電腦特效鏡頭有哪些電影片名

❶ 最早應用電腦特技的電影是什麼

1895
歷史上第一次，米埃兄弟將移動影像技術和放映機帶入了人們的視線中。在法國巴黎為觀眾放映了第一部電影。
1895
電影史上的第一個特技效果，出現在《瑪麗皇後的處決》中。劇中女主角的軟首鏡頭是用一種"替換拍攝法"完成的。
1898
喬治·米勒被認為是"第一個銀幕藝術家"，他引用了各種各樣的攝影技巧拍攝短片。包括消失的時間，停頓的攝影技術，以及巧錄的燈光布置。
1902
米勒拍攝出了第一部真正意義上的科幻電影，（之前的不過是些只有幾分鍾的科幻短片），《月球之旅》片長14分鍾。
1903
《火車大劫案》第一次使用了實踐的畫面復合技術，令飛馳的火車與狂飆的奔馬兩個畫面相得益彰。
1906
愛德溫·波特製作出了第一部完全使用停頓技術的動作電影。片中用了一分多鍾時間刻畫的泰迪熊能為了當時玩具店中最受歡迎的玩具。
1907
諾曼·道恩在他的《加州任務》中最先使用了玻璃接景法，這是以畫在透明玻璃上的部分場景配合實景或搭制布景來合成一個畫面的攝影方法。
1916
移動式掩碼技術被引用，這使得一個正在運動的畫面可以與另一個圖象相結合，用來補強合成影像的疏漏，以製造出更震撼的畫面。
1925
動畫片導演威利斯·歐布賴恩在《失落的世界》中創造出了49個動畫恐龍形象。
1927
影片中出現了巨型城市的效果，一種新技術使演員們可以在一個微縮景觀中完成拍攝。
1933
金剛上映，當中的動畫技術場面花費了55個星期才完成。
1939
第一項奧斯卡特效獎被授予了《雨季來臨》，由於片中精彩的洪水特效。擊敗了當年的強敵《綠野仙蹤》。
1942
伊斯門柯達公司由於軍隊作戰用光學反射鏡的需要，與RKO公司的林伍德特效部接觸。製片人杜恩為其創造了"杜恩視覺光學鏡"，戰後便一直被電影公司用於特效拍攝用途，一直到90年代的數碼光學鏡出現才被取代。
1956
據估計，塞西爾·德米勒導演的重拍片《十戒》當中的紅海場面的拍攝花費了製作公司兩百萬美元，這也成了當時史上最為昂貴的特效。
1961
伊凡·薩瑟蘭發明了"幾何畫板"，第一個電腦制圖程序。當時年僅17歲的喬治盧卡就看好了這項新技術的潛力，他的聖誕禮物清單上就包括了這個電腦程序。
1968
《太空漫遊》的出現為當時的特效樹立了新的參考標准，早期的動畫控制也是在這部電影中形成的。
1973
《未來世界》是第一部使用電腦制圖的影片，盡管當時的技術僅限於2D。
1977
約翰·戴克斯特拉在《星球大戰》中使用了電子動畫控制，這讓我們看到了之前從未見過的宇宙戰爭場面。他還第一次在影片中第一次使用了3D成像技術。
1981
《窺視者》的上映讓我們第一次看到了以假亂真的「影子」數碼特效，還有第一個「數碼成像人」。
1982
「影子」數碼技術在《星際迷航記之復仇女神Ⅱ》和《電子世界爭霸戰》中開始被大量使用。
1985
電腦編程人像第一次出現在《年輕的夏洛克·福爾摩斯》中。雖然這個鏡頭只有短短的30秒時間，卻花費了製作公司6個月的時間來完成它。
1988
《風雲際會》第一次實現了電腦影像變異技術在電影中的運用。
1991
《終結者Ⅱ》不僅標志著數碼成形技術的里程碑，它還是第一批所有特效都由數碼技術完成的電影中的一個。
1993
CG技術創造的第一批生物就是《侏羅紀公園》中的那些恐龍。
1995
《玩具總動員》是第一部動畫人物全部由CG技術完成的動畫影片。
1999
《星球大戰》中的加加是第一個能夠與其它真人演員對戲的CG人物。
2002
而後來彼得傑克遜創作的怪物古魯姆要比加加表現得好得多。
2003
《指環王3》的順利竣工，昭示著電影特效已經到達了全新的高度。
2004
《范海辛》糟糕透頂的表現讓觀眾都希望特效這東西從未被發明過。
2005
兩位電影大師相繼以兩部翻拍《世界大戰》作品和《金剛》再次讓人們在現代的技術條件下深深懷念了一把往日的經典。
2006
《海神號》的如期傾覆，雖未能在北美票房的大火堆中填上一把柴，卻也讓人們見識了電影特效的無所不能。

