美国电影唐横

Ⅰ 唐璜的基本信息

唐·璜·德马科Don Juan DeMarco(1995)
更多中文片名：天生爱情狂,这个男人有点色，唐璜·德马科
更多外文片名：Don Juan DeMarco and the Centerfold .....(USA) (working title)
影片类型：爱情 / 剧情 / 喜剧
片长：97 min
对白语言：英语
色彩：彩色
幅面：35毫米遮幅宽银幕系统
混音：杜比数码环绕声 DTS
级别：Argentina:Atp Portugal:M/12 Australia:M Chile:TE Peru:PT UK:15 USA:PG-13 Finland:K-12 Sweden:11 Iceland:L Spain:T Singapore:NC-16 Germany:12
制作成本：25,000,000 (estimated)
摄影机：Panavision Cameras and Lenses
摄制格式：35 mm
洗印格式：35 mm
胶片长度：2771 m

Ⅱ 是什么电影

电影是继文学、戏剧、音乐、舞蹈、绘画、建筑之后出现的一种新的艺术形式。它发明于19世纪末期，由最初被认为是“小学生的玩意”、“奴隶们的娱乐游戏”逐步发展成为20世纪最广泛和最具影响力的艺术。它通过摄影机以每秒拍摄若干格画幅的运转速度，将被摄物体运动的时空转换过程记录在条状胶片上，然后将不同的胶片衔接起来，经过显影、定影。干燥加工成电影拷贝的过程，制成可以放映供许多人同时观看的影片。影片从最初拍摄一些活动的日常生活景象片断，发展到现在已能够拍摄丰富多彩、复杂变化的现实世界，具体形象地反映社会生活的能力和生动的艺术感染力。

由于电影的样式和片种繁多，有注重完整故事情节、刻画人物性格的故事片，有报道某一政治、经济、文化教育、军事或历史事件活动的记录片，也有运用各种美术手段和材料制作的美术片，还有记录舞台艺术表演的戏曲片等等。在这些种类中又包含若干片种。如故事片中有喜剧片、西部片、爱情片、科幻片等；美术片中有动画片、木偶片、剪纸片；记录片中有传记记录片、文献记录片、新闻记录片等。它包括文学、戏剧、绘画、建筑、音乐、舞蹈等各种艺术成分，所以被称为综1合艺术。

所谓综合艺术，指综合几种艺术成分而构成的艺术样式。其特征是：

集体创作。包括编剧、导演、演员、美术、摄影、录音多个创作部门艺术创造的有机配合；

利用现有的一切艺术表现手法。电影有含文学成分的描写和结构，有含戏剧成分的对话、内心独白、形体动作、面部表情，有含音乐成分的歌曲和与画面融合的视觉形象；

广泛的群众性文化。电影的构成是用活动着的画面和各种音响表达、表现世界各国的人和环境之间的关系以及由此形成的风俗习惯、生活方式、文化水平，且通俗易懂、明白晓畅。

但是，电影的综合性并不是指各种艺术成分的简单相加，而是指将各种艺术形式包含的艺术成分融汇贯通变成新的东西加以表现。它除具有一般文学艺术的共性特征外，还具有自己的个性特征。这在于电影艺术的表现工具与别的艺术表现工具不同。电影是用摄影机来反映的。摄影机具有真实记录反映对象及其运动的时空转换这一特点，由此形成特殊的电影表现手法和电影叙述语言，将各种艺术成分有机统一组合成新的艺术表现形象。

正因为如此，作为艺术的电影，虽然是诞生于众多古老传统艺术如文学、戏剧、音乐、舞蹈、绘画、雕塑、摄影……之后的最新最年轻的艺术，但也是迄今为止唯一可以让我们知道它的诞生日期的艺术。自1895年12月28日卢米埃尔正式公映自己制作的世界最早的影片获得成功至今仅百年的历史。而古老传统的艺术，其中有的已经历了上千或数千年的沧桑，它们问世的时日，就连专门研究艺术史的专家学者们也无从稽2考。电影和古老传统的艺术相比，它只能算个小弟弟。但是它后来居上，后生可畏，最年轻的艺术——电影，以其无可比拟的艺术魁力，闯进了世界艺术之林，一跃而成为最富群众性最具影响力的与世纪同龄的艺术巨人。其所以能如此，恰恰是由于它年轻，有它自己的优势。因为电影不仅是诞生于古老传统的艺术之后，而且它是吸取和消化了这些艺术的所长而又扬弃了它们的所短，有机综合了多种艺术因素而形成的一种新型的独特的艺术形式。因此，多种艺术门类的有机综合，是电影艺术最突出的美学特性，综合性是电影美的本质所在。

早期的电影研究家们从电影像谁这一命题出发，探讨电影艺术的基本持性和电影美的奥秘。他们所持的观点和所得的结论各不相同，大相径庭。有人认为电影像文学，有人认为电影像戏剧，也有的认为电影像绘画，还有的说像音乐等等。不一而足。于是便有“可见的文学”、“电影诗”、“视觉交响乐”、“沉默的旋律”诸如此类的说法，试图从电影美学的层次上对电影美的本质作出界说。这些见解虽知其相对的合理性依据，但在今天看来，其各执一端的片面性，则是显而易见的。电影既像谁也不像谁，电影就是电影，因为电影是吸取、包容了文学、戏剧、音乐、舞蹈、绘画、雕塑、摄影……多种艺术的因素、集它们于一身的综合艺术。

