而監獄長的所為，正是要徹底磨滅肖申克犯人對於未來的希望。
安迪是註定要和的暴力制度對抗的，他帶來了希望。這種希望，在於對惡勢力(三姐妹)堅決的反抗，在於不失生活情趣的 雕刻 ，在於不畏凶險為大家贏得那坐牢以來唯一一次由海利請客的啤酒，在於他當著監獄長的面播放大家從未聽過的美妙音樂，在於他執著地帶領大家修建全英格蘭州最好的監獄圖書室，在於他二十年來孜孜不倦地挖地洞逃生。對此，我們不得不說安迪是一個被導演詩性化了的英雄，德拉邦特對這個人物的塑造通過貫穿劇中的幾個「HOPE」一目瞭然地呈現了出來，也許他本人就是一個希望中的人物，但通過他個人的努力，我們可以看到方方面面的變化，其中最明顯的變化來自於瑞德。很難想像，如果沒有安迪和他的約定，瑞德是否會和老布一樣，因為被長期地制度化了而無法適應社會，最終只能在長期的壓迫之後在自由社會「到此一游」，緣於這個約定，瑞德堅持了下來，找到了他堅持「希望」的終點——自由。真正的自由是心靈的自由，很顯然，這又是安迪用自己的行動對瑞德的救贖。還有一個明顯的變化來自湯米，這個目不識丁的年輕人居然在他的感化下考上了高中，在那個安迪努力建立起的圖書室里，人們暫時忘記了壓迫、暴力、恐慌，自由祥和的生活的樂趣給每一個人都帶來了希望。
當我再一次回顧這部影片的時候，我突然感覺到，這個安迪，何嘗不是另一個現代版的耶穌?他的受難，始終昭示著耶和華的那句預言「其中歸正的人必因公義得蒙救贖。但悖逆的和犯罪的必一同敗亡;離棄耶和華的必致消亡」，而德拉邦特似乎也的確要把他塑造成一個耶穌式的人物，從他逃出肖申克之後的仰天長嘯到監獄長自殺之前牆壁上的那一行字「主的審判很快降臨」好象都在詮釋著這一點。但是，我們同樣可以在他身上看到一種自由人對於命運的反抗精神，這是一個在心靈上得到解放的人，任何實質的牢籠都束縛不了他，作為一個現實存在的人，他的肉體雖受磨難，卻並未消亡，而是用實際的行動來抗爭，而老布，放飛了傑克，卻囚禁了自己，這就和安迪的形成了鮮明的對比，告訴人們：不管在任何地方，只要在心裡還有最後的一點希望，那就還活著，否則，安於麻木的現實，也就同死亡沒有什麼區別了。
是的，是「希望」救贖了「自由」，這是重新構建的現代文明裡的救贖，除了自己，我們沒法依賴虛幻的救主。曼德拉說過：「心，是一個人最強壯的部分。」假若我們的心不停息，希望，就始終存在。
最後，用安迪留給瑞德的那封信作結尾吧：
心懷希望是一件好事，也許是最好的事，心懷希望就永遠有希望;既然你已經走到這兒了，就再走遠一點吧;
電影《肖申克的救贖》1000字觀後感5
《肖申克的救贖》值得看兩遍，甚至更多遍。大部分電影如同時裝，趕一個時髦，過上一把癮，就永遠過去了。但是確實有些電影是可以沉下來的，它將在這個世界永存，比如《肖申克的救贖》。有些電影，給我們感官上的快感，讓我們暫時降低智商，如孩童般地快樂;有些電影，給我們人世間沒有的奇景，滿足我們白日間想入非非的幻想;而《肖申克的救贖》不同，它是一部感動我們心靈的電影。
最初聽到《肖申克的救贖》這個片名，以為肖申克是個人名。實際肖申克不是這部片子中兩個男主人公的任何一個，它是一個地名，即「鯊堡監獄」。
這個監獄，是座人間煉獄，不僅是因為它那裡獄卒殘暴、獄霸橫行，而且是因為它對人的精神的磨蝕。在那種漫漫無期的禁錮中消磨生命，似乎只有全部放棄希望變
成行屍走肉才能生存下來。但是在監中服無期徒刑的安迪不同意這樣，他像是用一件無形的護身罩護住自己，心中永遠有希望。
《肖申克的救贖》中的什麼感動了我們?是安迪歷經20年的牢獄之災、20年水滴石穿般地不懈挖掘，終於在一個雷雨交加之夜從500碼長的污糞
管道中爬出，奔向自由?是安迪的朋友阿瑞在被關押40年後在假釋審查官面前那番看似無謂，卻令人動容的話?(「我沒有一天不在後悔，我回過頭去看看往昔，那個愚蠢的男孩兒犯下了可怕的罪行;小男孩早已不見了，只剩下這個厭物，垂垂老矣。」)
;是這些，卻又不僅是這些。電影是在一點一滴的敘述中漸漸滲入我們的心靈的。如果要全講述出來，就要把電影整個重講一遍。是的，一點一滴地敘述，那撞擊我們心靈的東西在你不設防間直觸你的內心深處。即使在唯一能證明安迪是無辜的證人被監獄長槍殺了以後，安迪仍不肯放棄希望。阿瑞看到他在神思恍惚間講述自己心中最美好的記憶與夢想，以為他快要精神崩潰了，「人的忍耐總是有限的」他這樣解釋安迪。其實如果真是這樣，我們也會如此原諒安迪：曾有多少人被殘酷的環境毀掉啊!
但是;這真是好萊塢式的&;電影竟然不給我們這個充滿必然的悲劇結局。安迪沒有被命運毀掉，他獲得了一個完滿的結局。他重獲自由，懲罰了監獄長等惡人，還與老友阿瑞在海邊重逢。知道這情景是夢，好萊塢製造的夢，但我們仍然感激這夢，因為它實在是太美好了。回想一下這部影片，雖然講了那麼多殘酷的事，但留在我們腦海中的竟然都是美好的記憶。比如安迪冒死向看守隊長進言，為獄友們贏得了一箱啤酒，大家在陽光下暢飲的情景;比如安迪不顧一切進入監獄長辦公室為大家播放《費加羅的婚禮》的場面：你從來沒有覺得自由的陽光是如此燦爛，莫扎特的音樂是如此美妙。那些平日里最粗劣最愚昧的人在這一瞬間都變得高尚美麗，容光煥發;這時你就明白了：為什麼人類在經歷了那樣多的苦難與沉淪之後，還能生存，因為美好永在，希望永在。
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仙境之橋，成長之橋
每個人在回憶童年時，在記憶中的都是快樂的，覺得那個年紀的自己好像就沒有煩惱， 總是會認為那時候的自己是生活在天堂中的，我們有意無意的忽略或忘記了在那個時期的煩惱：永無止境的功課，繁重的家庭作業、父母的斥責、同學蠢悔鍵的欺負。。諸如種種。
只記住開心的，沒有悲傷、憤怒和傷害，其實真的是很不錯的，前者至少，在我們的記憶中，暖色調會占據主要位置。
《仙境之橋》中傑西一定認為自己的童年是灰色的，不富裕的家庭，他只是眾多孩子中的一個，並且並不被父親寵愛，同學們也覺得他是個怪人，是個farmer boy，沒有朋友，只有繪畫是他的朋友，直到萊斯利的出現，這個也有點怪的女孩，可以在全校超過所有的男孩子，成為奔跑的冠軍；在作文里可以完全靠想像寫出潛水者的感受；也是她發現了通往泰瑞比西亞的「橋」，是她帶給了傑西無窮的想像力，讓傑西枯燥的童年有了除繪畫以外的色彩。
但是，這樣的朋友，卻永遠的離開了，那麼突然，讓人完全手足無措，傑西認為是自己害死了萊斯利，就因為和自己心愛的音樂老師去了博物館而沒有叫上萊斯利，她才會出事，他在他們的秘密國度奔跑，期望萊斯利可以回來，在父親的懷抱中，傑西痛哭的責怪自己，父親告訴他：傑西，不是你的錯，她搬來之後，帶給你很多特別的東西，對吧？那才是我們該記住的，你要讓「它們」活著。
傑西改變了自己對梅貝爾的態度，帶著小妹妹來到了仙境之橋，那條通往自由的、允許無限想像力的泰瑞比西亞！
童年即是快樂又是孤獨的，不經意想起，讓我們嘴角微微上揚，那是真正的快樂；而童年的孤獨，或許只是因為一隻帶巧鋼筆一隻紙鶴一個永遠都沒有得到的表揚.....而這些，和現在我們的或得或失比較起來，也許，才是我們真正失去的東西。也許，和孩提時代比較起來，現在的我們才是真正孤獨，真正不快樂的.........！之所以我們會覺得童年是美好的，是因為我們記住了那些短暫的，但是卻讓我們覺得整個童年是幸福的瞬間，這就是記憶，懂得忘記不愉快的或許就是最大的成長吧！
