法国在美国好莱坞电影中的象征

⑴ 西部片中包含的最根本的对立是什么对

西部片”与中国“西部电影”的比较研究
美国西部片：“也被称作牛仔片。它是以美国西部拓荒时期为主要的故事背景，反映文明与蛮荒、个人与社会、本民族与异域文化等基本矛盾的电影。”1在这些影片中，可以看得到地平线的茫荒的原野，那个具有传奇色彩的牛仔形象和那个跃马驰骋持枪格斗的激烈场面等等。影片多取材于美国西部文学和民间传说，并将文学语言的想象的幅度与电影画面的幻觉幅度结合起来。在电影中，我们看到的大多是善良的白人移民受到暴力的威胁，英勇的牛仔以及执法者除暴安良，结果几乎总是群敌尽歼。而那个牛仔大多是外省人，他见义勇为，并在做完好事之后就走掉，常常是使人感到不知道他从什么地方来，也不知道他将到什么地方去，像游荡的牧民一样。在此之中，影片还要用一定的长度去表现：牛仔的邂逅，对纯洁的姑娘或女人一见钟情等等，往往在暴力的冲突中去尽可能地表现牛仔的风度。
美国西部片有着极易辨认的图像符号，情节和人物的处理也是完全模式化、程式化的。因此，西部片是最典型的、最为观众熟悉的一个电影类型，也是最经典的电影类型之一。
早在50年代，法国著名的电影理论家巴赞就在《西部片，或典型的美国电影》一文中指出：“西部片是大抵与电影同时问世的唯一一种类型影片，近半个世纪以来经久不衰，充满活力。并且，西部片的人物形象和戏剧性程式具有长久固定的特点，它的传播地域的广泛性也更加令人惊诧，因此，西部片的奥秘不仅在于它那青春的活力，它必定包含着更深一层的奥秘，即‘永恒的奥秘’。”2直至21世纪的今天，西部片仍然没有消亡。在近一个世纪的历史中，西部片经历了它的起源、稳定和发展变化，完全吻合类型电影的近100年的形成和发展的历史。
美国西部片的历史发展脉络
美国西部片是最早体现好莱坞类型片特点的影片。观众在西部片里找到了自己梦想和嬉戏的场所，制片商在西部片里找到了便捷低廉的制作成本和巨额的利润。早在1903年，美国人埃德温.鲍特的电影《火车大劫案》就已经具备西部片的雏形。在只有14个场景的短片中，有歹徒犯罪、警察追逐、荒原小镇、最后好人战胜坏人等等这些西部片一直使用至今的元素。1923年，詹姆士拍了直接取材于美国历史并被认为是歌颂西部开拓者的史诗的电影《大篷车》。直至1939年，约翰.福特导演的《关山飞渡》问世，才奠定了西部片的基本模式和经典风格。由此，西部片进入了成熟期，开始了它的黄金时代。这也恰恰是好莱坞类型电影发展的黄金时代。
这时候的西部片大多以复仇为主要题材，并使这一题材与影片的历史主题——建设西部——相结合。男主人公为便于复仇当上了小镇的警察局长，牛仔穿上了警察的制服，东部来的乡村女教师处处与这里的不文明形成对照，善良、纯洁、文明的女性是引导、救赎男性的象征，小镇偏远封闭的环境也变的与山谷、沙漠、荒野同样重要。这时的西部片已经出现了安德列.巴赞所说的巴洛克风格：形式雕琢、风格细腻。它在形式上、内容上都有了新的意味和新的表现空间。巴赞认为这时的西部片发展到了“完美的程度”。
到了这一阶段，西部片从外部形式到剧作观念都有明显的特征，并在之后的西部片创作中逐渐固定下来，形成相对稳定的成套路化模式，构成西部片的必要元素。
