⑴ 電影大學新生
單看《大學新生》如此朴實低調的中文譯名，再看到介紹中提及改編自白雪公主與七個小矮人的故事，一時間思路全部打起結來。莫非這是又一部《魔法奇緣》？不過顯然本片沒有這么大的野心，它所追求的，正如幾年前那部《灰姑娘的玻璃手機》一樣，將一個老童話披上大學生活的新衣。這類「老歌新唱」式青春片的特徵歸納起來大致就是「四化」：人物臉譜化、行為極端化、情節程式化、結局夢幻化。在大框架定死的前提下，唯有盡力升華立意，並於細節處多費心思，影片才不至於流為濫俗而無知的缺乏誠意之作。以此看來，本片已經同《灰姑娘的玻璃手機》站到了不同的水平面上，畢竟它結合了現實性的意義，而《灰》依舊徘徊在低齡化的少女幻想。
先說人物臉譜化。主人公Sydney White毫無疑問便是Snow White的嫡系傳人，無論其下層出身還是偏於男性化的氣質，她都擁有足夠的魅力在短時間內一舉攻佔全校MM人氣榜的頭名寶座，簡單地說，就是輕松當上校花。除此之外，她還具備過硬的心理素質、知難而上的積極精神、樂觀開朗的生活態度，以及能感染他人、調動他人的優秀組織能力，甚至像催眠一般令所有學生跟著她宣布自己是怪人，簡直比白雪公主還要全面，一身家常裝束下包裹的實為一個理想化的女性化身。主演阿曼達·拜恩斯經歷過《足球尤物》中在男女兩性間瘋狂轉換的「亂馬」型角色洗禮後，演繹這樣臉譜化人物已經稱不上考驗了，盡管人似乎又「豐滿」了不少，好在居高不下的卡哇伊指數依然令其陽光無敵。被塑造成大反派的Rachel就是個徹頭徹尾的女巫形象，內心惡毒、陰險善妒、極度自戀，且權力欲極強，幾乎將逐個學校操控在自己手裡。這種角色同樣沒有多少現實存在的理由，其意義就是成為主人公的對立面然後被打倒，影片也自始至終不斷強化其邪惡、表現她感到威脅時的無情鎮壓和逐漸失勢時的垂死掙扎，使觀眾怒火愈燒愈旺，最終享受那一刻她傾然倒台、眾叛親離的快感。值得一提的是她的扮演者薩拉·帕克斯頓前年還曾擔綱新版《美人魚》的主角，兩相比照下發現她演繹這樣的蛇蠍美人可要比純真的人魚小姐迷人得多，也更加傳神，不知她自己意識到否？男一號Tyler的身份自然是校草，而且又是兩任校花的男友，嚴格遵守了王子必須配公主的童話鐵規，而且他愛上新校花後就和老校花徹底情斷意絕，同樣沒有違背王子用情必須專一的戒條。作為「小矮人」的七位男生倒是全片中最鮮活、最真實的角色，他們善良、風趣、有理想，但因為自卑而一直活在七個人的小圈子裡，對女人同樣保有熱情但只敢停留在幻想階段，是一個身在校園、卻並未融入校園的邊緣群體。我們的公主利用自身的博愛與親和力為他們解開心結，使七人順利回歸主流，准確的說，是引領主流。不過，七位男生雖然個個性格鮮明、特點突出，但影片也僅僅對此做了個展示而已，並未利用來為他們的奮斗歷程服務，也許這便是童話故事的局限性，不得不說是一大遺憾。總體來看，本片的主要角色盡管趨於善惡分明的臉譜化，但又未同呆板做作沾邊，在人物塑造上影片沒有令我們失望。
人物的臉譜化必然導致其行為的極端化。片中人物都活在一個虛擬的現代生活環境里，他們的行為自然無需符合真實大學生的情理。其中最甚的非Rachel莫屬，作為學生會主席，她已將學校當成了自己的王國，雖說不上呼風喚雨，也夠得上為所欲為了，而全校學生竟能默默容忍這種獨裁者的統治，若非Sydney的橫空出世，她都要成終身制領袖了，這和美國人高度重視人權、高等學府自由開放的風氣完全背道而馳。片中的姐妹會被描繪成一個需要經過層層考驗的上流人物團體，而學生會主席競選更能同總統大選媲美，這或許已是對大學里或社會中現實中問題的反映和諷刺，對於我們這些只能在光影天地里遨遊西半球天堂的夢游者來說就不敢妄作揣測了。
再談情節程式化。只要認真觀看的觀眾就能明顯感覺得出，影片的情節可以大致分為三段：一是Sydney進入大學後，為加入姐妹會而經歷各種考驗，在入會的夜晚以遭排擠告終；二是她在認識了七位「小矮人」後幫助他們競選學生會主席，就在人氣大旺之際卻被Rachel陷害而流離失所；三是他們重整旗鼓，贏得全校同學支持而將Rachel趕下台。將矛盾發展合理地劃分為三個階段，可謂充分符合「一波三折」，這倒是和海報上阿曼達的黃金分割比例相映成趣。而影片的戲劇沖突也是層層推進、毫無冷場，證明本片的確是部成功的商業片。
作為通俗喜劇尤其是現代童話，結局的夢幻化也是不可或缺的。在吊足我們胃口後，影片終於讓Rachel狼狽不堪地退場，但沒有告訴我們她之後是何種下場，可以想見，她可能精神崩潰而成為瘋子，也可能落魄地住在一間破屋裡，每天接受人們鄙夷的目光與唾棄的口水，而在現實中，這種人卻大有希望東山再起，公主們並非從此高枕無憂。「小矮人」搬進嶄新的宿舍，體驗到了愛情的滋味，還發了大財，得到了現實世界裡能收獲的最為童話式的結局，影片也在公主與王子的熱吻中落下帷幕，我們亦帶著十二分滿意走出夢境，看看四周，彷彿一切都閃著晶瑩的雪光。
童話是美好的，但看完童話，不要長久駐足在自己的王子和公主夢里，盡情綻放吧，也許你也將成為大家的王子或公主*^__^*
⑵ 求一部應該是美國的二戰時期的搞笑電影
黑人兄弟的《基和皮爾》
⑶ 看看俄羅斯世界的電影五百字
俄國1908年始有電影，第一批藝術片出現於1916年，1919年列寧簽署電影國有化法令，這是蘇聯電影事業的開端。
國內戰爭年代占據蘇聯銀幕中心的是新聞紀錄片，主要反映紅軍的英勇戰斗和工農群眾的業績。
