真理電影的理念是什麼

1. 蘇聯蒙太奇電影學派的基本觀點是什麼

蘇聯蒙太奇學派

1．愛森斯坦（1898——1948）。

愛森斯坦理論體系發展的四個時期

（1）．「雜耍蒙太奇」時期（1920——1923）：愛森斯坦在參加電影工作以前就發表了
《雜耍蒙太奇》一文。提出的核心觀點即雜耍蒙太奇。

*愛森斯坦「雜耍蒙太奇」觀念的來源：
1．辨證法：黑格爾的三段論辨證法。兩個不同性質的鏡頭即相當於正題和反題，他們之
間產生沖突，便建立了一個新的概念，相當於合題。
2．先鋒藝術派中的構成主義和未來主義：要求打碎線性的戲劇模式，強調以多樣化視點
改造戲劇，利用空間的共時性切斷戲劇時間的連續性。
3．日本的象形文字。

【名詞解釋：雜耍蒙太奇】
愛森斯坦於20年代初在戲劇和電影創作實踐中採用並在理論上提出的一種結構演出的方
法。即選擇具有強烈感染力的手段加以適當的組合，以影響觀眾的情緒，使觀眾接受作
者的思想結論。「雜耍是戲劇中每一個特別刺激人的瞬間，即戲劇中能夠促進觀眾足以
影響其感官上或心理上的感受的那些因素，也就是能夠保證和精確的預計到如果安排在
整體的恰當次序中就會引起某種感情上震動的每一個因素，它們是能夠用來使最終的思
想結論顯示出來的唯一手段。」 雜耍蒙太奇不是靜止的反映一個事件，不是使活動的一
切可能性處於這一事件的合乎邏輯的表現的限度以內，而是躍到一個新的階段：把任意
選擇的那些獨立的雜耍表演自由的組成蒙太奇——從主題效果的立場來合成。

（2）. 理性電影時期（1924——1929）：此期拍攝的作品包括《罷工》、《戰艦波將金
號》、《十月》、《總路線》。提出的核心觀點即理性電影。

【名詞解釋：理性電影（理性蒙太奇）】
該理論強調通過畫面內部的造型安排，使觀眾將一定的視覺形象變成一種理性認識。該
理論認為，兩個鏡頭之和會產生一種新的概念，因為兩個鏡頭對列及其內在沖突會產生
對所描繪事物進行思想評價的契機。該理論主張以鏡頭蒙太奇對列以表現某種抽象概念
，代替藝術形象。

「敖德薩階梯」經典段落的蒙太奇運用：
1． 以視覺節奏的造型因素突出影片的主題，創造影片的情緒，形成影片視覺感官的沖
擊力。
2． 以蒙太奇視覺結構的形式強化影片的視覺形象，擴大影片的空間效果。
3． 以多鏡頭反復重復的延續動作使得影片的時間抽象化，造成影片的延時表現。

（3）. 建立蒙太奇類型學——多聲部蒙太奇體系的時期（1929——1939）：此期拍攝的
作品包括《墨西哥萬歲》、《白靜草原》、《亞歷山大·涅夫斯基》。相繼提出了節奏
蒙太奇、復調蒙太奇、聲畫蒙太奇、鏡頭內部蒙太奇等問題，在理論上大大修正補充了
早期的蒙太奇思想，最著名的代表作為《蒙太奇1938》。創作中實踐了「情緒劇本」理
論。

*【名詞解釋：「情緒劇本」理論】
20世紀30年代由愛森斯坦提出並由部分劇作家附諸實踐的一種電影劇作理論。該理論認
為不需要戲劇沖突和戲劇結構，只要提供一連串誘發導演情緒的刺激物。因此，這種劇
本雖然也有一些簡單的情節，但一般是用一種浮誇的詞句描寫一些互不連貫的場景。代
表作家是蘇聯的拉熱謝夫斯基，他的代表作品有《普通事件》（普多夫金導演）、《白
靜草原》（愛森斯坦導演）等。蘇聯評論界認為這些影片都是失敗之作。但「情緒劇本
」作為探索新的形象性以及向文學靠攏的一種傾向，在電影劇作發展史上佔有一定的位
置。

愛森斯坦對於電影聲音的美學觀念及其演變。
1928年，愛森斯坦、普多夫金、亞歷山大洛夫聯合發表了《有聲電影聲明》，提出「聲
畫對位」的主張，並將「聲畫對位」看成一種普遍原則，否定聲畫同步，使聲音依舊服
從於畫面和默片時期的蒙太奇觀念，只是配合蒙太奇使用。在愛森斯坦建立蒙太奇類型
學、即多聲部蒙太奇體系的時期，他同樣大大修正補充了這種思想，將重點轉到聲畫同
步和聲畫不同步想結合的問題上來。

（4）. 提出作為電影總體的影片結構的理論，提出電影創作方法論的時期（1938——19
48）：此期拍攝的作品包括《伊凡雷帝》（一、二、三集）。

*愛森斯坦完整的蒙太奇體系中的4個最重要的觀點：
1． 任何種類的兩段影片放在一起，就會從那兩種並列的狀態中不可避免的產生一種新
的概念，一種新的性質。
2． 蒙太奇就是鏡頭內部沖突，是由兩個並列的鏡頭沖突所產生的某一概念從而造成有
目的的主題效果。
3． 蒙太奇不僅是產生效果的手段，而且首先是闡明思想的手段，即通過某種電影語言
及其表現形式闡明思想的手段。
4． 蒙太奇的思維是與整個思維的一般思想基礎分不開的。

2．蘇聯蒙太奇學派。

（1）蘇聯蒙太奇學派

【名詞解釋：蘇聯蒙太奇學派】
20世紀20年代，以愛森斯坦、普多夫金、維爾托夫、庫里肖夫等為代表的一批人，受到
革命斗爭現實的鼓舞，力求探索新的電影表現手段來表現新的革命內容，他們將實驗的
重點放在蒙太奇的運用上。庫里肖夫和愛森斯坦強調兩個不同鏡頭的對立或撞擊會產生
新的質、新的思想涵義，這是他們對蒙太奇理論作出的重要貢獻；他們代表性的理論分
別是「庫里肖夫效應」和「雜耍蒙太奇」；其他人諸如普多夫金發展了敘事蒙太奇、維
爾托夫創建了「電影眼睛派」，這批人是20年代蘇聯先鋒主義電影美學探索的中間力量
，在蒙太奇理論的創建和運用上貢獻卓著，因此被稱為蘇聯蒙太奇學派，他們的理論研
究和拍片實踐構成了蘇聯電影學派的第一個階段。20年代末30年代初，由於愛森斯坦等
人的極端的蒙太奇探索受到批判，蘇聯蒙太奇學派開始轉向社會主義現實主義創作。

（2）蘇聯蒙太奇學派的其他代表人物
a . 庫里肖夫
庫里肖夫在十月革命前就開始了電影工作，建立了「實驗工作室」，他是一個構成主義
者，代表作品有《西方先生在布爾什維克國家裡的奇遇》、《遵守法律》等；代表理論
有「庫里肖夫效應」和「電影模特兒」。

