21世紀的電影院

① 香港電影的歷史發展

香港電影史的發展應該從電影傳入香港開始。
1895年12月28日，法國人路易·盧米埃爾在法國巴黎公映了《盧米埃爾工廠的大門》、《火車到站》、《水澆園丁》等世界上最早的影片。這一天，被世界各國電影界公認為「電影時代的開始」。
1896年初，路易·盧米埃爾的助手來了香港放映這些影片，而電影就是這樣傳入香港。自他離開後，香港電影直至1898年才再有活動。當年，美國湯默斯·愛迪生公司派出一位電影攝影師到香港拍了一批紀錄片：名為《香港街景》、《香港總督府》、《香港碼頭》、《香港商團》和《鍚克炮兵團》。
這幾部有新聞紀錄的電影雖然不是香港電影公司的出品，可是它們是在香港拍攝的，內容又是香港景物，可以把它們稱為「香港電影」。
從1896年到1903年，香港放映過一些很短的紀錄片，每次放映十套以上。直至1903年10月5日，香港才有整部故事片公映。有關報導是這樣的：「現在中環街市對面，即同記辦館面前，准十五晚開演『成套戲本』（即整部電影）。」這部電影是法國導演下·齊卡當年的一部名片《基督的受難》。
1907年，香港有不少電影院紛紛開辦，而且公映的次數和數量都較以往為多，因此被視為香港電影事業的第一個高峰年代。
1909年完成的《偷燒鴨》，是上海亞細亞影戲公司在香港拍攝的一部默片諧劇。該片的導演梁少坡同為該片的主角，故事講述一個小偷（由梁少坡飾演）想偷燒鴨，卻被警察捉住了。劇情十分簡單，但不乏詼諧動作。
值得注意的是，《偷燒鴨》雖在香港攝制，卻並非香港電影公司的作品。該片出品人布拉斯基後來結束了他在上海的電影事業，回美國路經香港時，和黎民偉合作製作了香港出品的第一部故事片《莊子試妻》，並因而催生了香港電影事業，而黎民偉更被譽為「香港電影之父」。這部電影的出現，象徵香港電影史啟蒙期的終結，萌芽期正式開始。 據《中國電影發展史》記載，香港的第一部故事片《莊子試妻》在1913年出產，編導是黎民偉、攝影師是羅永祥，主要演員是黎民偉和嚴珊珊。
這部電影創下不少香港電影紀錄：
（一） 它是香港出品的第一部故事片；
（二） 第一部在外國公映的香港片；
（三） 第一部有女電影演員參演的香港電影；
（四） 也同時是第一部有特技攝影的香港電影。
黎民偉及其兄長海山、北海於1923年創辦了香港第一間全由香港人投資創辦的電影製片公司「民新製造影畫片有限公司」。他們並非為了名利，而是志在推動香港，以至全中國的電影工業。
民新的成立為香港電影業帶來很大的推動作用，它不僅在1923年出品了香港第一部新聞紀錄片《中國競技員赴日本第六屆遠東運動會》，又在1924年在廣州成立了香港第一個演員培訓所民新演員養成所，發掘有演戲潛質的人。
此外，民新還攝制了香港出產的第一部故事長片《胭脂》。於1924年，珍貴的新聞紀錄片《中國國民黨第一次全國大會》、《孫大元帥檢閱軍團警會操》以及1925年出產的《孫大總統東較場閱兵》等亦是民新的出品。
事實上，1924年至1925年，香港電影事業已漸漸成長，可是由於黎民偉具有同盟會的背景，港英政府禁止民新於香港開設攝影場，香港電影發展被迫中止了。 1925年5月30日，日本帝國主義侵略者無理殘殺中國人民，中國各地紛紛罷工、罷課，以示抗議。同年6月，內地的罷工熱潮擴展到香港。香港大罷工期間，每天都有商店倒閉，百業凋零，所有娛樂活動，包括電影放映一律停止。這個現象令剛萌芽的香港電影事業夭折。次年10月罷工結束，但香港電影事業仍然未能復甦起來，因為有實力的電影工作者都去了廣州或上海發展。雖然期間有些影片公司招考演員，但這都是有名無實，直至 1929年末，仍沒有一部香港電影生產過。
1930年初，黎北海等創辦了香港影片公司，製作出創業作《左慈戲曹》，然後香港才陸陸續續再有電影製片公司的成立，香港電影事業才見起色，得以復甦。
