歐美玩物電影在線觀看

❶ 「一條狗」上映7天票房破2億！難拍的寵物電影為何能逆襲

「但最重要的是我現在在這里，在這里和你在一起。這就是我的使命。」還有什麼比在電影院看一條狗的故事後哭成狗更可怕的事？多少養過狗的觀眾在電影院淚如雨下，或許所有養過寵物的人都希望自己曾經的寵物會回來找自己吧!「三生三世」剛結束，四生四世，讓愛寵人士在影院哭了個痛快，也著實的打響了一波成功的催淚彈。

在進口片占據中國電影市場的三月，不被看好的電影《一條狗的使命》成為上周末電影市場最大的一匹黑馬，自上映以來， 豆瓣高達 8.0的好評分，並且這部寵物電影超過了又賤又萌的《樂高蝙蝠俠大電影》，上映7天奪得2.12億的票房， 在內容為王的當下，一部成功的電影，除了優質的內容外，背後還離不開電影的營銷動作……

萊塞·霍爾斯道姆：教我們活在當下

「單身汪」解救單身狗

使命，狗（人）生意義，狗（人）生目的，這些是不是一條狗會去思考的問題呢？在這部電影中，狗的使命就是現代社會中人類對於狗存在價值的定義—成為人類最忠誠的玩伴，幫助他們排遣孤獨。

這部電影可以說是為「狗星人」量身定做，上映7天，觀眾的評論不佳，雖說電影並沒有很強的故事性，但是感性大於理性的愛狗人士絕對願意為其買單。同時該片有意思的一點是—「單身汪」解救單身狗，影片中所有的狗其實都是孤獨終老的，在狗狗第四世難得發春也被拒絕了，也難怪網友看完影片會說「這是一個單身狗解救單身狗的片子」。

這部電影在上映初期也是一波三折，此前因為影片中一個橋段在網上瘋傳被指虐狗，視頻中顯示出一隻擔驚受怕的狗狗被強行趕入水中，目的是拍攝影片中狗狗在水中救起小女孩的戲份。PETA（善待動物組織）在看過視頻後呼籲對該片的抵制，因虐狗事件，在IMDb的評分被刷至1分。隨後，影片做出回應，稱事件是無中生有的……國內上映以來，這些波折並沒有阻擋愛狗人士對該片的熱情，豆瓣評分直飆8.0。

提到萊塞·霍爾斯道姆，或許有人會人不知道他是誰，但是當我們提到電影《忠犬八公的故事》，相信大家就很熟悉了。影片《忠犬八公的故事》改編自1933年發生在日本的真實故事，講述了一位大學教授在收養了「八公」之後因病辭世，導致八公在之後的9年時間里每天按時在車站等待教授，直到最後死去的悲情溫馨的故事。該影片在上映之後，觀眾口碑炸裂，影評無一不是「刷了無數遍，哭了無數遍」，且在全球迅速掀起了愛狗熱潮。

作為兩度獲得奧斯卡最佳導演提名，被譽為「全世界最會拍狗狗的導演」，萊塞·霍爾斯道姆向來以細膩而豐富的情感刻畫聞名於世。時隔八年，《八公》的導演萊塞·霍爾斯道姆依舊將鏡頭對准狗的一生，對於主人與寵物之間的情感描繪，他顯然是游刃有餘，依舊能夠為觀眾帶來無數「催淚彈」。

關於為何再次選擇拍攝電影《一條狗的使命》，萊塞·霍爾斯道姆談到：「兩部電影有一些相似的元素，主題都是關於狗狗是怎樣成為人類忠實的夥伴的。很大程度上， 《忠犬八公的故事》體現了忠誠的主題，在主人去世後近十年依然在等待他。而《一條狗的使命》不同，它更多在討論人和狗相處的可能性，甚至給出了一些看法。 故事從上世紀五六十年代開始，它的一生有四次按照不同方式生活的機會，總之是一個完全不同的故事。」

該影片分成了四個故事來講述小狗「貝利」四次生命的輪回，從小狗的出生到有主人救濟，到見證男主人的悲歡離合、當警犬時的榮譽與膽戰心驚兼備，再到與女主人的陪伴，都讓人不禁感嘆人生的輪回。而對於這樣的生命輪回的演繹，導演萊塞·霍爾斯道姆認為這個想法很浪漫，也很有詩意。

他也表達到：「狗是可以教會人們如何去愛，也能教會我們不要為過去和未來束縛，而是要活在當下，珍惜現在。對我個人來說，這就是一條狗的使命，也是我們作為人類需要學習的地方。對於人類來說，我們的想法和靈魂也有特別的聯系，其他的我不確定，但是我希望狗狗是有重生的。」

簡單的故事情節，但是通過導演特有的敘事方法，讓狗狗和演員大膽發揮，也讓整部影片充滿靈魂， 通過人與狗的感情升溫，折射出陪伴在當今社會的重要性。 從社會底層到社恐症的女孩，人們對於陪伴的理解各不相同，更不用說是觀眾觀後的理解。 導演很好的用狗的視角講述人的故事，通過狗的一生講述活在當下的意義。

「一條狗」的逆襲

看中國寵物電影怎麼拍？

三月，在進口片不斷升溫的中國市場，不難看出 《愛樂之城》、《一條狗的使命》的熱映，以及類似《乘風破浪》、《九條命》等電影的大賣，這其中表明中國觀眾開始願意為情懷、溫馨等風格電影買單， 沒有了大場面的視效支撐和簡單粗暴的動作劇情，溫情走心的劇情也能俘獲人心。