【名詞解釋：「庫里肖夫效應」】
蘇聯電影導演列夫·庫里肖夫通過鏡頭剪接所作的一項實驗，該實驗實際上是由普多夫
金具體操作的。庫里肖夫為了弄清楚蒙太奇的並列作用，給俄國著名演員莫茲尤辛拍了
一個毫無表情的特寫鏡頭，剪為三段，分別接在一碗湯、一個正在做游戲的孩子和一具
老婦人的屍體的鏡頭之前，結果觀眾在觀看過程中卻似乎發現了莫茲尤辛的情緒變化—
—分別對應著飢餓、喜悅和憂傷。庫里肖夫由此看到了蒙太奇構成的可能性、合理性和
心理基礎，並創立了「電影模特兒」等理論。他得出的結論是，造成電影情緒反應的並
不是單個鏡頭的內容，而是幾個畫面之間的並列；單個鏡頭只不過是素材，只有蒙太奇
的創作才成為電影藝術。他提出了積極的創作綱領：影片的結構基礎不是來自現實素材
，而是來自空間結構和蒙太奇。

b . 維爾托夫（1896——1954）
齊加·維爾托夫原是一位未來主義音樂家，1916年創立了「聽覺實驗室」，1918年開始
轉向電影創作。1923年，維爾托夫發表了《電影眼睛人：一場革命》一文，提出了「電
影眼睛」理論。代表作品有《帶攝影機的人》、《前進吧，蘇維埃》、《在世界六分之
一的土地上》、《關於列寧的三支歌》等以及24期《電影真理報》（《電影周報》）。
維爾托夫也是蘇聯電影界最早使用聲音的人。60年代法國新浪潮運動中的「真理電影」
就受到維爾托夫「電影眼睛」理論的影響。

【名詞解釋：「電影眼睛」】
蘇聯紀錄電影導演齊加·維爾托夫於20世紀20年代初提出並在創作中付諸實踐的理論。
他把攝影機比作人的眼睛，主張電影工作者手持攝影機出其不意的捕捉生活，實景拍攝
甚至偷拍、強拍，反對場面調度、劇本、演員和攝影棚，也就是反對故事片。雖然維爾
托夫的「電影眼睛」理論強調對現實的即興觀察，但並不是單純的攝錄現實。他強調將
電影觀察的素材加以組織，從而引導觀眾達到明確的思想結論。他對「電影眼睛」的解
釋是「用紀錄手段對可見的世界作出解釋」。維爾托夫並不反對蒙太奇，他將電影眼睛
稱為蒙太奇的「我看」，他認為影片組織的基本手7段就是蒙太奇。他將蒙太奇的功能確
定如下：選擇電影觀察的最重要的瞬間，將這些觀察按照聯想的原則加以聯接，有節奏
的組織素材以加強其情緒感染力，並通過鏡頭畫面與字幕（政治口號）的結合來解釋拍
攝在膠片上的事件的政治意義。維爾托夫在自己周圍團結了一批紀錄電影工作者，組成
了所謂的「電影眼睛派」，按照自己的理論拍攝了一些成功的影片，如《電影真理報》
、《帶攝影機的人》、對謔瀾緦�種�壞耐戀厴稀貳ⅰ豆賾諏心�娜�Ц琛返取?BR>
c . 普多夫金
普多夫金電影理論代表作有《電影導演和電影素材》、《電影劇本》、《論電影編劇、
導演和演員》；導演的影片代表作品有《母親》、《聖彼得堡的末日》、《成吉思汗的
後代》。他後期導演的作品有《普通事件》、《逃兵》、《蘇沃洛夫大元帥》、《海軍
上將納希莫夫》等。
普多夫金強調劇本和演員的重要性，他同樣把蒙太奇視為電影藝術創作的基礎。他從一
般意義上為蒙太奇所下的定義是：蒙太奇就是要揭示出現實生活中的內在聯系，是一種
辨證思維的過程。它是為表達一定的思想意圖而組織電影動作的手段之一。蒙太奇的運
用則顯示出導演觀察生活、分析觀察結果並對之進行獨立思考的能力。基於這種思考，
普多夫金創立了「聯想蒙太奇」，具有很濃的詩意和抒情因素。「聯想蒙太奇」把沒有
物質聯系但卻具有十分密切主題聯系的視象並列起來。這種手法一般只能在影片的局部
使用，而不能用它來統一全部鏡頭。普多夫金的理論強調了電影的敘事性，即通過分鏡
頭突出細節的重要性，通過對情節和事件的分解組合，再現情節和事件，使蒙太奇成為
劇情片段的連續 ，從而加強電影的敘事力量；這些理論在一定程度上支持了30、40年代
的蘇聯和美國的情節劇模式，因此被20年代先鋒主義藝術家們看作是格里菲斯電影敘事
結構的繼續，甚至被愛森斯坦認為是把蒙太奇這一新的電影造型手段納入到傳統的再現
美學范疇，是現代主義美學道路上的倒退。

*d . 柯靜采夫、塔拉烏別爾格等人的「奇異演員養成所」
這是一個純形式主義的學派，突出一種「奇異化」的電影觀念。

【名詞解釋：蒙太奇理論】
主要指早期電影中以維爾托夫、庫里肖夫、愛森斯坦、普多夫金等人為代表的蒙太奇理
論。通稱的蒙太奇理論並不能囊括所有對蒙太奇問題的看法。西方的格里菲斯、卓別林
、雷納·克萊爾、費里尼、愛因漢姆、米特里等，蘇聯的杜甫仁科、瓦西里耶夫兄弟、
柯靜采夫、尤特凱維奇、羅姆、格拉西莫夫等，都曾對蒙太奇的問題作出各自的解釋。
但蘇聯學派對蒙太奇的看法有一定的繼承性，即便早期階段也經歷了一定的發展過程。
（以下分別簡介維爾托夫、庫里肖夫、愛森斯坦、普多夫金的主要觀點。略。）
蘇聯電影理論界比較普遍的看法是：蒙太奇不僅是將各個拍攝下來的片段加以聯接使觀
眾對連續發展著的動作獲得完整的印象的表現手段，而且是將各種現象的隱蔽的內在聯
系變成明顯可見、不言自明的最重要的藝術方法。