1930年，香港的電影業隨著黎北海（黎民偉兄長）創建香港影片公司而開始復甦。不過，真正令香港電影業站穩住腳的是1930年10月25日，由黎民偉的上海民新與其他幾間電影公司合並而成的「聯華影業公司」。「聯華」可以說是為香港電影業帶來了很大的影響力，是戰前中國最大的電影廠之一。
為了培養人才，聯華在1931年4月開辦演員養成所，教授的課程包括編劇、導演、表演、攝影等，堪稱一間電影全科學校。它培訓了一批傑出的粵語片導演，如李鐵、黃岱等，對香港電影貢獻良多。
「聯華」香港分廠一向都是拍默片，雖然當時有聲電影興起，創辦人卻不敢冒險。於是，第一部粵語有聲片就由上海天一電影廠的湯曉丹執導拍成，就是《白金龍》。
有聲電影問世後，香港的電影公司紛紛拍攝有聲片。1934年「聯華」香港分廠解體，黎北海另創了香港第一家有聲電影製片廠「中華」，並導演了一部局部有聲片《良心》（1933）及第一部有聲片《傻仔洞房》（1934）。
進入1935年，香港電影正式步進有聲時代。
從1935年開始，香港的粵語片產量每年遞增，從1935年的32部增至1937年的85部，增幅超過一倍。受到抗日熱潮的影響，香港生產了多部愛國電影，其中包括大觀影片公司出品的《生命線》。
1936年，社會教育片成了香港電影的主流。除了社教片之外，愛國片在同年增多了產量。當然，故事片在香港電影史上從來也並未受過忽略。1936年的代表作之一就是由南海十三郎編導的《兒女債》。
1937年到1938年，由於「七七事變」的發生，香港抗日氣氛高昂，因此電影工作者也紛紛開拍抗日愛國片，頓時間，愛國片成了主流，在1937年出產的85部故事片之中，就有25部為愛國片。
1939年秋，受到歐洲國家的戰爭所影響，1940年的港產片產量下降到不足90部。1941年12月日本入侵香港，使香港電影業陷入低潮。大觀電影廠及其他電影設施被炸，大量的香港電影拷貝和底片也被燒毀或遺失，以致1945年前出品的近600部影片，只有百分之一殘留至今。到1946年初，香港電影業處於完全停頓狀態，在這期間，只有一部反英的故事片和幾部由日本電影公司拍攝的紀錄片問世。
戰後初期，電影製片廠的數目較戰前為少，大中華是其中一個較有規模的，因為它擁有李麗華、周璇等上海明星，以及名導演朱石麟和吳祖光。1946年至1949年，大中華生產了34部國語片和8部粵語片，可惜到了1949年，產量卻愈來愈少，被迫關門。
總括來說，日本入侵對香港電影業造成了很嚴重的破壞。香港電影經歷了四年的停產，才在1946年上映了戰後首部港產片《情陷》。而到了1940年末，上海電影界很多左派人士為了逃避國民黨的政治壓力，或中國內地通貨膨脹的影響，紛紛定居香港。故此，香港的國語電影業便愈來愈蓬勃，到了70代初更達至高峰。 香港電影在第二次世界大戰後迅速復興，而在1949年以後漸趨蓬勃。不無原因，1949年後大批中國內地的電影工作者因政治及經濟理由紛紛南下，在香港設電影廠，跟本地影人合作拍攝電影，使香港成為南中國唯一的也是最大的電影中心。再加上20世紀50年代中期，新加坡、馬來西亞電影勢力過渡到香港，以及香港原有被美、日、歐電影文化所帶來的沖擊，遂令香港電影邁向成熟的雛型。
20世紀50-60年代是國、粵語片起飛的時期，其中由40年代末到60年代中更是粵語片的盛產期。這段黃金時期粵語片有以下幾個主流：
粵語片
1：粵劇戲曲片
據估計，在20世紀50年代每年就有200部粵劇戲曲片問世，差不多每三部粵語片之中就有一部是粵劇片，而在1958年更達到了高峰，這一年的160部電影中，粵劇佔了一半。
舞台式的粵劇片基本上製作費不高，電影技巧也不特別考究，因為大部份都沿用粵劇舞台上的大老倌演出，只唱主要情節，其餘的排場做手都不嚴格。因此，這類戲曲大多被揶揄為「五日鮮」、「七日鮮」。當然其中也不乏製作認真，至今仍為人津津樂道的不朽經典，如《帝女花》（1959）、《紫釵記》（1959）、《李後主》（1968）等。而戲曲片的演員亦有不少為人熟悉的名字，包括：任劍輝、白雪仙、新馬師曾、薛覺先和林家聲等等。