國內戰爭結束後蘇聯電影事業有了進一步的發展，開始拍攝反映革命歷史和蘇聯現實的新影片。1925年，謝.米.愛森斯坦（1898～1948）導演了無聲影片《戰艦波將金》，歌頌1905年革命。影片在世界電影歷史上首次採用了蒙太奇的剪輯手法，被稱為里程碑式作品，在1927年巴黎國際電影節上獲得大獎。20世紀20年代後半期的優秀影片有根據高爾基同名小說改編的電影《母親》、《土地》等。 20世紀30年代有聲電影的出現是電影史上的轉折點，蘇聯的一批作家開始創作電影劇本，作曲家開始為電影譜曲，戲劇演員轉而從影。20年代電影方面的革新主要在剪輯、節奏和群眾場面上，30年代則轉向劇情安排、人物性格塑造以及運用語言、音樂、歌唱、音響等表現手法。蘇聯第一批有聲影片中較好的有《迎展計劃》和首次搬上銀幕的古典戲劇名著《大雷雨》等。1934年由瓦西里耶夫兄弟導演的根據富爾曼諾夫的長篇小說改編的影片《夏伯陽》，被認為是社會主義現實主義的優秀作品。繼該影片後出現了一系列較好的革命歷史影片，有《馬克辛三部曲》、《波羅的海代表》、《肖爾斯》、《我們來自喀琅施塔得》、《雅科夫.斯維爾德洛夫》等。
1937～1939年，列寧的形象連續出現在銀幕上，這是蘇聯電影藝術的一項重要成就。影片主要有《列寧在十月》、《列寧在1918》和《帶槍的人》等。
20世紀30年代末和40年代初，蘇聯電影在主題、體裁和風格方面趨於多樣化。有描寫歷史活動家的大型史詩影片《彼得大帝》、《亞歷山大.涅夫斯基》，有反映當代生活的《政治委員》、《燦爛的生活》等。此外，還拍攝了一些動畫片、喜劇片、紀錄片和科普片。 衛國戰爭年代用以鼓舞戰鬥士氣的電影小型片居多。四年間共拍攝了489部新聞紀錄片，67部小型片和34部大型片。著名的藝術片有《區委書記》、《她在保衛祖國》、《虹》、《卓婭》等。戰爭年代還創造了文獻紀錄電影形式，紀錄下了從德國法西斯入侵到他們徹底失敗的許多重大事件。這類影片有《莫斯科城下大敗德軍》、《斯大林格勒》、《柏林》等。
戰後初年的影片有《青年近衛軍》、《易北河會師》、《鄉村女教師》、《西伯利亞交響曲》等，反映衛國戰爭中可歌可泣的英雄事跡，回顧重要的歷史事件，表達勝利的喜悅和對未來的嚮往。傳記片在戰後的蘇聯電影片中佔有一定的比例。主要有《米丘林》、《巴甫洛夫》、《穆索爾斯基》和《塔拉斯.舍甫琴科》。戰前蘇聯已有彩色片，戰後進一步提高了色彩技術，並在完善立體聲、環幕電影和全景電影技術方面取得進展，1955年蘇聯拍攝了第一批寬銀幕影片，立體影片。
50年代中期以來，蘇聯拍攝了不少以衛國戰爭為題材的影片，這些影片的思想藝術傾向幾經變化。50年代著重表現下級官兵的戰壕生活；戰爭中人們的悲劇性命運和表現戰時普通人的道德心理。如丘赫拉伊導演的《士兵之歌》，邦達爾丘克根據肖洛霍夫同名小說自導自演的《一個人的遭遇》，卡拉托佐夫導演的《雁南飛》等。60年代以後逐漸轉向表現蘇聯官兵的英雄行為，並把激烈的戰斗和前線的日常生活結合起來，影片著力表現的不是事件本身，而是在關鍵時刻人的心理和道德面貌，這也是70年代戰爭題材的影片的鮮明特性之一。這方面著名的影片有《這里的黎明靜悄悄》、《熱血》等。70年代戰爭片的另一特徵是展現戰爭全景，對反法西斯的歷史進程進行客觀的概述。奧澤羅夫導演的《解放》是全景式的5集史詩片，它從蘇、德兩軍統帥寫到普通戰士、從蘇軍開始反攻寫到德軍全軍覆滅，是一部反映二次世界大戰的文獻性故事片。類似的影片還有《圍困》（原著恰科夫斯基、導演葉爾紹夫）。80年代初問世的戰爭片，如《勝利》、《岸》（原著邦達列夫，導演阿洛夫、納烏莫夫）具有更加強烈的政治色彩。他們把過去的戰爭同當代蘇聯的對外政策聯系起來，涉及到諸如戰爭與和平、東西方緩和等重大國際政治問題。另外，根據肖洛霍夫的同名小說改編的影片《他們為祖國而戰》（導演邦達爾丘克）也取得很大成功。 表現當代生活的影片題材廣闊、形式多樣，道德題材影片有《湖畔》、《熱愛人》、《紅莓》、《稻草人》、《懷戀的冬夜》、《合法婚姻》等，70年代的故事片《紅莓》展現了一個刑滿釋放人員重新做人卻遭黑社會殺害的經歷，在蘇聯評論界引起了長時間的討論。根據舞台劇改編的電影《辦公室的故事》、《兩個人的車站》受到觀眾的歡迎。其中1964年舒克申自編自導的影片《有這樣一個青年》獲全蘇電影節嘉獎和第16屆威尼斯電影節「聖馬克金獅獎」。80年代初的《莫斯科不相信眼淚》曾獲奧斯卡金像獎。生產題材的影片有《最熱的一個月》、《獎金》等。
蘇聯的電影工作者注重將國內外的文學名著搬上銀幕。蘇聯銀幕上的文學名著優秀影片有科靜采夫導演的《哈姆雷特》、尤特凱維奇導演的《奧賽羅》、羅沙里導演的《苦難的歷程》、謝.阿.格拉西莫夫導演的《靜靜的頓河》、扎希爾導演的《安娜.卡列尼娜》、伊.亞.培利耶夫導演的《白痴》和《卡拉馬佐夫兄弟》、庫利讓諾夫導演的《罪與罰》等。
戈爾巴喬夫時期放寬了文化限制，電影界發生巨大變化，主要表現在：⑴出現反對斯大林的影片。1986年11月上映的喬治亞電影製片廠攝制、堅吉茲.阿布拉澤導演的影片《懺悔》和1987年12月上映的電視紀錄片《再揭露》。⑵重新審查過去發行的影片。蘇聯影協成立了一個專門委員會，調查近20年來禁止放映的影片25部，公映了克利莫夫導演的《垂死掙扎》等影片。在赫魯曉夫時期曾轟動一時，在勃列日涅夫時期被禁演的影片《晴朗的天空》，於1987年在中央電視台播映。1971年攝制的影片《途中考驗》（根據尤.格爾曼的小說《「祝賀新年」行動》改編，阿.格爾曼導演），1986年開禁。同時，蘇聯政府以個別情節「嚴重失實」為由，把《列寧在十月》、《列寧在1918》等其他9部電影列為禁片，不得在影院、電視台播映。⑶放寬進口電影的標准，過去被嚴格禁止的流亡西方的蘇聯導演安德列.塔爾科夫斯基的作品《鄉愁》和《犧牲》也在莫斯科上映。
