新寫實主義電影導演

① 義大利新現實主義電影的藝術主張、主要代表人物及作品。

主張：記錄性可斷定盡可能不侵蝕原有物質的全貌，在觀眾腦海中，將銀幕現實的表象與真實的現實合二為一。實景拍攝，攝影機隨人物在實際空間中運動，傳統場面調度理論消失。更為電影化的真實空間形式得以表現，同時避免舞台觀念的戲劇用光。

長鏡頭、景深鏡頭的運用每個鏡頭成為完整一段，體現創作者忠於自然的客觀性，體現巴贊「攝影上嚴守空間的統一」觀點。

代表人物及作品：

1.羅伯特·羅西里尼 ：

《羅馬不設防的城市》、《游擊隊》、《德意志零年》 此三作被譽為"戰爭三部曲"，標志著新現實主義進入全盛期，《義大利萬歲》。

2.維斯坎迪：

《沉淪》、《大地在波動》、《受苦的人們》

3.德西卡：

《偷自行車的人》、《溫別爾托·D》

4.德桑蒂斯：

《羅馬十一時》

(1)新寫實主義電影導演擴展閱讀

相關背景：

義大利新現實主義電影是指20世紀40年代在義大利開始的現實主義電影運動，義大利傑出的電影藝術家，從漫長的法西斯主義的統治下，從戰後的碎磚瓦礫中站立起來，他們想盡辦法籌措資金和膠片來拍攝影片。

義大利新現實主義是一次從內容到形式徹底的美學革命，是繼先鋒電影運動後出現的第二次電影美學運動，義大利現實主義鮮明的美學特徵，標志有聲電影以來電影趨向現實主義美學追求的最突出成就，改變西方與美國電影力量對比，並向傳統戲劇電影挑戰，創造更為電影的藝術品。

參考資料來源：網路-義大利新現實主義電影

② 重要的電影流派的代表導演

德國表現主義Expressionism
形式主義Formalism
印象主義Impressionism
超現實主義Surrealist film
新寫實主義Neorealism
法國新浪潮New Wave
真實電影Cin'ema v'erit'e
第三電影Third Cinema
巴西新電影Cinema Novo
德國新電影New German Cinema
直接電影Direct Cinema
意象派電影 Imagist film
實驗電影 Experimental film

③ 世界4大電影導演

英格瑪·伯格曼，自50年代登上影壇以來，以簡約的影像風格、沉鬱的理性精神和對生與死、靈與肉、精神與存在等一系列問題的探索，成為世界影壇上為數不多的將電影納入嚴肅哲學話題的人物之一。伯格曼所奠定的瑞典電影的理性精神和60年代瑞典新電影的寫實風格殊途同歸，並且極大影響了法國新浪潮電影。
奧森·威爾斯，《大公民》似乎成為所有影評家們的最愛，總是在各類評選中名列第一．
米開朗基羅·安東尼奧尼．米開朗基羅·安東尼奧尼一開始就成了四十年代興起的義大利新寫實主義的先驅，1960年的《奇遇》以新穎獨特的風格和極富現代感的思想內涵為他贏得了世界性聲譽；而《紅色沙漠》更被譽為電影世界中第一部真正的彩色電影，其中的紅色是「如此絢爛豐盛，帶著如此令人心神不安的美」。他一生所獲得的各種影壇榮譽超過150個，其中獲五個威尼斯、四個戛納、一個柏林和一個奧斯卡獎項。
黑澤明：日本「武士」化身的黑澤明在他五十年的電影生涯中共導演了31部影片，是第一個打破歐美壟斷影展的亞洲電影人，他引導了整個五六十年代的國際電影藝術潮流，被譽為「電影界的莎士比亞」、「東方的啟示」。黑澤明以88年的兢兢業業完成了自己的「東方啟示錄」。
費里尼：義大利藝術電影之巔
作為五次獲得奧斯卡金獎的電影藝術家，費德里克·費里尼與英格瑪·伯格曼、安德·塔爾科夫斯基並稱為世界現代藝術電影的「聖三位一體」，是60年代以來歐洲藝術電影難以逾越的最高峰。費里尼更是以他強烈的個人標記——「費里尼風格」，引導了戰後義大利的精神進程。
此外，希區柯克；大衛·里恩 ；庫布里克；小津安二郎都曾入選過世界十大導演

④ 著名導演安東尼 尼奧的作品

安東尼奧尼於1912年9月29日生，20歲之前他很傾心造型美術，後來著迷戲劇。曾經拍過精神病院的紀錄片，這一經驗使他後來作品提倡內在的寫實主義，同時也預示著他以後的作品對人的精神狀態的病態和異化的關注。

安東尼奧尼最早的電影從業經歷是為雜志作撰稿人，1939-40年，他當上了羅馬權威電影雜志《電影》的編輯，該雜志雖然是屬於法西斯體系內的雜志，但後來卻可以稱為義大利新寫實主義電影的保姆，從中產生了許多新寫實電影的著名導演。他只在雜志上開始發表了幾篇文章，就因為政治運動解職。在羅馬實驗電影中心短時間學習之後，安東尼奧尼開始撰寫劇本。在1942年，替羅塞里尼寫了《飛機駕駛員回來了》的劇本，受到贊揚。費里尼的《白酋長》也有他的貢獻。此外，他還作為見習導演，在法國參與了卡爾內《夜間來客》的創作。
安東尼奧尼作品年表：