❷ 電影烈日灼心講述的多少年代

1988年。

劇本改編花費了很多時間，曹保平推翻了很多稿，常常因為在邏輯上無法說服自己而寫不下去，原著作者須一瓜曾是一位政法記者，所以故事消兆中很多橋段來自真實事件改編，也涉及很多敏感話題，需要藝術處理，但又不能影響戲劇張力，這個過程非常煎熬。

2013年，單劇本就打磨3年的《烈日灼心》在廈門正式開機 。

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製作特效：

全片一共使用特效鏡頭387個，「雨夜追凶」、「高樓槍戰」、「除夕焰火」、「鬧市追車」、「水下開槍」這些充滿了張力的劇情段落都大量使用了電腦特效，特效團隊分析每個鏡頭的光線、反射、透視、運動、色彩等變化，力求在每一個細節上都精益求精。

全片的高潮段落「高樓緝兇」是特效團隊的最大難題，導演要求演員在兩棟百米高樓之間的「空中走嘩困廊」完成追逐、槍戰、跌落等高難度鏡頭。

通過鏡頭預視（Previz）多種方案的比對，拿蘆租最終採用了電腦特效結合實景搭建的方案。美術部門搭建了離地約6米高的「空中走廊」，其他部分完全由特效團隊採用三維動畫方案進行製作。該片的特效鏡頭入選了「2015年度美國NAB The Foundry全球最佳特效作品集」。

❸ 特效非也！盤點電影中以假亂真的實拍鏡頭

電影是一門源自生活的藝術，它濃縮眾生百態，引申生命真諦，延長我們三倍以上的人生。

當 科技 革命與攝影技術相互融合貫通，電影的形式形態也被賦予了更多種可能。 特效，成為了電影人一項致勝法寶 ，它滿足人們的獵奇心，創造出天馬行空的虛幻場景，讓我們在永不落幕的光影中流連忘返，欲罷不能。

所謂物極必反，當各種各樣的特效呈井噴之勢出現在各色電影中時，它變得泛濫而又缺悶乏味，讓人產生 審美疲勞 。一些有追求的電影人，開始嘗試擺脫對特效過度的依賴，他們嘗試以實景替代，用影像渲染，從而給觀眾帶來有血有肉的「特效」觀感。

今天要說的，就是一些 以假亂真的實拍鏡頭 。逼真到何種程度？若不道破，多數觀眾會認為這是電腦特效做出來的場景。

拍攝於1937年的黑白懸疑電影 《噓！有章魚！》《Sh! The Octopus》 利用一種特殊拍攝技巧，為觀眾帶來驚悚的觀影體驗。這個鏡頭即使放到現在來看依然無懈可擊，黑白影像加以扭曲猙獰的變臉場景，依舊能給我們帶來不減當年的驚悚體驗。

劇中演員 Elspeth Dudgeon 在沒有剪輯的情況下完成了由正常老嫗變為邪惡丑婦的形象轉換，異常驚悚。在特效技術還未誕生的1937年，導演 威廉·麥根 是怎麼做到的呢？

原來，在鏡頭拍攝之前，化妝師先為演員化上紅色妝容，並於拍攝時打上紅色燈光。鑒於彩色膠片還未普及，黑白攝像機是無法將紅色顯示出來的。拍攝過程中再將紅光轉換為藍光，此時演員臉上的紅色就會轉換為黑色，該鏡頭就此誕生。