除開禁了許多影片外，隨著國家對電影監控的取消，出產影片數量增加，且主要是描繪社會的陰暗面並充斥著暴力與色情。這類影片有《克萊采奏鳴曲》（1987，施維策爾導演），《小維拉》（1988， B.B.皮丘爾導演），《僕人》（1989，阿布德拉希托夫導演），《衰弱綜合症》（1989，穆拉托娃導演），《星空下的房子》（1991，C.A.索洛維約夫導演）以及蘇聯解體後俄羅斯出產的影片《深坑》（1992，B.德霍維奇內導演），《太陽灼人》（1994，米哈爾科夫導演），《高加索的俘虜》（1996，C.博德羅夫導演）。
蘇聯有電影從業人員30萬人，電影製片廠39個，其中拍攝故事片的製片廠19個。蘇聯設有國家電影委員會，負責領導電影事業。1965年成立的蘇聯電影工作者協會是電影藝術工作者的專業聯合組織。蘇聯從1958年起以舉辦全蘇電影節的形式展映所有製片廠的影片。 蘇聯電影從《戰艦波將金》開始登上國際影壇，30年代以後經常參加戛納、卡洛維伐利、威尼斯等國際電影節，屢次在國際電影節上獲獎。蘇聯電影在134個國家上映，在世界影壇上享有盛譽。從1959年開始隔年舉行一次莫斯科電影節，放映來自五六十個國家的幾百部影片。80年代，蘇聯每年攝制故事片約150部，電視片約100多部，科普片約1000多部，動畫片約130部。
俄羅斯的電影產業主要集中在莫斯科和聖彼得堡，在莫斯科有「莫斯科電影製片廠」、「高爾基兒童與青年中心電影製片廠」、「聯盟木偶電影製片廠」、「中央科學電影製片廠」。在聖彼得堡的有「列寧電影製片廠」、「文獻和科普電影製片廠」、在葉卡捷琳堡和其他一些城市也有電影製片廠。 蘇聯解體之後，俄羅斯電影業陷入了困境。1991年蘇聯解體之後的10多年間，俄羅斯電影業發展十分不均衡。1991年拍攝430部電影，而1996年產量僅為26部。近年來影片產量有所回升。進口影片，尤其是美國影片占據著俄羅斯的市場。以1995年為例，俄羅斯全年上映影片共286部，其中，美國電影就佔了111部。
近幾年來，俄羅斯大力加強對國產電影的扶植，通過了《電影法》，為發展「民族電影」鋪平了道路。從政府組織機構上也進行了調整：撤銷了主管電影的電影委員會，電影歸文化部管理；政府設專項電影基金；製片廠設備得到更新；電影院逐步改建，採用最新的放映設備；莫斯科國際電影節改為一年一次，並且由政府撥款資助。俄羅斯電影正在逐漸走出困境。
近兩年最新拍攝的《戰爭》、《小狗與流浪兒》、《他妻子的日記》、《布穀鳥》、《情人》、《致艾麗斯的信》等影片基本代表當代俄羅斯電影的發展水準，反映俄羅斯現代社會和民俗風情。
《西伯利亞理發師》以1885～1905年沙皇俄國時期的社會生活為背景，講述了一個凄婉美麗的浪漫故事，受到俄羅斯各界觀眾的喜愛。該片導演尼.米哈爾科夫拍攝的《太陽灼人》獲1995年奧斯卡最佳外語片獎。 謝爾蓋.索洛維約夫（1944～）1968年畢業於莫斯科電影學院導演系。主要作品有：《童年過後一百天》(1973年，獲第25屆柏林國際電影節最佳導演獎)、《救生員》(1979年，獲威尼斯國際電影節評委會特別獎)、《溫柔年華》（2001年）以蘇聯解體前後15年的生活為背景，展示主人公的種種際遇。
近年來，俄羅斯私營電影公司發展迅速，私人資本投資於電影業，完全進行商業化運作，投拍了一批新影片。如《羅曼諾夫王朝》（1997年，潘菲羅夫導演）、《小偷》（1997年，巴維爾.朱赫萊導演）、《聾者之國》（1998年，瓦.塔達洛夫斯基導演）、《伏羅希洛夫的槍手》（1999年，斯.加沃羅辛導演）、《寶馬》（2003年，彼.布斯洛夫導演）等。
動作片的數量在增加。《兄弟》（2000年）的主人公達尼拉從部隊復員後來到聖彼得堡投奔自己的朋友──職業殺手，故事在俄美兩國展開，以當代為背景。這是俄羅斯第一部完全按照動作片模式拍攝的電影。
阿.羅果什金從1995年到2000年這五年中，連續拍了三部以俄羅斯民俗為背景的喜劇片──《民族狩獵的特點》(1995年)、《民族捕魚的特點》(1998年)、《冬日民族狩獵的特徵》(2000年)。
2003年，俄羅斯年輕導演安德烈.茲維亞金采夫的導演處女作《回歸》奪得第60屆威尼斯電影節金獅獎。《回歸》描寫的是一對兄弟如何面對10年未曾謀面的父親突然歸來的故事。這部影片的獲獎對俄羅斯電影具有非同尋常的意義。因為這是40年來俄羅斯電影首次獲此殊榮。此前，安德列.塔爾科夫斯基《伊萬的童年》和尼.米哈爾科夫的《庫倫》分別於1962年和1991年贏得威尼斯電影節大獎。
近年來，戰爭題材的影片不僅把鏡頭對准50年前的那場大戰，譬如阿.羅果什金的《布穀鳥》（2002年）以第二次世界大戰為背景，展示了戰爭給人們帶來的苦難，影片中的三個主人公語言不通，最後卻能相互理解。 故事片《哨卡》（1998年，阿.羅果什金導演）、《戰爭》(2002年，阿.巴蘭巴諾夫導演)以最近的車臣戰爭為背景，直接反映了內戰給人民生活帶來的不幸。
歷史題材的《小牛犢》（2001年，亞.索庫洛夫導演）描述列寧逝世前一年的生活，對列寧的形象進行了全新的詮釋。
故事片《寡頭》（2002年，巴.魯金導演）反映俄羅斯近20年暴富起來的人及其為此付出的高昂代價。