2000年 Destinazione Verna
2000年 Just to Be Together 未完成作品
1995年 Par-delà les nuages／Beyond the Clouds 雲上的日子
1989年 Kumbha mela
1989年 Roma '90 羅馬90
1982年 Identificazione di una donna 一個女人身份的證明
1980年 Mistero di Oberwald, Il/Oberwald Mystery,The 奧伯瓦爾德的秘密
1975年 Professione: reporter／Passenger,The 職業：記者（過客）
1972年 Chung Kuo／China 中國
1970年 Zabriskie Point 扎布里斯基角
1966年 Blowup 放大/春光外瀉
1965年 Tre volti, I 一個女人的三副面孔（集錦片的一段）
1964年 Deserto rosso, Il／Red Desert 紅色沙漠
1962年 Eclisse, L' 蝕/慾海含羞花
1960年 Avventura, L'／Adventure,The 奇遇/迷情
1960年 Notte, La ／Night,The 夜
1957年 Grido, Il／Cry,The 呼喊/流浪者
1955年 Amiche, Le／Girlfriends,The 女朋友
1953年 Amore in città/Love in the City 巷愛（小巷之愛）
1953年 Vinti, I/Youth and Perversion 失敗者（戰敗者）
1953年 Signora senza camelie, La 不戴茶花的茶花女
1950年 Cronaca di un amore 某種愛的紀錄(一個愛情故事)

米開朗琪羅·安東尼奧尼的影片包含著下列主要因素；
1．在電影劇本中通過人物的行為來分析哲學觀念。
2．復雜的、很長的、緩慢移動的攝影，很少依靠特寫鏡頭或其他「電影」技巧。
3．通常是緩慢的速度使觀念和事件有可能在很長的銀幕時間內逐漸展現出來。
4．運用簡短的、近乎電報式的對白，並常常被長時間的沉默所打斷。
5．高度抑制的表演；安東尼奧尼傾向於限制他的演員，使他們保持沉默，迫使他們用最少的外部效果來表現內部沖突和態度。
6．不大注重電影的傳統的輔助元素（如音樂或光學效果）安東尼奧尼傾向於依賴場面本身：他的許多最出色的場面都是運用優美的長鏡頭來表現的，只用自然音響來加強對白

⑤ 求很牛的電影大師

羅曼·波蘭斯基，他的新版《霧都孤兒》還有2003年的《鋼琴師》都是非常棒的電影

法國呂克.貝松《這個殺手不太冷》《碧海情》、《第五元素》等
斯皮爾伯格 導演作品
奪寶奇兵4 Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull(2008)
慕尼黑 Munich (2005)
世界大戰 War of the Worlds (2005)
幸福終點站 The Terminal (2004)
少數派報告 Minority Report (2002)
神鬼交鋒 Catch Me If You Can (2002)
人工智慧 Artificial Intelligence: AI (2001)
拯救大兵瑞恩 Saving Private Ryan (1998)
失落的世界:侏羅紀公園 Lost World Jurassic Park (1997)
斷鎖怒潮 Amistad (1997)
辛德勒的名單 Schindler's List (1993)
侏羅紀公園 Jurassic Park (1993)
霍克船長 Hook (1991)
直到永遠 Always (1989)
奪寶奇兵3:聖戰奇兵 Indiana Jones and the Last Crusade (1989)
太陽帝國 Empire of the Sun (1987)
紫色 Color Purple, The (1985)
奪寶奇兵2:魔宮傳奇 Indiana.Jones.and.the.Temple.of.Doom(1984)
陰陽魔界(交易地點TradingPlaces(1983)) Twilight Zone: The Movie (1983)
外星人 E.T.the Extra-Terrestrial (1982)
奪寶奇兵1:法櫃奇兵 Raiders of the Lost Ark (1981)
一九四一 1941 (1979)
第三類接觸 Close Encounters of the Third Kind (1977)
大白鯊 Jaws (1975)
橫沖直撞大逃亡 Sugarland Express, The (1974)
飛輪喋血Duel(1971