回到中國電影市場，其實國內也有很多關於寵物題材的影片，但很少出現口碑佳作的寵物真人電影。大多寵物只是作為電影中錦上添花的點綴效果，比如《湄公河行動》中的警犬「嘯天」、《後會無期》中的「馬達加斯加」。但是以動物為主角的電影，在國內並無成功的案例。僅有的幾部寵物題材影片都以「撲街」告終，比如2003年上映的電影《卡拉是條狗》， 2015年上映的《我的男友和狗》，號稱將打破華語電影類型桎梏，但是最後僅收獲2400萬票房。

從全球電影來看，美國、日本這方面做得很好，幾乎我們看過或可以想到的關於寵物的電影都來自美國和日本。比如曾經在國內上映賺足眼淚的《我和狗狗的十個約定》、《忠犬八公》和《導盲犬小Q》等，都是以小見大，用動物的感情放大到人心。

國內之所以沒有經典的寵物電影，歸根結底還是在於寵物在我國家庭中的地位和美國有很大的差距。 在歐美國家，寵物和主人的關系通常是一種伴侶關系，而國內則是把寵物當做玩物，更多得則是一種盈利為目的的飼養寵物，從精神寄託到盈利目的，這中間的感情就顯而易見了。觀念上的差距導致往往缺少一個能打動人心的好故事。

除了觀念上的差距， 導致國內拍攝類似寵物題材影片時，總會將故事情節無聊化， 逃脫不了寵物丟失、主人擔心寵物被販賣的無聊情節， 缺乏了美日電影中動物和人之間的互動情節。 導致了國內的寵物電影最終的主角還是人，講述的仍然是人與人之間的關系，寵物只是另一種角色的存在，脫離了寵物是主角這一點。這樣拍攝的電影並不具有感染力，也沒有達到讓寵物的覺得充滿靈魂。

在觀念和故事情節的差距中 ，缺少善於拍攝寵物題材的導演也是致命點， 拍攝《一條狗的使命》之前，該導演就拍攝過兩部以狗為主角的電影，這也是國外寵物電影走得前的關鍵點。導演在接受媒體采訪時曾經說過：「多年的導演經歷讓我學會了根據片場的情況和氣氛，讓演員和狗自由發揮，我不想強制演員做表演，對狗也是如此，我希望多讓演員和動物在鏡頭前感受到自由」。

縱觀來看，無論是國內對待寵物的觀念，還是導演講故事的能力。《一條狗的使命》的爆紅都值得國內電影學習，隨著國內寵物市場的成熟和喜愛寵物的觀眾的群體不斷擴大，將走心的寵物電影帶入影院，對於中國電影市場還是值得期待的！

種子人群，帶寵觀影

看「一條狗」背後的精準營銷

雖說《一條狗的使命》是進口片，但也離不開中國公司的影子，作為引進方阿里影業的子公司中聯華盟來說，的確做足了功課，砸了不少「心血」。根據真實事件改編，2009年上映的電影《忠犬八公的故事》自從在全球口碑炸裂後，關於狗的電影題材就變得越來越多。而該片導演萊塞·霍爾斯道姆時隔近十年之後，又一次將鏡頭對准狗的生活，對於這類溫馨劇情的電影題材來說，萊塞·霍爾斯道姆已然是游刃有餘，能夠最大化釋放出狗與主人之間的主情感寄託。同時，導演也表示自己希望在人與寵物的感情里加入一定的喜劇元素，讓電影整體呈現更加輕松，「電影不僅僅講述了人和寵物之間的相依相伴，更多的是給每一個養過寵物的人希望。」

而針對《一條狗的使命》的宣傳營銷，阿里首先對影片市場進行了精準的定位。 通過分類觀眾群體， 宣傳方將觀眾分為三類人群，一是愛寵人士，二是年輕女性，三是親子人群，根據不同類型的觀眾群體，一對一的進行攻破，再從核心定位人群的口口相傳擴展到各種類型的受眾，以達到傳播口碑的最大化。

與此同時還針對影片的類型和內容， 在線下展開狗狗領養活動和「愛寵陪伴觀影會」，允許觀眾帶上寵物前來觀影。 這對「鏟屎官」來說是前所未有的福利，口碑爆棚。線上線下結合的互聯網宣發模式，這也是該影片逆襲的核心之一。

阿里影業雖說財大氣粗，但作為影視行業的「新人」，阿里從成立之初就被外界高度關注，使這個頭頂光環的公司被太多人寄予厚望。想做優質電影，就必須要有優質的團隊，在國際市場上，阿里曾與好萊塢的一線電影製作公司都有合作意向，但最終牽手的也僅有斯皮爾伯格的娛樂公司Amblin Partners。在尋找最正確軌跡的道路上，阿里在最終與Amblin Partners選擇了《一條狗的使命》，不論是電影上座率、平均觀影人次，還是票房成績與後期口碑，都算是給阿里打了一劑強心針。

不難看出，這是阿里影業目前投資的電影中最成功的一部，從《擺渡人》的撲街到《一條狗的使命》的逆襲，作為投資今年即將上映的《傲嬌與偏見》、《三生三世十里桃花》的阿里影業，不知還會不會像《一條狗》一樣成為黑馬，逆襲票房？

成功的營銷發行，高品質的內容加上良好的觀眾口碑和上座率，《一條狗的使命》在排片方面穩步提升，截止發稿前，票房佔比是33.3%，堪稱三月份國內電影市場表現最為搶眼的一匹黑馬。 除了成功的營銷之外，最根本的還是應該回歸內容本身。