總體而言，近年來隨著經濟情況的改善，俄羅斯電影的數量與質量在不斷提高，電影業正在逐步走出困境。
⑷ 求一個美國電影的名字
《車禍驚魂》【Stuck (2007)】
Brandi(Mena Suvari)在從派對回家的路上撞上了Tom(Stephen Rea)的車. Tom扎進了Brandi車的擋風玻璃但是還活著, Brandi答應去找醫院但後來決定讓Tom在她的車庫里死去, 因為她認識到她的將來無法避免地和Tom聯系在了一起. 知道這事後, Tom明白唯有逃跑才是他唯一的生路。
⑸ 一名德軍長官連詞裝死的士兵三刀都沒有刺中是哪部電影
《黑人羨銀兄弟的垂兄純宴死掙扎》。
爆笑短片是【黑人兄弟】垂死掙扎，士兵裝死三刀都沒有刺中。
《黑人兄弟》是一部美國的喜劇節目，《黑人兄弟》是最具流行文化突破性的作品，兩位主演可褲友以說是好萊塢最聰明、最進步的喜劇演員。
⑹ 講述甲克蟲樂隊的電影
披頭士樂隊(The Beatles，又譯甲克蟲樂隊)毫無疑問是流行音樂界歷史上最偉大，最有影響力，擁有最多歌迷，最為成功的樂隊。披頭士樂隊對於流行音樂的革命性的發展與影響力無人可出其右，對於世界范圍內搖滾樂的發展做出了非常巨大的貢獻，影響了自60年代以後的數代搖滾樂隊的音樂和思想，直接影響了搖滾樂的變革和發展，在英國，披頭士樂隊更是影響了60年代至今幾乎每一支樂隊的形成和發展。而樂隊中四名偉大的音樂家，特別是約翰·列儂(John Lennon)和保羅·麥卡特尼(Paul McCartney)，對於世界各個角落的後輩搖滾歌手及音樂創作者們的影響持續至今。披頭士樂隊在上個世紀六十年代引領了轟轟烈烈的，被美國稱為「英國入侵(British Invasion)」的音樂文化入侵浪潮，從根本上沖擊了美國音樂的基礎，徹底埋葬了「貓王」埃爾維斯·普雷斯利(Elvis Presley)的王朝，統治了美國唱片市場，並影響了此後美國本土流行音樂的發展道路，對於美國唱片工業沖擊形成的影響，時至四十年後的今天仍能找到遺留的痕跡。
雖然從成立到解散，披頭士樂隊僅僅存在了十年的時間，但是樂隊作為一個音樂文化的革命者，他們不僅擁有世界上最高，而且令後人難以企及的唱片銷售紀錄，而且他們的文化影響力也早已超過了其藝術的本身。披頭士樂隊在這幾十年的時間里，早已成為了流行音樂和流行文化的標志，同時也成為了英國文化和英國歷史的一個商標，他們中的成員也有被英國女王加封晉爵。披頭士樂隊引領了六、七十年代世界各個國家的流行文化方向，成為時尚流行的風向標，關於披頭士樂隊的任何東西全部都成為了最具文化內涵的商品，而披頭士樂隊曾經使用過的任何東西都可以被以驚人的天價來拍賣。披頭士樂隊除了不計其數的登上各種雜志的封面以外，還經常登上世界多個國家的郵票和明信片等紀念品，他們擁有不計其數的相關主題博物館和紀錄片，電影等相關文化資料儲存組織。除此以外，在世界上至今仍擁有大量的披頭士樂隊成員的職業模仿者，以及專業組織和評判模仿大賽的機構和組織。披頭士樂隊以及披頭士文化早已成為人類在20世紀文化領域的一個重要組成部分而被永遠銘刻，他們作為上個世紀流行文化的商標，從未受到任何的挑戰。
回溯披頭士樂隊的形成、發展以及他們數不勝數的光輝成就是一件非常困難的事情，最初，這支神話般樂隊的開始是從英國名城利物浦開始的。早在披頭士樂隊錄制專輯轟動世界的五六年之前，這支看起來和其他無名樂隊並沒有太多區別的音樂團體就已經開始了他們傳奇般的經歷。在20世紀50年代，英國流行起了噪音爵士樂，當時只有十幾歲的約翰·列儂(出生於1940年10月9日，1980年12月8日在美國紐約遇刺身亡)就是當時追逐潮流的一個叛逆青年，1956年，16歲的約翰·列儂在利物浦一處教堂里結識了小他兩歲的保羅·麥卡特尼(出生於1942年6月18日)，兩人都給對方留下了非常深刻的印象，流行音樂史上最偉大的雙子星走在了一起。1957年3月，正在高中讀書的列儂購買了一把吉他，並且在高中校園里組建了一支名叫Quarrymen的噪音爵士樂隊，樂隊的名字來源於他們的學校Quarry Bank高中。保羅·麥卡特尼馬上就加入了列儂的這支樂隊擔任另外一名吉他手，不久之後麥卡特尼的好朋友喬治·哈里森(George Harrison，出生於1943年2月25日，2001年11月29日在美國洛杉磯因惡性腦腫瘤去世)也加入了樂隊成為了第三名吉他手，與此同時也陸續的有其他樂手臨時性加入並退出這支高中校園里的樂隊，其中留隊時間較長的是樂隊的鼓手柯林·漢頓(Colin Hanton)他於1957年加入，於1958年退出。最終，約翰·列儂，保羅·麥卡特尼和喬治·哈里森這三名利物浦吉他手在50年代末構成了Quarrymen樂隊的核心穩定陣容。
1960年3月，約翰·列儂的大學同學兼好友，才華橫溢的貝斯手斯圖亞特·蘇茨里費(Stuart Sutcliffe，出生於1940年6月23日，1962年4月10日因突發型腦出血病逝)加入了Quarrymen樂隊，同時他建議樂隊更名為甲殼蟲樂隊(the Beetles)，1960年夏天，Quarrymen樂隊把名字變更為銀色披頭士樂隊(the Silver Beatles)，一直缺乏固定鼓手的樂隊也找到了合適的鼓手彼德·貝斯特(Pete Best，1941年11月24日出生在印度Madras市)加入，同年8月份，樂隊正式定名為披頭士樂隊(The Beatles)。隨後披頭士樂隊前往聯邦德國的漢堡作為樂隊在歐洲的起點，但是漢堡的經歷卻為披頭士樂隊潑了一頭冷水。在漢堡，劈頭士樂隊雖然非常成功的在當地的一些俱樂部站住了腳，並且成為了當地一支小有名氣且頗受歡迎的樂隊，但是在1960年末，由於喬治·哈里森尚未成年，所以他們被西德方面遣送出境，披頭士樂隊再次回到了英國的利物浦，但是樂隊通過在利物浦的一些演出漸漸成為了當地較為知名的小樂隊。