⑥ 想知道關於阿莫多瓦電影的一切

培卓‧阿莫多瓦是西班牙繼劉易斯‧布紐爾(Louis Bunuel)之後的又一位國際級導演。原名Pedro Almodovar Caballero的阿莫多瓦一九五一年九月二十四日於西班牙貧民區La Mancha的Calzada de Calatrava小鎮出生，那是個極端男尊女卑的環境：男人什麼都不必做，女人則需負責所有大大小小的事，讓他在小小年紀時就對「萬能的女性」充滿了崇敬之心；雖然他生長在一個相當傳統的西班牙家庭，必須從學於修士、參加合唱團等，這種種著實讓他無法適應，甚至讓他對上帝失去信心，對他的思考和行為模式的養成影響相當大(他的作品無一不是以女性為主角，而他也成為一位同性戀者)。他日後談及這段往事時表示，在這樣的環境下成長，對他而言，等於是讓一個航天員出現在阿瑟王的宮殿中那般格格不入。十二歲時，他看了Richard Brooks的小說Cat on a Hot Tin Roof，遂決定要和這些生活疏離，追尋「邪惡與頹廢」。此時對他造成相當影響的電影導演有比利‧懷德(Billy Wilder)、道格拉斯‧瑟克(Douglas Sirk)、希區考克(Alfred Hitchcock)、布紐爾、布萊克‧愛德華(Black Edwards)及新寫實主義的Marco Ferreri和Fernando Fernan-Gomez。
在決定以導演為職志後，阿莫多瓦十六歲便離家，前往馬德里發展，剛開始是在名為El Rastro的跳蚤市場販賣二手貨維生。身為知名導演、作品被一再解讀的他其實從未受過正統電影教育，因為他根本沒有錢付學費，而且當時(七○年代早期)佛朗哥政府又把那些電影學校關了。後來他在西班牙電話公司擔任行政助理，工作之餘寫了些短篇故事、嘲諷性的新聞短片和廣告片，因而存了一筆錢，買了台超8攝影機，這段時間(1972-78)在朋友的幫助下拍了幾部短片和一部劇情長片，這些作品成為當時迅速發展的西班牙反抗文化運動時期十分著名的影片；幾年後，阿莫多瓦成了La Movida(七○年代晚期馬德里的大眾文化運動)的名人。
他的第一部劇情片是《烈女們》，很幸運地，在他開始要展露頭角時，西班牙已是民主社會了。這部片是以他自己的故事編寫而成：一九七八年他接受一本通俗雜志所託，寫了一本色情小說。這部作品驚世駭俗，藉由性嘲諷當時西班牙仍在無法見容於社會的佛朗哥形式陰影中自怨自艾(對佛朗哥的舊恨這下子可藉由電影抒發出來了)，嬉笑之餘不知不覺地給了西班牙政府一巴掌，而它充滿享樂主義的大眾藝術色彩及鄙俗的性暗示延續至阿莫多瓦兩年後的作品《激情迷宮》中，只是當時許多西班牙影評將西班牙學院派建立的「追求更高品質的作品」指針奉為圭臬，對阿莫多瓦的作品自然敬謝不敏，還替他貼上了太過新潮、膚淺的標簽。
影評的批判毫不留情，也影響了阿莫多瓦的創作方式。接下來的《修女夜難熬》及《我造了什麼孽》雖然都是喜劇，阿莫多瓦卻試圖切入更嚴肅、更復雜的主題：《修女夜難熬》藉由一個女人潛伏在一群怪異修女當中的故事，對天主教的制度提出質疑；《我造了什麼孽》則是述說一個家庭主婦每天要應付沉重的工作，內心的痛苦與掙扎。這類關於被欺壓的家庭主婦、女性團結獨立等主題在阿莫多瓦後續的作品裡將再度出現。
隨後阿莫多瓦的電影深入探討對性的渴望及律法的殘酷，《鬥牛士》可說是起了個頭，且彷佛在性與死之間建立起橋梁，讓觀影者一覽各種不同的性取向，包括戀物癖、同性戀、偷窺狂、戀屍癖及性交。其後的《慾望法則》又對性做了更深入、公開的探究，本片的男主角為安東尼奧‧班德拉斯(Antonio Banderas)，這也是他第一次擔綱男主角，自此他與阿莫多瓦又合作了數部作品，成為一時搭擋，並漸漸受到影壇注意，之後他便投向好萊塢的懷抱，成功轉型為商業票房紅星。
一九八七年，他和他的弟弟奧古斯丁(Agustin Almodovar)成立了他們自己的製片公司——El Deseo, S. A.，發行許多廣受歡迎的作品，創造了遍布全球的「阿莫多瓦現象」。這個家族企業的凝聚力可是相當強，他的母親Francisca Caballero和弟弟奧古斯丁便常常在他的電影中軋上一角。
《瀕臨崩潰邊緣的女人》以犀利、玩笑式的手法呈現女性的性慾和渴望，讓阿莫多瓦被賦予「女性導演」的頭銜(這對阿莫多瓦而言應該是值得欣喜的，因為身為同性戀者的他最不希望大家以他的性向來歸類他的作品)，並使他自此名列國際導演，本片在西班牙的票房就達到七千八百萬美金，十年內沒有其它影片能打破這個紀錄。
繼《瀕臨崩潰邊緣的女人》的大獲全勝後，阿莫多瓦又回到引人爭議的區域遊走著。《捆著你，困著我》的主題對美國意識流造成相當大的沖擊，敘述知名的女演員Victoria Abril(她是阿莫多瓦的繆思)和挾持她的綁匪陷入愛河。不過這部作品受到女性主義者及女權擁護團體的諸多責難，西班牙當地影評也認為他已經喪失了創作靈感了；這樣的負面批評一直延續到他的下兩部家庭通俗劇《高跟鞋》和Kika。Kika和《捆著你，困著我》一樣，在美國引起相當廣泛的討論，這恐怕是因為那個強暴場景明白地顯示對女性的憎惡和剝削。
在一九九五年的作品《窗邊的秘密》里，阿莫多瓦又將創作意念做了轉向。這部心理劇是由他的固定班底Marisa Parades領銜主演，描述一位情色小說家的故事，被譽為是他最成熟的作品。《窗邊的秘密》也預示了阿莫多瓦作品中男性角色形象的轉變：一反在早期作品中笨拙的男性尊嚴擁護者的形象，轉而創造一個更真實、明確的新個體。《顫抖的慾望》延續了這個概念，這部大致根據Ruth Rendell的同名小說改編的作品探討了愛、失去和在早期作品中僅一語帶過的強烈壓抑之苦，不過本片也許令熟悉阿莫多瓦的觀眾滿臉疑惑地走出戲院——阿莫多瓦怎麼變得有道德感了？所以這個時期應可視為阿莫多瓦創作上的另一個轉折點。
之後阿莫多瓦在作品中加入了更深層的戲劇元素。《我的母親》談的是女主角為車禍身亡的兒子尋找素未謀面的生父的故事，結果這位父親竟是一個比女主角還女人的人妖。在這部獻給貝蒂‧戴維斯(Bette Davis)、Romy Schneider和Gena Rowlands的電影中，阿莫多瓦修正了他對自己所熟悉的主題——姊妹間的內在維系和家庭的力量——的詮釋(盡管這個家庭有多麼不尋常)，結果成績斐然，獲得多項國際大獎的肯定(請參見阿莫多瓦作品一覽)。
除了在電影創作上屢屢讓人一新耳目，阿莫多瓦在其它方面也常有驚人之舉：他是Almodovar & McNamara二重唱的主唱，不過這個二重唱可是聲名狼藉，還是八○年代早期西班牙首都馬德里La Movida Madrilena怪異傳奇形象的化身；他甚至在《激情迷宮》中大膽地以女性的造型出現。他自己曾表示：「我的作品都帶有自傳性色彩，只是都是透過角色闡述，所以有時候感覺上並不那麼直接。但事實上，我將自己隱藏在每段故事及對白之後，我從沒用第一主角來談我自己，而有些東西(我想應該不包括那些僅被視為鄙俗的表現欲)反而在制止我創作自傳性作品。」
阿莫多瓦無疑是繼布紐爾後最有影響力的西班牙導演，自八○年代起，他開創了挑釁、糖果般多彩的影像；而無論他所要探討的主題是性、暴力或宗教，皆充滿了對後現代的焦慮；他對女性的細微觀察尤其令人折服，而最絕妙的是他用快樂的結局讓觀者無形中接受影片里所有的荒謬。他的作品宛如萬花筒般多變、絢麗，但總能犀利地將西班牙最新、最能引起大家興趣的一面呈現出來，永遠那麼讓人驚喜和期待。
【阿莫多瓦作品一覽】
‧El Espinazo del diablo(2001)——執行製作
‧The Paperboy(2000)——執導
‧《我的母親》(All About My Mother, Todo sobre mi madre, 1999)——執導、編劇，1999年歐洲電影學會票選年度最佳歐洲導演、坎城影展最佳導演、英國學會最佳導演及最佳原著劇本(提名)
‧《顫抖的慾望》(Live Flesh, Carne Tremula, 1997)——執導、編劇
‧Mi nombre es sombra(1996)——製作助理
‧《窗邊的秘密》(The Flower of My Secret, La Flor de mi secreto, 1995)——執導、編劇
‧Mutant Action(Accion mutante, 1993)——製片
‧Kika(1993)——執導、編劇及故事原著
‧《高跟鞋》(High Heels, Tacones lejanos, 1991)——執導、編劇及故事原著，1992年法國電影學會最佳外語片
‧《瑪丹娜：真實或勇敢》(Madonna: Truth or Dare, 1991)——演出(飾演自己)
‧《捆著你，困著我》(Tie Me Up! Tie Me Down!, !Atame!, 1990)——執導、編劇及故事原著、作曲，1990年柏林影展競賽片
‧《瀕臨崩潰邊緣的女人》(Women on the verge of a Nervous Breakdown, Mujeres al borde de un ataque de nervios, 1998)——執導、編劇及故事原著、製片，1989年英國學會最佳外語片提名、1988年威尼斯影展競賽片及最佳劇本獎、1988年紐約電影評論界評定最佳外語片
‧《慾望法則》(Law of Dewire, La Ley del deseo, 1987)——執導、編劇及故事原著、演出、作曲
‧《鬥牛士》(Matador, 1986)——執導、編劇及故事原著
‧Trailer para amantes de lo prohibido(1985，電視節目)——執導、編劇及故事原著
‧《我造了什麼孽》(What Have I done to Deserve This? ?Que he hecho yo para merecer esto?!! 1984)——執導、編劇及故事原著、演出
‧《修女夜難熬》(Dark Habits, Entre tinieblas, 1983)——執導、編劇、演出(公車乘客)
‧《激情迷宮》(Labyrinth of Passion, Laberinto de pasiones, 1982)——執導、編劇及故事原著、演出(表演者)、製片、作曲、製作設計
‧《烈女們》(Pepi, Luci, Bom and Other Girls on the Heap; Pepi, Luci, Bom y otras Chicas del Monton, 1980)——執導、編劇及故事原著、演出
‧Folle…folle…folleme Tim!(1978)——執導、編劇
‧Salome(1978)——執導、編劇
‧Tiempos de constitucion(1978)——演出
‧Sexo va, sexo viene(1977)——執導、編劇
‧Muerte en la Carretera(1976)——執導、編劇
‧Sea Caritativo(1976)——執導、編劇
‧Blancor(1975)——執導、編劇
‧La Caida de Sodoma(1975)——執導、編劇
‧Homenaje(1975)——執導、編劇
‧El Sueno, o la estrella(1975)——執導、編劇
‧Dos putas, o historia de amor que termina en boda(1974)——執導、編劇
‧Film politico(1974)——執導、編劇