至於粵劇戲曲片為何會在20世紀50年代大受歡迎呢？這是因為戰後粵劇發展蓬勃，進棚看戲成為上流社會的消費享受。至於一般市民只好聽電台話劇或聽粵曲，有見及此，電影公司便把大量經典粵劇拍成電影，讓戲迷可以以低廉的戲票欣賞傳統的粵劇戲曲。
2：文藝片
這時期的文藝片背景多為民國或當代，講求戲劇結構，又或改編自中外文學、流行小說，或襲取好萊塢通俗劇的故事模式。而提到這類環繞家庭倫理、男女之愛的文藝片，就不得不提粵語片電影公司中的佼佼者——聯合電影有限公司（中聯）。
中聯創建於1952年，共生產了44部電影，出品了不少粵語片中的經典，如李鐵的《危樓春曉》（1953）、《天長地久》（1955）、楚原的《可憐天下父母心》（1960）等等，都是家傳戶曉的作品。
中聯的21位精英，有見於影藝界充斥著粗製濫造之歪風，遂以認真的拍攝態度、主題健康的電影信念為大前提，創辦中聯以抗衡媚俗投機而質素低劣的七日鮮貨色。這批電影界精英包括導演李鐵、吳回和十三位著名演員：吳楚帆、張鍈、張活游、白燕、黃曼梨、紫羅蓮等等。
中聯電影每每針對香港社會種種問題，批判上流大亨的偽善丑惡，帶有濃厚的教化意味，更大大提升了中國電影的美學層次。大概是因為過分執著於傳統道德使命，中聯漸漸跟時代脫節。到1967年，它也隨著粵語片的息微而關閉，但其對香港電影的影響是絕不容忽視的。
3：古裝武俠片
20世紀50年代的古裝武俠片大多以民間熟悉的俠義神怪故事為骨幹，但武打場面並不講求真實感，發展至後期（20世紀60年代初、中期）日漸注重動作場面設計，大量加進了特技花款（如怪獸、怪人裝扮和模型特技）、曹達華和於素秋就演了不少這類古裝武俠片，如《如來神掌》系列。
4：喜鬧劇
這類電影大多以詼諧搞笑的喜劇演員掛帥，橋段不外乎「大鄉里出城」、「癩蛤蟆想食天鵝肉」之類的故事，如新馬師曾、鄧寄塵主演的「兩傻系列」。
以上各類型的粵語片雖然在電影美學角度上來說，藝術感略嫌粗糙，但論到能否帶給觀眾共鳴，則可謂綽綽有餘，難怪這段時期，粵語片的產量可觀，令粵劇片達至高峰期。
5：國語片
事實上，從1967至1969年，粵語片的產量仍高於國語片，只是到了1969至1970年，情況才開始扭轉。
國語片由低沉轉盛的轉折點，是五十年代中期國際發行公司」與邵氏父子改組，分別成為電影懋業公司和邵氏（兄弟）公司。邵氏和電懋資本雄厚，野心勃勃，改組後銳意在香港電影業大展拳腳。它們不但全力推動國語片，還建立完善的發行網來開拓海市場。
1957年邵逸夫掌舵邵氏，製作大量高質電影，首部成功的作品是李翰祥執導的《江山美人》、《不了情》，達到前所未有的以十萬為單位的票房成績。邵氏電影製作豪華瑰麗，粵語片中的爛衫戲可謂相形見絀，加上製作重質不重量，鮮有七日鮮的電影出現。
國語片的熱潮不獨使國內興起的黃梅調電影帶到香港並使之流行起來，更創作了新派武俠片，包括改編自金庸及梁羽生的武俠作品：胡鵬導演的《射鵰英雄傳》（1959）。單在1963年，武俠片的產量已高達61部，而武俠片之中的代表作則是胡金銓的《龍門客棧》（1966）及張徹的《獨臂刀》（1967）。狄龍和姜大衛、王羽這些武打明星的出現，亦可視為70年代李小龍冒起的前奏。
事實上，從20世紀50年代起，國、粵語片的確並存，雖然兩者存在競爭，但本質上是相容的。可是，隨著國語片從1970年迅速發展，加上粵語片青黃不接，於1970－1971年間，國語片的產量多達116部，而粵語片只有22部；於71-72年間，國語片數量依然上升，反觀粵語片卻只剩一部，鄧麗君主演的《歌迷小姐》。之後的數年，國語片一直領導著香港電影市場。