2. 安德烈·巴贊的電影理論

核心、基本觀點：影像客觀現實中的被攝物同一。（出處：《攝影影像的本體論》）電影再現事物原貌的本性是電影美學的基礎。
【名詞解釋：影像本體論】巴贊的電影現實主義理論體系的基石。其核心和基本觀點是影像與客觀現實中的被攝物同一。在《攝影影像的本體論》一文中，巴贊提出，電影再現事物原貌的本性是電影美學的基礎。因為一切藝術都是以人的參與為基礎的，唯獨在攝影中，我們有了不讓人介入的特權。所以攝影取得的影像具有自然的屬性。影像本體論和巴贊的電影起源心理學以及電影語言進化論都有密切的關系。巴贊認為，電影發明的心理依據是再現完整現實的幻想，而現實主義是電影語言演化的趨向。 核心、基本觀點：電影發明的心理依據是再現完整現實的幻想。（出處：《完整電影的神話》）電影是人類追求逼真的復現現實的心理的產物，這種心理因素決定了銀幕形象的真實感，決定了電影技術的完善和電影藝術的發展方向：再現一個真實的世界。但電影不可能實現對客觀現實的完整摹寫，「電影是現實的漸進線」。（出處：《傑作：〈溫別爾托．D〉》）
【名詞解釋：木乃伊情結】巴贊藉助精神分析解釋電影起源的一種闡釋。巴贊為研究電影起源的心理，追溯到雕刻和繪畫的起源。他認為人有永久性保存自己屍體的驅動。塗上香料的木乃伊是第一個雕像。雕刻和繪畫成為人的替代品。他們起源與一種願望，是一種原始需要。攝影不是創造永恆，而是給現實塗上香料，使時間免於腐朽。巴贊認為，攝影作為自然的補充，而不是替代，第一次有了不讓人干預的特權。電影也因此第一次實現了影像與被攝物的同一，彷彿木乃伊。
【名詞解釋：完整電影】巴贊在《完整電影的神話》一文中提出的關於電影起源觀的電影觀念。他認為電影起源的心理原因是再現完整電影的神話，也就是再現聲、色、主體感受一應俱全的外部世界的幻景。 核心、基本觀點：現實主義是電影語言演化的趨向。巴贊的電影現實主義包括三個方面：表現對象的真實；時間空間的真實（美學核心）；敘事結構的真實。為了實現這些審美理想，巴贊提出了「長鏡頭理論」。
【名詞解釋：「長鏡頭（景深鏡頭）理論」】長鏡頭理論是對巴贊提出的「景深鏡頭理論」的不嚴密的概括。按照長鏡頭（鏡頭—段落）和景深鏡頭的原則構思拍攝影片，是一種旨在展現完整現實景象的電影風格和表現手法。它具體的實踐要求是：
a．避免嚴格限定觀眾的知覺過程，它是一種潛在的表意形式，注重通過事物的常態和完整的動作揭示動機。保持透明和多義的真實。
b．長鏡頭（鏡頭—段落）保證事件的時間進程受到尊重，景深鏡頭能夠讓觀眾看到現實空間的全貌和事物的實際聯系。
c．連續性拍攝的鏡頭—段落體現了現代電影的敘事原則，屏棄了戲劇的嚴格符合因果邏輯的省略手法，再現現實事物的自然流程，因而更有真實感。
（4）電影是現實的漸近線
巴贊在《攝影影象的本體論》中，提出了「攝影的美學特徵在於它能揭示真實」的美學原理。他說：「……攝影機鏡頭擺脫了陳舊偏見，清除了我們的感覺蒙在客體上的精神銹斑，唯有這種冷眼旁觀的鏡頭能夠還世界以純真的面貌，吸引我的注意，從而激起我的眷戀」。由此，巴贊得出了這樣的結論：電影藝術所具有的原始的第一特徵就是「紀實的特徵」。它和任何藝術相比都更接近生活，更貼近現實。巴贊的「電影是現實的漸近線」，被稱作是「寫實主義」的口號。
在「新浪潮」的作品中，特昌弗的《胡作非為》直接實踐了巴贊的理論，是一個很能說明巴贊理論的影片。《胡作非為》描寫了一個12歲男孩安托納，由於得不到家長和老師們的理解和關心，兩次出逃，流落街頭，後因行竊經受警察與心理學家的審問，被送進勞教營，後又逃跑出來奔向大海的過程。特呂弗打破了傳統敘事手法，將影片的敘事語言始終保持在生活的漸近線上，形成了一種嶄新的藝術風格。這部影片同時在國際影壇上產生了巨大的反響和歡迎，為「新浪潮」的崛起打下了基礎。
（5）場面調度的理論
巴贊認為：「敘事的真實性是與感性的真實性針鋒相對的，而感性的真實性是首先來自空間的真實」。蒙太奇理論的處理手法，是在「講述事件」，這必然要對空間和時間進行大量的分割處理，從而破壞了感性的真實。相反，景深鏡頭永遠是「紀錄事件」，它「尊重感性的真實空間和時間」，要求「在一視同仁的空間同一性之中保存物體」。巴贊希望電影攝制者認識到電影畫面本身所固有的原始力量，他認為，解釋和闡明含義固然需要藝術技巧，但是通過不加修飾的畫面來顯示含義也是需要藝術技巧的。所有這些，構成了巴贊「場面調度」的理論，也有人稱其為「景深鏡頭」理論或「長鏡頭」理論。巴贊提出的「場面調度理論，幾乎在一切方面與蒙太奇理論相對立。蒙太奇出於講故事的目的對時空進行分割處理，而場面調度追求的是不作人為解釋的時空相對統一；蒙太奇的敘事性決定了導演在電影藝術中的自我表現，而場面調度的紀錄性決定了導演的自我消除；蒙太奇理論強調畫面之外的人工技巧，而場面調度強調畫面固有的原始力量；蒙太奇表現的是事物的單含義，具有鮮明性和強制性，而場面調度表現的是事物的多含義，它有瞬間性與隨意性；蒙太奇引導觀眾進行選擇，而場面調度提示觀眾進行選擇。
巴贊的這個理論影響了整整一代人。特呂弗是巴贊的忠實弟子，他說：「沒有正確的畫面，正確的只有畫面」。戈達爾說：「電影就是每秒鍾24畫格的真理」。他們的電影觀念，同巴贊的場面調度的理論一脈相承。

3. 真實電影與直接電影的異同點

先說「直接電影」。美國電影史專家羅伯特·C·艾倫認為，「直接電影」是60年代初美國紀錄電影製作中一次獨具風格的運動，這一運動被後人稱為「直接電影」，它「過去是、現在也仍然是利用同步聲、無畫外解說和無操縱剪輯盡可能忠實地呈現不加控制之事件的一種嘗試。簡言之，直接電影作品企望給予觀眾一種正當攝影機前的事件展開之時『他們身臨其境』的感覺。」早期階段的美國直接電影作品主要是指羅伯特·德魯領導的攝制組為電視台製作的影片，史蒂文·芒貝在《美國的直接電影》一書中指出，這些影片「表明了自發的、不受約束的拍攝影片的可能性，並且第一次直接觸及了這一做法所派生出來的主要美學問題。德魯小組實際上為美國真實電影作了界定，他們創建了一種強有力的方法，其影響至今仍起著主導作用」。
再說「真實電影」，又稱「真理電影」。北京電影學院文學系胡瀕教授認為，「真理電影」是法國「新浪潮」中的一股現實主義潮流。依照他在《當代法國電影》一文中的看法，「新浪潮」由三股潮流組成：一是作為新浪潮核心的「作者電影」，二是與新浪潮相伴而生的「作家電影」，三是以「真理電影」為代表的現實主義潮流。法國電影史學家克萊爾·克盧佐把這股現實主義潮流細分為三個支流或團體：故事片、紀錄片和介於兩者之間的「真理電影」。1960年12月20日，《法蘭西觀察家報》刊登了法國電影理論家艾德迦·莫蘭對記者提出的「您所理解的真理電影是什麼？」這個問題的回答，認為「真理電影」是「一種戰勝了故事片與紀錄片之間的根本對立的電影」。60年代的法國電影在現實主義方面最有特色的創新和探索便是真理電影，它持續影響了直至今日的法國電影。
「直接電影」與「真理電影」是有區別的，巴爾諾甚至認為兩者互不相關，唯一的共同點是它們都是從同期錄音的實踐中發展起來的，而且這樣來描述它們之間的區別：1）主張「直接電影」的紀錄電影工作者手持攝影機處於緊張狀態，等待非常事件的發生，魯什式的「真理電影」紀錄片人試圖促成非常事件的發生。2）「直接電影」藝術家不希望拋頭露面，「真理電影」藝術家則公開參加到影片中去。3）「直接電影」藝術家扮演的是不介入的旁觀者的角色，「真理電影」藝術家起到的是挑動者的作用。4）「直接電影」作者認為事物的真實隨時可以收入攝影機，「真理電影」是以人為的環境能使隱蔽的真實浮現出來這個論點為依據的。
「直接電影」與「真理電影」之間的區別，關鍵在於對「紀錄」與「虛構」的看法存在根本分歧。前者認為紀錄電影應該是對現實的純粹紀錄，在被動狀態中捕捉真實，反對在紀錄片中使用虛構手法；後者則認為紀錄電影不應該純粹地紀錄現實，應該主動地去挖掘真實，不排斥在紀錄電影中採用虛構策略。魯什在拍完《夏日紀事》幾年後接受采訪時重申，他確信電影具有「揭示我們所有人的虛構部分（to reveal a fictional part of all of us）的能力，盡管很多人對此表示懷疑，但對我而言這正是一個人的最真實的部分。」攝影機能夠刺激人們展現他們自己的虛構面貌，以及他們作為想像、幻想和神話的創造物的能力，這一點被魯什稱為「真實電影」實踐的試金石。在魯什看來，《夏日紀事》絕不僅僅是一部紀錄片，因為影片中的人們都被激發表現出了他們的虛構部分；同時，它又絕不僅僅是一部故事片，因為它所展現的虛構部分都是真實的。影片結尾處有一個簡短場面，正是對電影通過「謊言」展現真實的實踐的一個明確宣言。
在對「直接電影」和「真理電影」的概念進行一番梳理之後，我們接著進行本節的討論。不論是「直接電影」還是「真理電影」，擬或是帶有折中色彩的「真實電影」，這些概念甚至詞彙本身都含有向格里爾遜為代表的傳統紀錄電影挑戰的意味。標榜自己是「直接」就可能意味著別人是「間接」，標榜自己是「真實」或「真理」，就可能意味著別人是「虛假」或「謊言」。從根本上說，「真實電影」是一種反對虛構的電影，以至於「非虛構影片」（non-fiction film，港台譯作「非劇情片」）一詞逐漸成為後格里爾遜時期佔主導地位的紀錄電影定義，並且得到人們的普遍接受，甚至成了「紀錄電影」的代名詞。
轉摘自：單萬里 ——《紀錄電影文獻》序言