⑦ 西西里的美麗傳說和天堂電影院的導演

名稱：朱塞佩·托納托雷

職業：義大利人文導演

中文名：吉賽貝·托納多雷

英文名： Giuseppe Tornatore

性別： 男

出生： 1956 5.27

活躍年份： 80s—00s

地區： 義大利

類型： 導演 編劇

星座： 雙子座

關鍵詞： 唯美 迷人

簡介：

吉賽貝·托納多雷是義大利寫實電影流派的新貴導演，1956年出生於西西里島靠近巴勒莫（Palermo）的巴格里亞鎮（Bagheria）。吉賽貝·托納多雷在年紀很小的時候就開始了工作，最初的職業是當攝影師，他拍的照片被刊登在不同的攝影雜志 上。16歲時他參與了皮蘭德羅（Pirandello Luigi）和菲利波（De Filippo）的兩出戲劇，這以後他開始涉足電影，初期主要是拍一些紀錄片，應該說這段工作經歷對他以後的電影風格的形成有很大影響。

真正讓吉賽貝·托納多雷名震江湖的是1988年的《天堂電影院》（NUOVO CINEMA PARADISO），影片講述義大利西西里島的一個精靈的小孩子，因為喜歡電影，他與電影院的放映師建立起亦師亦友的感情，而放映師也在小孩的人生旅途中充當了引領者的角色，並在死後留給他30多部膠片，而這些膠片既是他們之間友誼的見證，同時也成為小孩子實現夢想的起點，30多年後，已是大導演的他重回故地，再度回憶起往昔的點滴。這是一部溫馨感人的影片，不但讓人們見證了電影的魔力，也使得我們能以一種輕松的心態去省視各人兒時的夢想。影片的推出只能用空前成功來形容，不但獲得奧斯卡和金球獎最佳外語片，在歐洲各大電影節上同樣也屢獲殊榮。

吉賽貝·托納多雷的影片數量不多，大多以家鄉西西里島為背景，題材也偏好少年的憧憬和老年的回憶，但幾乎每部都是精心錘煉的作品。如1990年他推出了《天倫之旅》（Stanno tutti bene），講述西西里島一個喪妻多年的退休工人到義大利大城市去看望五個各有事業的兒子，這次旅行真實描繪現時義大利的社會風情，但家庭倫常的親情才是托納多雷的重點。1998年托納多雷執導了他第一部英語片：《聲光伴我飛》（The Legend of 1900），實力派演員蒂姆．羅思（Tim Roth）在片中扮演具有極高音樂天份的無名琴師，他一生從未上過陸地，也不通世故。片中一場他與爵士樂高手比拼琴藝的場面拍得奪目炫眼，仿如武林高手對決。影片以其優美的攝影和配樂而獲得金球獎最佳作曲和歐洲電影獎最佳攝影獎。