在美国好莱坞类型电影的黄金时代，喜剧片、歌舞片、西部片、爱情片、强盗片等，每一种类型电影占据一块电影市场，吸引一批观众，异彩纷呈的好莱坞电影世界征服了全世界的电影观众。然而，类型片毫无节制的模仿和大量的粗制滥造，又使其陷入僵化、陈旧和烂俗的泥潭。所以到后来，一提到类型电影，人们禁不住会立刻联想到“批量生产”“俗套”“公式化”“毫无新意”等字眼。尤其是上世纪50年代欧洲艺术电影兴起后，类型电影由盛而衰，这也印证了类型电影本身具有的缺陷：在生产过程中，涉及了太多商业机制的运作，过于迎合大众通俗品位。类型片一度渐渐沉寂下来。
类型电影作为一个整体的电影史现象，它不光创造、尊崇、遵从模式，还要破除、改变、综合、更新模式。在观众熟悉并厌烦某些模式并提出质疑时，类型片也会通过反用模式、讽刺、综合新元素等方法来震撼观众固有的情感观念，造成审美上的新感受和新发现。
如1952年的西部片《正午》就已经携带了新的西部片元素。《正午》的主题摆脱了《关山飞渡》中的浪漫主义色彩，逐渐走向了现实主义。《正午》中的主人公是警长凯恩，这个人物刻画的比《关山飞渡》中的林果要深刻、复杂。一般来说，人物真相只有在压力之下作出选择时才能揭示，压力越大，揭示越深，越接近人的本性。在事件和压力面前，他怀疑甚至放弃了自己坚守的价值观和信念，他由一个积极的、进取的警长变成一个失去信心、消极的人。影片呈现给观众的是一个复杂的、深刻的、丰满的人物形象。在《正午》中，环境的象征意味，超越了环境本身的存在。因此《正午》中的环境，具有双重功能：它既是故事人物展开活动的场所，也是人类生存状态的一种隐喻。
60年代之后的西部片发生了很大的改变。首先在评价白人和印弟安人的关系，描写白人的早期拓荒历史等方面，都有了一种民主化的转变。70年代是西部片低落的年代。到了上个世纪80至90年代，西部片并没有像有些人预言那样衰落下去，而是出现了足以证明自己丰富生命力的创作热潮。1990年的《与狼共舞》获得7项奥斯卡奖，代表了传统西部片的回归和创新取得了世人的瞩目。
如果说在早期的西部片《关山飞渡》中，英雄是必不可少的，英雄是所有人的期待和向往。到了后来的《正午》，英雄的孤独和黯然失色成了时代的特征，英雄本身令人永久铭记的崇高感逐步退出了文化舞台。而到了90年代反传统的西部片《与狼共舞》时，英雄就根本不存在。“这是一个英雄缺席的现实状况，英雄的神性已经被人性所取代。”1一种新的文化体系产生于市民中间：普通人替代了英雄的地位。它从一个新的视角，对西部片进行了新的编码和重新的阐释。
作为传统西部片中必不可少元素之一——荒原，在《与狼共舞》中被赋予了一种诗意的展示。“多次出现的远景和大远景的镜头显示的不再是约翰.福特的镜头中“纪念碑谷式”的荒凉可怕，而常常是一种平和、广袤、绿草如茵，水草丰美的大自然景象。”2这里再也不是野蛮的荒芜之地，它纯洁美丽犹如天堂，对于逃离文明世界的邓巴中尉来说，这里似乎才是人类真正的家园。人们从昔日对文明的礼赞开始转向对于原始、自然乃至野性的日益向往。《与狼共舞》的这一叛逆之所以获得人们的认同和喝彩，首先在于它的紧跟时代——这是一个工业及后工业时代，文明对自然的一步步侵蚀是有目共睹的。
综上所述，在近100年的西部片发展历史中，美国西部片经历了起源、生成、发展和变化的过程。在这漫长的历史中，西部片的元素不断地在被继承和改造。从外部形式上看，西部片也吸取了其他类型电影的优势，以生成新的西部片元素，使西部片发生不断的变化，出现了超西部片、反西部片和混合西部片等，形成新的类型片。同时，各种类型片之间也充满相互改造的过程：将触角从狭窄的框架中伸出去，更多地触动观众的内心世界。新好莱坞影片最大的一个特色也许就是类型片的融合，如《失落的世界》是科幻片与惊险片的结合，《辛德勒名单》是历史片和政治片的会合，《七宗罪》是黑色电影和惊险片的融合。这种不断的融合和改造，为影片增添一种新旨趣，符合当下人的观影要求，这是类型片娱乐大众的奥秘。