电影中包容了文学的因素，因为它从文学中吸取了一整套反映客观世界和现实关系的方法，从文学的各种体裁中广泛吸取营养，如从诗中汲取抒情性，从散文中汲取纪实性，从小说中汲取叙事性。在叙事手法上又借鉴了文学中的主观叙述和客观叙述，外部描绘和内心剖析以及多种形式的结构原则等。总之，无论从人物塑造、情节结构的安排、细节的描写、叙事的3方式，电影都借鉴了文学的经验而具有文学的因素。电影中存在的戏剧因素，表现在演员表演、场面调度、矛盾冲突和悬念等一系列艺术方法和手段的运用。电影中的音乐因素，表现在通过旋律配合画面，以营造环境氛围、渲染情感和节奏变化。至于电影中的绘画、雕塑、摄影等因素，不仅表现在造型性和视觉再现性上，对构图、色彩和光影的处理上，借鉴了这些艺术的经验，而且电影中的许多专用术语如画面、色调、影调、镜头、焦距等等，也都是从这些艺术中借用过来的。

电影从文学中吸取了一整套反映客观世界和现实关系的方法，从人物塑造、情节结构的安排、细节的描写到叙事形式等各个方面都借鉴了文学的经验、方法和技巧，因而具有文学的因素。但文学进入电影’，由于受电影的制约，经过消化、融合，已发生了质的变化，而非电影加文学。电影中的文学因素和作为语言的艺术的文学有质的区别。因为尽管电影广泛借鉴文学塑造艺术形象的经验、方法和技巧，但文学是通过语言文学这一唯一的媒介塑造文学形象，而电影则是通过画面和音响以及电影所独具的特殊表现手段——蒙太奇来塑造银幕形象。作家用语言来写故事、写人、写人的灵魂。文学形象是通过抽象的语言符号给读者以联想，银幕形象则是通过可见的画面和可闻的声音具体地直接地诉诸观众的视听感官。可见电影中的文学因素决不是电影加文学。

电影从绘画中吸取营养，包括构图、光影、色彩、线条的运用和处理，具有绘画的因素，但绘画进入电影并非电影加绘画，电影中的绘画因素受电影制约，与绘画艺术有质的区别。绘画再现生活的手段是线条和色彩，电影的手段是画面，并且有声音与之相配合。绘画中的造型形象只能是化动为静，静中4见动，不能表现对象的连续运动，银幕中的造型形象则始终是不断变化着的连续运动的造型形象。

电影从戏剧吸取营养包容了戏剧艺术的因素，但戏剧进入电影，因受电影的制约被消化融汇也产生了质的变化，并非电影加戏剧。电影的时空观念和处理同戏剧的时空观念和处理有着质的区别。舞台空间是固定的，银幕空间是不断变化的。舞台时间是现实的物理时间，银幕时间则可以自由延长、压缩、停滞的非物理时间。因此戏剧的时空表现受到限制，而银幕的时空表现则有很大自由。不仅如此，戏剧表演和电影表演也存在着质的区别。表演者的表演和欣赏者的欣赏共时共地，同时完成，这是戏剧表演的特点；而电影表演则是另外一种情形：表演者在场表演，欣赏者缺席；欣赏者在场欣赏，表演者缺席，表演者的表演和欣赏者的欣赏不可能共时共地，也不是同时完成。因此，这就决定了戏剧表演和电影表演各有自身的特殊规律而非一致。

其他各门艺术进入电影，同样要产生质的变化，凡此种种，说明电影吸取了多种艺术门类，并不是各门艺术简单地相加拼凑在一起，而是经过了化合的有机的综合整体。电影吸取了多种艺术门类而形成综合性的审美特性，就其实质来说，乃是时间艺术和空间艺术的有机综合。正因为如此，作为时间艺术与空间艺术相结合的新型艺术——电影，它克服了传统的纯时间艺术难以充分表现空间和传统的纯空间艺术难以表现时间的局限与不足，既可以充分表现时间又可以充分表现空间，因而具有巨大的表现潜力和艺术可能性。由此也不难看出，包容了多种艺术门类的电影的综合性实质，还在于它是视觉艺术和听觉艺术的综合，它克服了纯视觉艺术难以满足人们对听觉形5象的审美需求和纯听觉艺术难以满足人们对视觉形象的审美需求的局限，而具有可以融合视听两者之长的优势，成为一门最富群众性的艺术形式。

电影的诞生

电影的诞生是科学技术发展到一定阶段之后的产物，它涉及到物理学中的光学、电学、化学、生理和心理学以及机械制造和摄影技术，当这些技术发展到相当水平后才促使电影的出现，并随着这些学科及技术的发展而发展。

首先是视觉暂留原理的发现和确立为电影的产生提供了必要的条件。什么是视觉暂留原理呢？少年朋友幼小时候可能见过并玩过一种叫做幻盘的玩具。在一张圆形的硬纸板上，一面画着一只小鸟，另一面画着一个鸟笼。当你拉紧系在纸板两端的绳子，让纸板快速旋转时，好像小鸟关在笼子里了。如在黑暗中点燃一支香，用手持香作圆圈快速挥动，我们就会看到一个人圈。这些就是视觉暂留现象。这时因为反映在我们视网膜上的视象不会立即消失，人所看到的视象有视网膜上具有滞留性的特点。科学家试验并确证，视像在眼前消失之后，仍然能够在视网膜上保留0．l秒左右的时间。今天的电影，胶片上每画格中的影像都是静止不动的呆照。但是，通过给我们以连续运动的幻觉，这就是运用视觉暂留原理而产生的效应。