2001年的奧斯卡頒獎禮上，《卧虎藏龍》獲得了最佳外語片獎，這讓很多人為《瑪琳娜》（Malèna）而遺憾。《瑪琳娜》（Malèna）是吉賽貝·托納多雷構思多年的作品，但因為片中瑪琳娜一角一直沒有合適的人選而遲遲未動，直到他在拍廣告片時碰到莫妮卡.貝魯齊(Monica Bellucci)。影片同樣發生在二戰時的西西里島，主角是一個正處於性啟蒙時期的小孩子雷納多，和鎮上許多人一樣，他對美艷的瑪琳娜暗戀不已，影片前半部充滿了輕松幽默的生活化情節和少年們的趣事，後半部則急轉直下。由於她從軍的丈夫死訊傳回，更由於德軍入侵和生活的艱難，瑪琳娜被迫與包括德軍在內的男人 們親近，而德軍戰敗後，鎮上的婦人們對瑪琳娜壓抑日久的憤恨一時迸發，不但拳打腳踢，還把她逐出小鎮，而雷納多目睹心愛的人受辱卻無能為力，而後更有戲劇性的轉折，瑪琳娜的丈夫原來並未戰死，並在雷納多的幫助下找到了妻子。片尾雷納多目送夫婦二人攜手走過廣場，令人不覺物是人非，難免心生世事更易的感慨。這部影片可以看出托納多雷的導技更為純熟，攝影保持了他一貫的唯美動感，但敘事風格卻依然是傳承義大利的寫實一派。

從1979年起吉賽貝·托納多雷和義大利國家電視台RAI電視台開始了緊密的合作，他為RAI製作了大量的節目，1982年他導演的紀錄片《LE MINORANZE ETNICHE IN SICILIA》在義大利薩萊諾影展（Salerno Festival）上獲得最佳紀錄片獎。從1978到1985年他還是一家製片公司（CLCT Cooperative）的主席，同時他還參與劇本的編寫和導演助理，無疑這也是為以後的親身上陣積累了寶貴的經驗。1986年托納多雷執導了他的第一部劇情片：《CAMMORRISTA》，這部讓他一鳴驚人的影片使他獲得義大利電影記者協會最佳導演的銀帶獎以及金球獎的最值期待新導演獎。

《天堂電影院》的導演是義大利新寫實主義的新銳導演，並在《天堂電影院》之後拍過《天倫之旅》、《新天堂星探》等片，每部都有相當優秀的成績。《天堂電影院》為他奪得了「戛納影展評審團特別獎」、「金球獎最佳外語片」、「奧斯卡金像獎最佳外語片」等多項大獎，可謂成績斐然。

沒有人能夠否定朱塞佩·托納托雷在電影方面的天賦。

在義大利浩如煙海的電影導演中，托納托雷絕對是最耀眼的明星之一……

與安東尼奧尼的內斂含蓄不同，托納托雷的講述更加直白和清晰；也不同於羅貝托·貝尼尼的機智風趣，托納托雷更注重平實穩健；亦區別於帕索里尼的詭異另類，托納托雷為我們娓娓道來的是一個平凡的近乎沒有故事的故事……

30年，對任何人來說都顯得太長了……30年的守候，居然源於一句善意的謊言，和一張未被發現的便條……這幾乎到了殘酷的地步的真實，令人不能不為其動容！

艾琳娜的故事深深打動了我：一位發誓用100天的等待來換回一位公主的愛情的男子卻在等待後的第99夜悄然離去，因為他害怕當第100天來臨時，聽到的是公主拒絕的聲音。他害怕接受這樣的結局，所以他選擇了離去。與其讓希望徹底破滅，還不如讓自己存有一絲幻想。

多多的一句話深深打動了我：你還是那麼美……

在汽車中多多與艾琳娜寂寞相擁的那一瞬間，也許才是多多真正的渴求……而這一瞬間，使任何名、利都化為了雲煙……

人生如夢，人在夢中經歷了浪漫夢想的快樂，經歷了現實擊碎夢想的哀怨，經歷了漂泊與停靠，經歷了低谷與巔峰……這一切遠非一部電影可以承載。所以影片最後，高明的導演設計了「天堂影院」被拆除的情節，徹底摧毀了浪漫的夢境，而把人們拉回到了現實當中……就在這夢想與現實的輪回之間，我們禁不住潸然淚下……

影片結尾處，導演似乎有意讓我們重溫夢境。一些殘缺的膠片、一段段或溫婉或激情的接吻鏡頭……我不由得想起了那個圍在老放映師艾菲多身邊的多多，那個對電影充滿了好奇的多多，那個用攝影機捕捉自己愛人一顰一笑的多多，那個站在雨中只為了看到窗口透來的一個微笑的多多，那個歇斯底里呼喊著艾琳娜名字的多多，那個在塵封的便條中瘋狂尋找的多多，那個用一句：你還是那麼美，徹底結束自己夢境的多多……

在迷離的光影碎片交織成的夢中，心中最柔軟的部分，彷彿被一次次的輕輕碰觸著……

回家三步曲：

1、《天堂電影院》

西西里島上的吉安加村有座小教堂，教堂前有一家電影院，叫做「天堂戲院」。故事就在這里展開，多多（沙瓦托的小名）參加了教堂的唱詩班，也喜歡到戲院看艾佛特操作放映機。圖圖總是靜靜的坐在一旁，偷偷地收集艾佛特剪掉的影響風化的影片片段。他和艾費多建立了真摯的友誼。天堂戲院是村裡的文化中心、精神支柱，這里的人熱愛電影，電影是他們的生活重心。

放映時的失誤導致戲院失火。多多成了艾佛特的助手。後來成長為專業的放映員。艾佛特不僅教他放電影，更教他做人。經過與當地銀行家女兒艾琳娜失敗的戀愛之後沙瓦托到羅馬游歷。艾佛特教導他不要回來，去發展自己的事業。一晃30年過去，沙瓦托成了名導演。直到聽到艾佛特的死訊，才喚回他兒時的記憶。他回到家鄉。

戲院要被迫拆除了，全村的人都來告別，所有的人都在隊列中默默行走......