這種拍攝手法，其實早在1932年的好萊塢經典影片 《化身博士》 中便有所運用。

隨著電影技術日新月異的發展，拍攝手法也有了更多實質性突破創新，擬真模型道具與微縮景觀攝影催生了一眾經典影片。

傳奇導演 斯坦利·庫布里克 拍攝於1968年的電影 《2001太空漫遊》 無疑是一部影史經典之作，此片意義重大，影響了日後眾多科幻電影的創作思路和拍攝手法，具有里程碑意義。

上世紀60年代電影特效還處於萌芽狀態，庫布里克利用大量逼真細致的模型和充滿實驗性的超前攝影手法打造出這部科幻教科書式電影。

影片中漂浮在太空中的宇航員在人工重力圓環中跑步的場景，成為科幻電影史上最具代表性的鏡頭之一。這種超現實主義的場景設定，同樣影響了一代又一代優秀導演的創作思路，其中就有克里斯托弗·諾蘭，稍後我會說到。

這個被眾多觀眾誤以為是電腦特效製作出來彎扮拍的場景，實則是斯坦利·庫布里克團隊一磚一瓦搭建製造的大型旋轉圓環。工程量雖大，卻絲毫不影響細節呈現，鏡頭掃到任何一處都經得起推敲，不得不讓人佩服！

更令人嘖嘖稱奇的是影片後半段持續數分鍾的 超時空漫遊穿越蒙太奇特效 ，在那個沒有電腦特效軟體，甚至是連繪圖軟體都沒有誕生的年代，庫布里克卻為我們呈現了如此絢麗迷幻的太空奧德賽，驚為天人！

他是怎麼做到的？答案是 「狹縫掃描法」 。

這項技術由 特朗·波爾 開創研發，它不僅實現了攝像機的進退調焦，還實現了被拍攝物體與攝像機的同步運動，亦是現代工業電影設備 Motion Control 的原型機。在《2001太空漫遊》一片中，它通過不同距離拍下的狹縫長度來進行反復曝光，致使光斑從中心向外擴散，並不斷後退，從而產生神奇的超現實太空穿越景象。

斯坦利·庫布里克的《2001太空漫遊》同樣影響了大導 克里斯托弗·諾蘭 的創作思路。和庫布里克如出一轍，諾蘭秉承了前輩追求極限的匠人精神，在道具模型與拍攝技巧的應用處理上，同樣極度慎重，對特效的應用亦是十分克制。這種負責的藝術態度，不僅為他的作品帶來值得推敲的細節，也讓他獲得了享譽國際的聲譽。

上映於2010年的電影 《盜夢空間》 ，為諾蘭收獲了數不勝數的好評。在這部燒腦科幻影片中，除了小李子和囧瑟夫精湛的演技外，天馬行空的鏡頭場景更是讓人過足眼癮。在真實與夢境之間，讓觀眾一次次信以為真，又一次次反轉，撲朔迷離。

影片中這場酣暢淋漓的走廊打鬥，伴隨著反復旋轉變化的空間，讓視覺刺激達到頂峰，也成了諾蘭作品中眾多 經典片段之一 。人物加場景的雙層動態設定，疊加在埋羨一起絲毫沒有混亂感，反而強化了動作的連貫與延展，頗為高級。

多數觀眾都會認為這是電腦特效做出來的，然而並非如此。

諾蘭耗費巨資搭建了一個可以旋轉的迴廊，在裡面完成所有「特效」鏡頭的拍攝。這個創意靈感正是來自斯坦利·庫布里克《2001太空漫遊》中宇航員在人工重力圓環跑步的場景，也算是一種致敬吧。

說完《盜夢空間》，再來說說 《星際穿越》 。

和《盜夢空間》一樣，《星際穿越》同樣出自諾蘭大神之手，也同樣是 「9分俱樂部」 陣營的優質高分電影。

作為一部依靠海量天文學理論撐起框架的科幻電影，諾蘭自然要讓它具有說服力——他請來著名天體物理學家 基普·索恩 做顧問，探討黑洞如何彎曲光線與空間等等一系列天體領域問題，進而讓影片經得起推敲。