其次，电影的发明是在摄影的物质条件和技术条件不断完善的基础上才得以实现的。实际上意味着快速摄影，而普通摄影的拍摄对象，一般只能是静物或人物呆照，不能拍摄和表现出连续运动中的人和物。据说19世纪50年代，有位摄影师想6表现一个人放下手臂的动作，他采用的办法是：首先拍摄这个人举起手的姿势，然后把未曝光的胶片重新装进照相机，再来拍摄这个人的手稍微放下一点的姿势，如此这般逐次地拍摄，一直拍摄到这个人把手完全放下为止。拍摄一个简单的动作竟如此困难和烦琐，如要拍摄快速复杂的连续运动，自然更加无能为力了。如：1872年美国有位富商和人打赌，他认为马在奔跑时，它的4只蹄会同时离地腾空。为证明自己的判断是正确的，他不惜以重金聘请一位摄影师来拍摄马在奔跑时的实况。摄影师在跑道上安置了40多架照相机进行连续拍摄的试验，花了几年的工夫，直到1880年才完成这项实验，虽获得成功，但他所拍下的片子只能放映一两秒钟。可见一般的摄影技术是不可能适应电影摄影的需要的。1888年法国生理学家马莱经过多年探索，终于制成了活动底片连续摄影机，才首次为电影摄影奠定了初步基础。

还有，适应电影摄影需要的胶片，必须依靠化学工业及其技术才能生产，而胶片必须通过放映机平稳、均衡的速度把光影投射到银幕上也并非易事，它有赖于机械工业为制作放映机提供先进的技术条件。1894的爱迪生发明了“电影视镜”，每次可放映半分钟，但每次放映只能供一人观看，卢米埃尔从缝纫机的运作工艺得到启发，在前人探索试验制造放映机的基础上获得较大突破，发明了胶片以每秒16画格的均衡速度通过放映机片门的放映技术，遂使影象清晰稳定地投射到银幕上供大家观赏，终于迎来了电影的诞生。

1895年12月28日——人类文化发展史上一个不平凡的具有特殊意义的日子。这一天，法国里昂的企业家、摄影师路易·卢米埃尔兄弟，在巴黎卡普辛路14号大咖啡馆的印度沙龙7内，向社会正式公映了自己制作的几部“活动照相”，如《火车到站》、《工厂大门》、《婴儿喝汤）、《水浇园丁》等世界最早的影片。世界影坛和电影史学家们公认，它标志着电影发明阶段的结束和电影时代的正式开始。伟大的电影先驱者卢米埃尔，为世界电影史谱写了光辉的第一页。

电影的发展及流派

1．电影的发展

法国电影理论家马尔丹说，电影成为艺术，是从导演们想到挪动摄影机那一天开始的。卢米埃尔作为伟大的电影先驱者，揭开了电影史的第1页。但卢米埃尔的电影，都是固定视点拍摄，摄影机与被摄对象的距离、角度等关系不变，自始至终是一个全景，一分钟一部电影，一部电影只有一个镜头。法国的电影先驱者梅里爱，把戏剧引入电影，并创造了停机再拍、叠印、多次曝光等拍摄手段，使电影获得生机和振兴。但梅里爱的全景内容是舞台上的科幻、神话、魔术等不同表演，形式仍然是复制的戏剧节目被人称为“前排观众眼里的戏剧”。因此它们还不是真正的电影艺术。

被誉为美国电影之父的电影艺术家大卫·格里菲斯，对电影的发展作出了不可磨灭的历史贡献。他的伟大功绩在于改变了卢米埃尔复制现实和梅里爱复制舞台、以场景为构成影片的基本单位的作法，而采用不同距离、不同角度和不同方位来拍摄所要表现的拍摄对象，以镜头构成影片的基本单位。他摄制的影片《一个国家的诞生》（1915）和《党同伐异》（1916），不仅标志着当时美国电影的最高水平，同时也是世界电影史上8的经典名作。

摄影机挪动的标志是电影迈出历史性的一步，它终于突破了活动照相和复制戏剧的局限，真正成为一门独立的艺术。

电影发展史上发生的两次重大的技术革命，使电影艺术跨入了成熟的阶段。

本世纪20年代末30年代初发生的由无声电影发展到有声电影的技术革命，是电影发展史上第1次重大的技术革命。

电影自诞生以来的数十年里，一直是只有供人观看的画面而无声音的默片——无声电影，因而被人们称之为“伟大的哑巴”。直到20年代末，由于电子工业的发展，声频真空管和光电管的发明以及录音还音设备和技术的逐步完善，这一系列技术成果的取得，才为电影的首次重大技术革命——由无声电影发展到有声电影奠定了技术基础，为使“伟大的哑巴”开口获得了良方。1926～1927年间，美国的华纳兄弟电影公司率先推出了能说话会唱歌的有声影片《爵士歌王》、《唐璜》等。1930年以后，制片商竞相仿效，有声电影开始风靡于世。有声电影的问世，使电影获得了声音，电影已不再是纯视觉艺术，而是视觉艺术与听觉艺术相结合的艺术。它更好地满足了电影观众的审美需求。