中国西部电影的出现
类型片的分类与综合、创新与演化，是当前世界电影的一种趋势和出路。类型片的成功经验确实值得借鉴，但不能走极端——对于某种类型过于亦步亦趋、照搬模仿或画地为牢，这无疑会限制创作者的身手，使类型片逐步走向衰落。因此，借鉴类型片的经验，其实就是想尽各种办法，让观众对类型电影赏心悦目。类型化是好莱坞电影取得辉煌战绩的法宝之一。它的每种类型风格已经给各国电影的制作带来了全球性的参考。
目前中国的电影创作，还没有出现完整的类型片模式。上世纪30年代，中国电影受好莱坞浪漫爱情片影响，也出现了一系列才子佳人的电影，但并没有形成自己的类型模式。建国后，电影成为宣传党的政策的工具，对电影的评价也是政治标准第一。这一时期虽然出现了一些战争片、反特片等“类型”和“准类型”影片，但这种“类型电影”与西方经典电影理论中的类型电影存在相当大的距离和差别。近期中国电影都是零零星星地闪现出一些携带类型片元素的影片，几乎没有宏观的产品布局。除了惟一有中国本土特色的冯小刚的贺岁片，借鉴了喜剧类型片的元素，形成自己的风格之外，其他题材都还没形成自己的“类型模式”，就连在中国有悠久历史的武侠片也没有形成自己的类型特点。即使有些影片模仿国外类型片，但仍缺乏创意。
西部片是美国类型影片中最成功、最具有代表性的影片，但在中国，却还没有出现意义完整的西部片，有些影片只是片面的引用了若干个西部片元素。80年代以后，随着中国电影倡导类型电影，电影的创作者们开始有意识地学习、借鉴美国西部片，《双旗镇刀客》、《新龙门客栈》、《天地英雄》是这类影片的代表作。何平导演的《双旗镇刀客》给我们带来了一种比较纯正的美国西部片的感觉。
影片的主题是关于小英雄与恶势力之间的争斗。西部片通常用二元对立的方法来表现许多对立的价值观和矛盾情感。如生与死、爱与恨、善与恶、男性与女性、文明与野蛮、压制与自由，社会、家庭与个人等等。在西部片中，都可以找到这一系列二元对立的思想观念。而这一切恰恰都存在于观众的意识和潜意识里。只不过西部片将这些对立的观念通过引人入胜的故事、勇敢智慧的英雄和赏心悦目的影像来表达，并且最终的结果是好人好命，善战胜了恶，极大满足了观众的一相情愿。在《双旗镇刀客》中，作者给我们讲述了这样一个小英雄复仇的道德故事。
人物，西部片一直为我们塑造一个男性的英雄形象。根据戏剧冲突的原则，剧中其他人物形象被确立为正反两个阵营，正面人物包括主人公及其盟友，反面人物则由坏蛋和帮凶组成。“在旗帜鲜明的两大阵营中间又往往会出现一个灰色地带，那就是中间人物”。1影片《双旗镇刀客》并不列外，为我们塑造了小英雄、无恶不作的坏蛋和立场不坚定的小镇百姓。
西部片有着非常鲜明的视觉造型风格。一望无际的沙漠、荒原是不可少的。表现这些景物时，摄影的运动性和形式感得到强化：讲究地平线和人物的构图，硬焦点的粗犷风格、经常使用大广角镜头、大量出现黄色基调也是西部片摄影的常规。影片《双旗镇刀客》的环境体现了这样的风格特征，表现了一望无际的西部戈壁和沙漠，以及偏僻而封闭的小镇——双旗镇。