影片最後，男主掉入黑洞內「四維空間超立方體」的場景讓人印象深刻，而這個抽象且龐大的科幻場景，竟是實景搭設的。

另外，影片中浮游於浩渺太空中的宇宙空間站，也是實景道具模型通過微距拍攝，再加以渲染特效製作的。

說完以假亂真的宏大布景，再來說說電影必不可缺的核心要素—— 人物角色設定 。

在題材豐富的影視作品中，人物設定同樣千姿百態，各具特色。這其中，就有著名導演 詹姆斯·卡梅隆 創造的末日人工智慧武裝機器人系列—— 終結者（The Terminator） 。

在終結者影迷的心目中，前兩部一直是無法超越的經典之作，毋庸置疑。而整個終結者系列最令人印象深刻的兩款機器人，則是 T-800（施瓦辛格版） 和 T-1000（羅伯特·帕特里克版） ，這兩個形象也是眾多80後的 童年陰影 。

經典T-800

液態T-1000

脫去皮囊的 純機械形態T-800 ，由好萊塢資深模型團隊按1:1真實比例純手工打造，眾多關節可單獨活動，模擬度極高。

人形 戰損形態T-800 ，得益於好萊塢視覺團隊出神入化的化妝技術，與現今演員身體局部覆蓋綠幕後經特效填補不同的是，這種處理手法更具感官刺激。

而早期的 液態機器人T-1000 ，更是來的加單粗暴，滿滿的邪典情懷——每一個受損場景，做一個相對應的人物模型，工作量可想而知！

另外， 湯姆·克魯斯 和 艾米莉·布朗特 主演的科幻電影 《明日邊緣》 中， 科技 感爆棚的可穿戴式全金屬機甲也是由製作團隊按照真人比例打造。

隨著電影產業發展，道具技術也不可同日而語。它們愈發精緻，接近真實，與角色劇情融入毫無違和感，同虛幻的特效相比，這份真實感為電影注入更多靈魂。

帥氣的阿湯哥穿著它打怪升級，身輕如燕且力大無窮，輕松穿越於戰場之中。

這連貫的動作配合厚重的全金屬機甲，打擊感十分到位。

除了身後槍林彈雨的戰火硝煙，這身充滿工業機械美感的穿戴式機甲被湯姆·克魯斯真實地穿在身上，如假包換。

也正是這份沉重又真切的負重，讓觀眾得到了更佳的觀影體驗。

「拚命三郎」阿湯哥在 《碟中諜》 系列電影中更是將他這份拼勁發揮到了極致——無論是迪拜塔命懸一線的速降、1500米高空徒手扒飛機的驚險壯舉、縱身跳入兩萬升水容量反應堆的無氧潛水，還是在三分鍾長鏡頭下106次的HALO跳傘，他無一例外親力親為，放棄替身，放棄綠幕，放棄特效， 全部實景拍攝， 讓同行由衷欽佩！

徒手扒飛機

迪拜塔速降

除了這些震撼的大場面和令人印象深刻的人物設定外，還有很多有趣的實拍鏡頭讓得知真相後的我們意猶未盡、津津樂道。

比如 《查理和巧克力工廠》 中胡桃流水線上被誤以為是特效製作的松鼠，全部是經過專業訓練後選拔的「優秀演員」。

山姆·雷米版 《蜘蛛俠》 里，彼得·帕克在餐廳接住被瑪麗·珍甩飛的食物，一氣呵成的連貫動作看似電腦特效合成，實則是導演用膠水把盤子粘在演員托比·馬奎爾手上，反復拍了數次才捕捉到的精彩鏡頭。而女主角臉上驚喜的表情，也是驚訝之餘的真情流露。

《重慶森林》 中，梁朝偉喝著咖啡，王菲專注地看著他，兩人動作舒緩愜意，而街道行人步履匆匆，一動一靜，畫面極具對比沖擊。很多人以為是特效做出來的，然而真相是王家衛故意讓梁朝偉喝的很慢，並讓王菲保持不動、長時間注視著他，路過的行人以正常速度走動。拍完這組鏡頭後，後期再將速度加快，便達到了這種效果。