1961年3月份，披頭士樂隊再次回到了德國的漢堡，去作為漢堡歌星托尼·謝里丹(Tony Sheridan)的後備樂隊來參與專輯的錄制工作，在此期間披頭士樂隊也創作了一些歌曲，但是沒有被發表，不過這些音樂在披頭士樂隊成名之後陸續的被發行，這些早期作品證明了他們從這時開始就已經開始展現自身的才華了。與此同時，披頭士樂隊在利物浦的事業發展則日漸輝煌，在當地的俱樂部和酒吧的演出使他們漸漸從一支地下樂隊逐漸的走向當地音樂文化的前台，在利物浦和默西塞德郡(Merseyside)地區，披頭士樂隊已經擁有了大量的忠實的歌迷和聽眾群體，而他們在卡文俱樂部(Cavern Club)經常性的演出表演早已成為了流行音樂界的一個傳奇，整個1961年，披頭士樂隊的一系列活動為他們日後的成功打下了非常堅實的基礎，但是同樣在1961年，樂隊的貝斯手斯圖亞特·蘇茨里費卻重新回到了大學校園去完成他的學業，保羅·麥卡特尼轉而成為了樂隊新的貝斯手，喬治·哈里森成為了主吉他手，約翰·列儂擔任節奏吉他，彼德·貝斯特擔任鼓手，但同時他們在演唱和表演的時候又經常互換和演奏其他各種樂器，而每個人幾乎都是樂隊的主唱歌手。
在1961年，披頭士樂隊在利物浦演出和表演的過程中，樂隊從最初時候的僅演唱翻唱曲目，到後來樂隊成員自行創作歌曲，特別是約翰·列儂和保羅·麥卡特尼兩個人相互合作創作了大量在日後膾炙人口的歌曲，同時他們也開始了自己音樂風格的探索，從最初的噪音爵士樂，到逐漸從民謠，布魯斯，R&B音樂和搖滾音樂中汲取精華加以融合，形成自己的風格，同時開始了在各種樂器演奏技巧並將其融入樂隊音樂的摸索。同是在這一年，披頭士樂隊的忠實歌迷，樂隊前貝斯手蘇茨里費的女朋友Astrid Kirchherr突發奇想，讓樂隊的所有成員全部把頭發剪成拖把頭一樣的發型，這一起怪誕的想法變成了現實，這一發型也成為了披頭士樂隊成名以後的商標之一，並且帶動了後來的流行方向。不過並不是樂隊每一名成員都非常樂意把頭發剪成拖把頭一樣的發型，樂隊的鼓手貝斯特就特例獨行的留著和樂隊其他成員完全不同的發型。1961年底，披頭士樂隊的巨大潛力被利物浦的唱片店老闆布萊恩·愛潑斯坦(Brian Epstein，生於1934年9月19日，1967年8月27日由於吸毒過量死於倫敦的家中)所發現，並且在不久之後成為了披頭士樂隊的經理人，他成功的運作即將把披頭士樂隊帶上世界音樂的顛峰。
1962年1月1日，披頭士樂隊前往Decca Records唱片公司試音，但是最終被唱片公司管理人員邁克·史密斯(Mike Smith)回絕，並且聲稱，吉他樂隊已經沒前途了。此前他們已經被多家唱片公司所拒絕，但是在愛潑斯坦的帶領下，披頭士樂隊再次前往百代(EMI)唱片公司的下屬Parlophone公司碰運氣，經過試音之後，唱片公司製作人喬治·馬丁(George Martin)在1962年5月9日和披頭士樂隊正式簽約。除了忙於和唱片公司的簽約談判，披頭士樂隊還繼續在德國和英國進行演出，而成功和唱片公司簽約後的愛潑斯坦開始潛心包裝樂隊的形象，除了已經形成的發型之外，還在著裝等各方面打造披頭士樂隊，1962年8月16日，不合群的鼓手彼德·貝斯特被愛潑斯坦開除出隊，這一決定引起了廣泛而持久的爭議，而他的被開除原因也是被傳說的多種多樣，有說法稱貝斯特的離隊是因為他不合群體的著裝打扮和發型，也有說法稱貝斯特是因為古怪多變的性格，以及樂隊其他成員嫉妒他良好的形象，特別是在女性歌迷中的地位而被開除，還有說法稱製作人喬治·馬丁對他的鼓技不滿。最終，利物浦土生土長的鼓手林戈·斯塔爾(Ringo Starr，原名Richard Starkey，生於1940年7月7日)被應招入隊取代了彼德·貝斯特，而樂隊的成員也實現了清一色的利物浦本土化。而1962年對於披頭士樂隊的另一個重要事件就是樂隊的前任貝斯手斯圖亞特·蘇茨里費因腦出血病逝，年僅22歲。林戈·斯塔爾加入之後，披頭士樂隊立即開始了樂隊第一支單曲《Love Me Do/PS I Love You》的錄制。在這首單曲發行之後，順利的排進了英國單曲榜的前20名，據說愛潑斯坦為了樂隊的單曲能夠進榜而自掏腰包購買了一萬張，同時，披頭士樂隊也正式成為了英國廣播公司(BBC)的固定表演嘉賓，從1962年到1964年，披頭士樂隊共在BBC進行了50多場表演。