虽然《双旗镇刀客》从表面上看已经具备了西部片的风格，但导演何平并不以为然，他曾在自己的导演总结中说：“我选择充分利用中心事件构成悬念的同时，尽可能的刻画人物，像诗一样的展示西部的神奇与壮美，引导观众进入电影欣赏的新境界。这就是将扣人心弦的情节、充满传奇色彩的人物命运、人与大自然的诗情画意融为一体。”1看来导演把重心放在了悬念的设置上，“西部”只是它的一个视觉要素得到强调，导演更倾向于武侠片的制作，而无意于西部片的探索和试验，《双旗镇刀客》作为西部片的开山之作并没有传承下去。之后虽然也出现了一些类似的电影，但都没有达到类型片的要求。如《新龙门客栈》引用了西部片中的环境元素——荒漠之中一个封闭的客栈，所有的故事都在荒漠和客栈中发生。虽然它的故事也是复仇和追杀的过程，但它却缺乏西部片固定的模式、人物形象和价值取向，因而，它只能归到武侠片的范畴。近期的电影《天地英雄》套用了《关山飞渡》的结构——一队人马在穿越荒原时发生的故事，这个故事是关于英雄的，但观众却不会认为它属于西部片，因为它缺乏文明与自然的对抗，它缺乏个人英雄主义的人物形象，它缺乏一种有关西部的神话。
在对美国西部片探索的同时，中国出现了一种“西部电影”，“西部电影”并不是纯粹的西部片，而是一种“黄土电影”，“它以展现西北高原的风土人情为主，反映中华民族文化的历史和民族性格的特征与现实生存状态的中国西部电影。”2
20世纪80年代初，西安电影制片厂最早明确提出了拍摄中国“西部影片”的整体构想，出现了以地域文化为特色的“中国西部片”。随后，中国各大电影制片厂先后拍出了一系列西部电影，如《人生》、《牧马人》、《黄土地》、《老井》、《红高粱》、《盗马贼》、《洗澡》、《孩子王》、《秋菊打官司》、《美丽的大脚》、《惊蛰》、《可可西里》等。
这些“西部电影”并没有沿袭美国西部片的模式，比如牛仔的英雄形象、文明与原始自然的对抗，鲜明的二元对立性，善征服恶的文化现象。而是独辟蹊径，以视觉的黄土高原形象来展现中国的传统文化底蕴的魅力。在这些影片中，凸显了黄土高原、浩瀚沙漠的原始野性，体现出一种阳刚粗旷、雄浑辽阔的审美特征。更重要的是，它还刻画出生活在这里的人的历史命运及其生存价值。综观近20年中国西部电影的历史，我们发现西部电影从内容到形式也发生着变化。
在初期的西部电影《人生》、《老井》、《牧马人》中，我们看到更多的是影片对民族特色和乡土气息的西部风土人情的展示，影片对传承了几千年的传统道德和美德给予了充分肯定，如《人生》中的主人公巧珍，她善良、温柔、高尚无私、单纯朴实，她是黄土高原的一个化身，导演对这一角色的喜爱和观众对她的接受，都说明了传统道德的胜利。
后来出现了一些反思型的西部电影，如《黄土地》、《盗马贼》、《猎场扎撒》等，这些电影把对西部黄土地的文化反思提升到了一定的思想深度。《黄土地》中对生活在西部人们的落后、愚昧、封闭、保守给予了尖锐的批判，面对西部的种种艰辛，西部电影也突出了对文明、进步、幸福的强烈呼唤和对西部人觉醒的真诚期望。《黄土地》中反复出现的黄土地既代表了勤劳、智慧，又表现出落后和愚昧，具有双重的隐喻意义。作者的反省力胜过了民族优越感，《黄土地》“用文化的视角集中探索民族苦难的根源，探索民族自身的劣根性，探索历史与现实的连接点┄┄一句话，它具有一种新时代的文化反思精神，具有不同于其他作品的新视角。”1如果说，在影片《人生》中，作者是以仰视的姿态看待西部传统文化，那么在黄《土地》中，作者就是以俯视的姿态对待西部文化。