獲獎記錄：

第四十二屆戛納電影節評委會特別大獎；第六十二屆奧斯卡最佳外語片；第四十七屆金球獎最佳外語片；第二屆歐洲電影獎最佳男演員；第二屆歐洲電影獎評審委員特別獎；第四十四屆英國電影學院獎最佳外語片。

第四十二屆戛納電影節評委會特別大獎（1989）

第六十二屆奧斯卡最佳外語片（1990）

第四十七屆全球獎最佳外語片（1990）

第二屆歐洲電影獎最佳男演員（1989）

第二屆歐洲電影獎評審委員特別獎（1989）

第四十四屆英國電影學院獎最佳外語片（1991）

第四十四屆英國電影學院獎最佳電影配樂（1991）

第四十四屆英國電影學院獎最佳原著劇本（1991）

第四十四屆英國電影學院獎最佳男演員（1991）

第四十四屆英國電影學院獎最佳男配角（1991 ）

2、《海上鋼琴師》

有沒有一部音樂片能讓一個准音樂盲重看五遍而不厭倦？當然有，它就是《海上鋼琴師》。准音樂盲是誰？我。對音樂的理解方面，我只比西班牙前國王阿方索要好一點點，這位國王專門雇了一個「司國歌者」，其唯一的職責就是在演奏西班牙國歌時叫國王起立，因為國王聽不出西班牙國歌。我能聽出國歌並及時起立，也僅此而已，從小學開始，我的音樂成績就在及格線上徘徊，就這樣，都還全靠老師們開恩。

難怪歐洲電影人對美國電影一直不屑一顧，這部由義大利大師托納托雷執導的片子不遜色於任何一部美片。這使我回想起了《美麗人生》，同樣來自義大利導演的巨作。只要有法國和義大利這樣充滿了浪漫拉丁色彩的國度，就永遠有來自歐洲的片子與美片爭鋒。

和眾多歐片一樣，這部片子也充滿了暗示。主角1900是最大的暗示，這名出生在輪船上的孤兒，是天生的鋼琴大師，他一生從來沒有下過船，能夠在別人因暈船而吐得一踏糊塗的時候閑庭信步。他生世凄涼卻用鋼琴征服所有人，他經歷兩次世界大戰卻不以為意，他能選擇與船共亡卻不能為了深愛的女人登上一次陸地。托納托雷想通過他暗示什麼呢？「一千個人眼中有一千個哈姆雷特」，我看到的是選擇。人的一生實際上每時每刻都在面臨選擇，每一個細小或者重大的選擇決定了各自的人生走向。1900選擇了留在船上，他無法邁出走下甲板的那一小步，哪怕是為了一生中唯一的一次戀愛。所有人似乎都恨不得把他推下船，但1900毅然回頭。他說：「陸地沒有盡頭。」這種沒有盡頭的感覺讓他害怕，鋼琴的琴鍵是有盡頭的，這讓他覺得安穩。

那個吹康牌樂器的胖子，上船掙錢的時候只有一把小號，到影片最後還是靠別人施捨才繼續擁有這把小號，人生，在很多時候都是在循環，周而復始的循環，我們都在循環中消耗生命的時光。每一艘船上都有第一個發現自由女神的人，他們縱聲高呼，為了一個不知道結果的目標而激動，從而開始了新一輪的奔波。還有爵士樂本身似乎也暗示著那種自以為是的人，「什麼都不是，那就是爵士了。」

恕我肉眼凡胎，只能以自己的目光來理解大師。但光有暗示是不足以吸引觀眾的，《海上鋼琴師》的情節如同碧海潮生，高潮一浪接著一浪。在狂風暴雨中一邊任鋼琴自由滑動一邊彈奏，小孩子無師自通的演奏震驚滿船的人，這些只不過是大師的鋪墊罷了。自稱「爵士樂祖師」的謝利上船與1900比賽鋼琴，激動人心的程度簡直可以和最激烈的槍戰相媲美。美國的西部片中，快槍手一對一的較量很是惹眼，但歐洲人可以用鋼琴當武器。讓人喘不過氣來的鋼琴比賽才結束，1900第一眼就愛上的女人出現在了舷窗外，他彈出了快心之作「柔情似水」，窗外，美人如水，窗內，柔情似水。這一幕，必將成為電影史上的浪漫經典，這一曲，也必將成為傳世之音。

天下沒有不散的宴席。1900在爆炸聲中與世訣別，我們也只有在淚光中與這部片子分別，真希望它永不結束，讓我們永遠陶醉在優美的琴聲中。

鋼琴與海浪共舞，柔情與真愛齊飛。

3、《西西里的美麗傳說》

「當我還只是十三歲時，1941年春末的那一天，我初次見到了她．．．那一天，墨索里尼向英法宣戰，而我，得到了生命里的第一輛腳踏車。」

她，撩著波浪狀黑亮的秀發，穿著最時髦的短裙和絲襪，踏著充滿情慾誘惑的高跟鞋，來到了西西里島上寧靜的陽光小鎮。她的一舉一動都引人矚目、勾人遐想，她的一顰一笑都教男人心醉、女人羨妒。瑪蓮娜，像個女神一般，征服了這個海濱的天堂樂園。 年僅十三歲的雷納多也不由自主地掉進了瑪蓮娜所掀起的漩渦之中，他不僅跟著其他年紀較大的青少年們一起騎著單車，穿梭在小鎮的各個角落，搜尋著瑪蓮娜的誘人豐姿與萬種風情，還悄悄地成為她不知情的小跟班，如影隨形地跟監、窺視她的生活。她搖曳的倩影、她聆聽的音樂、她貼身的衣物．．．都成為這個被荷爾蒙淹沒的少年，最真實、最美好的情慾幻想．．．