1963年，披頭士樂隊的第二首單曲《Please Please Me》迅速成為了英國單曲榜的冠軍單曲，同時這首單曲也被公認為是「英國入侵」浪潮的標志性單曲。隨後披頭士樂隊發行了第三首單曲《From Me to You》同樣成為了英國單曲榜冠軍。1963年3月22日，披頭士樂隊發行了第一張專輯《Please Please Me》，這張專輯在發行之後迅速成為了英國專輯榜的冠軍，並且在冠軍位置上異常驚人的連續稱霸了長達30周的時間，這在英國引起了轟動，上至皇室宗族，下至黎民百姓無不被披頭士樂隊的音樂所吸引，無論男女歌迷都為之傾倒，這些狂熱者們也擁有了自己的專有名詞「Beatlemania(披頭士狂)」。披頭士樂隊的音樂在這時候已經初步成型，他們富有活力的音樂迎合了戰後英國新一代的年輕人要求文化解放的思潮，帶動了這一趨勢的發展，同時他們的音樂融合了不同的風格和音樂元素，無可挑剔的音樂旋律以及諧和的音樂融合，兼有活力四射的吉他演奏以及詩意般的歌詞和極其富有感染力的演唱，因而迅速主宰了英國的音樂市場，也帶動了整個英國文化的發展，保羅·麥卡特尼和約翰·列儂成為樂隊音樂創作的核心，兩位天才之間的完美配合成為了音樂界的一段佳話。而製作人喬治·馬丁卓越的製作才能也被人們所肯定，他完美的理解了披頭士的音樂，並且精妙的音樂和器樂編排，成為了披頭士音樂取得輝煌成就的一個重要因素。而披頭士樂隊的更偉大之處在於他們並沒有使自己的音樂陷入一個程式化的怪圈，他們並沒有使自己的音樂停滯不前，而是不斷的摸索前進，進一步的去發展完善自己的音樂風格，並且在編曲，創作，以及器樂的表演方面進一步提高。披頭士樂隊在1963年底發行的第二張專輯《With the Beatles》，除了進一步的鞏固了他們的地位之外，也充分表現了樂隊在作曲以及各種樂器的演奏配合和編排上的成熟，他們用多種不同的樂器創造並完美的演繹了許多不同的音樂旋律以及把他們諧和的編排在一起，此時的披頭士樂隊已經具備了高出其他任何人一籌的王者實力，到1963年底，披頭士樂隊已經初步的統治了英國的音樂，狂熱的歌迷們遍布英國的每一個角落，僅僅發行了兩張專輯，但是披頭士成為了文化現象。
大西洋對岸的美國顯然不會對英國的瘋狂充耳不聞，百代公司在美國的夥伴Capitol公司成為了最先的獲益者，他們發行的單曲迅速席捲了美國的單曲榜，1964年初，Capitol公司發行了披頭士樂隊第一張美國專輯《Meet the Beatles》，結果他們在美國引起了並英國更劇烈的瘋狂，專輯發行後不久，披頭士在電視節目《The Ed Sullivan Show》中出現，結果吸引了全美超過七千三百萬的觀眾收看，美國同樣出現了極大量的披頭士狂熱者，披頭士樂隊成為了美國最受歡迎，最具轟動效應的樂隊。同樣，由於披頭士樂隊的出現，也掀起了「英國入侵」浪潮。從此之後，披頭士的每一張專輯，每一首單曲都可以在大西洋兩岸非常輕松的成為排行榜的冠軍。他們對於唱片市場的統治地位，再沒有任何人和樂隊可以對他們形成任何沖擊。1964年，披頭士樂隊出演了第一部電影《A Hard Day's Night》在這部類似於自傳性質的電影中，除了電影上的歡快活潑的音樂喜劇形式贏得了巨大的票房成績和影評界的廣泛好評以外，樂隊貢獻的電影原聲更是具有革命性意義的。列儂和麥卡特尼的完美依然在繼續，英國搖滾風格的音樂除了在英國引領音樂的發展之外，還逼迫著美國的一些慢節奏民謠歌曲風格的樂隊和歌手投入到了搖滾音樂之中，就連美國音樂的象徵「貓王」埃爾維斯也開始做出變化以對拯救自己的音樂市場做垂死掙扎。在這部電影原聲中，喬治·哈里森受到了美國「革命的音樂詩人」鮑勃·迪倫(Bob Dylan)扔掉木吉他，拿起電吉他唱搖滾的影響，第二個拿起了電吉他來演奏搖滾歌曲，產生了極其巨大的影響，直接推動了搖滾音樂革命性的變革並影響了搖滾樂以後的發展。
隨著披頭士樂隊成功的沖開美國唱片市場的大門，滾石樂隊(the Rolling Stones)等眾多的英國樂隊在此後一擁而上，從根本上沖擊了美國音樂市場，「英國入侵」轟轟烈烈的在更大范圍內展開了，但是始終沒有任何樂隊對披頭士樂隊的地位形成威脅，而披頭士樂隊和鮑勃·迪倫一起成為了後來搖滾樂發展的教父級人物，英國的眾多樂隊影響了此後的數代美國搖滾音樂歌手和樂隊的風格和思想。從1964年到1965年，披頭士樂隊又發行了《Something New》，《Beatles for Sale》，《Beatles '65》，《Beatles VI》，《Help!》，《Rubber Soul》等多張專輯和電影原聲，這些專輯除了繼續輕易的獲得巨大銷量以外，雖然某些部分帶有商業催生的色彩，但是絕大多數在音樂上也是不斷的進步，在吉他演奏和其他各國樂器的使用融合上，披頭士依舊是世界領先，並且他們不斷的汲取其他音樂人的精華，列儂就從鮑勃·迪倫的歌詞創作中吸取了很多非常優秀的經驗，並且表現在了自己的音樂中，這種不斷追求進步的狀態使得披頭士在音樂領域保持著持續進步的輝煌成就，而這期間的一些單曲也呈現出民謠和鄉村風格，並且更多的注重了列儂和麥卡特尼個人感情的表達。除了發行專輯以外，披頭士還增加了全球性的巡迴演出，這使他們的輝煌和巨大的影響里漸漸成為了全球性的，他們的歌迷開始遍布世界各個角落。同時，他們所主演的電影《Help!》在票房商業取得了更為巨大的成功。