近期的中国西部电影，如《美丽的大脚》、《惊蛰》和《可可西里》，重新回到了现实主义，作者既不以仰视的姿态，也不以俯视的姿态，而是以平等的视角去描写西部的人、西部的环境和西部的精神。这种平和、对等的“文化对话”视角，这是一种新型、平等的文化姿态，是新西部电影对传统西部电影一次重要的文化及艺术的超越。2003年拍摄的《惊蛰》，以其新锐的电影艺术手法讲述了一个几近还原生活真实的故事，影片大胆使用的接近纪录电影的影像拍摄手法，使得西部电影自《秋菊打官司》以来又有了一次更为勇敢的突破，尤其影片所展现出的西部人原生态的生存境遇和心理态势已经达到了足以乱真的程度。不久之前，电影《可可西里》再一次震动影坛，它深刻挖掘了人与自然这一永恒话题，无论是其题材的特殊性还是影像表现的创新性，都给传统意义上的西部电影乃至整个国产片带来观念上的革新。可以说，初期的西部电影的乡土气息建构了西部电影之表象，反思与表现时代要求的西部电影却造就了西部电影之灵魂。
美国西部片与中国西部电影的比较研究
从美国西部片与中国西部电影的发展脉络来看，两者具有许多共同点。首先，它们都是以独特的西部地域风情为主要特征的，影片中少不了高原、荒原、沙漠、城镇和村庄，具有鲜明的地域特色。第二，中美对待西部的姿态都越来越平等化、人文化，从人对自然的征服转变到人与自然的和谐相处。在西部，自然的、人与自然的、历史的、人与社会的、人与人的题材，其丰富性是其它地区望尘莫及的。第三中国西部电影在美国西部片影响下，逐渐走上类型化电影，形成了一定的模式和统一的风格，产生了具有中国特色的类型片。
但中国的西部电影与美国西部片的不同之处也是显而易见的。我们都知道，美国的西部与中国的西部概念是不一样的，美国的西部未开发前是有待拓荒的处女地，它是原始的、荒芜的，需要人类去开发它建设它，于是美国西部片的主题是征服西部。而中国的西部，它历史悠久，是华夏文明的发祥地，是孕育中国五千年文化传统的土地，因而中国西部电影更倾情于西部的文化与风土人情。美国的西部需要英雄，需要一种关于英雄的神话，需要浪漫主义精神去建立一个新的世界，这导致了美国西部片的主人公多是西部英雄。而中国的西部是世世代代中国人的栖息地，它更关注个体的生命价值，因此中国的西部电影表现的多是普通的西部人。如果我们要给美国西部片赋予浪漫主义风格的话，中国的西部电影具有的则是一种现实主义风格。另外，美国的西部片更体现出其商业类型片的特色，运用比较低的成本，采用流水线制作方式，求得利润的最大化。中国西部电影更体现出地域文化类型片特色，讲究乡土气息、传统文化的表述。
由此可以看出，美国的最早、最成功的类型片之一——西部片在中国具有了自己的特点。一方面，电影人在努力按照美国西部片的模式制作自己的西部片，如《双旗镇刀客》、《新龙门客栈》、《天地英雄》，都是学习美国西部类型片，出现在世界电影之林中。另一方面，中国电影人也根据自己的文化特征和观众需求，打造具有自己特色的西部片——“西部电影”，期望“西部电影”通过引荐、吸纳、融会外来的艺术成果，能够探索自己的民族化表达方式，表达民族的激情，创建民族审美的艺术境界。
电影在中国是一种“舶来品”，不管是早期中国电影还是当代电影都深受外来电影的影响。相对于以美国为代表的主流电影文化来说，中国电影始终处于非中心的“民族电影”的位置。中国电影在这样的文化环境中，如何借鉴和学习，才能突出重围、谋求发展是一个重要课题。