4. 推薦電影

《環球銀幕年鑒特別版2010完全電影》評選的2010年年度十佳電影
一.十大佳片

1.《盜夢空間》（美國）諾蘭的一小步，大片的一大步。

本片並非諾蘭最出色、最復雜的電影，但絕對值得影迷、影評人和電影製作者為之思考——一個原本可能前衛、晦澀、充滿實驗性的題材，如何被演化成一部雅俗共賞、拍攝成本高達1.6億美元的娛樂大片，創作者的自覺性和電影投資市場的包容性、絕非一日成功。本片的成功，出人意料的創意與明星陣容、重金打造的大場面相輔相成，後二者尤其不可或缺，否則又只能淪為影迷和影評人的一則新談資而已，本片對於習慣故事直來直去的觀眾而言，試一次刺激的考驗，對於唯恐觀眾不明就裡的通俗商業大片，是一次巨大的敘事形式沖擊和拓展。

2.《國王的演講》（英國）傳統戲劇的勝利

從各個方面來看，本片堪稱是今年的《女王》，只不過主人公從伊麗莎白二世本人變成了她的父親喬治六世，而且選取了喬治六世一生中最低谷的時期，宏大格局在現在早已失去人心，以小見大反而是歷史傳記題材電影的常見表現手法。本片劇本充分遵循了英國傳統戲劇：情節步步為營，台詞含蓄狡黠，且帶一點英國人乾巴巴的幽默感，每個人物都被賦予了閃光點，沒錯，本片最大的看點就是演員的演技。

3.《社交網路》（美國）這就是時代精神

如果說《華爾街》代表了上個世紀最後二十年人們的所有熱情、理想和成功法則，那麼《社交網路》則屬於新的時代。這部馬克.扎克伯格（facebook之父）的傳記電影告訴我們：「網路接通現實，極客繼承世界。這就是我們這個時代的精神，不管你願不願意成承認。

4.《告白》（日本）以復仇的名義

有這樣一種電影，你在溫暖的秋日遇見它，它面向平和，神態自若，像個熟人一樣拉起你的手，繼而，便把你一步步帶入一個你從未涉足，甚至聞所未聞，連想像都未趕到達的世界。接下來的兩個小時，你會沉淪在這里，被一幀幀完全顛覆你人生觀的畫面和一句句跳過骨膜直接刺進腦乾的對白滅頂。等電影放完，你走出門外，耀眼陽光再度直射下來，你一陣眩暈，要扶著牆壁才能行走，看著眼前的車流和行人，你甚至不知道那個世界是真的世界。

5.《127小時》（美國）一個人的斷代史

三分之二的時間里幾乎沒有對白，四分之三的時間里鏡頭都是懸崖峭壁和天空，五分之四的時間都是主角一個人的流浪和掙扎，六分之三的時間畫面里都有他的臉，換做以往，如果有人向你推薦這樣一部電影，你會讓他滾的越遠越好，但《127小時》讓你沒有一分鍾的時間可以離開，除非你是個嚴重暈血症患者。這是一部動作片，只是主角只有一個且無法行動。

6.《三傻大鬧寶萊塢》（印度）救救孩子

一部好萊塢類型電影大雜燴式的印度電影，在一個強大的故事內核之下，人物的臉譜化根本不成問題。

7.《我是怎樣度過這個夏天》（俄羅斯）極地傳說

作品有油畫般的影像和精彩絕倫的表演，熊大叔和小帥哥在年初一起分享了柏林影帝的桂冠。

8.《大叔》（韓國）別惹開當鋪的

情節通俗到朴實，但是元彬在電影中帥得掉渣，以眼還眼、以牙還牙，個人英雄主義在此。「為明天而活的人，會被為今天而活的人殺死」

9.《讓子彈飛》（中國）驕陽落處子彈飛

雖然成不了姜文又一部里程碑式的作品，但本片毫無疑問是今年華語片的翹楚，一部純粹的商業片，足以令我們的審查機關和文化體制汗顏。

10.《玩具總動員3》（美國）漂亮的告別禮

影片結尾，在巨大的焚化爐前，這十五年來所有我們認識的玩具們手拉著手，勇敢的面對即將來臨的毀滅。但凡對這些玩具有愛的人怎麼經得起這些淚點的誘惑？看得出，這是皮克斯精心為那一代小孩子准備的情緒小爆發，這大概是動畫史上最令人難忘的鏡頭之一。

二、年度十佳紀錄片

1.《音樂人生》國別：中國香港 導演：張經緯

電影的主人公黃家正只有17歲。他是公認的音樂神童，11歲就和捷克的樂團演出貝多芬第一號鋼琴協奏曲，只是他不太快樂，一直思考著生命的意義這樣深奧的命題。問他的理想是什麼，他說是做human being。這部電影讓人想起《莫扎特》和《社交網路》，都是講述孤獨的天才的故事。天才是恩賜也是詛咒。他是同輩中的幸運兒，恃才傲物、狂放不羈，小小年紀已經能彈出直擊人心的樂曲，但也因為早慧比別人經歷了更多的痛苦，過於龐大的光環也遮蔽和傷害了許多人。他不算可愛，但卻可敬。張經緯溫和、寬容地傳遞著他的觀點。這是一部「人性」地表現出真實人性的電影：不管什麼天才，首先都是一個人。

2.《陽光寶貝》國別：法國 導演：托馬斯.巴爾姆斯

這部電影記錄了分別來自四個國家的四名不同種族、膚色和性別的嬰兒從出生到學會走路的成長過程。四個國家分別是非洲的納米比亞、日本、蒙古和美國。影片採用了純觀察的記錄方式，完全取消字幕和解說，卻清楚地呈現出截然不同的生活環境對孩子成長的影響。非洲寶貝最可愛，生活卻幾近原始：美國寶貝卻跟著媽媽在大超市裡隨意挑選東西。人的命運大概在出生的那一刻就註定了百分之八十。但導演並未對這些生活環境做出任何價值判斷，而將重心完全放在嬰兒的成長過程之上，那些令人莞爾的點滴生活片段串聯起這份關於生命起點的采樣記錄。被生活弄得灰頭土臉的成年人應該看看這部電影：生命原本是多麼美好的奇跡。

3.《海豚灣》國別：美國 導演：路易.西霍尤斯

2010年知名度最高的紀錄片非《海豚灣》莫屬。一手帶動海豚表演行業的里克.奧巴瑞花費了35年時間親手摧毀這個行業，他和他的同伴們深入日本太極地，在那裡，每年都有超過20000頭海豚被屠殺。本片導演為了挺身而出支持老友而拍攝了這部電影處女作。這部電影走的是「真理電影」的路子，延續的是邁克爾.摩爾的風格，將電影視作自己吶喊的擴音器。因此，影片挑選的都是利於表達自己觀點的素材，當地漁民和政府官員通通都是臉譜化的可憎嘴臉，高潮部分那鮮血染紅的海水更是讓人悲憤難平。說到底，這只是一個質量上乘的環保紀錄片，你可以感動可以從此拒絕吃海豚肉，但千萬別天真地以為這就是全部真相。