最後值得一提的是，雖然在20世紀60年代末期，粵語片面對著國語片雄霸市場的威脅，但仍力求在戲種上有所突破，青春歌舞片順勢興起，並造就了兩位當時得令的年青人偶像-蕭芳芳和陳寶珠，電影界追捧偶像的熱潮可說是由她們而起。 七十年代
20世紀70年代是香港普及文化的重要轉折點，而香港電影也隨著電視的普及化，社會和經濟的發展，以至香港人心態的轉變而受到種種沖擊，以致70年代的香港電影是趨向多元化及地道化。承接60年代中期的凌厲氣勢，邵氏在70年代初期依然在香港電影業占著領導的地位，擁有東南亞電影王國的美譽，出品了大量國語武打片，大導演包括楚原、張徹及劉家良等等。他們都以熟悉的刀劍拳腳功夫片作依歸，電影世界裡都是強烈的陽剛味，其中張徹的電影更造就了偶像級武打明星，如王羽、狄龍、傅聲等。1979年的《英雄無淚》就是當年邵氏最賣座的功夫片之一。
踏入1971年，此類古裝刀劍片的鋒芒其實以較在60年代遜色，原因大抵是一代武打明星李小龍的出現。
李小龍配合著鄒文懷的嘉禾電影公司的崛起，在70年代初叱吒一時。從首部作品《唐山大兄》（1971）到之後兩年間拍攝的《精武門》及《猛龍過江》令李小龍進軍國際影壇，創造出香港電影事業的神話。
1973年李小龍驟然暴瘁，令功夫片熱潮未能延續。而隨著本地文化的普及，香港觀眾對遠離現實的功夫片漸漸失去興趣，反而對反映當時社會狀況，諷刺現實的電影加以青睞，這就解釋了楚原的《七十二家房客》在1973年成為最賣座電影的原因。
《七十二家房客》里的演員，如鄭少秋、沈殿霞都是當時的電視藝員，而由於電視已成為當時的重要媒體，因此他們對觀眾來說有一定的吸引力。而這部電影的成功，不但為以後的新電影類型作了開端，更令粵語片得到重新振興。
自此，很多電影都走地道市井的風格，演員的演繹亦帶有嘻笑怒罵的味道。從電視跳到電影的許氏兄弟也因此而冒起，成為70年代、以至80年代香港電影的中流砥柱。
由於從70年代中期開始，大家的主導閱讀方式是電視模式，很多粵語片的題材或靈感都是來自電視內容，如《阿福正傳》（1974）、《大鄉里》（1974）、《新啼笑姻緣》（1975）。許冠文、許冠傑兩兄弟也跳出了電視趣劇的框框，走上大銀幕，以其獨有的笑話公式拍攝了一系列非常賣座的喜劇 ：《鬼馬雙星》（1974）、《半斤八兩》（1976）、《賣身契》（1978）等等。這些電影不但令喜劇在香港電影史上得到前所未有的重視，更促使了後來功夫喜劇的誕生。
1978年袁和平執導《蛇形刁手》和《醉拳》奠定了功夫喜劇的地位，使其成為70年代末最具代表性的電影類型。功夫喜劇離開電視感性，以密集的功夫設計及諧趣的雜耍風格吸引觀眾；可以說是揉合了傳統功夫片及許氏兄弟式的喜劇精粹。演員方面，成龍，洪金寶等也擺脫了以往武打明星的英雄模式，改而以反叛貪玩的形象來親近觀眾。
除了以上提及的片種，提到70年代的香港電影，不可不提的是大導演李翰祥從台灣返回香港東山再起，大拍風月綽頭及騙術奇觀電影。好像他在1971年拍下的《騙術奇譚》，不但開始了他的電影生涯新的一頁，也象徵著70年代香港電影意識的轉變-金錢至上、綽頭化的風格抬頭，這個影響一直延續到80年代。不過，1979年香港電影新浪潮的出現卻為香港電影帶來了富神采而短暫的變奏。
1979年是香港電影的重要里程碑，那是香港電影新浪潮的開始。大批電視幕後工作者轉投電影圈，他們包括許鞍華、章國明、譚家明、嚴浩、徐克、余允抗等等，他們本著對電影的熱誠，及年輕人特有的創意和社會觸覺，拍出不少充滿個人色彩的電影作品，為香港電影打開嶄新的一頁。
最先掀起新浪潮的是1979年的三部作品：《瘋劫》（許鞍華執導）、《蝶變》（徐克執導）、《點指兵兵》（章國明執導）。其後這批或在外國學習電影，或在電視台少林寺出身的年輕導演繼續拍攝了一部又一部風格化的電影，包括方育平的《父子情》（1981）、《半邊人》（1982）、徐克的《第一類型危險》（1980）、譚家明的《烈火青春》（1982）等數十部作品，都很能表達這些導演對當時社會氣象的感覺及情懷。