❷ 尋找一部電影的名字

文片名

現代啟示錄[1]原片名ApocalypseNow更多中文片名戰爭啟示錄/地獄的默示錄/當代啟示錄影片類型動作/劇情/冒險/戰爭片長153min/USA:202min(Rexversion)國家/地區美國對白語言英語法語高棉語越南語色彩彩色混音杜比數碼環繞聲DTSDolby70mm6-Track評級,language,sexualcontentandsomedruguse.(2001director'scut)級別Finland:K-16Germany:16Iceland:16Norway:15Sweden:15UK:15USA:RCanada:RCanada:PACanada:13+France:-12Ireland:18Norway:18Spain:18UK:18WestGermany:16UK:XAustralia:RSouthKorea:18
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• ▪製作人：弗朗西斯·福特·科波拉/FrancisFordCoppola；埃·羅密諾/EddieRomero；約翰·阿什利/JohnAshley；KimAubry；加里·弗雷德里克森/GrayFrederickson；ShannonLail
  
• ▪導演：弗朗西斯·福特·科波拉/FrancisFordCoppola
  
• ▪副導演（助理）：TonyBrandt；拉瑞·弗蘭科/LarryJ.Franco；JerryZiesmer
  
• ▪編劇：約瑟夫·康德拉/JosephConrad；約翰·米利厄斯/JohnMilius；弗朗西斯·福特·科波拉/FrancisFordCoppola；麥克爾·赫爾/MichaelHerr
  
• ▪攝影：維托里奧·斯托拉羅/VittorioStoraro
  
• ▪配樂：卡邁恩·科波拉/CarmineCoppola；弗朗西斯·福特·科波拉/FrancisFordCoppola
  
• ▪剪輯：LisaFruchtman；GeraldB.Greenberg；沃爾特·默奇/WalterMurch
  
• ▪選角導演：TerryLiebling；VicRamos
  
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電影《現代啟示錄》劇照(20張)1979年11月7日澳大利亞Australia1979年11月15日英國UK1979年12月1日香港HongKong1980年3月27日阿根廷Argentina1980年4月3日匈牙利Hungary1980年4月24日美國USA1987年8月28日.....(re-release)澳大利亞Australia1992年4月30日.....(re-release)法國France2001年5月11日.....(CannesFilmFestival)(Rexversion)美國USA2001年8月3日.....(LosAngeles,California)(Rexversion)美國USA2001年8月3日.....(NewYorkCity,NewYork)(Rexversion)加拿大Canada2001年8月10日.....(Rexversion)韓國SouthKorea2001年8月31日.....(Rexversion)瑞典Sweden2001年8月31日.....(Rexversion)編輯本段劇情介紹在越南戰爭期間，美軍上尉威拉德接到總部的命令，去尋找脫離了美軍的科茨上校。科茨曾經有著輝煌的歷史，但如今卻已陷入瘋狂。他在越南境內建立了一個獨立王國，推行著野蠻、血腥、非人的殘暴統治，還不時地向美軍進行瘋狂的近乎妄語的廣播宣傳。威拉德接到的命令就是找到科茨，並把他帶回來或者是殺了他。帶著這個命令，威拉德率領一小隊士兵沿著湄公河逆流而上，穿越叢林前往越南。在尋找科茨上校的過程中，威拉德幾乎橫穿了整個越南戰場。他目睹了種種暴行、恐怖、殺戮與死亡的場景，深深地受到了震撼。在不斷的殺戮之中，威拉德也幾乎變得瘋狂。