『陸』 關於當代美國電影~論文。。。。。。急！！！！！
美國電影中華人形象的演變
從現存的默片《嬌花濺血》（Broken Blossoms）（格里菲斯 [D. W. Griffith]執導，1919）算起，美國電影塑造華人形象已有八十五年的歷史。本文選擇六部不同時期的美國電影，歷史地分析、解讀華人形象如何成為美國大眾文化中種族、性別與政治沖突的體現。在二十世紀初，華人曾一度被塑造為熱愛和平、與人為善的形象，如《嬌花濺血》，但由於美國十九世紀末驅趕華人勞工後，「黃禍」意識的延續，好萊塢更熱衷於將華人想像為對白人構成威脅的「野蠻的」他者，如《閻將軍的苦茶》（The Bitter Tea of General Yen）（卡普拉 [Frank R. Capra]執導，1933）。到了中國抗戰及歐美二戰時期，美國宗教救世話語影響下的好萊塢及時推出了《大地》（The Good Earth）（富蘭克林[Sidney Franklin]執導，1937）之類的影片，贊揚中國婦女的勤勞勇敢及對土地的「原始情感」。而冷戰時期持續不衰的東方主義想像又投射出一批如《蘇絲黃的世界》（The World of Suzie Wong）（奎因[Richard Quine]執導，1960）宣揚西方「白馬王子」超俗愛情、東方女子感恩獻身的神話故事。美國國內60年代起日益劇烈的種族沖突也使華人一時凸顯成「模範少數族群」，「自願」同化於美國主流白人文化，在銀幕上演出了歌舞昇平的輕喜劇，如《花鼓歌舞》（Flower Drum Song）（羅傑斯[Richard Rodgers]執導，1961）。作為難得一見反思西方中心的神話影片，《蝴蝶君》（M. Butterfly）（克羅嫩貝格[David Cronenberg]執導，1993）布下性別迷陣，揭露了西方男人的情感和身份危機，精彩地顛覆了西方冷戰話語及東方主義的敘事模式。
美國電影中的華人形象可以作種種解讀。按學者馬凱蒂（Gina Marchetti）所論1：
好萊塢利用亞洲人、美籍華人及南太平洋人作為種族的他者，其目的是避免黑人和白人之間更直接的種族沖突，或逃避白人對美國本土印第安人和西班牙裔人所持悔罪及仇恨交加的復雜心情。
馬凱蒂認為好萊塢電影的敘事運作方式是神話般的，利用多種故事模式迷惑觀眾，如：強奸模式、俘虜模式、誘惑模式、救世模式、犧牲模式、悲劇愛情模式、超俗浪漫模式及同化模式等。本文所分析的影片，都在不同程度上印證了這些好萊塢電影模式經久不衰的影響力。正因為如此，揭示了這些模式的意識形態內涵及其話語運作方式，對我們更深刻地理解好萊塢有著不可忽略的現實意義。
一 《嬌花濺血》：種族危機與性別體現
《嬌花濺血》講述一位簡稱「黃人」（亦稱「程環」）的中國人離鄉背井到倫敦謀生，暗戀一位屢遭父親蹂躪的英國少女的悲劇愛情故事。影片開頭即明確表現東西方的文化差異。黃人到中國佛寺進香，祈求遠赴他鄉後的平安，但他一出寺廟，就遇上西洋水兵聚眾鬧事街頭。東方的和平和西方的暴力一方面揭示了兩種文化的差異，另一方面又體現了種族的性別定型。踏上異域後，黃人的行為與價值取向一直呈女性化，從而與愛爾蘭拳擊手巴羅所體現的西方男性化形成二元對立：前者為文弱、溫雅的店鋪伙記，後者為粗暴、強壯的酗酒工人；前者為浪漫的夢想家，沉溺鴉片，醉心審美，後者為施虐的父親，折磨女兒露西而得快感。露西為黃人店中的東方精美物品而陶醉，黃人熱心獻出絲綢衣料，讓露西得到前所未有的「家」的溫暖。這一跨種族的戀情，威脅了西方父權中心的秩序，巴羅一怒之下鞭打露西致死。趕來營救的黃人與巴羅對峙，一槍擊斃巴羅，將露西的遺體抱回店中，放於牀上，燒香超度，然後用匕首刺心自殺而亡。
馬凱蒂指出《嬌花濺血》標題本身透露了影片中「幻想」的施虐及拜物的本質：吉什（Lillian Gish）扮演的露西像一朵嬌花，生長於貧乏之地，雖如期開放，但不可避免地被蹂躪而雕謝夭折2。在影片中，導演格里菲斯為強調東方（女性式的）的溫文細膩和西方（男性式的）的蠻橫粗暴，將黃人的牀鋪同時塑造成一個戰場和祭壇。黃人先是在牀邊細心照料露西飽受創傷的心靈，然後在牀前盡力保衛露西不被巴羅帶回家，最終又在牀邊殉情自殺，完成了現世中不被認同的一段跨種族、跨文化情緣。由於格里菲斯在影片結尾時刻意營造香火縈繞的詩意氛圍和黃人凝視露西遺體和匕首時的跪拜姿態，馬凱蒂等西方學者認為黃人的自殺場景潛意識地表現了一種「戀屍情節」及視覺上的「性快感」，因此更為影片增添慾望和幻想的空間3。影片對這種慾望和幻想的定位也體現在露西身上：作為一個未成年的少女，她代表了一種超越性行為的，因此成為可望而不可及的純潔女性。
正因為露西的純潔，施虐的父親成為《嬌花濺血》被抨擊的西方男性文化的掠奪形象。格里菲斯在影片中設置了兩個象徵性的「強奸」場面。第一，巴羅手持象徵「陽具」的鞭子，鞭尾從他的腰間向前垂下，正面威脅著摔倒在地、面色驚慌的露西。第二，露西為躲避父親，藏身在窄小的儲藏間門後，而巴羅怒持利器，砸開門洞，破門而入，將露西揪出毆打。兩個象徵的「強奸」場景都表明了傳統女性在西方專橫的父權制度下的悲慘境況，也體現了影片的自虐—施虐的情節結構。
從性別的角度看，黃人所代表的是另一種當時可能令西方女性所傾心的男性美德，但卻無疑是一種在西方被視為「女性化」的男性形象。勒薩熱（Julia Lesage）稱黃人為「浪漫的英雄」，一個傾向自審、謙卑、文弱、被動而終究無能的善良人。格里菲斯正是利用這個美學化的形象來表達一種道德觀：「亞洲的文明及其利他的精神與歐美的非道德和粗糙相比而光彩耀眼。」4為了提高《嬌花濺血》的美學地位，格里菲斯的影片在紐約市首映時，設計了一出由芭蕾舞演出的序幕，因此將影片定位於貴族及中產階級才能欣賞的高級藝術品，而非當年移民眾多的紐約人花五分錢便可觀看的一般默片5。
不可否認，格里菲斯美化種族間的謙讓和互容，在某種程度上是為了緩減他早年影片《國家的誕生》（The Birth of A Nation）（1915）中對黑人歧視的描寫所造成的不良效果。這里，《嬌花濺血》對東方文明的贊美本來為的是緩解西方社會的種族沖突，希望電影觀眾提高修養，認同高雅文化。但從電影史的角度看，格里菲斯在有意無意之間為好萊塢確定了男性華人在銀幕上的一種典型的女性化形象，從此產生深遠的影響。
二 《閻將軍的苦茶》： 性威脅與俘虜情節
當然，另一類眾所周知的好萊塢男性華人形象與黃人的成另一極端——殺人不眨眼的軍閥或土匪。在《閻將軍的苦茶》里，專橫跋扈的閻將軍在中國目視無人，根本不把西方女傳教士玫根的善意勸導放在眼裡，當著玫根的面展示他下令集體槍殺戰俘而毫不眨眼的絕對權威。不過，《閻將軍的苦茶》轉而刻意營造閻將軍和玫根之間曖昧的情感游戲，因此有別於早一年發行的《上海快車》（Shanghai Express）（斯滕伯格[Josef von Sternberg]執導，1932）。
在《上海快車》中，同樣殺人不眨眼的革命黨首領是一位混血華人，在騎劫京滬快車後，對乘客中紅極一時的西方妓女「上海百合」（迪特里希[Marlene Dietrich]扮演）垂涎三尺。為脅迫「上海百合」就範，他一方面威脅要用火鉗弄瞎英國醫生（「上海百合」以前的情人），另一方面強迫「上海百合」同車廂的中國妓女慧菲與他過夜。《上海快車》因此融合了好萊塢的強奸模式和俘虜模式，強調了華人對西方人的性威脅。按弗洛伊德的理論，瞎眼是男性去勢的象徵，而革命黨首領用火鉗燙傷一個德國鴉片商則意味著象徵性的強暴佔有之舉。