雖然這些新導演全被以「新浪潮導演」之名，但事實上，他們每一位的作品都極富個人色彩，並沒有陷入香港電影類型化的傳統模式。許鞍華的作品流露出深刻的人文性、高度的女性敏銳；徐克有一股神經質的張力；方育平作風朴實，真實感濃厚；嚴浩浪盪於青春暴烈及淡然含蓄之間；譚家明走中產美學；章國明擅拍警匪片等等，這些特質都體驗到新浪潮電影的「作者論」美學。
「新浪潮」標志著香港電影與上一代中國本位粵語片的決裂。五、六十年代的粵語片往往背負著沉重的民族包袱，未能突破創新；而「新浪潮」電影則帶有濃厚的都市色彩，流露強烈的本地感性；這跟導演們於香港成長、受西方教育很有關系。
此外，這時期的電影都慎用大明星，製作成本亦得到控制，跟後來的港產片標榜卡士明星，動輒千萬製作的營運模式可謂截然不同。
八十年代
香港的電影界從來都是以商業掛帥，新浪潮電影叫好不叫座，自然難免被淘汰的厄運。20世紀80年代初，新藝城影業公司異軍突起，吸納大批當時嶄露頭角的導演：吳宇森、徐克、林嶺東、高志森等，炮製一部一部商業掛帥的電影，其中以喜劇為主。這些電影的共通點是以電視台集體創作的模式來度橋創作，充滿密集的笑料及動作，一切以迎合觀眾口味為依歸，代表作品有許氏兄弟的《最佳拍檔》系列及《龍虎風雲》等。除新藝城之外，80年代叱吒一時的電影公司還有德寶電影公司。德寶成立於1984年，一方面拍喜劇（《雙龍》系列、《富貴逼人》、一方面也拍動作片《皇家師姐》系列、或者都市優皮小品路線 （《三人世界》、《單身貴族》），務求達到片種多元化的要求。
至於嘉禾電影公司則繼續以成龍作頭牌，讓他從《師弟出馬》、《龍少爺》的功夫小子形像，漸漸成為《A計劃》中穩打穩扎的真正打星，而到了《警察故事》及《奇跡》，更是成龍的顛峰之作。
同樣是武師出身的德寶明星洪金寶卻憑《鬼打鬼》（1980） 開創了靈幻片的潮流，之後的《僵屍先生》系列也是走相近的風格。而他的另一系列片《奇謀妙計五福星》以至《運財五福星》也取得很好的票房成績。
據統計，80年代的十大賣座香港電影之中，新藝城佔了四部，嘉禾佔了五部，再加上多產量的德寶（1984至1989的五年間，拍制了47部電影）整個八十年代可稱為三雄各據的時期。
跟20世紀70年代末興起的新浪潮相比，我們會發現到80年代的香港電影由於太過側重劇情堆砌，明星包裝，因此電影類型單向化，更遑論什麼作者論了。有人認為這時期的電影造就明星、扼殺導演、編劇的創作，使香港電影走上窮途沒落，加上1989年經濟、影帶市道不發達等種種因素下，令80年代末期的香港電影市道滑落。盡管如此，若不以電影質素或創意來衡量，單看票房成績及投資者的態度，說20世紀80年代的香港電影屬飛黃騰達的時期實在不為過。 1990年，周星馳以《賭聖》大破紀錄，開始他的票房神話，90年代至今基本是周星馳的天下。
綜觀20世紀90年代的香港電影，基本上仍可稱之為百花齊放，我們不但有從80年代順利跨向90年代的新一代導演：張婉婷（《秋天的童話》）、王家衛（《旺角卡門》）、關錦鵬（《胭脂扣》）、陳嘉上（《小男人周記》）等等，可是，依照香港電影的傳統，賣座的片種總有跟風者，而當跟風者眾、水準參差的時候，亦即該電影類型走向死亡之路。武俠動作片熱潮如是，賭片熱潮及後期的古惑仔系列也沒有例外。
到了90年代中期，港產片票房連續下挫，西片逐步抬頭。《侏羅紀公園》（Jurassic Park）先在93年創下六千萬元票房佳績，1998年的《泰坦尼克號》（Titanic）更以一億一千萬元攀上頂峰，這部映了195天的好萊塢A級大製作還佔了「本世紀百部賣座片」中的榜首位置，完全壓倒了在80年代威風一時的新藝城作品《最佳拍擋》系列。