現代啟示錄圖

最後歷盡艱辛的威拉德一行終於來到了科茨的恐怖王國。他們落入了科茨的手中，受到了嚴酷的折磨。但這卻也使威拉德得以直接面對科茨。科茨本可以殺死威拉德，但他卻沒有這樣做，他藉助威拉德的手完成了渴望已久的死亡，終於從這個瘋狂的世界中得以解脫。而威拉德也深深地體會到了人類心中的邪惡與黑暗，體會到了邪惡所引起的瘋狂。土著們跪倒在他面前，他實際上已取代了科茨。對這一切感到由衷地厭惡的威拉德拉起同伴，登船離去。科茨的瘋狂被制止了，但在整個越南戰場上，恐怖與殺戮仍然在瘋狂地進行著。[2]編輯本段影片評價本片獲1979年法國戛納國際電影節金棕櫚獎，以及奧斯卡最佳攝影、最佳音響兩項金像獎。它之所以被評論界認為是最深刻、最有代表性的一部越南戰爭影片，首先是因為導演科波拉在這部戰爭題材影片中，融入了對人性、對戰爭、對現代文明的哲學思考，並且巧妙地將哲理性與象徵性有機地融入整部影片的情節之中。其次，影片的視覺沖擊力也使人震驚。按照科波拉的導演意圖，這部影片追求一種歌劇風格的戲劇光效，大量運用逆光、輪廓光、背景光等等，還專門施放了紅、黃、綠、藍、紫各種顏色的煙霧和煙火，使血腥的戰場和神秘的叢林看上去如同五光十色的舞台，這樣的造型效果也是對美國現代文明和侵越戰爭的諷喻。此外，影片在人物塑造上也十分成功，該片主要人物中沒有女性，是一部典型的男性題材戰爭片。著名影星馬龍·白蘭度在該片中飾演庫爾茲上校，致力於刻畫出這個人物十分復雜的內心世界。雖然本片在當年是一部備受爭議的作品，但整體而言，《現代啟示錄》的確是一部能夠震撼人心的電影。柯波拉的手法雄渾，將炮火漫天的越戰，塑造成人類末世的地獄景觀，是一部非常值得探討的戰爭史詩巨片，尤其劇中以TheDoors的迷幻搖滾代表作<Theend>搭配直升機大屠殺的一幕，更是眾多影迷們所稱道的經典鏡頭。總而言之，深刻的寓意、宏大的場面、精彩的表演，再加上震撼人心的視覺造型，使得《現代啟示錄》真正如評論所言，成為了「一部登峰造極的戰爭史詩片」。不過，擁有「史上最牛穿幫王」之稱的電影是《現代啟示錄》，共有396處穿幫，至今無片能敵。《現代啟示錄》在拍攝過程中，一共損壞了四架直升飛機，最少有四名駕駛員死亡，是至今為止在拍攝電影過程中死亡人數最多的一部電影。[2]編輯本段幕後製作該片表面上在講越戰，但在所有著名的戰爭片中，它可能是「升華」程度最高的一部。它可以套用於任何戰爭，甚至廣而言之說它表現任何人生經歷都不為過。影片雖然不乏對戰爭的正面描寫，但它的精髓是刻畫人性中的黑暗，難怪它不是以越戰記錄為藍本，而是改編自英國小說家康拉德的經典名著《黑暗之心》。馬龍·白蘭度扮演的這名軍官鏡頭不多，台詞和處理均很「虛幻」，彷彿是一種力量，而不是某個人。本片是科波拉對於戰爭暴力造成人性異化的一種反思，巧妙地將現實主義的題材和象徵意義融合在一起，以一名戰士沿河尋找白蘭度的旅程為線索，展開了一種近乎荒誕的「實況記錄」。影片具有一種「大歌劇」般的風格，誇張而華美，帶有強烈的表現主義色彩。在飛機上播放瓦格納《女武神》主題音樂的轟炸場面是這種風格的集中體現，也是本片的經典場景之一。影片獲戛納金棕櫚獎。2001年科波拉推出該片的新版本，比原來的版本多了將近一個鍾頭。以夢幻的筆法雕琢人性的瘋狂《啟示錄》是聖經《新約》的最後一章，講述了末日審判的故事，在弗朗西斯.福特.科波拉的《現代啟示錄》中具有兩層含義：一層是柯茲自行對越共進行的審判，一層是威勒德代表美國軍方對柯茲進行的審判。然而，就像柯茲說的「你可以殺我，但你不能評價（judge）我。」在《現代啟示錄》中，價值的判斷已經陷入了一種混亂狀態，失去了標準的價值判斷是沒有任何意義的，於是我們最終看到的就是呈現在科波拉鏡頭下的，整個群體的瘋狂。我們為何而戰？加謬說：真正的哲學思考等於自殺。所以，要麼選擇死亡，要麼選擇瘋狂，對於越戰，甚至對於所有戰爭，我們只能給出這樣的答案，這並不是一個悲觀的回答，因為雖然瘋狂不是件好事，它也遠不是一件壞事。《現代啟示錄》的瘋狂幾乎延續了整個影片，科波拉從一開始就將影片拉進了一種癲狂。主人公威勒德上下顛倒的頭部特寫、越南的叢林，呼嘯的直升機、爆炸的火焰，甚至最後出現在柯茲創造的審判台旁的巨大石像反復疊化，彷彿一團濃稠的爛泥連同主人公的軀體一起被攪入他業已混亂的記憶中，科波拉將影片的開頭和結尾疊印在一起，使人物陷入無法逃脫的輪回中，音樂反復回響著「這就是結束，我的朋友」，「所有的孩子都是瘋子」……瘋狂的孩子：兒戲戰爭的比爾.基爾高頭扛一頂牛仔帽，眼架一副墨鏡，指指點點儼然是個西部警長的模樣，給每具越共屍體旁放上「死亡撲克」，卻不忘了拿著一壺水給一個垂死的越南人喝，還喊著：「這個人是我的勇士！」