4.《海上傳奇》國別：中國 導演：賈樟柯

這些年，賈樟柯的焦點逐漸從汾陽轉移到更為開闊的世界，這回，他用自己的生命體驗書寫了上海的前世今生。鏡頭里的所有人都自然如日常生活。受訪者有大流氓、政治家、電影明星的後代，也有流落到台灣、香港的上海人。有些人說大事件，有些人說小細節，也許他們講了什麼不是最重要，最重要的是他們還活著，他們的舉手投足，連同清晰的口音，都帶有海上餘味。這些來自個人的回憶碎片延續了時間的脈絡，在歷史、心理和地理三重空間之間，自如地切換。然而，時間的脈絡下潛藏著怎樣的精神脈絡？電影的回答正如其英文名字：「I knew I knew.」嘗試去求索追問，已經都是現在的賈樟柯所能做的最好的事。

5.《雷斯特雷波》國別：美國 導演：塞巴斯蒂安.容格爾

這部紀錄片記錄了一隊美國士兵在阿富汗克倫加爾山谷野戰排整整一年的經歷。攝影機從未離開這個山谷，也沒有任何官方采訪，因而保持了強烈的身臨其境感。這是阿富汗戰場上美軍傷亡最慘重的戰線之一。每個禮拜隊長都要把村子裡所有的長老們都請來「懇談」，希望他們告知塔利班的去處，卻始終無法和當地人順利溝通。閑暇時，士兵們會跟著Ipod內的音樂起舞，在夕陽下彈吉他，對他們來說，戰爭只是一個職業。小隊里一位戰士犧牲，聞訊趕來的佔有抱著裹屍袋失聲痛哭，但就在前一天，空中部隊的轟炸誤傷了當地兒童並且殺死了7名本地平民。這場無因的戰爭沒法讓人感到絲毫寬慰，即便是生死與共的兄弟情義。

6.《從禮物店出門》國別：美國 導演：班克斯

這部電影片頭寫著「Paranoid Films」的電影從頭到尾都像是導演跟觀眾開的一個大玩笑，他講述了一個古怪的法國商店店員尋找班克斯的過程。班克斯是在英國頗有名氣的塗鴉藝術家，藝術圈中神秘的怪人，全片關於他的場景里他都蒙著臉，連聲音都處理過，故事的焦點是那個激情澎湃的法國人，他在畫廊旁邊的禮品店買了紀念品之後，便萌生了當藝術家的熱情，從開始了解班克斯及其街頭藝術到最後投入成為其中一員，最後他的塗鴉作品竟然大賣，連麥當娜都請他設計最新專輯的封套。在電影中，班克斯無情地嘲弄了那些只會抄襲別人來賺錢的偽藝術家，但從觀眾的角度看，這更像是班克斯的一次聰明的自我炒作。

7.《監守自盜》國別：美國 導演：查理斯.福格森

這是一部詳細探討2008年金融危機的紀錄片。在2小時的影片里，匯集了來自亞洲、歐洲和美洲各類政治人物、金融專家、大學教師和記者的訪談，被訪人物級別都很高，連新加坡總理李顯龍，法國的財政部長都被請出。影片利用了大量法庭對峙的片段作為佐證，分析非常有邏輯性。它講的不僅僅是金融，更多的是金融和政治、學術界的關系，鮮明的觀點隱藏在盡量客觀的表述之後，讓觀眾自己去玩味。盡管闡述的是金融業運作模式，影片依然是表述得清晰自如，同時也沒忘了利用明星效應，讓馬特.達蒙來負責旁白。對抗危機是表象，對抗貪婪才是核心，難以置身世外的我們都應該看看這部電影。

8.《等待超人》國別：美國 導演：戴維斯.古根海姆

美國人居安思危，開始反思本國公共能夠教育體制的缺陷：為何有越來越多的孩子無法受到正常的中學教育。古根海姆的上一部紀錄片《難以忽視的真相》得了奧斯卡獎，他對美國公眾的口味拿捏頗有心得，擺事實講道理，大量采訪，中間夾雜一點小幽默，絕對不能少的是煽情；再加上數據、圖標、小動畫等趣味性的說明手法，就成了這部大眾喜聞樂見的紀錄片。而稍作探究就會發現，古根海姆的說理是缺乏嚴密邏輯支持的，學生成績下降的標準是什麼？就是老師打的C或D嗎？將美國教育問題籠統地歸咎於師資力量的問題似乎也過於偏激。我們看得見問題，卻看不到解決方法，因此，只能無奈地「等待超人」。

5. 真實電影作為非虛構電影

本章主要討論1960年代的紀錄片歷史，這個年代的紀錄片歷史，如同1950年代的紀錄片歷史，依然頭緒繁多。但是沒有關系，梳理1960年代的紀錄片歷史，我們只要抓住一個重要概念即「真實電影」，紛亂的頭緒就會變得清晰明了。我曾經在上一章《影視爭端》中指出，二戰後是電視紀錄片興起的年代，電視紀錄片的興起引發了影視爭端，這是一個緩慢的過程，直到1960年才形成「真實電影」運動。

漢語中所說的「真實電影」，是對二戰後西方出現的兩種紀錄電影即「直接電影」和「真理電影」的統稱。「直接電影」是由美國電影團體德魯小組創立的一個紀錄電影流派，「真理電影」是由法國電影導演讓·魯什創立的一個紀錄電影流派。在英語中「直接電影」有時被稱為「真理電影」，在漢語中「真理電影」有時被翻譯為「真實電影」，這種情況導致了理解上的混亂，既有概念方面的混亂，也有翻譯方面的混亂。由於「真理電影（cinéma-vérité）」這個名稱取自蘇聯電影導演在1920年代創立的「電影真理報（kino-pravda）」，所以我堅持將之譯為「真理電影」。

我可以堅持將cinéma-vérité翻譯成「真理電影」，但我不能保證別人也這樣翻譯，更不能阻止英語學者將direct cinema稱為cinéma-vérité（雖然有時也用英語cinema-truth，但是經常直接使用法語）。那麼，如何鑒別這兩種電影呢？「直接電影」與「真理電影」的相同點與不同點在哪裡呢？美國紀錄電影史學家巴爾諾在《世界紀錄電影史》第5章指出：直接電影與真理電影只有一個相同點：二者都是從同期錄音的實踐中產生出來的，而在其他方面是互不相關的。

具體來說，直接電影與真理電影的區別在於：（一）直接電影的紀錄電影工作者手持攝影機處於緊張狀態，等待非常事件發生，真理電影試圖促成非常事件發生；（二）直接電影的藝術家不希望出頭露面，真理電影的藝術家往往公開參與影片中的活動；（三）直接電影的藝術家扮演的是不介入的旁觀者的角色，真理電影的藝術家都擔任了挑動者的任務；（四）直接電影作者認為事物的真實可以隨時收入攝影機，真理電影是以人為的環境能使隱蔽的真實浮現出來這個論點為依據的。

總體來說，直接電影與真理電影的區別在於：直接電影是「觀察型紀錄片」，拍攝者不參與拍攝對象的活動；真理電影是「參與型紀錄片」，拍攝者參與拍攝對象的活動。問題在於，拍攝者與拍攝對象的關系是非常復雜的，「參與」或「不參與」之間並沒有非常明確的界限。有人甚至指出，無論直接電影還是真理電影，拍攝活動本身就已經「參與」了拍攝對象的活動，只是「參與」的程度不同而已，而且大多數拍攝對象都會有鏡頭意識，會在鏡頭面前表演自己，這個問題我會在後面詳述（參見本書第7章《獨立精神》第？節「基氏悖論與紀錄片的獨特角色」）。

更為復雜的是，真理電影創始人讓·魯什在1978年倡議創辦的「巴黎真實電影節」沒有以「cinema-vérité」而是以「cinéma réel」作為名稱（相當於英語cinema of real），漢語直譯為「真實電影」，似乎可以理解為是「真理電影」與「直接電影」的折中，這種情況使得「真實電影」這個概念變得更難理解了。沒關系，我們將以後繼續探討（參見本書第9章《新紀錄片》）。畢竟，紀錄片真實問題每隔十年都會被拿出來進行一次大討論，盡管不會有明確結論，但是以後還會被繼續討論。