另一個令90年代香港電影褪色的原因是盜版問題。80年代錄影帶市場興起已經令電影收入大打折扣，到了90年代後期，盜版VCD更為香港電影市道帶來了重擊。不少電影在午夜場或首映過後便出現盜版，海關和警方又互相推卸責任，後來香港政府才開始正視這個問題，海關逐漸加強掃盪，才使盜版VCD活動略為收斂。
香港電影界曾多次組團訪京，與港澳辦及電影局商討創作自由、版權問題等，亦促請中央政府開放市場。1997年回歸後，香港特別行政區首長董建華先生首次在《施政報告》中提到香港電影，並撥出一億港元開發電影科技及接受資助申請，令香港電影人略為安慰，更把2000年的香港電影金像獎搞得有聲有色。
可喜的是，香港電影人揚威國際，張曼玉、蕭芳芳、王家衛先後在柏林、戛納等國際影展中獲獎，香港電影漸受國際影壇重視。可惜的是，這也導致影圈人才外流，吳宇森、唐季禮、袁和平、林嶺東等著名導演紛紛前往好萊塢發展，周潤發、成龍及楊紫瓊等巨星級演員亦被好萊塢羅致。20世紀90年代的賣座保證是「雙周一成」（周潤發、周星馳及成龍），
有外流亦有外援加入，香港電影人在亞洲區尋找了不少新面孔，成績最突出的是在台灣一脫成名的舒淇，在香港成功轉型，由脫星變性格演技派，成績斐然。還有90年代中期之後，香港掀起日本電視劇熱潮，連帶電影界亦多找了日本演員參與港產片，其中又以女星為主，包括《星月童話》、《東京攻略》和《阿虎》，當然亦少不得成龍電影里插科打諢的一眾日本美女。
科幻特技也順著世界性的大趨勢融入香港電影之中，《風雲之雄霸天下》與《中華英雄》是其中成功的例子，而動作片《特警新人類》及《紫雨風暴》、《藍血人》更特別邀請外國特技效果專家設計爆炸場面，令觀眾嘆為觀止。
總括來說，20世紀90年代的香港電影雖然較諸於80年代有所失色，但似乎在創作意念及電影製作方面則有過之而無不及。一些小成本製作的獨立電影如《過海隧道》、《天上人間》等亦有公映的機會，加上數碼電影的冒起，而劇本創作亦得到應有的重視。相信踏入新紀元，香港電影將會追求更高的質素，並帶領整個亞洲區的電影業邁向國際影壇。 然而，我們不得不承認的是相對於20世紀80年代電影公司大灑金錢，演員一天九組戲的好景日子來說，2000年代的香港電影的確危機重重，陰霾滿布。還有90年代的奇跡及幾個國際知名的名字，周星馳、周潤發、成龍等等。
2003年是香港電影業最黑暗的一年。除了經濟繼續低迷之外，非典型性肺炎（SARS）病毒爆發，使許多戲院空空如也，並令電影製作停頓四個月；該年只共拍攝54部電影。香港的兩位著名歌手兼演員張國榮（46歲）和梅艷芳（40歲）的死，對電影業更是雪上加霜。
周星馳獨有的「無厘頭」喜劇深得民心，他的作品如《逃學威龍》、《唐伯虎點秋香》、《食神》等等都是90年代的喜劇經典。從《喜劇之王》開始，周星馳導演的作品全都是香港電影年度票房冠軍。周星馳明顯減產，一邊休養生息，一邊走上幕後之路。
周潤發拍了一連串英雄片、動作片，雖偶有票房失利，但基本上還算有觀眾緣。其進軍好萊塢，除拍攝一貫的動作片（如《血仍未冷》） ，還嘗試拍如《安娜與國王》。到大陸轉型做配角（如《讓子彈飛》《大鬧天宮》，也只能拍《大上海》這種老本行電影，可惜在香港竟只有500萬港元的票房。
至於成龍則大致維持一年一部大製作，票房上依然不俗，但相對於90年代的成績，2000年後成龍主演電影已不算大賣。可惜在電影風格上難求突破。《十二生肖》在香港更只有800多萬港元的票房。
導演方面，「雙王」王晶和王家衛可謂雙映成趣，一個擅拍商業味道極重的電影，更被揶揄為「屎尿屁」導演；一個專挑大明星合並，產量少、藝術味濃，往往得到國際影展的垂青，兩人電影風格回異，但在21世紀的香港電影占著舉足輕重的地位。
另外，新浪潮創將之一杜琪峰頗受矚目，作品叫好又叫座，愈來愈有個人風格。還有憑《香港製造》打出名堂的陳果亦成功地從獨立電影導演變為香港主流電影導演之一。