《上海快車》的轉折點是慧菲意外地復仇殺死了強奸她的革命黨首領，從而解救了京滬快車上的「俘虜」，也完成了影片結尾處「上海百合」與英國醫生的愛情夢。在復仇一場戲里，導演斯滕伯格以其特有的神秘場面營造，將華裔影星黃柳霜（Anna May Wong）扮演的慧菲的巨大身影投射到牆壁上，通過撲朔迷離的光影交錯，重現了黃柳霜自《巴格達盜賊》（The Thief of Baghdad）（沃爾什[Raoul Walsh]執導，1924）之後所體現的陰險毒辣、深奧莫測的東方「龍女」或「蜘蛛女」的形象。但是，華人的性威脅一旦解除，《上海快車》即以好萊塢固有的白人之間的男女愛情大團圓結局。
回到《閻將軍的苦茶》，中國軍閥與白人女傳教士之間的愛情則難以在常規的好萊塢模式中發展。影片開頭，玫根初抵中國與她的白人未婚夫相見，不期在兵荒馬亂中落入閻將軍的行宮。與《上海快車》中的革命黨首領相反，閻將軍雖傾心玫根卻不強加己意。相反，他讓玫根盡其福音傳教的義務，自由活動於行宮中，在情感游戲之間證明了最終是誰感化了誰。由於玫根輕信閻將軍之妾，使閻將軍軍事機密外露，軍火列車被打劫一空，從此閻將軍喪盡權勢，眾叛親離。
有趣的是，隨著閻將軍權勢的削弱，他在玫根眼裡的「文明」程度則不斷增加，從一個野蠻的劊子手漸漸變成風度翩翩的紳士。閻將軍的變化在玫根的一場白日夢中充分體現出來。玫根先是夢見閻將軍以毫無浪漫色彩的游俠形象出現，這游俠酷似當時在好萊塢盛行（1926-52年間共出品四十六部）的偵探片系列《陳查理探長》（Charlie Chan）中女性化的陳查理探長，隨後閻將軍又以一副猙獰的、色情的傅滿洲的形象出現，追逐玫根不放，使她從夢中驚醒。閻將軍在玫根的夢中扮演了好萊塢假設的華人男性的兩個極端：其一，善良但女性化或無性威脅的男子，如陳查理或早期的黃人；其二，陰險野蠻的惡魔，如傅滿洲或1936-40年間影片《飛俠哥頓》（Flash Gordon）系列中要征服世界的華人奸臣「無情的明」（Ming the Merciless）。
玫根的夢既表達了好萊塢對華人男子形象二元對立的思維，也揭示了這種對立實際上來源於西方人內心的矛盾，一方面嚮往異國的奇情，另一方面又恐懼他者的威脅。與自己普通乏味的未婚夫相比，在玫根眼中的閻將軍既是性威脅又是性誘惑，等到片尾閻將軍人去財空時，玫根寧願留下來服侍閻將軍。她穿上閻將軍贈送的絲綢中裝，跪在閻將軍跟前，但一切都已太晚了，因為閻將軍此時已服毒自殺，面帶性徵服異族女性勝利後的欣慰而逝，留下玫根一人在遺棄的行宮里哀嘆人世蒼涼，命運叵測。
《閻將軍的苦茶》在一些細節上回應了《嬌花濺血》，玫根身著絲綢中裝與露西相仿，而閻將軍的自殺更與黃人相似。從象徵意義來看，這兩部影片——加上《上海快車》中革命黨首領的遇刺——都證實了好萊塢敘事模式對華人男子至少是要象徵性「去勢」的慾望，即從銀幕上根本除去華人對西方女子的性威脅。不難想像，好萊塢從此很少再編織華人男性與西方女性的愛情故事，取而代之的是西方白馬王子征服東方美女的演繹不盡的纏綿情愛（如本文第四節將述）。
三 《大地》：農婦土地與原始情感
馬凱蒂推測《閻將軍的苦茶》將中國描述成「一個任何事情都可能發生的奇異、危險、混亂的地方」，為的是轉移當年飽受經濟蕭條之害的美國觀眾的注意力6。這一推測也許言過其實，但數年後《大地》對中國災荒和貧窮的渲染，的確可能給美國觀眾一種高人一等的自豪感：美國社會已經進入了現代化，而中國人卻還在水深火熱中掙扎。美國觀眾的自豪感還可以來自他們宗教救世的信仰：中國農民像美國建國初期的拓荒者一樣，本著對土地堅定不移的信念，克服天災人禍，建立屬於自己的家園。《大地》改編自在中國生長的美國傳教士後裔賽珍珠（Pearl S. Buck）的同名英文暢銷小說，其中的基督教關聯自然不言而喻。
《大地》中的中國農婦勤勞勇敢的形象，被稱為是美國電影史上的突破，一改早先刻板的華人形象（如鴉片病鬼、滑稽廚師、洗衣店員等配角，及前文所提陰險妖女和野蠻軍閥等主角）。影片描述一位農婦歐蘭歷盡千辛萬險，生兒育女，勤儉節約，默默地幫丈夫種田持家，在荒年也堅決不肯賣地，而寧願沿途乞討到南方，維護了立家的根本，最後又為丈夫納妾安度晚年。影片結尾，歐蘭悄然病死，丈夫望著窗外的桃樹，緬懷妻子而感嘆：「歐蘭，你就是土地。」厄爾林（Richard Oehling）認為影片中中國農民對土地的熱愛是西方人無法想像的，只有在「原始的」中國才可以理解。厄爾林進一步指出，「《大地》使中國農民的形象變得真實可愛，成功奠定了後來40年代戰爭片中中國農民形象的塑造。」7誠然，另一部改編自賽珍珠小說的影片《龍籽》（Dragon Seed）（康韋[Jack Conway]與比凱[Harold S. Bucquet]聯合執導，1944）同樣渲染中國農民對土地的熱愛，為了不讓日兵收獲糧食，他們自願放火燒毀田園農庄，進山避難，讓兒女加入游擊隊保衛土地。
《大地》代表的形象突破與時局有著密切的關系。一方面，日本的入侵使中國成為美國的盟友；另一方面，好萊塢接受《上海快車》和《閻將軍的苦茶》等片在中國屢遭抗議而禁演的教訓，在《大地》拍攝時邀請中國官員預審劇本，到中國購買道具，又在洛杉磯動用眾多華人自願者參與攝制8。雖然中國官方對完成的影片不盡如意，但雷納（Luise Rainer）扮演歐蘭的成功，使她榮獲當年奧斯卡的最佳女主角大獎。值得說明的是，時至40年代，好萊塢明文規定男女主角不得由少數族群人扮演，使得白人演員為「扮黃臉」而化妝得奇形怪狀，面目全非，絲毫談不上甚麼真實或美感。
四 《蘇絲黃的世界》：白馬王子與超俗愛情
到了放映《蘇絲黃的世界》的60年代，「扮黃臉」現象已經結束，女主角已由華人扮演。這部東方主義色彩濃厚的愛情片描寫美國白人畫家羅伯特到香港尋求自我，愛上蘇絲黃小姐，克服種族、階級和文化的鴻溝，有情人終成眷屬。蘇絲第一次在輪渡遇見羅伯特即以不標準的英文宣稱自己是「美琳」，一位富家「處女」。羅伯特進入九龍城，街道兩側擁擠的貨攤、行人和車輛組成一幅東方主義視野中典型的雜亂無序的第三世界城市景象。這一景象令人回想起《上海快車》片頭京滬快車被北京古城的行人和動物阻擋的景象，而時隔近三十年，兩個景象都表示西方文明的視野對第三世界落後的無奈。然而無奈並不等同無能，在《蘇絲黃的世界》里，羅伯特即肩負起改變東方落後無知的責任。他在所住旅店的酒吧里發現「美琳」原來名叫蘇絲，是當地頗負盛名的舞妓。潑辣、迷人的蘇絲，在羅伯特面前展示自己性感的身體。為了拯救蘇絲「墮落」的靈魂，羅伯特請蘇絲作模特兒，挖掘她所體現的東方美，從而逐漸改變了她個人形象的藝術品味。
《蘇絲黃的世界》依據東方主義的典型話語模式，讓羅伯特代表西方文明的視野重新解讀「愚昧的」東方，創造出東方人所「不能理解」的「新」意義。一天，羅伯特驚訝地發現蘇絲穿了一套在街上買來的昂貴的歐式服裝，責怪她「沒有任何美感」，裝扮得像「下賤的歐洲街頭妓女」，進而將蘇絲脫個半裸，在銀幕上演了一出脫衣舞。諷刺的是，羅伯特從來不曾為蘇絲作香港街頭妓女的中國服飾提出異議。更諷刺的是，他讓蘇絲穿上他為她購買的中國古裝行頭，將她裝扮成西方人想像中的「東方公主」。這里，羅伯特重新「創造」東方，為的是強調自己的主體性：是他讓西方的「藝術品味」在不知自身價值的東方女性身上「體現」出來。他將作為古裝公主的蘇絲繪入畫中，從此創造出另一個比現實「更美」的蘇絲，而絲毫不顧蘇絲本人是否認同這種「美」的體現。