對威勒德一行人帶來的上級任務漠不關心，但一聽到蘭斯的名字就發了瘋，吵著嚷著要帶他去沖浪，最後還真就載著一群兄弟浩浩盪盪殺向一個越共控制下的海灘，一邊扔炸彈一邊聽瓦格納，雙方還在激戰，他卻火急火撩地先派了兩個人去沖浪，連自己也脫了上衣要下海。蘭斯一夥人搶了他的沖浪板，他便開著飛機滿世界地喊「我只是想要回我的沖浪板，要知道，想找一塊好的沖浪板也不容易。」比爾.基爾高，總是一副天不怕、地不怕的瘋癲狀態，他既不是殺人狂，也不是人道主義者，這場戰爭對於他來說只剩下了勝利的味道，除此之外，在他的眼裡，是否還有戰爭？科波拉用瓦格納激進的樂曲，炸彈瞬間爆發出的強大火焰，海面上升騰起的水柱，尤其是五顏六色的煙霧彈把一場屠殺變成了周末狂歡派對。科波拉使用大量的全景鏡頭將戰爭的殘酷極大限度的削弱，我們看到的是在戰爭機器在整體上顯示出的一種龐大的震撼力和美感，而這正是基爾高眼中的戰爭圖景，作為一個指揮者，他的人格在權利和勝利的快感中極度膨脹，他所有的行為，在和平時期十分正常的行為都在戰爭中被放大，被誇張，基爾高的個人行為與環境形成了強烈的反差，科波拉有意使用抒情的筆法描寫暴行，將這種反差推到了荒謬的境地。瘋狂的群體：「兔女郎」的盛宴如果說基爾高只是一個瘋狂個案，基爾高只是被作為一個現象呈現在科波拉的鏡頭之下，那麼，在「兔女郎」勞軍這個段落里，影片已經開始展示整個美國的瘋狂，同時也就展示了基爾高所存在的社會環境，這種瘋狂隨著威勒德的深入叢林而加深，科波拉的手法也愈加夢幻，光線的調度開始取代場面調度來書寫這部啟示錄的第二個章節。位於後景的刺眼的點光源布滿整個鏡頭，在眩光的效果下被拉成橫貫畫面的一道道變化不定的線條，人物處於相對陰暗的空隙里，科波拉甚至沒有在這個段落里突出任何人的肖像和體態，給我們留下深刻印象的只有「兔女郎」，人聲，和舞台燈光，因為在這個地方，真正的人實際上是不存在的，他們沒有個性，只是變成了一個個瘋狂的符號，沒有組織、沒有紀律，飄忽不定，舞台上那些酷似男性生殖器的裝飾以及燈光在水面上形成的光怪陸離昭示著人類最原始的形態，潛意識中的本我在這里最大限度的沖破禁忌，這里只有性慾和破壞欲，甚至連這兩種慾望也是毫無原因和意義的。在這個段落的結尾，兩個美國大兵攀上直升機的起落架被吊上高空，與基爾高那個段落中，牛被直升機吊上高空是何其相似。他們都是戰爭機器的玩物和小丑，甚至於這些大兵連牛所表現出來的反抗都已不存在，成為時代的奴隸已經成了他們下意識的行為。所以科波拉在拍攝牛的時候給了一個仰角，將這頭掙扎的牛單獨地至於陰霾的天空，而對於這些蒙昧的人，他用了一個角度略微向下的遠景，他們永遠逃離不了這片瘋狂的土地，所以他們是如此的渺小。他們被現實和信仰同時拋棄。瘋狂的煉獄：激戰的美國作為時代的書寫者，科波拉自然不會僅僅停留在事物的表面，隨著威勒德行程的深入，科波拉的思考也進一步深入。描寫美軍在越南的最後一個據點時，科波拉同樣在燈光上使用了節日使用的小彩燈，但是這里已經不再是狂歡者的盛宴，不斷有爆炸升騰起的火焰產生，整個環境也在這種爆炸中忽而變亮，忽而兒漆黑一片，我們很難看清戰場的全貌，也很難在每一張面孔上停留足夠的時間。這是煉獄，不斷有人拖著大箱子跳入水中，向威勒德求助，我們聽到最多的一句話便是：「誰是這里的指揮官？」可是，沒有人知道，美軍已經失去了控制，處在一種沒有目的的廝殺之中。這里沒有一個直接展現越共的鏡頭，與其說科波拉是為了表現隱藏的恐懼，不如說是在隱喻這場戰爭的非理性，人們要麼逃離，要麼毫無目的的廝殺。指揮者的缺失正是對戰爭發起者的控訴，他們將年輕人送入戰場，然後將他們遺棄。處於死亡中心的人根本不知道戰爭是為了什麼？就這樣，一個古老的問題被提出來了，我們為何而戰？科波拉實際上提出了一個更現實的問題，既然我們已經知道戰爭的非理性，為什麼還要沉浸其中？瘋狂的理性：失落的家族在這個段落中，科波拉以一個法國沒落家族在晚餐時的爭論表達了自己對越南戰爭的思考。這個家族是殖民地留下的產物，懷念著當年的輝煌，深味著現在的痛苦，科波拉利用用窗口射入的昏黃光線表現了一種沒落的尊嚴。法國在戰爭中擁有比美國更加刻骨銘心的失敗，這使得他們開始思考現狀，在餐桌上發生了嚴重的分歧，但最權威的聲音在最後對威勒德說：「你們正在為歷史上最大的虛無而戰。」無論如何，這群法國人已經在這片土地上生活了七十多年，他們在這里有自己的根，而對於美國人來說，這卻是一處無根之地，很多美國年輕人的熱血就這樣白白拋灑了。首先，科波拉站在美國人的角度揭示了這樣一個事實：美國顯然是捲入了一場不屬於自己的戰爭。越南和法國、中國的矛盾有著深刻的歷史原因，它們都在為自己而戰，而美國顯然在利益的權衡上發生了嚴重的錯誤。