1966年，披頭士樂隊又發行了專輯《Revolver》，這張專輯依舊在世界范圍內熱銷，不過這張專輯的風格卻開始更加趨向於迷幻音樂，雖然這種變化是非常成功的，編曲，旋律，吉他的表現都依舊是協調組織的非常完美，但是此前聽多了披頭士那種搖滾風格的歌迷卻有一部分聲音認為披頭士應該繼續自己的器樂和聲樂表現非常完美的搖滾樂風格，而不應該趨於迷幻色彩。盡管有不同聲音，但是絕大多數的披頭士狂熱者仍舊繼續著自己的狂熱，專輯中多首單曲仍然在世界各國輕松的成為排行榜冠軍，續寫著披頭士樂隊以前的輝煌。在1966年發行的另一張專輯《Yesterday...And Today》封面卻引起了相當巨大的爭議，由於封面的生肉以及屠殺玩具娃娃的封面來抗議Capitol唱片公司控制他們唱片在美國市場的生殺大權，結果這些唱片在送往唱片店不久尚未發行的時候就被封存禁止發售，直到一個星期之後封面重新換成了普通圖案之後才再次上市發售，而現在擁有那張專輯原始封面的唱片其珍藏價值早已超過數萬美元。同年，樂隊又因為列儂的「披頭士比耶穌更受歡迎」的言論而一度遭到了電台和媒體的封殺，但是這只持續了很短時間媒體就妥協了，在披頭士道歉之後，他們重新對披頭士敞開了大門，似乎披頭士確實比耶穌更受歡迎。但是樂隊在1966年8月29日結束了在舊金山Candlestick公園的演唱會之後，就宣布暫停巡迴演出，集中精力在錄音室去做音樂創作。但是媒體卻廣泛的認為樂隊即將解散，特別是樂隊的成員在注重樂隊發展的同時也開始了個人音樂的發展，更加刺激了這種說法的蔓延，不過披頭士最終以新單曲核心專輯的發布而徹底打消了媒體的各種猜測。
1967年，披頭士樂隊發行了專輯《Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band》，這張專輯不僅讓披頭士繼續著流行和搖滾樂界的統治性地位，同時也是披頭士出色的迷幻音樂專輯，多種樂器的混雜以及多首歌的混錄等，旋律、編曲、歌詞、器樂等各方面仍舊是無可挑剔，同時專輯中歌詞所流露出的嬉皮士態度，再一次代表了當時社會上年輕人的思想，披頭士再次代表了年輕一代的文化思潮，因而雖然他們的迷幻音樂以及生活上開始服用迷幻葯的做法受到了一定的壓力，不過披頭士卻依然扮演著青年人先鋒的角色，披頭士依然是文化的先驅，不過他們的音樂卻開逐步的離開搖滾樂轉而向著流行音樂的方向發展和變化。1967年8月27日，披頭士樂隊的經理人，為樂隊做出過卓越貢獻的愛潑斯坦由於吸毒過量而死在了倫敦家中，種種跡象表明，愛潑斯坦可能是蓄意服毒過量自殺。失去了經理的披頭士突然變得有些混亂無主，他們自編自導拍攝的第一部電影《Magical Mystery Tour》在BBC播出，但是最終遭到評論界的口誅筆伐以及媒體的刁難，雖然電影的原聲專輯仍舊受到了歌迷們的瘋狂歡迎，但是這一切卻成為了披頭士樂隊出現崩潰的開始。
1968年，披頭士樂隊在愛潑斯坦去世之後建立了自己唱片公司Apple Records，用來管理和組織樂隊的財政問題。但是披頭士樂隊成員多年來對於印度宗教的追捧卻在這時達到了極至，他們偷偷的來到了印度，潛心修行印度宗教，但是隨著媒體的刁難和追逐，樂隊成員最終被迫離開了印度，並且放棄了宗教方面的學習。同時由披頭士樂隊製作音樂的另一部動畫片《黃色潛水艇(Yellow Submarine)》再次遭到媒體和批評家們的責難，不過歌迷們的狂熱並沒有受到絲毫的減弱，影片同名主題歌《黃色潛水艇》也已經成為了披頭士的經典作品之一。1968年末，披頭士樂隊發行了雙唱片的專輯《The Beatles [White Album]》，這張專輯在進一步鞏固他們在歌迷群體中影響力的同時，又重新贏得了各方的好評，重新證明了樂隊成員的大師級水平。在這張專輯中，披頭士樂隊放棄了迷幻音樂，轉而繼續堅持以吉他為主的搖滾樂，並且繼續展示他們的多種風格融合以及多種樂器的演奏能力和編曲等才華，這張專輯也成為了披頭士樂隊最經典的專輯之一。但是在專輯輝煌的背後，披頭士樂隊不可調和的原因逐步的被暴露出來了，與早期音樂創作和表演時相比，此時的披頭士音樂已經開始出現個人化程度過高的現象，一首歌並不是由集體或者個人創作出來之後再由樂隊集體來表演，而是某個人創作出來一首完全適合自己來演唱或者表演的歌曲，由個人展示才華，樂隊的其他成員只是伴奏，在歌曲中並沒有什麼表現機會，這種現象最為突出的就是兩大天才列儂和麥卡特尼，兩個人只創作適合自己個人的單曲，而越來越少的為樂隊整體創作音樂，這是樂隊的集體音樂越來越少，甚至出現了列儂和麥卡特尼兩個人明爭暗鬥的惡性競爭，各自創作各自的音樂，並且在愛潑斯坦去世之後，列儂和麥卡特尼兩個人都希望能夠由自己一個人統領樂隊，但是雙方又不能相互心服，而只能暗地斗爭，並且屢次在錄音室爭吵，列儂還在此期間發行了自己的第一張個人專輯。更為棘手的是，在列儂和麥卡特尼明爭暗鬥的同時，同樣富有創作才華，特別是極其富有編曲作曲以及演奏天賦的喬治·哈里森也漸漸因為自己年齡最小而在專輯製作時受到的一些不太公正的對待而感到不滿，比如更少的作為領唱，創作的單曲也更少的被收錄在內等情況，同時樂隊的相對內斂的鼓手林戈·斯塔爾也開始不能忍受由於不是樂隊原班人馬而受到的各種不平等對待，比如平時基本看不到斯塔爾擔任領唱，甚至連樂隊的合影中，斯塔爾的單人照也是四名成員中最少的。披頭士樂隊不可調和的問題漸漸浮出水面，樂隊團結的危機一觸即發，所幸的是，當時的媒體在此時尚未意識到這些問題。而與這些矛盾同時出現的還有列儂的愛情問題，列儂此時已經和日本女星小野洋子(Yoko Ono)深深的墜入了愛河，盡管遭到了樂隊其他成員以及大量歌迷的一致批評，但是列儂依然是執著的和這個日本女人在一起，並且因此時常影響樂隊的計劃。