中国要拍摄自己的类型电影，需要以世界优秀电影做参照，然而学习的角度不应是外在的而应该是内在的。我国耗资巨大的动作片《致命一击》的票房惨败，究其原因，就在于“我们只学习了表面的东西，如绑架、飙车、枪战等，而忽略了故事本身，忽略了人物性格，结果是既丢了自己的特色，人家的长处也没学到家，成了典型的‘四不像’。”1
中国电影类型化需要民族化，而不是拿出一个类型电影的空壳。民族化就是讲中华民族的故事、讲中国人的事情。类型化只是个概念问题，拍摄技巧、方法、手段可以借鉴国外的，而影片的艺术本质应该是讲述本土的故事和题材，要充分挖掘本民族深厚的文化底蕴，多制作符合现代民族心理的优秀类型影片。现在类型片中规定性的东西减少了，自创性的东西加大了比例，在类型片的整体框架下更加强调创意，这是现代类型片的发展趋势。一个新类型的电影时代，就是要强调创意的时代。最近中国成立了西部电影集团，西部电影根植于中国西部这片历史文化沃土，其深厚的人文基础是广大影视工作者和产业运营家们可以不断攫取的富饶宝藏，可成为西部影视取之不尽、用之不竭的丰厚宝库。西部电影有望形成真正的中国类型片。西部电影集团2005年将重点推出西部电影《司马迁》、《白鹿塬》，中国西部电影会成为吸引中外观众观看的巨大“看台”。
类型片经过近百年的历史，几乎与电影的历史一样久远，这充分证明了类型片是电影中的一支奇葩，但要获得长久的昌盛与成功，就必须采取发展与革新的策略，才能让类型电影在世界电影之林中如鱼得水，前景广阔。

⑵ 关于好莱坞

以下就是相关资料了：
好莱坞
美国有一个同巨大的财富和梦幻联系在一起的地方，这就是好莱坞(Hollywood)。
它位于加利福尼亚州洛杉矶市的西北部，是美国电影电视工业的中心。
好莱坞最初只是一片村庄，20世纪初，美国电影制作中心由纽约逐渐移向阳光明媚的西海岸。1913年西席·地密尔在好莱坞大规模的拍摄活动和派拉蒙公司建成 第一个名副其实的摄影棚，标志着电影城好莱坞的诞生。随后，好莱坞迅速成长为 美国和世界电影制片业的中心，它不再仅仅是一个地名，而成为美国电影工业体系的代名词。这一工业体系的发展是建立在大制片厂制和明星制基础上的。大制片厂制作为好莱坞电影独特的制作方式，其特点是：发展大而全的垄断性企业，例如米高梅、派拉蒙、华纳兄弟、20世纪福克斯等八大公司就大多是集制片、发行和放映 于一体的大型垄断企业；制片厂内部分工精细，强调集体合作，消解个人作用；实
行制片人专权制；突出演员作用，这便形成了所谓的明星制。明星制是制片厂为保证高额票房收入而创制的，对明星而言则意味着名利双收和长期被固定于某一类型的角色中。
直到40年代好莱坞一直保持着世界最大的电影梦幻基地的地位。第二次世界大战后好莱坞开始衰落，电视的兴起和反垄断法的实施导致了大制片厂制度的解体。好莱坞在衰退中，顺应时代潮流发展了电视制作。60年代末70年代初好莱坞电影业开始复兴。从80年代中期直到今天，美国电影业又以其巨额的投资和高科技手段的运用，使好莱坞重又恢了世界影业霸主的地位。
影片有；
科幻片
科幻片起源于法国，革新于德国，全盛于美国。20世纪50年代是美国科幻片的兴旺发达时期，在这一时期，科幻片的特点全面形成。
20世纪60年代至90年代初，美国科幻片进入了一个新时期，其标志是：题材广泛，贴近现实；人类与外星人的关系由紧张渐趋缓和，由对抗变成对话；特技手法跃入数控时代。1977年，《第三类接触》（斯皮尔伯格执导）和《星球大战》（乔治·卢卡斯执导）问世，形成了美国影坛“科幻三杰”的格局，把科幻片的创作再次推向波峰。