世界無法避免一場戰爭，但美國完全可以避免一場不屬於自己的戰爭。緊接著，科波拉通過拉手風琴的男人的唱詞更進一步將單獨對美國的批評擴展到了對整個以白人社會為代表的歐美社會的批判。進而將這場戰爭的原因歸結為歷史上的無數個錯誤的決定。而這些錯誤造成的就是一個民族的失落、一個民族的衰退、一個民族的瘋狂……瘋狂的上帝：最後的審判同樣在一片煙霧繚繞地水面，科波拉慢慢揭開了威勒德行程的神秘終點，我們跟隨著威勒德主觀鏡頭逐漸深入，看到了一群在臉上畫著神秘圖騰的人嚴整的列隊在河面的船上，接著是祭壇和懸掛在水面的半裸屍體，音樂詭異神秘，突然，由丹尼斯.虎珀扮演的記者像娛樂主持人一樣招呼著這群美國人，經他之口，我們了解到柯茲上校在這里的地位。黃色的煙霧繚繞著祭壇，祭壇上書「現代啟示錄」，四周散落著被處決者的頭顱。這個景象震驚了威勒德和他的同行者，他們回到船上。最終，威勒德決定帶著蘭斯深入「柯茲王國」的腹地，他在途中被柯茲的「子民」包圍，他們將他按入泥水中，鏡頭對准威勒德旋轉一圈，由此影片進入了最經典的段落。威勒德被帶到柯茲的處所，影片使用了古銅色的逆光、側逆光和側光照明，這種造型感極強的打光營造了一種強烈的原始感，柯茲的面部一開始始終處於陰暗中，只有白蘭度的光頭被強光籠罩，隨著對話的深入，柯茲的面部不時會局部的進入那束光柱中，這種在中景距離造成的特寫效果使得觀眾強烈感受到柯茲的威嚴。當柯茲雙手捧出盆里的水時，它們彷彿沐浴在冥河之中。威勒德和柯茲的第二次接觸是在一種如夢如幻的環境下進行的，科波拉調動了雨水、泥漿、被泥或油彩覆蓋的臉等元素，塑造了一番地獄景象。第三次接觸是在牢房，科波拉安排柯茲閱讀美國主流報紙，柯茲蹲坐在門口，大自然的光線從他身後隨著空氣中的煙霧「飄」來，鏡頭中充滿了小孩，這種景象又讓人想起天堂。柯茲明確指出報紙上的都是謊言，天堂、童年、謊言這三個因素的並置產生了令人回味無窮的寓意。柯茲對美國軍方的失望也具有了強大的諷刺意味。他面對著處於黑暗牢房中的威勒德――後者在某種程度上代表了美國當局――宛如先知。威勒德昏迷後又被抬到了酷似古羅馬城堡的房間里，金色的光線從各個的窗口射入，打光仍然以逆光和側光為主，但明暗對比已不似先前那麼鮮明，而是加上了淡淡的散射光，渲染了房間中的煙霧繚繞的狀況。除了威勒德、柯茲和記者，其他人物也被交叉剪輯進來，他們或者如雕塑般站立在那裡，或者心閑氣定的打太極，甚至只是一張沒有表情的面孔……在這里，科波拉借角色之口道出了自己的心聲：與恐懼為友，否則你就只能與他為敵……利用原始的本能去殺戮，沒有感覺、沒有感情、沒有判斷，沒有判斷……因為判斷會打敗你。」科波拉就此表達了他對於暴力所持的宗教式的觀點。他沒有簡單的評判暴力的對錯，而是站在整個人類群體的高度，說明了暴力是一種原始的神話。也許正是這番不要帶著判斷去殺戮的話最終堅定了威勒德的決心，他終於拋開所有關於柯茲的傳言和書面材料執行了軍方交給他的任務，實際上，他可能僅僅是為了自己的思想而殺死柯茲。這場戲完全是表現主義的。威勒德從水中慢慢浮出，金黃的側光將他塑造成了一尊堅定的雕像，這是一場神聖的洗禮。科波拉運用蒙太奇手法將威勒德砍殺柯茲的鏡頭與宗教儀式上屠殺牛的鏡頭交叉剪輯在一起，突出了顯祭的主題。也將今天存在於我們生活中的屠殺戮與最原始的殺戮、將個人的殺戮與群體的殺戮、將世俗的殺戮與宗教的殺戮聯系起來，挖掘出存在於人類心中的暴力傾向的歷史淵源。同時這頭牛也照應了威勒德形成開始出現的那頭被吊上天空的牛，而柯茲也成了這場暴力的一個犧牲者被推上時代的祭壇。瘋狂的歷程：威勒德的任務除了展現不同層次的瘋狂的斷面，科波拉還通過威勒德一行人的行為心理變化展現了瘋狂發展的過程，展現了人類是怎樣一步一步從所謂的現代文明回歸到最原始的狀態中去的。人物設置上，科波拉有意設置了擁有不同人生經歷的幾個人物，通過他們之間以及他們同外部的互動將一粒瘋狂的種子植入他們心中。片中射殺越南貧民的一場戲在他們各自的性格變化中起到了很大的作用。在路途上，船長處於責任心，執意要對一艘越南漁船進行嚴格檢查，結果誤將一個越南女子保護小狗的行為視作反擊而對船上所有人進行了射擊，明白真相後，他們都震驚了，實際上，某些人已經崩潰了，接著，他們發現那個越南女子還活著，便決定將女子送去治療，威勒德反對這種拖延行程的行為，於是開槍殺死了她。科波拉的這一筆十分殘酷，這殘酷的一筆也正是這些涉世不深的年輕人的成人儀式。「恐懼」，如果你不與它為友，你就只能與它為敵，如果你不將恐懼作為手段，你就只能被它毀滅。也許恐懼就是聯系現代文明與原始暴力的契機。與它為友，你將瘋狂；與它為敵，你將死亡。在片尾的一片黑暗中，傳來了柯茲臨死前那深沉嗓音：「恐懼……恐懼……」