諸如此類的精彩鏡頭數不勝數，就等著細心的觀眾去發現。

在電影這門獨特的藝術中，特效雖是必不可少的技術手段，但過度泛濫並無必要。願今後能有更多懷揣匠人之心的電影人，秉承著精益求精的創作理念，返璞歸真，以最真實的姿態帶領我們漫步光影世界，讓流量爛片銷聲匿跡，再無容身之處。

❹ 求一部電影，有2隻電腦特效作出來的松鼠

好像是《鼠來寶》！裡面的不是松鼠，是長的很像松鼠的超可愛的物敬孫花栗鼠。稿逗裡面有6隻花罩鏈栗鼠，3公3母。都能歌善舞，很搞笑，很可愛！

❺ 求一部電影的名字，大概是十年前的美國電影，所有角色都是電腦特效做的。

貝奧武夫 2007年史詩動高迅作電影
由羅伯判跡特·澤米吉斯執導，雷·溫斯頓、安東戚沖此尼·霍普金斯、安吉麗娜·朱莉主演

❻ 電影特效，1902年就有了

「特效」，很容易會和「大片」聯系在一起。

但嚴格來說，特效製作和電影拍攝前的布景、服裝、化妝的功用是一樣的，都是為了創造和提升最後成品的整體觀感。

最早期的特效其實就是布景和化妝，影史上第一部科幻片，1902年 《月球旅行記》 ，導演喬治·梅里愛就通過製作舞台道具，創造出一個天馬行空的未來世界。

在那裡，科學家可以坐著導彈飛往月球，月球上有著不明生物，對外來者充滿敵意。

當人類意識到電影可以超越現實的時候，創造奇觀的方法源源不絕。

1972年的德國電影 《大都會》 ，微縮模型、蒙版繪景等技術創建了一個壯觀的未來都市，隨著時間的推移，其藝術價值不降反升。

1968年 《2001太空漫遊》 ，斯坦利·庫布里克展現出恐怖的電影才華，他僅僅用道具模型，就能真實地呈現出太空場景，後世不斷模仿其拍攝技巧，卻無法實施超越。

一直到1977年 《星球大戰》 ，電腦特效才開始走上歷史舞台。以斯皮爾伯格、喬治·盧卡斯為代表，80年代模型加電腦特效的製作模式生產出了一批風靡全球的商業大片，世界電影的格局發生了質變。

人類彷彿回到了1902年第一次看到 《月球旅行記》 的時候，電影所帶來的「超現實體驗」是難以抗拒的，如果有機會可以逃離枯燥的生活，為什麼不呢？

成熟的電腦特效技術是令人瘋狂的。

以前觀眾一看就知道哪裡是特效，一個不小心就會出戲；現在的電腦特效是無所不能，而且難以分辨真假了。觀眾可以徹底地沉醉在電影所創造的世界，相信那就是真實發生的一切。

早在90年代的 《阿甘正傳》 ，如果不看幕後資料，真的很難相信，這部劇情片很可能有著上百個特效鏡頭，包括片頭片尾的羽毛，丹中尉的斷腿，阿甘打乒乓，與肯尼迪見面等畫面，全都是依靠電腦摳圖完成的。

以假亂真的特效，可以令到電影作品更加不可思議。

21世紀初， 《指環王》 三部曲運用電腦特效的輔助把托爾金筆下恢弘的中土世界變成了直接引入眼簾的影像。

想像如果還只能有簡陋不堪的化妝和布景，任彼得·傑克遜有再大的本事，也無法把電影拍出如此的史詩感。

要創造一個脫離現實的科幻、奇幻世界，如今電腦特效幾乎是必備的，電影在這時候才真正意義上變成了一部完善的「造夢機」。

《指環王》 還通過動作捕捉技術，創建出全CG角色咕嚕。這對於人類電影史來說又是濃墨重彩的一筆，以前非人類角色，只能是演員穿著道具服演出，雖然有著 《異形》 這樣不用電腦也能很真實的作品，但道具服始終在限制著人類無窮的想像力，而且花費的人力物力也非常之大。

電腦特效花費也不小，不過卻給劇組那邊省了不少事。安迪·瑟金斯在扮演咕嚕的時候，只需要穿著動作捕捉服表演多次即可，導演也不需要擔心道具會穿幫，所有人能更專注於表演。