二戰硝煙散，熱戰轉冷戰；影視起爭端，自由變壟斷。無論「直接電影」，還是「真理電影」，或者「真實電影」，這些名稱中都有一個對立面（「真實」對「虛假」，「真理」對「謊言」，「直接」對「間接」），這些名稱無不表明，二戰後的紀錄片工作者繼承二戰前的先驅探索真實的優秀傳統，繼續探索自己身處其中的生態環境的真實，這個生態環境可以簡要地概括為「一個地球，兩大陣營，三個世界」。如果只用一句話來概括「真實電影」，我想說：「真實電影」是「為自由和真理而直接戰斗」的紀錄電影。這句話中包含著四個關鍵詞，這四個關鍵詞也代表著二戰以來的紀錄片領域被繼承以及新出現的四種美學理想：自由電影、真理電影、直接電影、戰斗電影。

直接電影被稱為「觀察式紀錄片（observational documentary）」，真理電影被稱為「參與式紀錄片（participatory documentary）」，這種區別是以紀錄片敘事模式劃分的，二者都是相對於此前已經盛行半個世紀之久的「陳述式紀錄片（expository documentary）」而言，這種敘事模式又稱「格里爾遜式紀錄片」，是以「上帝之聲」和「第三人稱」為特徵的「畫面加解說式紀錄片」。20世紀的紀錄片歷史被分為「格里爾遜時代」和「後格里爾遜時代」，分水嶺是1950年代中期發生在英國的「自由電影」運動，就讓我們從這場運動開始講述真實電影的歷史吧。

6. real電影講的到底是什麼

電影《Real》主要講述了黑暗世界的「問題解決者」張泰英（金秀賢 飾）遇到潛伏記者後發生的故事。片中，金秀賢飾演患有解離性人格障礙的地下賭博組織頭目，與對手趙元根（成東日 飾）、康復治療師宋宥花（崔雪莉 飾）等眾人展開微妙的神經戰。

又因為崔真理在電影中扮演康復治療師宋有華，電影裡面上演大尺度戲份。《Real》業已被韓國影像作品委員會判定18禁。

劇情簡評：

《Real》的故事與片名相當呼應，這是一個很難辨析所謂「真實」的故事，金秀賢因角色設定，一人分飾兩個人物的多重性格，無論是健壯強大的賭場大佬，還是陰柔腹黑的「復制者」。

無論是充滿殺機的帥氣男人，還是戴著面罩的神秘「怪人」，這一次的金秀賢，已經不僅僅是在用肢體和表情在演戲，很多時候，他通過對聲音的奇妙控制，也讓劇中人物豐滿立體、呼之欲出。

7. 《天空之城》這部電影，告訴我們了一些什麼真理

《天空之城》這部電影，在開始聆聽天空之城的音樂時，柔和的旋律和動人的旋律都讓我對它產生了濃厚的興趣。眾所周知，天空之城的旋律和音調很簡單，但同時，讓人感覺心中都有自己的天空之城。宮崎駿老爺爺給我們帶來很美好的幻想空間，我們都知道宮崎駿的動畫都是環保主義作品，那《天空之城》這部動畫給我們帶來哪些含義呢？

《天空之城》充滿浪漫主義色彩，在這部童話動畫影片中體現了現實。它充滿了哲學思想，這是宮崎駿導演自己對世界的思考的精髓，讓人們在看電影時感嘆不已。在這樣一個浮華的世界裡，仍然有人以這樣一種純粹的方式表達他們的想法，而對於宮崎駿本人，我也越來越欽佩這一點。

《天空之城》網路網盤高清免費資源在線觀看：
鏈接：https://pan..com/s/19AmBsn9jp_KZ3pOJLIedMA

8. 真理是戰爭的第一個受害者

                                ——看《天空之眼》有感

        在戰爭面前，或許每個人都有著自詡正確的立場，但卻沒有去否認戰爭本身就是一種對生命的原罪。《天空之眼》這部電影以一位小女孩的生命為引誘發的艱難抉擇，形成了電影對道德矛盾的情節，而最終戛然而止的結局，則讓我們對戰爭與文明做出了耐人尋味的沉思。

        這部電影的劇情奠基其實就是倫一個尤為典型的「電車難題」。當一個瘋子把一個無辜的人綁在火車軌道上，火車即將開過，即將碾壓到他，這時候你有一根操縱桿，可以把火車立刻轉到另一個軌道上去，但另一個軌道上卻也被那個瘋子綁上一個無辜的人，這時候你會怎麼做？

        這部電影就是具體形象的把它刻畫了出來，是犧牲一個無辜小女孩的生命，打擊一群恐怖分子，還是等待小女孩離開，錯失把暴徒一鍋端的機會？電影拋出這樣的一個問題，所直指的並不再是個人的「電車難題」，而是在戰爭面前對一個正義、文明政權體系的拷問。

        《天空之眼》——講述了美國和英國聯合追擊恐怖分子的故事，美國的無人機在兩萬尺的高空鎖定恐怖分子的位置，並且發現恐怖分子正在籌劃一起人肉炸彈事件。

        當指揮官下達利用無人機發射地獄火導彈摧毀恐怖據點的時候，一個賣餅的小女孩走進了空襲的范圍內。在是否執行空襲命令的選擇上，從一線執行者，到前線指揮官，到後方的將軍，內政部長，司法部長，外交部長乃至總統都在做出選擇。

        無人機飛行員首先拒絕了執行這項命令，他要求重新對平民傷害做出評估，而當地面特種部隊為了讓小女孩離開想盡一切辦法之後，悲劇還是發生了，空襲完成了對恐怖分子的摧毀，也結束了小女孩的生命。

        這部電影對弱小生命的尊重表達的無比重視，在這場空襲中，幾乎每個人，無論他的身份或者是地位如何都體現出了對生命的尊重。尤其是一線人員，眼睜睜看著生命在自己的手上喪失是一件很難接受的事情。

        正如電影中的將軍所說：「如果你看過真正戰爭的殘酷，你就能夠理解生命的意義。」

        這部電影的最大意義也就在於此，他通過對生命的尊重，反映出了現代的戰爭理念。如果可能，哪怕只是為了一條生命也不要發動任何一場戰爭，哪怕這場戰爭對某些人來說只是說一句話，只是按動一個按鈕，但對平民來說這卻代表著整個家庭，甚至整個家族的生存希望。

        美軍的戰爭手冊是非常嚴格的，發射一枚導彈其實沒有我們想像的那麼簡單，是需要多人評估，以及多達數十條的手冊命令才可以做出的抉擇，並且即使是指揮官下達了發射命令，在作戰協議的允許下，執行官是有權利提出自己的不同意見的——「將在外，君命有所不受」。

        在影片當中，無人機指揮官就是依靠著作戰規定，駁回了上校的第一次命令，從而為小女孩贏得了一個生還的機會；當地的特工，不顧自己的安危想盡一切辦法讓小女孩離開這里……許多人都在為這樣一個無辜的小女孩爭奪她生存的機會。

        然而令人失望的是，小女孩還是在空襲中遇難，希望拯救她的人都已經盡力了，他們為此感到遺憾，感到悲哀。

        這樣的悲劇結尾相當有力，真實地告訴我們，即使是為了正義發動的戰爭，最終得到的依然是一個悲劇，戰爭悲劇在大眾面前可能是萬分之一的機會，但是對於一個家庭來說卻是一萬分的災難。

      《天空之眼》這部電影也引用了希臘悲劇詩人埃斯庫羅斯的一句話——「 真理是戰爭的第一個受害者 」。這句話表明了電影的戰爭理念，無論是什麼樣的戰爭最終都沒有勝利者，受傷害的只有真理和人類。

9. 真理電影為什麼是石頭

因為石頭這部影片出其不意地捕捉生活的眼睛。
石頭這部電影出其不意地捕捉生活的眼睛『，以最簡練的，最生動的方式，把電影語言的片語引向辨析的高度和深度。一方面，在前期拍攝中不幹擾被攝者，不知不覺的攝取素材。另一方面，在後期剪輯中極大地發揮主觀能動性，統轄素材皆為我的情感和觀點服務。也就是說並沒有否認記錄電影的主觀性，通過後期剪輯就可以賦予影片的某種主觀特徵。
2017年9月，趙祥憑借該片獲得第12屆華語青年影像論壇年度新銳導演獎項。