1969年初，披頭士樂隊的成員間再次出現了分歧，麥卡特尼主張樂隊重新恢復大規模的巡迴演唱會，但是其他人決定繼續在錄音室內錄制新專輯，並且暫定名為《Get Back》。但是樂隊的錄制計劃卻非常的不順利，麥卡特尼表示不同意，而哈里森又暫時性離隊，並且在歸隊以後帶來了美國的鍵盤手比利·普雷斯頓(Billy Preston)作為樂隊固定的鍵盤手，同時為了緩和一下樂隊四名成員間的不和諧氣氛。但是遺憾的是樂隊新專輯的計劃最終流產，樂隊此後只是為一些電影和電視節目錄制了少量的幾首單曲而已。隨後在1969年1月30日，披頭士樂隊在倫敦Apple Records唱片公司的房頂上舉行了即興的小型演唱表演活動，但是在表演結束之後沒有人會想到這竟然是他們所進行的最後一次公開表演。但是在1969年春天，披頭士樂隊原本准備錄制的專輯中最好的兩首單曲《Get Back》和《Don't Let Me Down》以單曲形式發表，並且依舊在全世界各地成為最引人注目的歌曲，世界上的披頭士熱潮並沒有降溫，大量的披頭士狂熱者們依舊保持著狂熱。可是更大的矛盾在不久之後到來，保羅·麥卡特尼在3月12日和美國攝影師琳達·伊斯特曼(Linda Eastman)結婚，幾天之後，約翰·列儂也正式迎娶了日本女星小野洋子，關鍵的問題隨後出現，麥卡特尼堅持由自己的岳父李·伊斯特曼(Lee Eastman)作為樂隊的新經理，但是樂隊的其他成員最終聘請了美國商人艾倫·克萊恩(Allen Klein)擔任了樂隊的經理。披頭士樂隊在1969年中期最後一次走進了百代公司的錄音室，和製作人喬治·馬丁一起去錄制專輯《Abbey Road》。這張專輯中，盡管多個部分是四名成員分開錄制的，但是樂隊卻達到了非常驚人的統一，四名音樂家在這一時間里又重新發揮出了最高的藝術水平，同時在音樂旋律，編曲等各個方面都達到了完美的和諧，而在歌曲的音樂音樂創作方面，哈里森也和列儂以及麥卡特尼平分秋色。樂隊成員間最後的努力最終締造了這張完美的專輯。最終這張專輯在市場上又繼續了披頭士的時代，瘋狂的披頭士迷們繼續無限制的發揮著自己的熱情，然而沒有人會想到此時的披頭士樂隊，解散已經只是時間問題。而此時由於披頭士樂隊已經很長時間沒有進行過公開表演，以至於在美國大陸產生了許多謠言，有一種說法認為麥卡特尼已經早在數年之前就已經因車禍而去世，現在只不過是一名出色的模仿者替代了他，而這些想像力豐富者們的依據則是根據唱片封面的藝術抽象性來判斷出來的。然而真實的是，1969年9月，約翰·列儂提出退出披頭士樂隊，但是由於此時的披頭士樂隊正在於百代公司商談續簽合同的問題，列儂退隊的事情就被臨時擱放下來。
進入1970年，披頭士樂隊再也沒有錄制一首歌，樂隊的成員只是分開後，獨自忙著自己的事情，列儂和小野洋子為自己的樂隊操勞，麥卡特尼准備自己的第一張個人專輯，哈里森和其他樂隊一起做巡迴演出，斯塔爾則在拍攝電影，僅僅在一些公開露面的時候舉在一起，並且形式上否認有關解散的傳聞。整個世界都沒有真正意識到這支正處事業顛峰的偉大樂隊即將解散。1970年春天，由於需要再進行混音製作的1969年初錄制的單曲加工製作完成，並且作為電影原聲《Let It Be》正式面世，但是由於錄制時間等原因，《Abbey Road》通常被認定為披頭士樂隊的最終專輯，不過這張專輯依然在全世界取得了非常令人矚目的成績，因為此時的披頭士熱潮並沒有減少。但是在這張專輯發行之前的1970年的4月10日，保羅·麥卡特尼宣布了一個震驚世界的消息，他將退出披頭士樂隊，從此也宣告了偉大的披頭士樂隊即將進入歷史。最初的時候由於人們還不了解情況，所以率先提出離隊的麥卡特尼受到了歌迷和媒體的巨大壓力，但是當一切漸漸清楚之後，人們似乎認為四名偉大的音樂家間不可調和的矛盾註定了樂隊的解體。而從樂隊解體以後，Apple Records唱片公司也有名無實。1970年10月31日，麥卡特尼向法院提起訴訟，要求完全解散披頭士樂隊，並且禁止樂隊重組，經過長達一年的審理辯論之後，最終訴訟被法庭批准，披頭士樂隊從此以後再無任何希望重新復合。
披頭士樂隊解散以後，樂隊的成員也各自按照自己的發展方向發展自己的事業，哈里森在列儂和麥卡特尼的陰影里得不到施展的才華終於得以在世人面前展現，他組建了All Things Must Pass樂隊，列儂則和妻子繼續經營著自己的樂隊(Plastic Ono Band)，麥卡特尼的單飛生涯最為成功，他的Band on the Run樂隊在商業上及評論界都獲得極大的成功，在流行音樂界和搖滾音樂界續寫著自己的輝煌，而最不順利的則是斯塔爾，並沒有太多創作才華的他在70年代初的時候只能是頻繁的幫助各個前隊友，做一些伴奏工作，並沒有太多令人印象深刻的作品問世。經過70年代之後，列儂的音樂在獨立發展後越來越擁有偉大的思想和深意，歌詞方面的造詣越來越深，而麥卡特尼則依舊保持著音樂的美妙旋律，哈里森依舊在器樂的表現上超出其他前隊友，而斯塔爾則只能創作出相對不錯的音樂，漸漸的趨於平庸，但是仍舊是一名優秀的音樂家，單曲和作品都曾經達到過非常輝煌的高度。應該說在70年代的時候，披頭士的成員們由於披頭士狂潮的延續，依然能夠續寫著自己樂隊的傳奇和輝煌，並且取得偉大的商業成就?/ca>
⑺ 求所有沙俄歷史人物 拉斯普廷 出場過的電影
蘇聯1981年電影：《垂死掙扎》（Agoniya） 1997，二十世紀福克斯 動畫電影《真假公主》（Anastasia） 日本《名偵探柯南》1999年劇場版：《世紀末的魔術師》 美國HBO1996年自製電影：《俄宮奸雄》(Rasputin: Dark Servant of Destiny) 美國Sony Pictures Entertainment 2003年科幻神怪電影《地獄男爵》（Hell Boy） 1996,拉斯普廷（Rasputin：Dark Servant of Destiny）,Alan Rickman主演