似乎單讓羅伯特在藝術上「拯救」蘇絲還不夠，《蘇絲黃的世界》又讓羅伯特在影片高潮時演出了英雄救美的驚心動魄場面。蘇絲與羅伯特同居後經常不辭而別，消失幾天後才重返。心懷疑惑的羅伯特跟蹤後發現原來蘇絲有個私生子，寄養在山上的貧民窟里。適值香港大雨傾盆，山洪暴發，危及貧民窟。蘇絲為救孩子，沖破警察的阻攔，冒雨奔向山腰。羅伯特緊跟其後，在釘蓬被洪水沖垮前救出蘇絲，但孩子已不幸身亡。影片結尾時，蘇絲在廟宇燒香為孩子的亡靈超度，答應同羅伯特移居美國，因此滿足了白馬王子的心願。如果說電影中的孩子一般代表將來，那麼蘇絲的孩子代表的便是第三世界沒有前途的將來。所以，作為第三世界貧困、落後的記憶標志，這位無辜的私生子就在好萊塢的超俗愛情故事裡輕而易舉地一筆勾銷了，因為影片要觀眾憧憬的是蘇絲脫離第三世界後與白馬王子在西方世界的幸福前程。
五 《花鼓歌舞》：移民故事與文化異同
如果說西方中心的意識形態在以上分析的電影中都以主流話語的形式出現，《花鼓歌舞》則通過華裔移民主動認同美國文化的同化模式，表現西方中心的無所不在。這部改編自暢銷百老匯歌劇的電影全部由華人扮演，通過愛情三角的價值設計和兩代移民的觀念沖突，既贊美了孝順、賢惠等傳統中國美德，又支持華人接受主流文化、享受現代文明的意願。香港在影片中是美麗和她父親非法移民的出發地，他們躲在船艙的木桶堆里漂洋過海來到舊金山。美麗自幼許配給他人，此行正是為踐婚約。父女初到舊金山，人生地不熟，幸虧美麗靈機一動，在唐人街唱一曲花鼓歌，讓有心人帶見夫婿（一位開餐館的花花公子）。但花花公子傾心舞女琳達，而琳達又愛慕吉姆。花花公子介紹美麗到吉姆的父親家暫時居住，賢惠的美麗打動了吉姆恪守中國傳統的父親，使他有心為吉姆拉線，從而使吉姆陷入兩難的三角戀。一次吉姆與琳達驅車郊遊，琳達親吻吉姆，讓他享受「美國式的」愛情表示，但如同《蘇絲黃的世界》中的羅伯特，內向的書生吉姆在咄咄逼人的新女性面前頗不自在。
《花鼓歌舞》不僅掩蓋了當年美國日益劇烈的種族沖突，抹煞歷史，粉飾太平，而且還設計了一個各取所需、皆大歡喜的大團圓結局。傾向中國傳統美德的吉姆和美麗與沉溺西方物質生活的花花公子和琳達終成眷屬，表示美國這個移民國家可以容納各種趣味、各種理想。這一「融合」主題在另一首歌曲〈大雜碎〉中得以展示：美國社會就像美國人發明的中國菜「大雜碎」，蔬菜、肉類樣樣都有，而且味道不錯。眾人高唱〈大雜碎〉這首歌的場合是吉姆的姑姑宣誓加入美國籍的日子，其用心不言而喻。作為美國「新發現的」模範少數族群，華裔似乎避免沖突而追求融合，因此成為好萊塢同化模式的最佳選擇。
不可否認，《花鼓歌舞》中歌舞昇平的唐人街只是好萊塢自欺欺人的掩飾。在西方主流文化里，唐人街如同軍閥混戰時的中國，是暴力和危險的象徵。唐人街這種惡劣的形象到了80年代仍未消解。《龍年》（Year of the Dragon）（奇米諾[Michael Cimino]執導，1985）即將紐約的唐人街描述成黑社會壟斷、暗殺成風地獄般的社區，唯有一位改姓「懷特」（White意指「白人」）、願為美國越戰戰敗而「復仇」的白人警探孤軍奮斗，對唐人街開戰。受西方中心與東方主義話語的雙重鉗制，懷特先在一次餐館槍戰中「英雄救美」，但不久就強暴了美麗的華裔電視台女記者，進而肆意佔用她的公寓進行反黑幫活動。懷特的行為再次證明「佔有異國女人即佔有異國土地」的殖民心態，只是《龍年》的異國就在紐約，而這「異國論」又進一步揭示，美國主流文化從未將唐人街視為美國本土社會的一部分。應該注意的是，80年代的美國華裔社會已漸漸成熟，華人社團聯名向好萊塢抗議影片辱華，逼使《龍年》在公映時不得不在片頭加上「純屬虛構」之類欲蓋彌彰的遁詞。
六 《蝴蝶君》：性別迷陣與身份危機
對西方中心的神話進行最徹底顛覆的影片之一是《蝴蝶君》。影片的故事在兩條重迭的線索中發展：一是冷戰時期東西方之間錯綜復雜的間諜戰，二是東方主義話語中典型的西方男子征服東方女子的愛情游戲。這里說「游戲」，是因為東西方之間猶疑不定的性別—政治迷陣的最終結局，是東方仍然是謎一樣地不可思議，而西方到頭來自欺欺人，意欲征服他人卻無情解構了自己。
影片開始，法國駐北京使館外交官加利馬爾在一次音樂會上被宋麗玲演唱義大利歌劇《蝴蝶夫人》的美妙歌聲感動，愛慕之心油然而生，主動追求宋麗玲。宋麗玲不無嘲諷地提醒加利馬爾，歌劇《蝴蝶夫人》之美是西方人幻想出來的美，不一定被東方人所認同。這部歌劇贊頌一位日本女子因美軍情人離別後哀訴其思念之情，數年後發現情人已娶白人太太而痛苦不堪，殉情自殺，以完成一種堅貞不移的理想。然而，加利馬爾無法從東方主義這種刻板的單向思維中自拔，自認是一位西方男子氣十足的白馬王子，理所當然地要征服才貌雙全的東方美女。加利馬爾幾經周折後如願以償，佔有了宋麗玲的身體，在文革中回法國後又驚喜地得知宋麗玲像《蝴蝶夫人》故事所述為他生了個孩子。當他們離別多年在法國重逢後，加利馬爾驚訝地發現過去的一切都是騙局，宋麗玲原來是中國間諜，兩人因此雙雙入獄。更驚人的是法庭宣布宋麗玲是位男性，丑聞公開後一時成為頭條新聞。
其實，這一聳人聽聞的間諜案取材於法國真實的故事，影片改編自黃哲倫的同名暢銷舞台劇。徹底顛覆西方中心神話的高潮設在影片結尾，此時宋麗玲被法國驅逐出境，乘機回國，而加利馬爾則在監獄里自演一出《蝴蝶夫人》後在極端痛苦中自殺。加利馬爾的自殺場景意韻深遠。他一邊用錄音機播放一曲哀怨的《蝴蝶夫人》，一邊以蝴蝶夫人的扮相粉墨登場，面對走廊上觀看的囚犯宣布：「我，加利馬爾，就是蝴蝶夫人。」然後用破碎的化妝鏡片自盡，而不知就裡的觀眾還在為他精彩的表演熱烈鼓掌。加利馬爾自殺表演時的誠懇自白揭示了西方想像中的東方美女最終不過是一個幻想，一個可望而不可及的概念，這個概念促使西方男子追逐幻想中的東方，最後意識到這個終生期待的幻想不在異國，而在自身的表演中！加利馬爾最精彩的自身表演也是他自我終結的時刻：他不再幻想佔有蝴蝶夫人（他原先佔有的蝴蝶夫人宋麗玲早已無情地欺騙了他），因為此時此地他自己已經成為蝴蝶夫人（一個永遠不會欺騙他的「她」）。
加利馬爾一生所竊取的間諜情報中沒有任何一條比他生命終結時所發現的事實更真實：東方主義的完美男人（白種人）和完美女人（東方人）歸根結底都不過是西方話語製造出的幻想。周蕾因此指出，加利馬爾死心塌地地按這種幻想生活，以致走向極端而自戀自身（即自己的幻想）而死13。好萊塢故事的迷惑模式在影片《蝴蝶君》中繞了一大圈後回頭顛覆了自己：西方男性（加利馬爾）—東方美女（宋麗玲）—蝴蝶夫人（宋麗玲）—蝴蝶夫人（加利馬爾）。換成性別表述，他（西方男性）所幻想的她（蝴蝶夫人）最終不過是幻想本身（他和她的一體性），西方中心內在的身份危機由此揭曉。
顯然，影片《蝴蝶君》對西方中心的顛覆是從西方男性身體（自我中心）開始做起。蘇內爾（Asuman Suner）認為，現代主義意義上的男性主體性表現在身體對自然的完全控制，一旦經歷變化、變異後身體失控，男性就因邊界的模糊或瓦解而恐慌，其主體性也瀕於崩潰，所以《蝴蝶君》不妨作為後現代的恐怖片來解讀14。由此看來，加利馬爾—蝴蝶夫人二者的可互換性從根本上瓦解了東西兩方和男女性別的界限，顛覆了西方冷戰和東方主義的雙重話語，對西方觀眾造成「恐怖」效果。影片《蝴蝶君》精彩地解構了「殖民女性」（既對女性的殖民和被殖民者的女性化）這一西方話語策略，出其不意地來一個男性殖民者（西方）自身的女性化，而且將後者作為西方殖民幻想的本質。顛覆的結果是，西方中心本身是空洞乏味的，西方（男性）的主體性是危機重重的，靠幻想東方離奇、美妙的故事（如《蝴蝶君》及其他本文分析的影片）來充實自己嚮往擴張的殖民和佔有的慾望。