② 北京電影學院都有什麼系

北京電影學院分別有：文學系、文學系、導演系 、影視技術系 、攝影系 、表演學院 、錄音系、美術系 、管理系 、電影學系 、動畫學院等。

1、文學系

如果說劇作家和理論家是電影藝術的「設計師」，那麼，北京電影學院文學系便是培育中國電影「設計師」的搖籃；今天，文學系在電影理論與創作技巧研究上已經形成了一整套符合中國國情並居世界前列的教學體系，而文學系的畢業生也一直是中國電影劇本創作的主力軍。

2、導演系

導演系現有故事片創作、紀錄片創作、剪輯三個專業方向，博士、碩士、本科、創作幹部進修等各個層次的教學班。

導演創作要求學生具備文學藝術的理論修養和歷史知識，有較高的美學鑒賞能力和藝術品位；系統掌握電影、電視導演創作的基本規律和熟練的視聽表達能力，在創意、敘事、造型、聲音等方面都有很好的綜合運用技能和較強的組織能力。

3、影視技術系

進入北京電影學院，學生將有機會全方位接觸電影的創作與製作，通過四年的學習，不僅要系統的了解電影理論知識，同時將更深入的學習並掌握數字電影技術的基本原理和實際操作流程。畢業後將在電影、電視、動畫、廣告和傳媒等相關領域找到自己的位置。

4、攝影系

攝影專業培養具備廣泛的科學文化和藝術理論知識，具備電影、電視、廣告、圖片攝影攝像能力．能在電影廠、電視製作部門、廣告宣傳部門、音像出版部門從事攝影藝術創作、教學和研究工作的高級專門人才。

5、表演學院

1950年9月，表演藝術研究所創建後招收的大專三年制演員一班和1951年9月招收的演員二班，是電影表演學院的前身。演員一班和二班的生源主要來自三個方面，有志於從事電影表演專業學習的高中畢業生。