10. 巴贊的電影理論是哪些

他的電影理論很多,具體內容你可以買一本《電影是什麼》看看。

給你摘抄一小段：

法國電影理論家巴贊的"段落鏡頭"理論 新現實主義電影的手法和美學主張，促使以後的電影理論界不論在電影的敘事手法，蒙太奇剪輯、攝影、表演，以致在劇場景的結構上都出現新的論證和觀點。最明顯的是法國電影理論家巴贊的"段落鏡頭"理論(即長鏡頭理論，反對單鏡頭剪輯，而主張像一些新現實主義影片一樣，更多以"段落"或一場戲作為一個剪輯單元。在他看來，只有這種剪輯方法，才更符合生活。

「新浪潮」電影誕生於年1958年，該電影流派把巴贊推崇為自己的精神領袖。巴贊的理論主要表現在兩個方面：
一、「電影是現實的漸近線」

巴贊在《攝影影象的本體論》中，提出了「攝影的美學特徵在於它能揭示真實」的美學原理。他說：「……攝影機鏡頭擺脫了陳舊偏見，清除了我們的感覺蒙在客體上的精神銹斑，唯有這種冷眼旁觀的鏡頭能夠還世界以純真的面貌，吸引我的注意，從而激起我的眷戀」。由此，巴贊得出了這樣的結論：電影藝術所具有的原始的第一特徵就是「紀實的特徵」。它和任何藝術相比都更接近生活，更貼近現實。巴贊的「電影是現實的漸近線」，被稱作是「寫實主義」的口號。

在「新浪潮」的作品中，特昌弗的《胡作非為》直接實踐了巴贊的理論，是一個很能說明巴贊理論的影片。《胡作非為》描寫了一個12歲男孩安托納，由於得不到家長和老師們的理解和關心，兩次出逃，流落街頭，後因行竊經受警察與心理學家的審問，被送進勞教營，後又逃跑出來奔向大海的過程。特呂弗打破了傳統敘事手法，將影片的敘事語言始終保持在生活的漸近線上，形成了一種嶄新的藝術風格。這部影片同時在國際影壇上產生了巨大的反響和歡迎，為「新浪潮」的崛起打下了基礎。

二、場面調度的理論

巴贊認為：「敘事的真實性是與感性的真實性針鋒相對的，而感性的真實性是首先來自空間的真實」。蒙太奇理論的處理手法，是在「講述事件」，這必然要對空間和時間進行大量的分割處理，從而破壞了感性的真實。相反，景深鏡頭永遠是「紀錄事件」，它「尊重感性的真實空間和時間」，要求「在一視同仁的空間同一性之中保存物體」。巴贊希望電影攝制者認識到電影畫面本身所固有的原始力量，他認為，解釋和闡明含義固然需要藝術技巧，但是通過不加修飾的畫面來顯示含義也是需要藝術技巧的。所有這些，構成了巴贊「場面調度」的理論，也有人稱其為「景深鏡頭」理論或「長鏡頭」理論。巴贊提出的「場面調度理論，幾乎在一切方面與蒙太奇理論相對立。蒙太奇出於講故事的目的對時空進行分割處理，而場面調度追求的是不作人為解釋的時空相對統一；蒙太奇的敘事性決定了導演在電影藝術中的自我表現，而場面調度的紀錄性決定了導演的自我消除；蒙太奇理論強調畫面之外的人工技巧，而場面調度強調畫面固有的原始力量；蒙太奇表現的是事物的單含義，具有鮮明性和強制性，而場面調度表現的是事物的多含義，它有瞬間性與隨意性；蒙太奇引導觀眾進行選擇，而場面調度提示觀眾進行選擇。
巴贊的這個理論影響了整整一代人。特呂弗是巴贊的忠實弟子，他說：「沒有正確的畫面，正確的只有畫面」。戈達爾說：「電影就是每秒鍾24畫格的真理」。他們的電影觀念，同巴贊的場面調度的理論一脈相承。

攝影影像的本體論（安德烈-巴贊）

如果用精神分析法去分析造型藝術，就可以把塗防腐香料殮藏屍體看成是造型藝術產生的基本因素。精神分析法追溯繪畫與雕刻的起源時，大概會找到木乃伊「情意結」（complexe)。古代埃及宗教宣揚以生抗死，它認為，肉體不腐則生命猶存。因此，這種宗教迎合了人類心理的基本要求-----與時間相抗衡。因為死亡無非是時間贏得了勝利。人為地把人體外形保存下來就意味著從時間長河中攫住生靈，使其永生。妥善保存死者骨肉的完整外形，這曾經是天經地義的事。一具用泡鹼處理過的，干癟的，呈褐色的木乃伊也就是古埃及的第一個雕像。但是金字塔或通道中的迷宮不足以防止墓穴被盜，還要採取另外的保險措施，以防萬一。所以，在石棺附近，除了撒些小麥當作死者的食物外，還放上幾尊陶制的小雕像，作為備用的木乃伊，死者身體一旦毀壞，這些雕像便可充當替身。從雕像藝術這種宗教起源中，我們可以看到它的原始功能：復制外形以保存生命。顯然，在史前洞穴中發現亂箭穿身的泥雕熊表現了同種心願更積極的一個方面：泥熊等同於知獸的神化物，為的是祈求狩獵成功。

當然，藝術與文明同時在演進，造型藝術也終於擺脫了這種巫術職能（路易十四就沒有讓後人把他的屍體塗上香料保存，只是請勒＊布朗畫了一幅肖像）。但是，降伏時間的渴望畢竟是難以抑制的，文明的進步只不過是把這種要求升華為合乎情理的想法罷了。我們不再相信模特兒與畫像之間在本體論上有同一性，但是我們承認後者幫我們回憶起前者，因而使他不至於被遺忘。描形繪像的做法已經與人類本位說的實用主義無關。它涉及的不現是人生命延續的問題，而是更廣泛的概念，即創造出一個符合現實原貌，而時間上獨立自存的理想世界。倘若人們在我們對繪畫的盲目贊嘆中有沒有看到用形式的永恆克服歲月流逝的原始需要，「繪畫便實在太虛妄」了。如果說造型藝術不僅是它的美學史，而且應先是它的心理學歷史，那麼，這個歷史基本上就是追求形似的歷史，或者說是寫實主義的發展史。

從這種社會學觀點看問題，照相術與電影的出現便自然而然地解釋了現代繪畫肇始於19世紀中葉的精神與技術的重大危機。

安德烈＊馬爾羅在發表於（激情）雜志上的那篇文章中寫道：「電影只是在造型藝術現實主義演進過程中最明顯的表現，而現實主義的原理是隨文藝復興運動出現的，並且在巴羅克風格的繪畫中得到了最極端的體現。」

確實，世界繪畫曾經實現了形式的象徵主義與現實主義這間不同程度不同的平衡，但是，到了15世紀，西方繪畫開始不再單純注重用特有手段表現精神現實，而力求把對精神的表現和對於外部世界盡量逼真的描摹結合起來。毫無疑義，一個具有決定性意義的事件就是透視畫法的發明，這是第一個科學的初具機械特性的體系。透視法使畫家有可能製造出三度空間的幻象，物像看上去能夠與我們的直接感受相仿。

從此，繪畫便在兩種追求之間徘徊：一種屬於純美學范疇－－表現精神的實在，在那裡，形式的象徵含義超越了被描繪的原形；而另一種追求是僅僅用逼真的模擬品替代外部世界的心理願望。這種追求幻象的要求一旦有所滿足，便愈益強烈，以至於逐漸吞噬了造型藝術。然而，由於透視畫法只解決了形似問題，並不能表現運動，因而那裡的現實主義自然只能限於探討如何把事物的瞬間表現得富於戲劇性，即通過某種心理上的第四維暗示出在苦於靜止不動的巴羅克藝術中是蘊含著生命的。