影片《蝴蝶君》表明，對西方而言，東方終究是不可知的。西方想像出的華人形象宋麗玲主動向西方中心交還了東方主義所要的幻想：完美的女人（東方情人）和蝴蝶夫人（悲劇美），但他（她）同時也讓西方看到西方所不願面對的冷戰事實：「背信棄義的」中國間諜和危機重重的西方主體。宋麗玲因此同時體現了西方視野中東方的迷人（愛情）和危險（死亡），二者合力摧毀了加利馬爾（自大、自負而自欺的西方代表）。不可否認，華人形象的這種雙重性正是長期以來驅使好萊塢敘事慾望的一個動力：幻想他者，編造愛情，滿足觀眾，擴張自我。在好萊塢的想像中，華人就像隱藏在奇觀的面具背後謎一般的東方女人（華人男性因此必須女性化，從黃人到宋麗玲皆如此設計），既誘人銷魂落魄又危及生命安全。但這奇觀的面具本身也是好萊塢的虛構之一。面具背後並沒有甚麼隱藏的真實，因為這面具本身就是好萊塢的真實，或真實的好萊塢：一個奇觀的造夢機器，不停地在種族、性別與政治的交錯層面間虛構自己的故事。
並不是很完整，僅供參考，請自借鑒。
希望對您有幫助。
『柒』 《日美午夜凶鈴的差異》《午夜凶鈴劇情分析》2篇論文，各1000字左右
死亡，在七天之後。
女記者凱勒(娜奧米·沃茨)的侄女凱蒂突然神秘死亡，在參加侄女的葬禮時，凱勒的姐姐覺得女兒死得蹊蹺，請求她利用記者的關系和手段去查清凱蒂的真正死因。就在葬禮結束後，凱勒從凱蒂的朋友那裡聽說了一盤神秘的錄像帶的事，據說所有看過這盤錄像帶內容的人，都會在七天後離奇死亡。
不信邪的凱勒於是開展調查，她發現，侄女的三個朋友也在同一天內死去，而且死亡的確切時間都是在晚10點，而就在死前的一天，四人一起出去玩，在一間林中小屋裡過夜，凱勒找到了那件屋子，並在屋中發現了那捲傳說中的錄像帶。
四個孩子的死亡到底是不是和錄像帶有著神秘的聯系？傳言難道是真的？為了追查下去，凱勒把帶子放進了錄像機中……錄像帶上記錄著一些莫名其妙的斷續畫面，看完帶子後，凱勒就接到了一個神秘的電話，電話那頭只傳來模糊而陰森的兩個字：「七天……」
傳言是真的！自覺不妙的凱勒開始感到了圍繞在她周圍的恐怖氣氛，她有七天時間去解開這盤錄像帶的迷，否則就會遭到和侄女同樣的下場——死亡。情急之中，凱勒向她的前任男朋友諾亞(馬丁·亨德森)求援，諾亞是一個攝影及錄像技術方面的專家。在反復研究了幾遍那盤錄像帶後，兩人發現了一個小小的線索，這個線索把他們領向了一個名叫Moesko的荒僻小島，在那裡，那隱匿於錄像帶中充滿怨毒的詭異精靈即將現身……
[幕後內容]
美國版《午夜凶鈴》的導演戈爾·維賓斯基之前最著名的作品也是一部驚悚恐怖片《鬼屋驚魂》，他在片中運用大量特技效果營造出陰森恐怖的氣氛，讓人印象十分深刻。日本版的《午夜凶鈴》，堪稱是東方文化下恐怖片的經典之一，上映後在全亞洲地區掀起了一場「恐怖」熱潮，而聞風而動的好萊塢製片人亦對這個題材非常欣賞，並找來全新班底翻拍，製作費更高達6千萬美元，比日版高出很多，再加上一個善於運用特效的導演，相信視覺效果方面不會讓觀眾失望。
大多數影迷對美國版與日本版的區別最感興趣，其實在劇情方面，兩版幾乎沒有任何差別，都是講述一個女記者看到了一盤神秘的錄像帶，之前看過的人都會在7天之內離奇死去，最終，記者在一位朋友的幫助下破解了秘密。但是也許是東西方文化的差異所在，在西方的恐怖片中，刺激往往來自於觀眾眼睛所見到的，而在東方的恐怖片中，刺激則往往來自於觀眾腦海中的想像，這差叢皮種刺激，甚至在離開電影院很久之後，還揮散不去，這也是日本《午夜凶鈴》成功的最大奧秘，那就是營造一種來源於視覺但是又超乎視覺、根植於每個人意識里的恐怖。在影片首映後，有影評人批評本片恐怖氣氛不夠，對於一個西方導演來說，能否把握住原片的精髓所在，實在是一個巨大的挑戰，不是實力不夠，實在是因為兩種文化的差異導致。
演美國版《午》片的女主角娜奧米·沃茨是近年新竄起的澳洲女星，此前她曾在大衛·林奇的《穆赫蘭道》中一人分飾兩角，雖然這部片子沒有讓她一夜竄紅，但是隨著《穆赫蘭道》在奧斯卡獎上走熱，她也由一個汲汲無名的小演員向演技派新星進發。此次沃茨主演《午夜凶鈴》，情況與4年前松島菜菜子出演原版《午夜凶鈴》頗有類似之處，都是處於一種半紅不紫的尷尬狀態，她能否像菜菜子一樣幸運，借著影片大賣一腳跨進一線明星行列，還要看觀眾們買不買這部翻拍片的帳了。
[相關評論]
在好萊塢，對一部片子的評價往往十分兩虛差極話，叫好的捧上天，叫罵的就踩下地，著名的《好萊塢報道》專欄形容這部《午夜凶鈴》是「一次毋庸置疑、令人毛骨悚然的經歷，影片把很多司空見慣的日常事物，比如冰箱門、電話、電視等等，都變得讓人感覺恐怖莫測。」也有人把它和進兩年最叫座叫好的恐怖片《第六感》和《小島驚魂》相提並論，說《午》片是今年最出色的恐怖電影——「不是《第六感》，但和它很接近」，「想到電影院里被嚇出一身冷汗的人必看」。
而彈的一方也不在少數，普遍的觀點是影片缺乏新意，一味追求特技上的效果，堆砌情節，在劇情上和恐怖氣氛的製造上沒有突破，細節上也缺乏說服力（這可能也是由於東西方文化的差距造成），而其中最「狠」的一個評價來自於一本叫《MONTREALFILM JOURNAL》的專業電影雜志：「片中的演員看上去就死氣沉沉，弄得我們都不想去關心他們最後是否會因為看了那錄像帶而死去，他們根本看上去本來就像一群死人。」怎樣，夠損鄭雹吧？
『捌』 求一篇 1000字左右的經典電影鑒賞
英文名： The Shawshank Redemption
中文名： 肖申克的救贖/刺激1995/月黑高飛
一部揭露美國司法黑幕的巨片！
一幅用友誼和希望描繪的生命畫卷！
寓含人生哲理的喻世之作！
1994年出品。導演：弗蘭克·達拉邦特。主演：蒂姆·羅賓斯；摩根·弗里曼
第六十七屆奧斯卡七項大獎提名
好萊塢最有氣勢的十大巨片之一
一條漫長的自由之路、一次靈魂深處的洗滌、一部不朽的勵志經典，「希望」遵循神的旨意安睡在內頁被挖空的《聖經》里，附著在安迪高大的身軀里，匍匐在500碼的下水道里，最後，那條僅有的骯臟之路把安迪送往美麗的新世界。這段充滿絕望與沉重的救贖之旅來自臭名遠揚的鯊堡監獄、來自驚悚小說大師史蒂芬·金的原著、來自哲理導演達拉邦特的傾力之作。《肖申克的救贖》帶來的是恆久不變的真摯友情、百折不撓的靈魂鑄煉和生生不息的命運之火。
希望不需要熱情，熱情的希望只是靈魂深處一次不經意的沖動。在監獄里，當生命的過程只能以時間為刻度的時候，任何高漲的熱情都只能無可奈何地向失望舉起雙手，宿命地接受命運的安排。只有內心清澈的人才能看清人生的荒謬，否則，人只有在面對冤枉時委屈和無奈、在面對壓制時憤怒和狂暴、在困境下腐爛，甚或在平常的環境中寂寞和絕望。
怯懦囚禁人的靈魂，希望才可感受自由。強者自救，聖者渡人。
和以往那些講述陰暗晦澀牢獄生活的監獄片有所不同的是，《肖申克的救贖》是一部講述友情、困頓、希望與夢想的電影，劇中的男主角冷靜的心態、不屈的鬥志、足智多謀的設計、鍥而不舍的精神非常令人感動。這部電影最能打動人心之處，便是自始至終都能給予人們希望 .