電影表演教育的初創階段，一方面為新中國的電影事業培養了一批演員，提高了一批演員的素質；另一方面也為電影表演教育的發展培訓了一批師資。

6、錄音系

錄音藝術屬於藝術類本科專業。主要培養從事聲音節目製作和聲音作品創作的復合型專門人才，培養具有較高的影視聲音、音樂鑒賞能力，掌握音樂、影視、廣播等領域的聲音製作技術，具備擴聲系統設計與搭建能力，從事音樂、影視和擴聲領域的錄音工程師。

7、美術系

美術系創立於1959年，匯集了當時中國電影美術界一批精英人士。美術系的建立，使電影美術創作走上了體系化、科學化的軌道，提高了中國 電影美術創作的藝術水準，推動了中國電影美術創作的發展。

建系五十餘年來，在學院的領導下，美術系歷屆師生不斷求真務實、刻苦努力、開拓進取，使美術系從過去的「電影美術設計專業」和「動畫專業」，發展成為現在以培養影視美術設計、影視特技、影視廣告導演、新媒體藝術、現代繪畫、人物造型設計、鏡頭畫面設計等專業藝術創作人才為主的教學機構。

8、管理系

北京電影學院管理系成立於1987年。自新中國建立以來，黨和政府就對電影管理工作十分重視。實際上，從1955年9月學院開辦第一屆製片管理專訓班以來，至今北京電影學院管理專業共招收學生570人，已畢業400人。其中本科生179人，大專生222人。2015年更名為管理學院。

9、電影學系

北京電影學院電影學系誕生於2002年12月，其宗旨為依託本部門寬厚的學科理論基礎，拓寬傳統電影研究的專業面，著眼影像媒體融合的大趨勢，培養跨媒體就業的新型專業人才。電影學系與北京電影學院第一個院級研究所——電影研究所實為一體。

10、動畫學院

北京電影學院動畫學院（簡稱「動畫學院」）成立於2000年1月，他的前身是北京電影學院美術系動畫專業。該專業最初成立於1952年，經過40多年的發展，已經建立了一整套完整的教學體系和科學培養方法，擁有國內最完善的影視動畫教學實習設施和優秀的師資隊伍。

③ 有些電影院寫著4D影院，什麼是4D效果啊！空間只聽說過3D啊！

3D影院，人們已經熟悉了幾十年。然而，隨著電影技術的進步和觀眾需求的提升，4D影院應運而生，為觀眾帶來了全新的體驗。4D影院不僅保留了3D視覺效果，還增加了多種互動體驗，包括震動、墜落、吹風、噴水、撓癢等效果，甚至還有煙霧、雨、光電、氣泡、氣味等，這些都精心設計以匹配電影情節。觀眾在觀看電影時，能夠通過視覺、聽覺、觸覺、嗅覺等多感官獲得全方位的沉浸體驗。

4D影院的發展速度非常快，各種表現形式層出不窮。傳統的平面銀幕4D影院受到了環幕方式的挑戰，而新的特技座椅配合動感平台，為4D影院帶來了新的發展。進入21世紀後，大直徑、多畫面的柱面4D影院逐漸成為主流。尤其是柱面銀幕4D影院，配合各種動感平台，如旋轉平台、軌道車等，可以根據劇情進入影院，這種新型的4D影院類型發展迅速。

4D影院不僅改變了觀影體驗，還在地理信息系統中引入了新的概念。在GIS領域，4D產品指的是包括數字線劃圖（DLG）、數字正射影像（DOM）、數字高程模型（DEM）和數字柵格地圖（DRG）等在內的產品。這些產品結合了時間和空間的概念，因此被稱為4D產品。

4D的概念不僅僅局限於影院和GIS領域，它在其他領域也有廣泛的應用。例如，4D游戲《樹世界》就採用了真實的時間系統。在這個游戲中，玩家創建的角色會隨著真實的時間變化而變化，即使玩家不上線，角色也會開始慢慢變老，直到最終死去。這使得游戲體驗更加真實和沉浸。

綜上所述，4D影院不僅僅是3D電影技術的延伸，它通過結合多種感官體驗和技術創新，為觀眾提供了前所未有的娛樂享受。同時，4D概念在不同領域中的應用也展示了其廣泛的適用性和潛力。