电影史上第2次重大的技术革命，是30年代中期彩色电影的问世。

电影自诞生以来的数十年间，还存在着另一严重缺陷，这就是它没有色彩，一直是黑白片。电影家们为消除电影患有“色盲”症的缺陷，开始了不断的探索、试验以寻求良方。如有的电影家曾试用人工着色的办法，在胶片的画格上逐一涂色，以克服银幕上只有黑白世界而无真实的色彩世界的缺陷。9但是，面对多彩的客观世界，这种人工着色的办法，是难以在银幕上获得满意的效果的。正因为如此，1935年由于生产具有特殊感光性能的彩色胶片的工艺得到满意的解决，美国导演马摩里安摄制的世界第一部大型彩色影片《浮华世界》（根据英国作家萨克雷的著名长篇小说《名利场》改编）在美国诞生了，40年代初以后，彩色电影开始遍及全球。

由此可见，依靠现代科技的装备，电影才从视点解放、从无声发展到有声、从黑白发展到彩色。随着当代高新科技的发展，当代电影又从普通银幕电影发展到宽银幕电影、立体声电影、环形电影、全息电影等等。随着电脑技术的发展又出现了《侏罗纪公园》、《空中大惯篮》等一些充分利用电脑来拍摄的新的电影，为电影的进一步发展开拓了一条新的思路。

2．电影的理论流派

在涉及到与电影有关的问题时，总听到蒙太奇这个名词，那么蒙太奇究竟代表什么意思呢？

蒙太奇，是法语的音译，原来是指建筑学中的构成、装配。借用到影视艺术中有组接、构成的意思，也就成了影视片中分切、组合的代名词。一堆建筑材料，没有生命、没有任何美感，到了建筑师手里，却可以把它们组合成风格不同、式样不同的各种建筑。它是电影语言中最基本的语言，如果对关系电影美学基础的蒙大奇问题不甚了了，那么，作为电影导演，是不可能拍出好影片来的；作为电影编剧，也写不出好剧本；作为影评人，难以评到点子上；同样作为电影观众，也难以看出个名堂。

前苏联著名导演库里肖夫曾做了一个实验来说明蒙太奇的效果。他从一部由当时苏联最有名望的演员莫兹尤辛主演的旧10片中，选出一张毫无表情的特写镜头；另外，又从别的影片中选出表现一只饭桌上的汤碗、一口棺材和一个孩子在玩耍的镜头，分别把莫兹尤辛的特写镜头与这3个镜头随意结起来放映，果然出现了奇迹。莫兹尤辛的脸不再是无表情了，而是呈现出饥饿、悲伤和慈爱的表情。

一般来说，电影蒙太奇的基本内涵就是镜头的分切与组合。

一部影片通常一般由数百个或千余个镜头组成。而一个镜头，是指自摄影机起动始，至摄影机停止运作止，一次连续摄录在胶片上的画面。电影艺术家根据既定的思想艺术意图，对人物、事件、动作、环境等被摄物分别拍下许多不同景别，不同角度和方位的画面镜头即分切；然后再按原定的构思方案，把这些不同镜头有机地艺术地剪辑组合在一起，使这些镜头相互间产生连贯、对比、隐喻、象征、烘托、悬念、节奏等有机联系并构成整体，组成一部表达一定思想艺术内涵并为观众所理解的影片。所以，说到底，蒙太奇就是电影艺术家用以叙述故事的一种方法，是电影语言中的重要组成部分——电影语法。

随着电影的发展，其内涵也随之不断丰富和拓展。在无声电影中，蒙太奇的分切与组合，仅限于镜头与镜头之间的外部关系。一旦电影获得了声音和色彩，蒙太奇也参予了声音和色彩的分切与组合。蒙太奇参予声音，形成了声音蒙太奇，它涉及声音与声音、声音与画面之间的关系。后者又包括声音与画面同步即声源来自画面中、声音与画面分立和声音与画面对位即声音与画面不同步，声源不在画面中等不同关系。蒙太奇参予色彩，形成色彩蒙太奇。此外，蒙太奇的分切与组合还可以11通过人物和摄影机的不同调度在一个长镜头内成，对此人们称之为内部蒙太奇。

第二次世界大战结束以后，世界的格局发生了变化，电影无论从技术方面还是从艺术方面来说，也进入了快速发展的阶段。

从艺术方面来说，许多电影艺术家已经不满足于固定传统，他们追求现代意识，刻意创新，许多新的理论、流派都纷纷出现，其中影响比较大的有：以法国为中心的先锋派，在意大利兴起的新现实主义，在日本兴起的独立制片运动，在法国兴起的长镜头理论、新浪潮主义等。

长镜头理论源自于安德烈·巴赞。安德烈·巴赞是法国的一位电影评论家，他认为，电影的最大优点是真实地反映客观世界，而传统的蒙太奇手段却是人为地把影片按照编导自己的观点和想法进行剪接，实际上是强迫观众接受编导者的思想，因此，电影就失去了它的意义。他主张，不要把时空随意割裂，从而限制观众的知觉过程。因此，他强调要把事件的全部真实过程拍下来，让观众自己欣赏、品评，这样就造成了长镜头的出现。因此，巴赞的理论也就常常被人们称为长镜头理论。其实，它还有个名称，叫做场面调度理论。巴赞的理论有它的积极意义，因为他强调让观众自己去理解、品评，“看他们自己想看的东西”。

对于蒙太奇理论和长镜头理论，虽然有些电影理论家各有偏爱，但实际上，两者都有它们的积极作用，也都有它们的不足。有人用长镜头理论否定蒙太奇，认为蒙太奇已经过时了，这样把长镜头理论反映到了绝对的地位，又走向另一个极端了。应该说，这两种理论都大大地丰富了电影语言，因而，也12就推动了电影艺术的发展。