自由是什麼自由就是能在陽光下悠閑自得地呼吸。對於我們而言，它就像空氣，平常得讓你根本不去想失去它會怎樣，但是自由對於那些高牆內的囚徒，尤其是那些註定一輩子都要呆在那裡的人們又是多麼珍貴而又遙不可及。安迪最後逃出鯊堡監獄，是什麼實現了對他的救贖？是他心中對自由的渴望，是希望的存在。
在《肖申克的救贖》里，我深深地為主人公安迪對自由一刻不息的渴望震憾了，當他從下水道逃向外面的世界時，當他迎著暴雨和閃電怒吼時，我的心也隨著他一同律動著，安迪所獲得的身體和心靈上的自由讓我覺得痛快極了。——另一方面，如果我們把視野從西方擴展到整個人類文化圈，受侮辱與損害者起而復仇、向施暴者連本帶利索還的故事，從來都為人類各個民族所喜愛。幾乎每個文化發達的民族都有類似的故事或傳說。泰戈爾在《飛鳥集》中有語雲：歷史在很有耐性地等待著被侮辱者的勝利。此話就歷史真實來看未必為真，但卻是幾乎所有人類社會成員的共同理想。
在戲劇里，一個人被打得越狠，被踩得越低，被欺壓得越萬劫不復，他的報復就越讓人痛快，戲劇性就越強，也最容易引起觀眾的認同。安迪在幾乎不可能站起來的地方站起來，在幾乎不可能活過來的地方活過來，從爛泥里站起來，從陰溝里鑽出來，從墳墓里爬出來，這種生命力已超越了人本身，是神的光芒。大雨沖刷著他的身體，盪滌著他的靈魂，他用地獄的眼光看著曾經真真切切發生在周圍的一切，他用雷一樣的聲音怒吼：「歸還的時刻到了！」
『玖』 急求一篇影視鑒賞的論文，3000左右，關於如何欣賞電影的。
影視鑒賞論文電影，作為一種大眾藝術，以其生動的直觀性和逼近生活的真實感而易有廣泛頎賞性。一部優秀的影片能使人得到美的享受和精神上的陶冶。許多同學在觀看影片後常會有感而發，嘗試寫作影評，這對於提高我們的影視鑒賞能力影視鑒賞論文，端正我們的審美觀念有相當大的幫助。那麼，如何寫好影評？ 寫好影視評論的前提是細心觀賞。影視評論不同於書評，書可以反復地看，而影片卻一閃即逝，因此，在看電影時不能漫不經心，而要全神貫注，眼觀六路，耳影視鑒賞論文聽八方，對畫面、音樂、對白、音響、表演等方面都要體察精微，並及時捕捉閃光的東西。這樣在寫的時候才能得心應手，運用自如。
（一） 「評什麼影視鑒賞論文」 在影片中可評的角度很多。就一部影片而言，可以評主題、評人物、評細節、評場面、評藝術特點、評電影語言的運用等；就多部影片影視鑒賞論文來說，可綜合評論一系列影片，闡明某一時期電影藝術創作的傾向和特點；可綜合某一類影片（如驚險片、探索片等）進行評論；可綜合同一類問題（如古裝片的雷同化等）進行評論；另外，還可以進行電影專評，如平添編劇、影視鑒賞論文評導演、評演員、評攝影、評美工、評音樂等。
面對這些可評的內容，初學寫影評的中學生具體應如何處理呢？最好的辦法是「集中優勢兵力殲滅敵人」，抓住影片中給自己留下印象最為深刻、最影視鑒賞論文能激發自己寫作慾望的問題來寫，這樣便於對問題作深入細致的評論，忌面面俱到。
影評寫作可以有長有短，可著眼於一部影片的一個鏡頭，也可以著眼於一種電影現象影視鑒賞論文。對於我們初中生來說，要對一部影片作出全面的評價比較困難，練習寫影評，可從評論一個人物形象、一個情節、一個場面入手，可對演員演技、拍攝技巧、導演意圖、影片風格、色彩、語言、音樂等進行單一的評析。
隨著寫影視鑒賞論文影評水平的提高，就可對某一人物形象，如影片中的學生、教師、軍人等銀幕形象發表看法，也可以從縱向談某一階段電影的回顧或某一體裁電影的回顧，分析其得失；或從橫向談某一風格的電影，如西部電影、賀歲片、娛樂片影視鑒賞論文等，或橫縱向結合，談一個導演的風格，如謝晉模式、張藝謀現象等到。初涉影評寫作不宜貪大求全，而應從一點一滴寫起，思考挖掘，連綴成篇。
（二）寫影評，應該影視鑒賞論文把握好這樣幾點：
1、捕捉住感受點。
一部電影涉及的方面很廣，需要品評的著筆點很多。這就需要對電影反復回味思考，用心靈再度感受，把握往影片中最能動影視鑒賞論文人的地方，並使之在自己的筆下得到理性的升華。如觀看了《泰坦尼克號》，不能只簡單地敘述這場愛情故事，而要從主人公生與死的考驗中感悟到人性的光芒。
影視鑒賞論文
2、抓住細節，詮釋其深刻涵義。
所謂細節，是影片畫面中對表現對象的局部或細微的變化進行精要細致的描繪。細節包括人物的舉手投足、一顰一笑，道具的運用，色彩的調度，聲音的變化等。典型的影視鑒賞論文細節對展現人物性格、設置懸念、推動情節發展都起著積極作用。如《大轉折》中先後三次出現蔣介石的背影，每一次出現都預示著國民黨軍隊下一次的失敗，通過三次背影的刻劃，將蔣介石政權日薄西山的局面富於象徵性地體影視鑒賞論文現出來。
3、立意要新，開掘要深。
寫影評要有新意，要有獨到的見解，抓往要點，自感而發。要做到有新意，一是要抓住影片內容，結影視鑒賞論文合台社會現買；二是要准確把握住影片的精神實質，挖掘影片本身所包含的深刻內涵。例如對張藝謀電影的分析要緊扣住時代背景，但也不必要都從思想意義角度分析，如鞏俐在張藝謀電影中的形象塑造，張藝謀電影中的男性形影視鑒賞論文象等，都是可以開掘的領域。
4、要實事實是地分析評價。
魯迅先生說過：評論作品「必須壞處說壞，好處說好」，還要「知入論世」。他說 "倘若論文，最好影視鑒賞論文的是顧及全篇，非目顧及作者全人，以及他所處的社會狀況，這有較為確鑿。"對影片作實事來是的評價，要求我們用全面的觀點，不是顧其一點，而是觀照全片。顧及編導的意圖、表演的全部以及當時的社會環境、歷史背景等影視鑒賞論文等，作恰如其分的分析與評價。不能強導演、演員、片中人物所難，求全責備。同的，我們在寫影評時，也不能人雲亦雲，如評《情深深雨蒙蒙》時，有一位同學冷靜地指出編導將熒屏中的軍閥（如萍、依萍的父親）形象拔高了影視鑒賞論文――他遇見美麗的女子就搶來作為姨太太，可原因居然是她們像自己的初戀情人。
5、要重視影片的藝術分析。
電影是通過藝術手段來表影視鑒賞論文現主題、塑造人物、抒發感情的，所以影評要重視對影片藝術的高下進行分析。這種分析應具體詳細，由表及裡，言之有物；評價則應觀點鮮明，實事求是。在藝術評析中，字里行間滲透出電影意識，盡可能恰當地運用電影藝術影視鑒賞論文名詞術語，還需要有對電影藝術的深刻感受與理性把握。這可以通過閱讀電影理論書籍和多欣賞優秀影片來解決。 開始練習寫作影評時還應該注意：語言要朴實，要個性化。寫影評一定要講真話，講自己的話，不要抄襲別人影視鑒賞論文的評論。唯獨自己的感受和朴實的語言，才會使自己的評論富有個性和新意，也才會給讀者帶來清新的感受。
敘議要結合，突出評論。
影評離不開敘事。但切忌過影視鑒賞論文多地敘述故事，要突出分析寫評價。當然，所評所析不得脫離影片孤立地進行。
設計好影評的標題至關重要。一般來說，它由正副標題構成。
正題——揭示文章的中心，必須簡明扼要，而又耐人尋味，能夠引起讀者的閱讀興趣，同時也能給讀者帶來審美愉悅，它是貫穿全文的主線；
副題——點明評論對象，交待片名或評論角度，它是正題必要的補充。二者影視鑒賞論文相得益彰，能使文章增色不少。如：《歷史和時代的搏擊者--評銀影視鑒賞論文幕上的共**員形象》，《悲劇在紅色中滲透——評電影＜紅高梁＞》《農村改革的多棱鏡--電視劇〈一村之長觀感〉》。 我們在寫影評的過程中，要不斷總結學習影視鑒賞論文他人的寫作經驗，豐富自己的寫作實踐，在日積月累的基礎上，通過影評的寫作，不斷促進我們知識結何的完善，提高我們的頎賞水平和審美能力。
『拾』 好萊塢電影論文範文集
近年來，好萊塢電影是世界電影史上的一座里程碑，實現了運營與藝術成就方面的完美結合。下文是我為大家蒐集整理的關於好萊塢電影論文範文的內容，希望能對大家有所幫助，歡迎大家閱讀參考!