音乐片
美国电影史上的第一部音乐片是有声电影《爵士歌王》。此片一出，各大公司纷纷仿效，相继推出各自的音乐片。
西部片
西部片作为好莱坞电影特殊的类型片，具有深层的符号和象征意义：它是关于美国人开发西部的史诗般的神化，影片多取材于西部文学和民间传说，并将文学语言的想象的幅度与电影画面的幻觉幅度结合起来。
就这么多了。资料更多的自己再去找找看，不难找也挺多的。

⑶ 法国电影在世界电影史上占有怎样的地位

法国是最早发明电影的国家，其地位很不错的，有很多影史经典都是法国拍的，像天使爱美丽 、放牛班的春天、爱在黎明破晓前、爱在日落黄昏前、布拉格之恋都非常好。而且很多好莱坞导演都是从法国走出来的。
法国是世界电影的发源地，是世界艺术电影的百年老字号。法国电影是艺术，浪漫，高端的象征，在好莱坞的全球攻略背景下，法国电影已成为民族电影独立与抗争的象征，法国的电影节则成为世界艺术电影寻梦与追梦的天堂。

⑷ 在美国电影史上代表好莱坞电影的主要型别有哪些

在美国电影史上代表好莱坞电影的主要型别有哪些

好莱坞电影自诞生后不久就在国际上占据了重要的地位，时至今日已成为世界电影工业的霸主，活跃于世界的每一个角落。纵观好莱坞发展史，好莱坞电影美学风格在上世纪的六、七十年代有一次较大的变化，在此之前可以称为经典好莱坞时期，而之后则可成为新好莱坞时期。
经典好莱坞电影基本成型于上世纪十年代。当时观众的欣赏口味偏向于古典叙事风格，有声技术的运用也使电影中复杂的叙事与流畅的对话成为可能，这一切促成了经典好莱坞电影浓重的戏剧化风格。同时这种风格也符合当时的制片厂制度。由好莱坞巨鳄麦克•塞纳特创造的制片厂制度客观上要求电影必须以迎合最广大观众的审美需求为目标，而传统的被大众所熟悉的戏剧化美学观显然是最好的选择。型别电影在这样的背景下应运而生。这些被克拉考尔称为迎合观众“深层集体心理”的影片，通过程式化的情节、型别化的人物，迅速占据了观众的视野，科幻、歌舞、犯罪等形式的型别片得以在世界影院中大行其道。
西部片作为最“美国化”的型别片在经典好莱坞时期占有重要的地位。西部片颂扬、推崇那种粗犷的个人主义和适者生存的精神，体现著善必胜恶的道德理想，因而在美国影坛上长盛不衰。弗雷德•金尼曼拍摄于1952年的《正午》就在很多方面体现了西部片的特征，或者说是体现了经典好莱坞时期影片的特征。
《正午》讲述的是小镇警长凯恩即将离任，并在当天迎娶未婚妻。就在两人的婚礼进行当中，凯恩被告知被自己抓捕的恶棍已经出狱，并极有可能在一个多小时后联合另外两名枪手回镇上报仇。面对危险时刻，镇上人人自保，不肯向凯恩伸出援手。凯恩在心灰意冷中无奈迎战，并侥幸获得胜利。最后凯恩将警徽扔在地上，在小镇居民尴尬的目光中与未婚妻离开了小镇。影片的叙事极其符合经典好莱坞时期奉行的古典主义叙事，即三一律叙事。影片发生在一个较为封闭的西部小镇；时间精确地被得到控制（甚至片中时间就等同于片外观影时间）；剧情流程也是标准的开端到结局，且恰到好处。《正午》追求情节性与完整性，使用封闭式的故事结构，建立了一个令人信服的虚构的物化世界，并生动地刻划出警长凯恩这个有血有肉的硬汉形象，上述的所有元素均是经典好莱坞时期电影风格的标签。《正午》上映后获得了巨大的成功，获得次年奥斯卡最佳男演员、最佳剪辑、最佳配乐和最佳歌曲四项大奖。