60年代中期，在西方结构主义思潮的影响下，电影符号学在法、英、意大利等国兴起，这是世界电影理论发展史上的第三个里程碑。它以1964年法国的电影家克里斯蒂安·麦茨发表的题为《电影：语言还是言语？》的论文为开端，标志着这一新的电影理论的脱颖而出。和前两种电影理论不同，电影符号学不是电影理论的一个流派，和电影的创作实践的关系也不是很密切，它是读解影片本文对影片的分析和研究和对电影进行纯理论性研究的一种倾向和方法论。

70年代以前的电影符号学，总的来说，是以结构主义语言学为理论框架，注重结构和表述结果的静态研究。70年代以后，引入了拉康的精神分析学和西方马克思主义，并注重了表述过程的动态研究，标志着电影符号学第2阶段的开始。

中国电影发展历史

1896年8月11日电影传入中国。当时外国人在上海徐园的又一村茶楼中放映了一部表现外国人生活的影片，引起了轰动，被称为西洋影戏。从此，法国、英国、俄国、意大利人也纷纷把自己国家的影片输入中国，在酒楼茶肆中放映。

中国自己拍映的第1部影片当数1905年，由北京丰泰照相馆老板任景丰拍的《定军山》。这是一部短戏剧片，主演是当时著名的京剧演员谭鑫培，《定军山》是谭派的保留剧目。京剧是当时中国人最喜爱、最熟悉的剧种，谭鑫培又是当时最受欢迎的京剧艺术家。任景丰当时的选择用今天的观点来看，是颇有精品意识的，因此，影片大获成功。报载，放映时有13“万人空巷来观之势”。当然，由于那时还是默片时代，所以任景丰等人只拍了其中请缨、舞刀、交锋等武打或舞蹈比较多的场面。

本世纪20年代前后是中国的电影事业的萌芽时期。1917

年，中国有了第1所自己的电影企业——商务印书馆影片部。一些影片的样式，如故事片、武打片、纪录片、风光片，动画片都出现了，但基本上还是在探索阶段中。那时拍出的一些影片，如《严瑞生》、《红粉骷髅》等，无论在影片的内容上、艺术性上，都很低劣。不过那时也确有一些影片具有积极意义。如我国的第1部短故事片《难夫难妻》，在一定程度上反映了包办婚姻的不合理。1913年，由美国人出资、中国人拍摄的

《庄子试妻》成为第1部送到外国去的影片。1931年，还诞生了我国的第1部有声片《歌女红牡丹》。

30年代初，中国左翼作家联盟的成立，标志着中国左翼

文艺运动的兴起，同时也标志着左翼电影的兴起。“九·一八”和“一·二八”时日本帝国主义对中国的侵略，唤起了中国人民的觉醒。在中国共产党的领导下，进步的电影工作者拍出了许多具有积极社会意义、又有相当艺术水准的影片，如《春

蚕》、《桃李劫》、《风云儿女》、《自由神》、《神女》、《新女性》、《十字街头》、《马路天使》、《狼山蝶血记》等。孙瑜执导的《野草闲花》不仅在内容上有一定的社会意义，而且其中的

《寻兄词》开了我国电影插曲的先河。蔡楚生的《渔光曲》，在中外都产生了很大影响。这一时期，我国电影艺术家对于电影语言的运用更加纯熟了，推、拉、摇、跟、升、降的摄法，各种蒙太奇手段的运用，都达到了比较高的水平。1937年以后，我国的电影艺术工作者在抗日战争中拍摄了《塞上风云》、《八14百壮士》、《长空万里》等影片，鼓舞了中国人民的斗志。

抗日战争胜利以后，国民党统治区的进步电影工作者拍摄了《一江春水向东流》、《八千里路云和月》、《万家灯火》、《三毛流浪记》、《乌鸦与麻雀》等影片，有力地揭露了国民党反派的腐败和反革命的本质。而物质条件技术设备极差的解放区也开始建立了自己的电影企业，1946年，东北电影制片厂在现在的黑龙江省鹤岗成立，为人民电影事业的发展奠定了基础。

解放后，我国的电影事业取得了有目共睹的成就。不仅成立了许多新的电影制片厂，一些著名的优秀电影艺术家创作。拍摄了许多优秀的影片，而且涌现了许多新秀。一批影片，如《白毛女》、《钢铁战士》、《梁山伯与祝英台》、《聂耳》、《我这一辈子》等还在国际上获奖或者获得好评。十年浩劫，曾给中国的电影事业带来了极大损害。打倒“四人帮”以后，尤其是在党的十一届三中全会以后，中国电影事业进入了一个全面发展、空前繁荣的时期。许多新的题材、新的办法、新的电影艺术家大量涌现，并且取得了很大成就。以谢晋、陈凯歌、张艺谋为代表的中国导演们拍摄了一批《天云山传奇》、《黄土地》、《红高粱》等有国际声望的电影，中国的电影像中国的经济一样已稳步走向世界。