❸ 求幾部歐美同性喜劇！！具體請進

《同居牢友》高牆版《斷背山》
惡棍約翰剛從監獄里放出來就接到任務：某官員的兒子尼爾森遭冤獄被關進大牢，小公子身嬌肉貴哪裡知道監獄生活的險惡，得把以牢獄為家的約翰派去給他做貼身頌斗導師兼保鏢。才獲自由身的約翰居然應允野姿磨下了：原來讓他從8歲起就幾進宮的檢察官正是尼爾森的父親。約翰早想親手解決了這個害他淪落為階下囚的「仇人」，誰知仇人在他下手前就心臟病發先走一步，滅不了復仇之火的約翰正好乘這個天賜良機讓尼爾森「父債子償」。
經過精心安排約翰成了尼爾森的室友，他表面帶著小兄弟尼爾森學習如何適應監獄生活；對監獄的黑暗和邪惡毫無概念的尼爾森還沒來得及防備就被打著「保護神」旗號的約翰轉手「賣」冊扒給了最讓人聞風喪膽的同性戀黑老大做「玩物」。本想讓尼爾森嘗嘗監獄里最喪盡人倫的折磨，誰知道尼爾森觸動了黑老大巴里內心對愛渴求的溫柔，兩人竟萌生出了真摯的感情。有黑老大撐腰，尼爾森搖身一變成了囚犯的新頭領，深諳高牆生存法則的約翰卻眼看要被自己的復仇計劃反咬一口。