然而，透過雷納多的眼，我們也看到了瑪蓮娜掉進了越來越黑暗的處境之中，她變成了寡婦，而在鎮民們的眼中，她也成了不折不扣的禍水，帶來了淫慾、嫉妒與忿怒，而一股夾雜著情慾與激憤的風暴，開始襲卷這個連戰爭都未曾侵擾的小鎮。

瑪蓮娜一步步地沉淪，與父親斷絕了關系、被送上法院，更失去了所有的財產，這使得向來天真、不經世事的雷納多，被迫面對這純朴小鎮中，人心的殘暴無情，看著已經一無所有的瑪蓮娜，雷納多竟鼓起了他所不曾有過的勇氣，決定靠著他自己的力量，以一種教人難以料想的方式，來幫助瑪蓮娜走出生命的泥沼......

這部電影讓我認識了世界上最美的女人Malena（莫尼卡·貝努奇），所有的男人都會愛上她的，會愛上她的一切，你會贊嘆上帝，贊嘆他能創造出如此完美無缺的女人。

但Malena的命運是悲慘的，男人得不到她，女人嫉妒她，當她墮落後，男人玩弄她，女人唾棄她，當她無助時，女人們當街毆打她、撕光她的衣服、剃光她的秀發，而男人們，只是看著。

而全片從一個情竇初開的男孩眼中把整個事情講出來，卻讓電影帶有純潔的、溫暖的筆觸。

⑧ 電影《魂斷威尼斯》講的是什麼哪有下的

http://lib.verycd.com/2004/03/03/0000006396.html

《魂斷威尼斯 》(Death.In.Venice)
【原 片 名】Death.In.Venice
【中 文 名】魂斷威尼斯
【出品年代】1971
【IMDB鏈接】http://www.imdb.com/title/tt0067445/
【IMDB評分】7.5/10 (1351 votes)
【國 家】義大利/法國
【類 別】劇情
【導 演】盧奇諾·維斯康蒂Luchino Visconti
【主 演】Dirk Bogarde
Bjorn Andrésen

【視頻尺寸】624 x 256
【影片長度】131 Mins
【對白語言】英語
【字幕語言】外掛中文

【內容簡介】
由義大利導演維斯康蒂(Luchino Visconti)執導，Nicola Bandalucco與導演一同改編自諾貝爾文學獎得主，德國作家托瑪斯·曼(Thomas Mann)的同名小說《魂斷威尼斯》，是一部結合了電影與文學敘事成就的藝術電影。托瑪斯·曼是1929年的諾貝爾獎得主，也是二十世紀德國最偉大的文學家之一，身為一個文學家，托瑪斯·曼比一般的作家帶有著更多的文藝美學意念，也有著與多數藝術家共通的人格特質，其文學作品，無論是長篇小說，中篇小說或散文，多都是探討「人性的問題」的觀點。而根據小說改編的這部電影，更榮獲了1971年戛納影展的25周年紀念獎。

維斯康蒂是義大利新寫實主義時期的著名導演，改編這部小說的過程中，他更動了小說中阿荀巴赫的作家身分，轉換為作曲家的角色，而電影敘事的起點也從奧森巴赫抵達了威尼斯開始。故事背景發生在第一次世界大戰之前幾年，德國作曲家奧森巴赫，帶著喪女之痛來到了威尼斯（影射古典作曲家馬勒），希望得到修養生息的心情。到了威尼斯後，奧森巴赫與美少年塔奇奧邂逅，少年塔奇奧宛如希臘雕像般的容顏令奧森巴赫渾然忘我地沉醉在激動的熱情中（以柏拉圖思想為原型的延伸）。但之後威尼斯被霍亂所籠罩，因為官方刻意將消息封閉，奧森巴赫雖逐漸地發現了這個驚人的危機，卻為了多看塔奇奧一眼，一直尾隨著達秋的足跡，甚至不顧自身安危，不想離開被瘟疫所籠罩的威尼斯，最終因為吃了過熟的草莓，進而喪身在威尼斯這個城市。

在維斯康蒂的電影之中，一貫地以黑白影像來呈現貧窮、落後，以及較為低層粗糙的人類情感；而反觀彩色影像，是富有、優雅，與復雜矛盾的思想感情的表達媒介。此外，維斯康蒂晚期的影片，將人類是故事流動瞬間的暫影的思想，以及電影定義為移動的影像等觀念加入其中，使得他晚期的彩色影片中，人物本身幾乎呈現著木偶的形體，只是電影布景的一部份，而影像表現出更為靜止，冗長的鏡頭、攝影機緩緩自各種角度追蹤、「伸縮」鏡頭的推進推出，電影人物的非動作特質，如同他們正擺著姿勢供人拍照片一般，劇中影像像一張張的彩色名信片一般，一動不動地坐著，讓觀眾眼睛整體收入靜態影像，而創造出對「美」的作品一種純粹的終極意念。這種對於「美」的追尋，隨著配樂上使用馬勒第五號交響曲的慢板樂章，一直不停地播放演奏到劇情的最高潮。

⑨ 電影上世界上重要的電影流派及其代表人物的代表作。。。

德國表現主義 文學、藝術或戲劇中專強調形式與技巧而不強調題材的表現手法。起源於1915年的俄國，因為莫斯科語言學圈及詩語言學會的成立，反對俄國革命前處理敘述材料的傳統方式，轉而重視藝術語言形式的重要性，逐步影響到當時的各藝術領域。在電影表現或分析上，形式主義強調不同形式的運用可以改變材料的內涵，剪接、繪畫性構圖與聲畫元素的安排都是形式主義電影工作者的興趣所在，如1920年代的普多夫金、愛森斯坦等均是此種主義的支持者。1930年代中期遭斯大林主義的壓迫而停止在俄羅斯的發展，但對後來的結構主義與符號學有很大影響。