Ⅲ 《唐璜》有两个版本，一个是拜伦的诗体小说《唐璜》，那么另一部小说《唐璜》是谁的作品

世界文学史上有两部著名的《唐璜》，一是法国莫里哀的戏剧，一是英国拜伦的长诗。
唐璜，西班牙语作Don Juan，意大利语作Don Giovanni，名号响亮，如雷贯耳。何许人也？倘若这问题问到一个西方人，他定能如今日武侠迷谈起韦小宝一般滔滔江水连绵不绝，讲上它一条亚马逊河的唐璜艳遇故事。末了心里还要叹一口气：“缘何我生不逢时？”唐璜一词，相当于中国人说的“登徒子”，是好色之徒的同义词。

每个国家的传奇故事里总要有上这么个风流人物。中国的小说本子里要是少了西门庆，那大概要减色不少，不仅是《金瓶梅》出世不来，恐怕而后承其衣钵的《红楼梦》也要换副身形了；而西方文学艺术里要是少了这浪荡子唐璜，那可要急煞了一大批文学家、音乐家，这名单上赫赫有名的就得列上莫里哀、拜伦、普希金、波德莱尔、莫扎特、理查德•施特劳斯……这么些巨擘。

时代不同，人们对唐璜的传说也是众说纷纭，莫衷一是。模糊的形象反而留下了更多想象和创作的空间。

最早传说唐璜是西班牙的一个放荡贵族，他终日无所事事，所思所想无不围着女人打转。其实说来也怪他不得，早期的贵族不用劳作，不用动脑，供他花的钱自会送到手边，供他吃的佳肴、喝的美酒自会端到嘴边，百无聊赖之下总会动点歪脑筋。唐璜的那句传世名言：“男人对一个女人的忠诚就是对其他女人的残酷。”仿佛还为他自己辩护出点理来了。

到了莫里哀(Moliere)和达蓬特(Da Ponte，莫扎特歌剧《唐璜》的剧作家)（1）手里，这个浪荡子没得到什么好下场，整日生活糜烂，顽固不知悔改，最后被两个剧作家无情地打到了十八层地狱不得翻身。大诗人拜伦(Lord Byron)却对他充满同情，不仅给了他咸鱼翻身的机会，没直接把他往地府里送，还往他脸上贴了金—在拜伦的长诗《唐璜》中，他摇身一变成了善良、正义的化身，唾弃自己生存的腐朽社会而为周遭的一切所不容，那点风流嗜好不但没玷污了他，反而成了美人脸上的朱砂痣，让好些在拜伦那个年代沉迷于幻想的公子小姐们羡慕不已。等到了普希金(Pushkin)这里，这位“诗歌的太阳”不仅拜倒在拜伦笔下唐璜的靴尖前，简直是身体力行了唐璜的风流。据说在结婚不久后，普希金向妻子坦承她是他的第113位恋人，而以后还将后继有人。为了罗列出各种表达爱意的花言巧语，并显示自己的编剧才能，普希金不厌其烦地再次取材于唐璜的故事，写出了《石客》，并交由俄罗斯作曲家亚历山大•达尔戈梅日斯基创作成了歌剧。普希金的这部《石客》比起达蓬特的剧本《唐璜》谁更胜一筹，我们不得而知，但至少莫扎特让达蓬特的剧本为万世传唱，似乎还将继续传唱下去，而不论普希金对自己的编剧才能多么自信十足，《石客》这部歌剧恐怕得到音乐词典的故纸堆里才能寻见了。

•“我是一个庸俗的人，但我的音乐不是。”-莫扎特

•“在音乐史上有一个光明的时刻，所有的对立者和解了，所有的紧张都消除了，那光明的时刻便是莫扎特。”

•“在给人和平的艺术作品中，莫扎特的《唐璜》把天堂的乐音和地狱的呼啸和谐地融合在了一起。”-肖伯纳评价《唐璜》

莫扎特在古典音乐史上是被人仰视的。

这在上个世纪80年代，米洛斯.福曼(Milos Forman)就用那部撼动奥斯卡评委们的莫扎特传记电影Amadeus证实了。先把奥斯卡奖评判水平的稳定性撇开不谈，至少这一次评委们找到了最大公约数，达成一致，把荣誉搬给了这部巧妙构建的电影。而莫扎特也似乎在顷刻间又红了起来。电影好看当然得益于对历史无伤大雅的修改重现，但更打动人的则是莫扎特一曲又一曲动人的音乐。在这部电影中《唐璜》出现了五次，每一次都动人心魄，是电影情节发展的转折点。而导演和配乐师做如此处理的原因想来也应该同《唐璜》本身的戏剧性紧密联系。

那么莫扎特的这部歌剧杰作《唐璜》到底讲了个什么故事呢？这位风流恶少在剧中自然少不了欠下风流债。他抓住每个机会一亲芳泽，到底有多少女人的心碎在了他的摧花辣手下？我们可以从他的随从莱波雷诺(Leporello)的唱词中听到，这位花花公子的一大爱好就是记下每个他亲近过的女子，那本记录纸拉开来比他家的花园小径还长，他采过的鲜花一千八百朵还盈。而在最近的一次采花奇遇中他却出师不利。夜半三更戴上假面具冒充多娜安娜(Donna Anna)的未婚夫摸到了她家，没成想被多娜安娜发现，撵出了房。逃跑的路上他碰上了闻声赶来的多娜安娜的父亲，一名警卫官。在争斗中唐璜杀死了老人。第二天他却像没事人，又去勾引将要结婚的新娘瑟琳娜(Zerlina)。同时又被他曾经抛弃的老情人埃薇拉(Donna Elvira)缠上了。这下他可触了霉头，三方仇家哪个也不肯放过他，但他不仅没有愁上眉头，反而游刃有余，虱多不痒，索性玩世不恭地到墓地邀请被他杀死的警卫官的石像赴宴。这下他可招来了死神，终有报应。