❹ 「豚鼠」系列的電影誰知道

豚鼠》系列地下電影⑨是日本的兩個「語不驚人死不休」的製作人Satoru Ogura和Hideshi Hino攝於1985—1990年間的系列短片集。這一系列共有六部電影，分別是《惡魔試驗》（Devil』s Experiment,1985）、《血肉之花》（Flower Of Flesh And Blood, 1985）、《不死人》（He Never Dies,1986）、《地窖人魚》（Mermaid In A Manhole）、《聖母機器人》（Androids Of The Notre Dame,1988）、《惡魔女醫》（Devil Women Doctor,1990），影片長度自43分鍾至65分鍾不等。這一系列影片自發行以來，就在日本國內和歐美市場上引起軒然大波，以至在所有國家都被禁止公映，只能以Home Video或DVD的形式在音像市場上銷售所以落了個「地下電影」的名聲。其實它與一般意義上獨立製片、帶有一定實驗性且利潤不高的地下電影有著天壤之別，因為自這一系列影片投放市場之後，它的銷售量在日本國內甚至超過了同期引進的好萊塢大片。如《血肉之花》和《地窖人魚》在日本發行的兩個月內便成為音像連鎖店銷售量TOP TEN中的一員，《血肉之花》創下的業績甚至超過了同期引進的斯皮爾伯格的科幻浪漫主義巨作《E.T.》。同時在西歐北美市場上，該系列自90年代初被引進之後，在音像市場上也是叱吒風雲，並因其高度的寫實性把美國的FBI牽涉進來，當然調查的結果還是「fake」。盡管不同膚色的大多數消費者對這種登峰造極的「Snuff Pic.」或「Gore—hound Films」極其厭惡與憎恨，但奇怪的是，他們恨的狂也買得狂,能夠在影迷中製造如此大規模反常的消費心理，《豚鼠》系列地下電影可以說是創造了一個神話。對於該系列影片的探討，我們先從「豚鼠」這個看似與影片內容大相徑庭的片名開始。 《不列顛網路全書》國際中文版對豚鼠（Guinea Pig）的解釋是：「一種馴養的嚙齒目豚鼠科動物，原產南美洲。在印加時代以前即已馴化，美洲發現後不久便引進歐洲，並迅即成為受人喜愛的觀賞動物和有價值的實驗動物」。⑩可見，豚鼠只是一種供人們玩賞和進行實驗的馴化動物，可奇怪的是《豚鼠》系列影片雖以「實驗」為母題，但片中卻不見一隻真正意義上的豚鼠，我們看到的「豚鼠」是活生生、血淋淋的人體。該系列的第一集《惡魔試驗》講述的是三個蒙面男青年為了考察「人的精神與肉體所能承受的痛苦極限」而對一名女子實施各種暴行，包括拳打、腳踢、針刺、噪音干擾、臟物攻擊以及最殘忍的挖眼。爾後，受盡折磨慘死的女子被他們拋屍荒野。第二集《血肉之花》也是一個關於綁架女子並進行殘酷折磨的故事。一個穿著日本古代武士服、塗脂抹粉的變態男子像製造一件藝術品一樣把一女子麻醉後進行肢解，完事之後，余興未了的他居然向攝影鏡頭公開了它收藏的全部「藝術品」：一大批早已腐爛，且長滿植物和寄生蟲的死人頭顱及肢體。第三集雖然換了「湯」，不在綁架和折磨他人上做文章，但仍然不換「葯」，表現的是同樣血腥的「自殘」。一個在事業上頗不得志的普通小職員，在無聊煩悶之極竟然用各種器具進行自殘以尋找刺激，結果在發現自己居然是「不死人」之後，欣喜若狂，立即打電話邀來同事，並當著同事的面作惡心之極的剖腹表演。盡管影片以一個玩笑式的場景收場，但仍無法沖淡其強烈的血腥氣。《豚鼠》系列的第四、第五部《地窖人魚》和《聖母機器人》算得上是該系列中較有思想性的兩部作品了，可依然是血氣沖天。前者《地窖人魚》的創作靈感似乎來源於安徒生童話中的「海的女兒」，不過日本人卻把這個美麗的童話「異化」得慘不忍睹。片中精神自閉且中年喪妻的畫家為了尋找某種創作靈感跑到他心中的聖地——污穢的下水道中一游，結果卻意外地發現了幼時幻想中的「美人魚」，只是此人魚因擱淺而長期浸泡在工業廢水當中，身體已開始腐爛。畫家出於憐憫，將人魚移至家裡的大浴缸中並悉心照料，但人魚已病入膏肓，身體一天比一天爛得厲害，失望的畫家無奈之下只得依人魚之意用畫記錄下她腐爛死亡的全過程。最終人魚在極度腐爛中死去，畫家亦隨之精神崩潰，親手肢解了人魚，事後他被不肯相信這個「成人童話」的警察以謀殺妻子的罪名逮捕。影片之所以具有一定思想性，就在於導演刻意將畫家幼時的一幅充滿童話般意境的關於「美人魚」的彩筆畫與記錄人魚腐爛的油畫反復進行對比切換，以強調工業文明對生態環境以及人們純潔心靈的異化和腐蝕，人魚悲慘的死象徵著人類的純潔之美在工業社會中的死亡。後者《聖母機器人》通過講述一個侏儒科學家用活人實驗得到的器官來挽救身患絕症的姐姐，卻被他的姐姐回絕的故事，對科學與人性的矛盾做了番「殘忍」的探討。由於《豚鼠》系列電影在暢銷後對日本社會造成的惡劣影響，尤其是對青少年人群的誘導作用，公眾開始指責它對殘忍的「過度表現力」，迫於這種壓力，該系列的最後一部電影《惡魔女醫》不得不改走「溫和路線」，把一系列血腥卻不失幽默的獵奇性小故事組合成章，完成了《豚鼠》系列的封山之作。 為什麼在《豚鼠》系列影片中活生生的人被置換成「豚鼠」的角色呢？這就涉及到丹尼爾·貝爾所說的資本主義社會里，角色與人的斷裂。在《資本主義文化矛盾》一書中，貝爾將資本主義社會分成三大互相對立的領域：經濟技術領域、政治領域和文化領域。他指出在經濟技術領域，所有的工業化社會受經濟沖動力驅使，將個人放置在一個官僚合作體系當中，在這一體系下，人的行為受到角色的調節，由此，個人被當作「物」而不是人來對待，成為企業或機構最大限度謀求利潤的工具。「一句話，個人已消失在他的功能之中」。與此截然相反的是，文化領域的特徵是自我表現與自我滿足。「它是反體制的，獨立無羈的，以個人興趣為衡量尺度。」在這種情形下，資本主義社會的矛盾之一就是「文化的民主化傾向會促使每個人去實現自己的『潛力』，因此也會造成『自我』同技術—經濟秩序所需的『角色要求』不斷發生沖撞」。明於此，我們就可以理解為什麼會把人「物化」為「豚鼠」的怪現象了。後工業化社會對人的「角色要求」，把人變成了無思想的「物件」或玩物，這種基於本能壓抑之外的額外壓抑就同資本主義現代文化所標榜的極端自由的自我表現之間產生了深刻的矛盾。於是，兩個領域之間的斷裂便為一群走極端的「藝術家」提供了一個既可以自我表現又必然攜帶資本主義「物化」病毒的創作理念，如此一來，將人「物化」為無思想的人類玩物——豚鼠，便合情合理了。 事實上，在同一時期（八十年代末九十年代初）並不只有日本人在從事將人「物化」這一類邪惡的「電影實驗」。德國人瓊克·布特戈雷格(Jrg Buttgereit)在1987年與1991年也拍了一個不比日本人遜色的禁片系列——《困惑的浪漫》。此「浪漫」之所以令人「困惑」，是因為它既不是男人與女人之間的浪漫，也不是男人與男人、女人與女人之間的浪漫，而是女人與男性屍體之間的「浪漫」！這部影片在血腥度和變態指數上與《豚鼠》可謂平分秋色、難分伯仲，不過與《豚鼠》對感官刺激的狂熱崇拜不同，導演或許是秉承了德國人嚴謹的理性傳統，在這部「禁片」中仍有著嚴肅的藝術追求，為此，布特戈雷格特地在每集的開頭各加了一行西方哲人的名言。第一集寫的是：「難道人非得吃掉其他的生物才能生存嗎？」第二集則是：「我要支配一切！」從該系列兩部影片的內容上看，似乎這兩句話都是兩部影片的主題。第一集完成於1987年，主要表現了一對青年男女對屍體的迷戀。影片的高潮特別「觸目驚心」，竟然是這對有特殊「癖好」的男女與一具高度腐爛的屍體之間的三人「性游戲」。為了使這一人類電影史上空前惡心的「奇觀」看上去很美，導演別出心裁的在攝影機的鏡頭前加了一層濾鏡，使這場原本並不「浪漫」的戲被塑造得如夢境般色彩斑斕。僅憑這一場戲，依筆者之見，布氏就可以在「電影美學」上揚起一面「骯臟美學」的大旗。不過，對「戀屍」的美化好像與片頭的點睛之語有些距離，其實這只是導演的障目之法，影片中明確「點題」的部分是一個一分多鍾的紀錄屠夫宰殺一隻兔子全過程的長鏡頭（到第二集則換成了解剖一隻活海豹）。這些紀實性的場景與表現性的場景放在一起，按照黑格爾提出的「正—反—合」的邏輯規律推斷，可得出這么一個結論：人類是一種殘害一切生物（包括人類自身在內）的十惡不赦的野獸，換言之，它非得靠吃掉「其他」的生物才能生存。兩德統一後，布特戈雷格並沒有因「柏林牆」的倒塌而使自己絕望的心「熱」起來，他變本加厲的推出了《困》片的續集。這次，上集中患有「戀屍癖」的女人勾搭上了一個專為色情片配音的演員，他倆進行了一段「人」的交往。可惜，本色難改的女人，在影片的後半部獸性大發，在極度興奮時刻砍下了新男友的頭顱，並將她保存的昔日男友早已腐爛的頭顱安放在新男友血淋淋的軀體上，然後繼續享受「為人」的快樂。此集在延續上集基本精神的同時，似乎還增加了一絲對「極端女權主義者」的畏懼之色，因為「我要支配一切！」

❺ 介紹幾部關於販賣黑人的影片

1.《湯姆叔叔的小屋》

《湯姆叔叔的小屋》是由Gvéza on Radványi執導的劇情片，John Kitzmiller、赫伯特·羅姆等參加演出。此部電影由美國斯托夫人所著小說《湯姆叔叔的小屋》改編而成。

這是一部生動描繪19世紀美國黑人奴隸生活的影片。

拓展資料：

黑奴制是指歐洲殖民主義者在拉丁美洲強制黑人從事奴隸勞動的制度。

在15世紀中葉，葡萄牙人就在西非海岸擄捕黑人並運往歐洲出售，開始了近代的非洲奴隸貿易。

在拉丁美洲，使用黑人奴隸勞動非常廣泛，黑人奴隸除從事各類種植園（甘蔗、棉花、煙草、咖啡）勞動外，也從事放牧、采礦，充當家庭僕役。奴隸主還派遣奴隸從事搬運和手工業生產，但這些奴隸要將自己的收入按規定數額繳給主人。

19世紀80年代，古巴和巴西最後宣布廢除奴隸制，奴隸制度在拉丁美洲正式結束。