等到詹姆斯·卡梅隆在 《阿凡達》 中帶來了更先進的動作捕捉技術，演員只需要一次成功的表演，後期製作就可以捕獲所有動作數據，生成出最終的CG角色。

CG角色的入場，使得各類幻想故事可以更加地「為所欲為」。最大的受益者莫過於超級英雄電影，沒有技術上的成熟，超英們想要「爛大街」是有些困難的。

神奇的是，並不是所有人都樂於去迎合電腦特效的時代。

克里斯托弗·諾蘭，江湖人稱「實拍狂魔」，明明可以用CG解決，他偏偏要用最原始的方式製造出超現實的畫面。

《盜夢空間》 「旋轉走廊」場景是劇組搭棚實拍。

《星際穿越》 「五維空間」，特效組只需要去掉威亞，再美化一下就收工。

電腦特效再怎麼逼真，也無法取代實拍所帶來的質感，諾蘭等傳統派的導演一直用作品證明著這一點。

而站在另外一個極端的大衛·芬奇，江湖人稱「特效狂魔」，明明可以實拍的，他偏偏要用特效。

《龍紋身的女孩》 中，為了使女主角的發型始終一致，劉海的部分要用特效來做。

《社交網路》 中，主角在室外呼氣的熱氣，其實是後期添加的。

特效的運用早已經不是商業大片的專利，像 《社交網路》、《華爾街之狼》 等奧斯卡電影，後期製作都起到了非常大的幫助。

可是對於許多商業電影來說，特效的重要性越發重要，卻讓作品的品質越發低下。

為了能讓觀眾更輕松地欣賞視覺特效所帶來的沖擊力，有些電影人索性把故事寫得越簡單越好，甚至不那麼注重邏輯性，爆米花大片，就這樣簡單粗暴地泛濫了起來。

爛俗的爆米花電影往往是故事服務於特效，嘩眾取寵，華而不實，一開始還能哄騙觀眾，久而久之就失去了市場競爭力。

不幸的是，這種低級爆米花帶偏了21世紀初的中國電影。包括港片在內，很多國產科幻奇幻片一味模仿著好萊塢的大場面，故事卻是小學生作文級別，等觀眾越發懂得鑒賞電影的時候，類似「某修羅」，「某某堡壘」等大製作，便淪為了「國產撲街大作」。