石像出现在唐璜家门口的一幕至今是歌剧史上最震撼人心的瞬间，石像喊出他的名字:”Don Giovanni, Don Giovanni.”仿佛是来在地狱的声音，带走恶魔让光明重返人间。于是这部喜歌剧带上了莫扎特以往歌剧不具有的内省，毕竟通常我们所熟悉的莫扎特总是有那么点嬉皮笑脸的。

同《费加罗的婚礼》、《魔笛》一样，《唐璜》再一次展示了莫扎特歌剧的典范力量，序曲部分优美典雅，乐队演奏丰富，发挥着交响性和戏剧性的双重作用，也帮观众做好入戏的情绪准备。整部歌剧可以看作莫扎特为后继音乐家们树下的圭臬—激情与理智的完美结合。这同样也是莫扎特音乐创作的最突出特点。他不似巴赫严肃神圣，也不像贝多芬热情灼人，但他亲切活泼，典雅幽默，张弛有度。

这当然同他生活的时代有关。莫扎特生于1756年，卒于1791年。十八世纪是一个理性的时代，哲学家、科学家们向信条和权威挑战，画家们敏锐地捕捉每一个政治变化给人们带来的影响，但在音乐方面，理性的觉醒还没有那么快，洛可可风格还是有相当的地位。洛可可一词，源自法语Rocaille，指的是建筑上富于装饰的石雕，或是精美的贝雕，最早是由法国建筑师引入，意在柔化巴洛克风格中过于宏大、严峻的设计。莫扎特也在家书中坦言自己喜欢这种建筑风格，而这种华丽柔和，富有感官之美的风格也同样影响到了他的音乐创作。因此我们可以发现莫扎特的音乐配器从来都是丰富的，它们甜美，仿佛天使浑身披着的柔美光芒，明亮而不刺眼。与此同时，时代对他的影响体现在一种对前人音乐瑕疵之处的大胆改革。他继承了格鲁克(Christoph Willibald Gluck,1714-1787)对歌剧艺术简洁化的作风，清扫了花腔演唱(Coloratura，声乐上用来炫技的华丽装饰音)，加重了乐队的分量。

更进一步的是，他简化了歌剧的唱词。在这一点上他和我们的大文豪莎士比亚分道扬镳了。莫扎特曾经在家信中写道：“如果《哈姆雷特》中鬼魂的台词没有那么长，效果会好得多。”当然对莎士比亚剧本而言这样做是万万不能的，这会使《哈姆雷特》中人物形象严重缩水，但是从歌剧的角度讲这无疑是正确的。因为如果歌剧的唱词过缓，观众的耐心面临着考验，同时歌剧的表现力也将大打折扣。以《唐璜》为例，第一男主角唐璜没有大型咏叹调，至多就是一些短小的炫耀。这些都是为了情节和角色性格的需要，莫扎特用这些短小精悍的唱词把唐璜这样一个否定力量表现得淋漓尽致，可谓惜墨如金。

莫扎特从来不避讳使用一些听起来有些下流的乐器，只要这是歌剧的切实需要，而他的伟大之处就在于这些下流段子一点也没有减弱他歌剧的神圣力量，人们依然觉得它们纯洁，美丽不可方物。比如说《唐璜》中唐璜的唱段《酒已过三巡》，巴松管的音色粗俗下流，却恰到好处地描绘了唐璜精力过剩无处发泄。而这些都把唐璜推向了一个戏剧化的高潮，登得高，跌得重大概就是这个用意了。

诚然《唐璜》可算作莫扎特最具思想深度的一部歌剧，但是它给人的欣赏体验却是十分愉快的。莫扎特仿佛就是一个擅拍温情片的导演，情感拿捏得恰到好处，他不煽情，也不冷酷，施粉则太白，施朱则太赤。他顽皮可亲，仿佛很好说话。他不像亨德尔(Handel)、贝多芬(Beethoven)、瓦格纳(Wagner)那般唯我独尊，视他人为低等生物。他没有血腥的丑陋，没有沉重的劝导，他带给我们传统意义上的美感，在他的音乐中我们natural high.

这便是古典主义给我们的启示。

最后用一首中国小诗褒赞这部伟大的歌剧--人人都爱Don Giovanni.

北方有佳人

李延年

北方有佳人，绝世而独立。

一顾倾人城，再顾倾人国。

宁不知倾国与倾城，佳人难再得。

（1）达蓬特(Da Ponte),剧作家，莫扎特歌剧《女人心》（"Così fan tutte"）及《费加罗的婚礼》（"Le nozze di Figaro" 即"Marriage of Figaro")同样出自他的笔下。

Ⅳ 世界电影史上第一部有声电影是1927年上映的什么

世界电影史上第一部有声电影是1927年上映的《爵士歌王》。

《爵士歌王》描述了主人公一心想成为百老汇明星，却遭到家长的强烈反对。多年后，背井离乡、更名改姓的他终于登上了舞台，在旧金山的夜店酒吧里，他实现了自己的理想成了一名爵士歌手的故事。

该片是世界电影史上第一部有声电影，同时也是第一部歌舞片，标志着有声电影时代的来临，也是电影走向成熟期的标志。于1929年5月16日获得了首届奥斯卡金像奖特别奖以及入围最佳改编剧本奖。