印象主義Impressionism
1920年代法國的電影創作者路易．狄呂克團結一批有才氣的導演，如亞伯．岡斯、哲敏．杜拉克等與一些在商業電影上已取得成究的電影導演，想在影片公司老闆出於商業考量而拍攝的影片中進行改革，以提升在一次世界大戰後日漸衰微的法國電影。但其努力沒有得到製片們支持，1924年狄呂剋死後運動即告失敗。一些人走向商業片，另一部份則走向前衛派道路。由於狄呂克的一些理論與創作概念與後來法國前衛電影運動有緊密聯系，所以印像派電影大都被認為是前衛電影的前奏或直接歸入前衛電影。重要作品有岡斯的《車輪》(1922)、狄呂克的《狂熱》(1921)杜拉克的《西班牙節日》(1919)等。

超現實主義Surrealist film
1920年興起於法國，主要是將意象做特異的、不合邏輯的安排，以表現人類潛意識的種種狀態。路易斯．布紐爾的《安達魯之犬》可以算是早期超現實主義電影的經典作品。而超現實主義電影的興起旨在反抗寫實主義與傳統藝術，領導人安德烈．布列東的一篇宣言中提到：「一種純粹的心靈自動作用，在此作用之下，試著以語言、文字或其它任何方式，來表現思想真正的運作情形。」後來超現實主義成為實驗電影與地下電影的重要源頭，如美國的瑪雅．黛倫與肯尼斯．安格。商業電影中超現實主義並不是主要派別，只出現在個別導演的電影中，如伍迪．艾倫。

新寫實主義Neorealism
二次世界大戰後在義大利興起的一個電影運動。主要代表人物有羅貝多．羅賽里尼、狄西嘉、魯奇諾．維斯康堤等。這類的電影大主題大都圍繞在大戰前後，義大利的本土問題，主張以冷靜的寫實手法呈現中下階層的生活。在形式上，大部份的新寫實主義電影大量採用實景拍攝與自然光，運用非職業演員表演與講究自然的生活細節描寫，相較於戰前的封閉與偽裝，新寫實主義電影反而比較像紀錄片，帶有不加粉飾的真實感。不過新寫實主義電影在國外獲得較多的注意，在義大利本土反而沒有什麼特別反應，1950年代後，國內的諸多社會問題，因為經濟復甦已獲抒解，加上主管當局的有意消弭，新寫實主義的熱潮於是慢慢消退。 《天堂電影院》是其代表影片。

意象派電影 Imagist film
運用一系列相關的意象，以製造一種氣氛，或創造一種抽象概念的電影。意象派電影工作者企圖利用有關性質的視覺和聽覺細節，使鏡頭與聲音的累積，為一個場景或整部影片帶來更大的意義，而不需用直接陳述的方式。意象派電影不止是純粹抽象或韻律的電影試驗，而是企圖成為一種具有明喻或暗喻的象徵效果溝通經驗（通常是詩意或抒情的）。

⑩ 請問新寫實主義電影有什麼樣的藝術特徵啊還有其產生語境和發展軌跡之類的情況。

80年代中國文學非常發達與活躍，借鑒了西方各種思潮和流派，新寫實主義文學的興起，為新寫實主義電影的拍攝奠定了文學性基礎。新寫實主義小說的特徵是：以寫實為主要特徵，特別是注重現實生活原生態的還原，真誠直面現實，直面人生。新寫實主義電影導演自覺地以平民敘事手法，真實地再現當代社會變革中普通百姓的艱難與痛苦，記錄了時代陣痛中平民階層的各色性格與各色形象。當代導演們對苦難意識與文化意識的自覺，反映出他們濃厚的人道主義精神和悲憫天下的人文情懷。正式這種以中國式的「新寫實主義」的鏡頭去蘊涵時代與歷史的悲情，使中國當代電影在國際影壇上獲得了獨立的一隅。新寫實主義電影得益於開端於80年代初的新寫實主義小說思潮，1987年,在現實主義小說、現代主義傾向的先鋒派實驗小說和文化尋根派小說鼎立背景下產生的一種新的小說傾向。 它對應於這個時期後期以後中國社會大寫的「人」的解體，文學的終極理想消失，政治認清降溫，個體生存艱難等等復雜的現實，以及1987年以後先鋒小說遭冷遇的藝術現狀，是對小說和現實的雙重反應。總體上，它仍然可以視為現實主義的大范疇，但具有了一種新的開放性和包容性，善於吸收，借鑒現實主義各流派的藝術長處。學習實驗小說,追蹤現代意識,重視從哲學和人類學角度切入,升華紀實畫面的蘊意。作為一種創作現象,新寫實主義有別於現實主義或現代主義作品的藝術風貌。新寫實主義的作品都在不同程度上淡化塑造「典型環境中的典型性格」,追求描寫生活的「原生態」,竭力隱蔽作者的主觀感情和思想傾向。從藝術態度上看，它是新潮技術和寫實手法的互相妥協，其文本特徵有人概括為五個方面：粗糙樸素的不明顯包含文化蘊涵的生存狀態，不含異質性的和特別富有想像力的生活之流；簡明扼要的沒有多餘描寫成分的敘事，純粹的語言狀態與純粹的生存狀態的統一；壓制到「零度狀態」的敘事情感，隱匿式缺席式的敘述；不具有理想話的轉變力量，完全淡化價值立場；尤其注重寫出那些艱難困苦的或無所適從而尷尬的生活情境。前者刻畫出生活的某種絕對化狀態；後者揭示生活的多樣化特徵，被客體力量支配的失重生活。