優秀的爆米花電影能夠像奧斯卡電影一樣，讓特效服務於故事。

電影的核心始終是故事，即使沒有特效，電影也能夠擁有巨大的藝術價值。而 沒有故事的特效，那隻能是被世人唾棄的爛片。

特效絕對不是令電影越發「無腦」，要是能正確使用，就能讓電影更加地不可思議。

《阿甘正傳》、《終結者2》 這樣的作品正是特效技術被正確利用的典型案例。

完全拋棄特效，固守傳統並不是最佳的方案。在全世界都利用新科技不停進步的時候，還在重復老套的製作手法，同水平的故事比較，那相當於是拿冷兵器對抗熱兵器。

所以，考慮特效是不是毀了電影，不如考慮特效如何結合到好故事，這才是對整個電影產業更有利的探索方向。

知道嗎?中國的天才人數比全美國的人加起來還要多。——《社交網路》

❼ 你最愛的長鏡頭出自哪部電影

相信很多朋友看影評、電影推薦，或者跟身邊一些閱片量豐富的朋友聊天的時候，偶爾就會聽到或看到「長鏡頭」這個概念。

「長鏡頭」，在一些時候的確是進階影迷最愛拿來炫耀的資本，對長鏡頭的意識，或許就是區分影迷與普通觀眾的界限。

它可以用貼近第一人稱的視角，表現出片中人物或驚奇或焦躁的情緒，如《好傢伙》當中，兩位主人公通過旁門進入夜總會的長鏡頭。

它可以在第三人稱與第一人稱視角之間來回轉換，同時體現出史詩式的宏大氣魄，和小人物的無奈與悲愴（《贖罪》中的敦刻爾克海灘長鏡頭）。

《贖罪》的5分鍾長鏡頭

它也可以展現一種現實與夢幻交織、過去與未來同在的奇幻世界觀，譬如《路邊野餐》里的四十分鍾長鏡頭，和《遁入虛無》中已死主人公的「靈魂出竅「長鏡頭。

而在侯孝賢與是枝裕和的早期電影中（《悲情城市》、《幻之光》），它所表明的，則是一種東方式的「靜觀」態度。

不過在很多時候，長鏡頭想表達的只是一種孩童般的情緒：「看我厲害不厲害！我連這都能做到！」我們都知道，長鏡頭的諸多拍攝環節如果出一個差錯，整個鏡頭就都要重來。

而許多長鏡頭的鏡頭軌跡，更是如魔術一般讓我們驚嘆：我們至今猜不出《我是古巴》里的攝影機，是怎樣從一座高樓「飛」到另一座高樓；也猜不到《職業：記者》中的攝影機，是怎樣穿過那兩節只有十多厘米寬的欄桿。

這些效果，在電腦特效時代都可以輕易做到（例如《謎一樣的雙眼》的電腦拼接長鏡頭），於是當代影人只好挖空心思把鏡頭做長，比如德國盜搶電影《維多利亞》，就是一個時長近140分鍾的長鏡頭。

不過也別忘了，在《歷劫佳人》中拍出過影史最佳長鏡頭之一的導演奧遜·威爾斯曾說：「電影里往往有些鏡頭，大家一眼就能看出那是導演在刻意拍一個『了不起的鏡頭』，但真正了不起的鏡頭，其實應該再稍微含蓄點。」

所以，正如大師所言，長鏡頭並不是越長越好。如果它除了炫技之外無話可說，那麼它也只是在做無用功。

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❽ 電影片名怎麼填其中的電腦特技鏡頭有怎麼填

你好：電影片名可以填寫《黑客帝國》其中的電腦特技鏡頭是黑客在打架的時候很多代碼在屏幕跳動。謝謝

❾ 有哪些知名電影里特效製作難度很高的鏡頭，卻很少有人注意到

電影當中有很多特效鏡頭，因為鏡頭過於逼真，很少有人注意到這影片後續所做的准備，而這些特效鏡頭經過反復嘗試後，最終以完美的方式呈現在熒幕上。現在我們就來看看那些讓人驚嘆的電影特效鏡頭。

一、《查理與巧克力工廠》

《查理與巧克力工廠》是我很喜歡的影片，記憶中最深刻的是有上百隻可愛的小松鼠一同剝殼然後又撲倒人的動作。本以為這些是特效鏡頭，但是導演為了使鏡頭更接近真實感，准備的竟然是真實的小松鼠，但並不是全部松鼠。據導演所說，影片只訓練了40隻松鼠，因為小動物並且不是寵物，要想控制它們可比想像中困難許多，但正是為了演出效果更好，節目組提前訓練40隻小松鼠，讓他們坐在凳子上訓練剝殼並且不讓它們吃掉的動作，難度很大，一度讓人懷疑是特效。

以上三步影片的特效無論從前期布置、後期製作等等，都花費了巨大時間與精力，跟我們預想不同的時，這些場景特效全部真實，也更是因為這種方式的特效，才會給我們呈現如此震撼的演出效果。

❿ 求一部日本電影 電視上看到的 有以下內容 是一部日本的忍者電影 電腦特效很炫

日本忍者題材電影因影級限制大作很少的。你說的這部很像是《黃沙武士》中最後的橋段。
可以參考的作品：
《忍者刺客》電腦特效下的忍者
《最後的武士》真實的武士道精神
《美少女特工隊》看鏡頭就好了關於內容和忍者邏輯就.....
《少女殺手阿墨》1-2最接近真實的電影
ps：其實真實的忍者對決很無味。基本都是在1-2招內結束戰斗，而且動作也不華麗。但是血噴的真的很誇張，這取決於忍者精準的攻擊方式。比起歐美拳拳到肉的互博，忍者對決確實顯得無味了。關於忍術這東西就想中國傳說中的高深武功。不能說不存在，但是誰也沒見過。