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1895年电影诞生后在很长一段时间内是“伟大的哑巴”。为了弥补这个“哑巴”的缺憾，人们想了种种办法让它“说话”。

刚开始 ，电影院在放映影片的时候让配音演员站在幕后说话。这种方法采用了一段时间就被淘汰了。后来，有人又想出一个办法：在电影放映现场进行音乐伴奏。

这个办法比较受欢迎，曾风行了将近三十年，直到有声电影产 生才结束。毕竟这些办法只是弥补了观众的听觉缺憾，从根本上不能解决观众对影片音色配合期望的问题。于是，有声电影随着技术的发展和观众的需要应时而生了。

Ⅳ 美国早期有声电影 1926年，华纳兄弟影业公司拍摄了用唱片来配唱的由J.巴里摩尔主演的歌剧片《唐璜

很高兴为你解答
Early American movies
In 1926, Warner Bros. pictures shot records with singing by J. Barrymore starring song comedies "Don Juan" (A. Crosland director).
In 1927 October 6, and premiered by A. Crosland director, A. Joe starring singing, dialogue, sound of "the jazz singer", which is the world's first sound film.
In July 6, 1928 Warner also launched the "one hundred percent of the sound piece" "New York light". Since then, the sound film full push. To 1930, in addition to Chaplin continued to shoot a few silent films, the story is a piece of the story.
In the middle of the director to adapt the first sound film proction and shoot out creative film: R. Mamolian "cheers" (1929) and use the subjective shots "Jekyll and Hyde" (1932), L. miles east of "the west line has no war" (1930) and the front page news (1931), Lubitsch "Love Parade" (1929) and the Smiling Lieutenant "(1931), K. The dimension of" Hallelujah "(1930). Chaplin also shot his first sound piece of the city light (1931).
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Ⅵ 世界公认的第一部有声电影是哪一部谢谢！

《爵士歌王》

相关介绍：

《爵士歌王》该片描述了主人公一心想成为百老汇明星，却遭到家长的强烈反对。多年后，背井离乡、更名改姓的他终于登上了舞台，在旧金山的夜店酒吧里，他实现了自己的理想成了一名爵士歌手的故事。

该片是世界电影史上第一部有声电影，同时也是第一部歌舞片。

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相关背景：

《爵士歌王》标志着有声电影时代的来临，也是电影走向成熟期的标志。它于1929年5月16日获得了首届奥斯卡金像奖特别奖以及入围最佳改编剧本奖。

该片是一个发生在20年代美国纽约犹太区的故事。在奥查德大街的犹太教堂里，唱诗班的领唱人拉比诺维兹先生来到一大群孩子们中间。他被外来的流行乐曲搞得心烦意乱，可孩子们却听得津津有味，这使他更为气恼。儿杰基天生一副好嗓子，乐感又十分强，这是他未来的希望。

杰基在业余时间常到他们街区最热闹的马勒咖啡馆的露天庭院唱流行歌曲。他爸爸发现后，拼命地抽打他。倔强的杰基没有哭，他吻别泪流满面的母亲后离家出走了。

参考资料来源：网络-爵士歌王

Ⅶ 约翰尼·德普演的唐璜是哪部电影名字叫

《唐
璜
德马科》
或者叫《天生爱情狂》
他演的是一个幻想自己是唐璜的浪漫的精神病患者
很好看的=)

Ⅷ 《唐璜》简介

1、《唐璜》是由约瑟夫·高登-莱维特首次执导的一部喜剧爱情电影。影片由约瑟夫·高登-莱维特、斯嘉丽·约翰逊、朱丽安·摩尔、罗伯·布朗、格伦妮·海德利、布丽·拉尔森、托尼·丹扎等联袂出演。

当唐遇到了由斯嘉丽·约翰逊饰演的美丽女子芭芭拉·舒格曼时，二人擦出爱情的火花，而后者是一位深受好莱坞浪漫电影熏陶，怀揣公主梦、爱幻想的女孩。二人相恋却充满摩擦，唐要与性瘾作斗争改掉看情色片的习惯，芭芭拉要努力尝试让充满幻想的生活接上地气。

2、《唐璜》是1665年，法国喜剧作家莫里哀创作的五幕散文剧，揭露了贵族的腐朽堕落，横行霸道。莫里哀改造来自西班牙关于唐璜的传说，并经多次变换，将神奇性与现实性结合，既描写农民，也描写幽灵和石像，悲喜混杂。

莫里哀的《唐璜》于1665年2月15日首演巴黎皇家宫廷，用五幕戏共三十九场戏展现了丰富的情节和极为矛盾的戏剧冲突。

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角色介绍

1、唐璜（Don Jon）

“当代唐璜”，每日沉迷于色情片不能自拔，产生了很多不切实际的幻想，但他并不意志消沉，而是一直充满正能量，仍然与父母、哥们保持良好的关系。

2、芭芭拉（Barbara）

芭芭拉厮混夜店、风情万种的丰乳肥臀妹，外表拜金豪放，内里却传统的不得了，要求另一半浪漫体贴有事业心，并在见遍双方家人朋友之后才能上垒，此外还特别热衷千篇一律的无脑爱情片。

3、艾斯特（Esther）

一位试图改变这个“现代唐璜”个性的良师益友，精神上，赋予小囧戒断黄片的动力，肉体上，令他体会通体升腾的销魂感受，达成灵肉享乐的高度合一，成功搞定了“一天十一次男”。