好萊塢電影論文範文篇1論好萊塢電影的美術風格
[摘 要] 縱觀美國電影美術的發展，主要是以好萊塢電影的誕生作為分界點。好萊塢電影無疑是世界電影關注的焦點，在當代影視領域中獨領 *** 。從好萊塢電影美術風格的變化發展來看，其具有三個鮮明的發展階段，即興起、黃金時期以及現代電影美術三個階段。本文聚焦於好萊塢電影的美術風格，分別例舉出不同時期的優秀好萊塢電影作品，通過對電影場景、製作技術、表現形式等方面進行分析，並從不同的視角總結出好萊塢電影的美術風格。
[關鍵詞] 好萊塢電影;美術風格;電影美術
美國好萊塢電影自誕生以來就成為引領世界電影潮流的先鋒軍，在當代影壇中占據霸主的地位。從好萊塢電影的美術製作來分析，它的美術風格並不能完全掌握，無論是經由影片公司製作的還是獨立製片的電影，都因為電影題材的豐富性和多樣性而不斷形成了現今電影美術的發展態勢，即具有變化性、飽滿的想像思維以及震撼人心的視覺效果。因此，且不論好萊塢電影的投資成本，其獨樹一幟的電影美術創作風格也是值得我們返伍學習的重點。
一、超級場面創造的大片風格
好萊塢電影的美術風格首先表現在具有巨集偉場面的大片風格，把人物造型、動作及其堪稱完美的音畫效果結合在一起，引領觀眾體驗到一次又一次的視覺盛宴。例如在1916年由大衛・格里菲斯拍攝的好萊塢電影《黨同伐異》中就展現出大片級別的美術風格，影片把同一時期的構築式布景展現得淋漓盡致，並邀請了著名的雕塑家弗蘭克・渥特曼主要負責影片的美術設計工作。相信看過這部影片的觀眾一定不會忘記鏡頭畫面中呈現出來的精彩絕倫的視覺藝術，包括恢弘的場景、別具一格的建築、富有形態感的造型設計、望不到盡頭的廣場、密集的人物運動，影片中包含的這些美術元素無疑使其成為視覺藝術的一大奇觀。再者，影片中刻畫的「巴比倫宮」，這一建築的規模可謂是令人驚嘆，在廣大觀眾心中留下了深刻的印象，這一建築也成為空前絕後的美術場景。因此，電影《黨同伐異》也在很大程度上引領了好萊塢電影場景造型的大片風格，具有里程碑式的意義。這一型別的電影作品往往以視覺沖擊作為主打，電影場景具有恢弘的氣勢，猶如排山倒海的氣魄，使電影場面形成一個巨大的美術造型，可容納多人的運動，影片所營造出來的美術風格無疑是極盡奢華的。在此之後的好萊塢電影紛紛把《黨同伐異》作為電影創作的典範，這種大片風格也逐漸得到了發揚和繼承，特別是當代創作出來的好萊塢電影，一些具有深遠影響力的影片無不具有大片風格和超級場面。
二、製片公司所屬的風格與裝飾風格
同一型別的電影作品在視覺上產生了不一樣的藝術效果主要歸因於來自於不同的出處。在好萊塢電影美術的發展歷程中，曾經一度出現了以片廠公司作為辨別的系統，並通過美術設計師與導演等人一同商議，決定影片的美術場景、服裝以及風格。而電影的裝飾風格則在查爾斯・霍爾等人所屬的影片公司得到了體現，他們往往通過不同的裝飾讓整個場景空間產生不同的視覺感受，並營造出不同的美術風格，這就直接促使影片的外在材質存在明顯的區別。美國著名的扮銷美術指導漢斯・德賴爾原先從事於德國的製片廠，所以不難理解他的電影創作中存在顯著的簡練風格，這是歐洲人獨有的風格，同時他還擅長於營造出富有浪廳世游漫、美輪美奐的美術場景，慣用較為奢華的裝置場景，正是由於漢斯・德賴爾個人的審美風格，才逐漸地促使派拉蒙公司的影像風格形成。
另一個聲名鵲起的製片公司當屬環球電影公司，主要是由赫爾曼・羅斯以及查爾斯・霍爾共同營造出較為陰沉和抑鬱的美術風格。幾乎每一個製片廠製作的電影作品都可以從環境中抽取典型的裝飾風格，並且他們的創作調性也能展現出具有不同審美藝術的生活質感，凸顯出場景的基調，彰顯出製片公司所具備的裝飾風格。在好萊塢電影的製作中，偏向於質朴感的現實主義風格是華納兄弟公司特有的視覺感受，這一風格有賴於安東・格格特的塑造。在20世紀享譽全球的福克斯電影公司的美術風格則是由威廉・達林等人共同確定的，他們分別通過不同的形式來塑造富有特色並符合本公司特徵的美術風格。於1928年成立的雷電華電影公司是好萊塢黃金時期的電影公司之一，當時是由范內斯特等人作為主要負責人，並成功塑造了羅傑斯的音樂片，1941年的好萊塢電影《公民凱恩》就凸顯出這種裝飾風格。
三、數字技術與電影美術結合創造的視覺風格
一般來說，傳統的電影特技製作手段對好萊塢電影的風格並沒有多大的影響，嚴格說它只是一種電影創作的手段，並呈現出現實無法完成的鏡頭畫面，但因為受到創作工具、技巧等方面的制約，還無法展現出立體的、富有動感的影視畫面，這一點從早期創作的電影作品《賓虛》等就能窺探一二。隨著數字時代的到來，好萊塢電影的創作也實現了質的突變，之所以當代好萊塢電影能在廣大觀眾的心裡占據一定的地位，還在於其具有質量的保證，具體表現在富有美式特徵的多樣性場景、跌宕起伏的情節設定以及精良的特技效果。
好萊塢電影伴隨著計算機技術的日趨成熟，「數字特技」對電影的影像語言產生了突出的影響，並在一定程度上彌補了傳統特性的藝術表現力的不足問題，從而實現了完美視覺效果的呈現，使電影特技的藝術手法演繹得淋漓盡致。以1977年拍攝的好萊塢電影《星球大戰》為例，其首先開啟了工業光影魔幻的數字技術。及至1992年，由詹姆斯・卡梅隆等人共同創辦的數字公司成立，標志著數字技術與好萊塢電影實現了完美的結合，並走向了電影創作的高峰時期，成功為電影藝術開啟了全新的視覺享受。隨著好萊塢電影《侏羅紀公園》的誕生，這一部影片被公認為現代技術的奇跡，著名導演斯皮爾伯格傾注了自己對數字技術的熱情和智慧，為觀眾展現出一個跨越一億四千萬年的恐龍時代，讓存留在廣大觀眾心中的夢想回歸到現實。
在此之後的好萊塢電影，例如1994年拍攝的電影《真實的謊言》、1997年的《泰坦尼克號》等經典影片無疑不是數字技術和電影美術風格完美結合的例證。尤其是在2009年，由詹姆斯・卡梅隆執導的立體電影《阿凡達》更是創造了數字技術的一大奇觀，充分地展現出現代化的視覺風格;2010年由克里斯托弗・諾蘭拍攝的科幻大片《盜夢空間》，再一次給觀眾帶來了視覺藝術的驚喜，引領觀眾穿梭在夢境與現實之間，可謂是完美的視覺盛宴。這些好萊塢電影的創作手段幾乎改變了電影藝術的發展態勢，實現了從傳統介面上升到全新材質的電影製作，在這其中最突出的成就還在於視覺層面的提升，就如同美國視效專家比爾・喬治所認同的，電影今後的發展就是數字技術。當前，影視領域已經邁向了數字時代，數字技術必將完善好萊塢電影的製作，盡顯好萊塢電影視覺風格。隨著數字技術不斷革新和發展，對於影視領域來說無疑是一次巨大的飛躍，它把萊塢電影的視覺風格演繹得淋漓盡致，為其今後的發展開拓了全新的技術領域。
四、混合式現代風格
好萊塢電影的美術風格隨著時代潮流的變化也會發生相應的轉變，但是要恰當地評價其具體的風格是一件難以把握的事情，雖然當前好萊塢電影的美學特徵都是通過形象片展現出來的，然而透過這些形象所展現出來的美術風格，就如同好萊塢電影本身一樣，並沒有生成固定的創作模式，所以都是一種寬泛的外在介面。當前，隨著新媒體一度成為決定電影美術走向的因素之一，追求創新和現代化的創作理念促使電影的表現形式走向了邊緣化的趨勢。同時，視覺理論以及西方哲學思想也在不同程度上導致好萊塢電影的美術風格發生突變，當代好萊塢電影美術已經展現出多樣化的創作，並積極打破了傳統的介面，影片的表現方式不盡相同。
事實上，從好萊塢電影誕生之初至今，極少出現單一化的電影美術風格，即使是寫實主義等型別的電影美術風格也並不是以單一的風格為主，創作者時常在主體風格中融入其他的電影元素，但不會影響影片的整體美術風格，因為在大多數的美術場景中都緊密地切合主體風格，並採用多種不同的表現手法。例如2005年上映的好萊塢電影《美國怪談》，導演把故事背景切入到現實空間，但是影片中出現了許多夢境的畫面就是採用了超現實的手法來展現出強烈的視覺效果。而其他的好萊塢電影，如2000年上映的《入侵腦細胞》、2005年的《罪惡之城》等都是沿用了相同的影像表現手法，在這一型別的電影中最為鮮明的美術風格則是混合式表現風格，例如基努・里維斯的代表作品《黑客帝國》系列就綜合了多種表現形式，把東西方的功夫片、童話、漫畫、科幻片等元素都交融在一起，凸顯出混合式的表現風格。
另外一部好萊塢電影《閃靈俠》於2008年上映，這部影片的創作也運用了多種語言風格，包括現實與超現實的元素，同時也備受後現代主義文化的薰染，這些元素都在影片中得到了具體的表現，展現出一種混合式的現代美術風格。好萊塢電影《閃靈俠》還著重凸顯出具有美國式黑 *** 的美術風格，影片中採用了平面原理，雕塑、動畫等電影元素得到了最大化的利用，在電影的創作中並不局限於單一的形式，無論是視覺形象還是表現方式都實現了多元化的發展。混合式美術風格的誕生與數字技術的發展息息相關，並與新媒體藝術相互作用，成為好萊塢電影創作中的主導美術風格。