當然，偉大的畫家總是把這兩種傾向結合起來：他們既能把握現實，又將現實融於藝術形式中，使兩種傾向主次分明。但是，我們看到的畢竟是本質迥異的兩種現象，客觀的評論應當善於將其區分，以便了解繪畫藝術的演進。從16世紀以來，對現實幻象的追求不斷從內部影響繪畫。這是一種純心理的需求，它本身並不屬於美學范疇，只有從追求魔力的心理中才能找到它的根源。但是，這種需求十分強烈，在它的影響下，造型藝術的平衡被全盤打亂了。

圍繞著藝術中的真實進行的論爭就是由於這種誤解，由於美學與心理學的混淆引起的。要求既具體又本質地表現客觀世界的真正現實主義，與迷惑視覺的（或迷惑頭腦的）虛假現實主義混為一談，後者滿足的是幾可亂真的幻象。由此看來，中世紀藝術似乎就沒有嘗過這種沖突的苦頭：它既有強烈的寫實性，又是高雅的精神表現，它對於由新技術手段揭開的這一幕還一無所知呢。透視法成了西方藝術的原罪。

替它贖罪的人是尼埃普斯和盧米埃爾。照相術既完成了巴羅克藝術的夙願，也把造型藝術從追求形似的困擾中解放出來。因為繪畫曾經竭力為我們製造幾可亂真的幻象，這種幻象對藝術來說已經足夠了，但畢竟似真非真，而照相術與電影這兩大發明從本質上最終解決了糾纏不清的現實主義問題。一個畫家不論有多巧，他的作品總要被打上不可避免的主觀印記。既然由人執筆作畫，對畫像的懷疑便不會消除。所以，從巴羅克風格的繪畫過渡到照相術，這里最本質的現象並不是單純器材的完善（攝影在模仿色彩方面還遠不及繪畫），而是心理因素：它完全滿足了我們把人排除在外，單靠機械的復制來製造幻象的慾望。問題的解決不在於結果，而在於生成的方式。

因此說，保持風格與形似兩者之間的沖突是較為現代才有的現象，在感光玻璃片發明之前，恐怕還找不到這類沖突的跡象。顯而易見，夏爾丹的作品中令人贊嘆的客觀性與攝影師的客觀性完全是兩碼事。現實主義的危機真正開始於19世紀。今天，畢加索成了這場危機的神話般人物，這場危機涉及到造型形式存在的條件及社會學基礎。現代畫家擺脫了追求形似的心理，把形似與否的問題丟給了平民百姓，往後，就由平民百姓一方面把照相術與形似問題等同起來，另一方面把只求形似的繪畫與這個問題等同起來吧。

因此，攝影與繪畫不同，它的獨特性在於其本質上的客觀性。況且，作為攝影機眼睛的一組透鏡代替了人的眼睛，而它們的名稱就叫（法文OBJECTIF）。在原物體與它的再現物之間只有另一個實物發生作用，這真是破天荒第一次。外部世界的影像第一次按照嚴格的決定論自動生成，不需人加以干預，參與創造。攝影師的個性只是在選擇拍攝對象，確定拍攝角度和對現象的解釋中表現出來。這種個性在最終的作品中無論表露得多麼明顯，它與畫家表現在繪畫中的個性也不能相提並論。一切藝術都是以人的參與為基礎的，唯獨在攝影中，我們有了不讓人介入的特權。照片作為「自然」現象作用於我的感官，它猶如蘭花，宛若雪花，而鮮花與冰雪的美離不開植物與大地的本源。

這種自動生成的方式徹底改變了影像的心理學。攝影的客觀性賦予影像以令人信服的，任何繪畫作品都無法具有的力量。不管我們用批判精神提出多少異議，我們不得不相信被摹寫的原物是確實存在的，它是確確實實被重現出來，即被再現於時空之中的。攝影得天獨厚，可以把客體如實地轉現到它的摹本上。最逼真的繪畫作品可以使我們更了解被描繪物的原貌，但是，不論我們怎樣雄辯，它終究不會像攝影那樣具有異乎尋常的威力，以博得我們的完全信任。

於是，在達到形似效果方面，繪畫只能作為一種較低級的技巧，作為復現手段的一種代用品。唯有攝影機鏡頭下的客體影像能夠滿足我們潛意識提出的再現原物的需要，它比幾可亂真的仿印更真切，因為它就是這件實物的原型。不過，它已經擺脫了時間流逝的影響。影像可能模糊不清，畸變褪色，失去紀錄價值，但是它畢竟產生了被攝物的本體，影像就是這件被攝物。相簿里一張張照片的魅力就在於此。這是些灰色的或黑色的幽靈般的幾乎分辨不清的影子，這不再是傳統的家庭畫像，而是能撩撥情思的人生的各個瞬間，它們擺脫了原來的命運，展現在我們面前，把它們記錄下來不是靠藝術魔力，而是靠無動於衷的機械設備效力。因為攝影不是像藝術那樣去創造永恆，它只是給時間塗上香料，使時間免於自身的腐朽。

其於這種觀點，電影的出現使攝影的客觀性在時間方面更臻完善。影片不再滿足於為我們錄下被攝物的瞬間情景（就像琥珀中數百年的昆蟲保存完整無損），而是使巴羅克風格的藝術從似動非動的困境中解脫出來。事物的影像第一次映現了事物的時間延續，彷彿是一具可變的木乃伊。

攝影影像具有獨特的形似范疇，這也就決定了它有別於繪畫，而遵循自己的美學原則。攝影的美學特性在於揭示真實。在外部世界的背景中分辨出濕漉漉人行道上的倒影或一個孩子的手勢，這無須我的指點；攝影機鏡頭擺脫了我們對客體的習慣看法和偏見，清除了我的感覺蒙在客體上的精神銹斑，唯有這種冷眼旁觀的鏡頭能夠還世界以純真的原貌，吸引我的注意力，從而激起我的眷戀。憑借著攝影技術創造出來的，我們不曾了解的或未能見到的世界的自然影像，大自然最終做到了不僅模仿藝術，還仿效藝術。

大自然的創造力甚至可以超過藝術家。畫家的美學世界與他周圍的世界是異質的，畫框圈出了一個實體上和本質上迥然不同的小天地。相反，印在照片上一物像的存在如同指紋一樣反映著被攝物的存在。因此，攝影實際上是自然造物的補充，而不是替代。

當超現實主義流派為了生出造型畸胎而求助於感光底片時，他們已經隱約地悟出了上述道理。因為對超現實主義來說，美學目的離不開影像對我們頭腦產生的機械效應。想像與現實兩者之間合乎邏輯的區別趨於消失。任何形象都應被感覺為一件實物，任憑任何實物都應感覺為一個形象。所以攝影曾經是超現實主義流派在創作中優先採用的技術手段，因為攝影取得的影像具有自然的屬性：一種真正的幻象。超現實主義繪畫使用製造逼真效果的技巧，並且注重細節的精確，這就是攝影術的一種反證。

顯而易見，攝影的出現是造型藝術中最重要的事件。它解除了困擾，又實現了夙願，使西方繪畫最終擺脫了現實主義的糾纏，恢復了自己獨特的美學。印象派的「現實主義」科學為借托，與製造逼真效果的技法截然對立；況且，只有不再注重外形的模仿時，色彩才能把外形淹沒。後來，在塞尚的作品中，堅實的形態重新進入構圖，但是，它畢竟擺脫了製造幻象的透視法的幾何學。由機械產生的影像與繪畫相頡頏，終於超過了巴羅克的形似，達到了與被攝物等同的水平，迫使繪畫本身也變成了攝影的對象。

既然攝影術使我們能欣賞到直觀上未必能惹人喜歡的原物摹本，又不妨礙我們去欣賞不必以大自然為參照物純畫作，從此，帕斯卡式的指責就毫無意義了。

此外，電影還是一種語言。