五、結 語
總之，好萊塢電影美術本身就是一個繁雜而又龐大的體系，如果純粹從表層含義來分析是很難把握其本質的，但通過列舉出不同時期內的好萊塢電影作品及其表現形式，無疑讓我們對好萊塢電影美術風格有了大概的了解。本文分別從不同的視角來概括出當代好萊塢電影的美術風格，這些觀點或者是經由考察，或者是個人的主觀看法，不可否認對問題的探析存在認知上的限制。但以發展的眼光看待好萊塢電影，其電影美術必將與影視作品一樣還會延伸出更多富有創新性的美國風格，要真正地把握好萊塢電影的美術風格就應對其不斷認識和探究，才能把握住好萊塢電影美術的發展取向和風格。通過對好萊塢電影的美術風格進行分析，也可以警醒我國的影視工作者也應注重藝術的創新，對我國影視領域的發展具有學習的意義。
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好萊塢電影論文範文篇2談好萊塢宗教電影與文字之間的關系
【摘 要】電影《埃及王子》以《聖經・出埃及記》為基礎，對一個耳熟能詳的宗教故事進行了好萊塢式的改編。電影《出埃及記》表現出現實主義的基調，彰顯著人的精神，凸顯著娛樂性。而文字的《出埃及記》則表現出宗教的基調，強調了神的威嚴，體現出神的不可侵犯性。這兩者是各有取捨，但是並不妨礙兩者之間的相互促進。
【關鍵詞】出埃及記;埃及王子;現實主義;神本主義;好萊塢影像
電影是一門綜合藝術，它同經濟、政治、宗教、科技有著空前密切的聯絡，而電影對其他藝術種類的吸收容納更是它快速發展的力量之源。而以語言為載體的文學作為一種成熟發達的藝術種類，在人類社會發展的開始階段就承載著記錄歷史的變遷、文明發展的重任。年輕的電影對古老文學的汲取是水到渠成的事情，可以說電影以文學為根基，用影像來表達自己的存在方式。但是電影並不拘泥於對原著絕對忠實的改編，而是根據視覺藝術的特點，呈現出自由選擇的狀態，其落腳點注重的是電影的「影像本質」的展現，也就是展現出來的畫面是否好看的問題。電影《埃及王子》和文字《出埃及記》之間由於各自的特徵不同，導致各自呈現出不同的取向。
一、電影的現實主義基調，文字的宗教基調
麥特白指出：「雖然好萊塢為觀眾逃避現實生活提供了承諾，但它卻始終保持了社會的慣例，在情節和主題中，仍然描述了一種我們可加以辨識的社會狀況。」現實主義的基調一直是好萊塢電影的主調。吳貽弓以「現實主義依然是不可取代的」為題，認為「美國電影是非常現實主義的，雖然有各種各樣的美學形式，根本上說是現實主義的，否則不會調動全世界的觀眾。」關注現實的人的生活，才能在票房上大獲全勝。藍愛國認為「好萊塢電影奇觀思維和夢幻邏輯的底層結構原則仍始終是大眾現實的生存狀態。」好萊塢電影經常探討的是與日常生活密切相關的主題，如事業、愛情、家庭、社會問題等，這些問題都是生命在現實中每天要面對的諸多事情，反映出電影對人生的思索。
基本上來說，電影《埃及王子》只是借用《聖經・出埃及記》中為大家所熟知的人物和大致的情節，憑借著書中描寫的寥寥幾段話，通過電影的虛設，成就電影版的《埃及王子》。電影著重渲染的摩西的愛情和事業。電影的前半部份都定格在摩西的成長和愛情的收獲上，摩西的事業是伴隨著他的成長而進行的。摩西作為神的代言，替神來完成拯救大眾的使命，影片呈現出一幅幅現實主義的畫面。從總體上來看，電影講述的是一個人間英雄的故事，我們處處看到是作為一個人的英雄事跡，其間經歷很多的磨難，而不是僅僅依仗神的威力。電影只講述了文字《出埃及記》前半部分的故事，對後半部分就沒有提及。好萊塢版本《埃及王子》在摩西帶領以色列人逃出埃及法老的殘酷統治，奔向幸福之地中就結束了，英雄在救美與救世中成就了自己，成就了好萊塢的英雄主義情結，強調了反抗壓迫，追求自由的美國精神。
《聖經》文字重在描寫耶和華的威力和對民眾的恩惠。文字的重點在對耶和華神威的展示上，在「神召喚摩西」和「神賜摩西行神跡的權能」中，摩西見識了神的法力無邊，然後神讓摩西去代替他拯救自己的子民。摩西按照神的指示，見法老請求讓以色列人離開埃及，去尋找自己的幸福。但是法老不肯，文字中就描寫神的雷霆之怒，降下十災，即血災、蛙災、蝨災、蠅災、畜疫之災、瘡災、雹災、蝗災、黑暗之災、擊殺長子的警告，最後到埃及頭生的被殺，都在著重描述神的奇跡。過紅海的時候，神在海中劈出一條生路讓以色列人避開埃及人的追殺，同時又把埃及人全部淹死。耶和華的力量讓以色列人頂禮膜拜，這在文字的4到14章中重點描述，顯示出神強大的威力。摩西作為一個人，在文字中成為神的傀儡，摩西所有的力量都來自這個無所不在的神，而且處處要顯示出神的威嚴和神的不容懷疑。文字的長度分為40章，在15到40章中，描寫了曠野的旅程、在西奈立約、有關崇拜以及會幕的指示、盟約的破壞與重定、建造會幕的事情，都在渲染宗教的氣氛。
二、電影的娛樂性 文字的神聖性
在克羅齊「一切歷史都是當代史」的經典闡釋中，道出了好萊塢電影人的智慧。他們總是能讓任何電影去適合當代人的當下口味，以美國當代的文化價值去演繹一個千古的聖經傳奇，既能體現出人文精神，又能和商業元素結合。基督教和大眾娛樂的結合能否「使自己免於臣服於文化時尚」而保持自身的神聖性也不得而知。當今的時代技術發展迅速，而且多元文化流行的時代，宗教的神聖性到底在多大程度上能被在影像中表現出來，的確是一件很困難的事情，世俗的娛樂性與宗教的神聖性畢竟還是有所沖突的。文字充滿了宗教的嚴肅性，在文字中，絕對禁止任何對神不敬的行為，連神的形象都是不容許被塑造出來，否則會被降以災難。神沒有形象，不容許凡人褻瀆。文字處處都在加強這種神聖感，而不允許有任何的懈怠。因此，聖經中的人的自由與權利不是與生俱來的，要聽命於上帝的意志。這些權利來自上帝的賜予，以上帝所啟示的律法為標准。人要愛神，因為神就是真理，不容有半點的懷疑。而且要與上帝建立正確的關系還有一點就是人類要彼此相愛，建立一種和諧相處的根基。只有這樣，神對人的拯救才能最終獲得成功，而文字的神聖性也在救贖之中體現出來。
這部電影可以說是聖經故事與當代美國流行元素的拼貼。電影的娛樂性主要提供視聽 *** ，在乎視覺和聽覺的享受。同時在情感層次上，提供滿足人 *** 望的內容，講究的是以情動人。好萊塢電影慣於營造美國夢想和精神，對和平、自由的嚮往與追求成為寓教於樂最好的詮釋。再者動畫片用科技的手段將現實中不可能出現的場面繪制出來，比如水變成血水，紅海中出現的路，電影用自己的魔術效應，讓我們的視覺感官得到強烈的沖擊。摩西分開紅海那一段，雖然只有7分鍾，但是由16畫師花上3年心血，經歷318000個電腦製作小時完成。這是動畫中首次出現超高真實度的水，給觀眾強烈的視覺沖擊力。觀眾不厭其煩地選擇相同的型別電影，除了滿足自己期待視野不會落空外，更深層的原因是在熟悉的影像空間中去尋找視覺娛樂。在視覺和聽覺的雙重娛樂下，消解了宗教帶來的壓迫感。
三、文字與影像傳播的互動性
盡管文字和影像這兩者是有矛盾的，但並不妨礙兩者之間的相互促進。電影依然要忠實於文字最核心的內容與框架，尤其是面對一些經典文字，更是慎重。如果改編太背離原著文字，會引來很多指責和批評。影象的優點是生動形象，資訊量大，但是影象淺顯易懂，直白解說，理解的難度很大程度上降低，缺乏審美上的想像力，觀眾只需被動接受就可以了，一些研究大眾媒體的人對此是有著清楚的認識的。人面對文字是要主動思索，進行想像虛構的難度，這種閱讀的樂趣就在陌生化的語言中得到延伸。歷史上，影象總是處於被歧視的地位。在《理想國》中，柏拉圖著名的「三張床」理論就把影象看做最低階的摹本。在《聖經・出埃及記》中，人們要給神塑造形象，把神塑造成一隻金牛犢的樣子，結果引來了神的憤怒，給民眾帶來了災難。同樣，在把文字改編成電影的時候，很多人對影像的製作也是頗有微詞的，因為影像抹殺了人的想像力。但是在日常生活中，影象的傳播已經無處不在，而且還作為一種不可或缺的力量促成了人的現實活動。
四、結語
如此看來，影像和文字之間的不同是基於各自不同的價值取向，和各自不同的藝術門類的特點來規定的。每一個藝術門類的都有自己各自的特點，每一個藝術門類想要去和別的藝術門類相關聯，都首先應該考慮的是自己的特徵問題。文字以語言取勝，電影以畫面取勝，電影對文學作品的改編，一切都源自於對自身完美的追求，採取一種「拿來主義」的原則。好的影像傳播不會丟棄文字的人文情懷的核心價值，而好的文字也力圖通過語言來展現自己的價值所在。
參考文獻
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