然而，《正午》虽然在很多方面有着经典好莱坞的影子，但它决不算是一部地道的经典好莱坞电影。事实上这部拍摄于1952年的影片在好莱坞发展史中扮演着新旧两时期转折点的角色。《正午》中最明显异于传统好莱坞影片的莫过于对凯恩这个形象的塑造。传统西部片中的英雄形象往往代表着绝对的正义与公理，而凯恩在影片中却处在一个尴尬的境地。由于小镇居民不肯帮助这个曾经保卫他们的警长，使得凯恩的对立方不仅是恶棍，甚至还包括了小镇居民。影片对凯恩作了大量的心理描写，他开始思考自己的立场与行为，思考自己的何去何从。《正午》中塑造人物避免了过于型别化，对以往的警长形象也有了一定地颠覆，影片还放弃了西部片一贯的大团圆结局，选择了凯恩扔掉警徽离开小镇作为结束，增强了故事的客观性。
《正午》拍摄于1952年，而这恰是好莱坞黄金时期刚刚结束的时间，好莱坞随之进入了一段困顿的低潮期。直至上世纪的六、七十年代，随着西方社会后工业化、后社会化的愈演愈烈，新的社会艺术思潮氾滥。这些新思潮激荡着人们的思想，改变了人们对于艺术的欣赏取向和接受程度。电影的观众群体也发生了变化，经典好莱坞时期电影的风格已不能满足他们的观影需要了。四十年代的义大利新现实主义运动和五十年代的法国电影新浪潮冲击和影响了当时的美国影坛，加速了好莱坞电影的变化。于是以亚瑟•佩恩的《邦尼与克莱德》为代表的一批“新式”的影片应运而生，也拉开了新好莱坞时期的序幕。
1999年萨姆•门德斯的《美国美人》即是一部典型的新好莱坞电影。影片围绕42岁的美国中产阶级莱斯特和他身边人们的生活展开，其中揭露了美国社会的许多问题，是一部充斥着黑色幽默与辛辣讽刺的影片。影片塑造了莱斯特这个当代美国的边缘英雄形象。从《正午》中的警长凯恩到《美国美人》中的莱斯特，好莱坞电影中的英雄形象在半个世纪的时间中发生了巨大的变化。当然，归根结底他们都还是英雄，只是经过时间的变迁，英雄已经从捍卫美国传统价值观中的正义、善良、勇敢的保护神，变化成在畸形社会重压下的美国中产阶级家庭灰色生活中的另类叛逆者。莱斯特虽然在片中有着许多负面描写，但是他却并不是十恶不赦的坏人，影片为莱斯特的行为作了有力的解释，使人能够认同他的境遇，而他在社会压力下的所作所为一定程度上也满足了观影者潜在的反叛心理。《美国美人》中这种假贬实褒的处理是新好莱坞时期描写人物的典型手法。这些影片中的主人公不再是善恶分明的型别化人物，而是具有更加复杂的内心世界。新好莱坞注重人物的立体化与心理化，增加了影片的层次与深度。
《美国美人》淡化了戏剧化叙事，或者说是将戏剧冲突进行了分散。《正午》中一个主要矛盾贯穿始终的叙事方式在《美国美人》中嬗变为几个矛盾事件并行发展：中年危机，社会压力，毒品问题，青少年问题……影片从这些美国社会问题入手，以网状结构代替了传统的线性结构，推动着这个关于“美国的美”的故事向前发展，直达 *** 。《美国美人》代表着新好莱坞电影的叙事特点，即在继承好莱坞善于讲故事传统的基础上，将影片的故事纳入到广阔的社会背景中，为影片融入真实性与社会性，使好莱坞电影较之以前更加具有社会意义与深度。
新好莱坞电影还受到欧洲电影的深刻影响。商业电影艺术化、艺术电影商业化成为这一时期电影发展的一个趋势，许多欧洲艺术电影的处理方法被用于好莱坞电影中。《美国美人》对于镜头、色彩、光线等细节的处理精彩而独特，颇具作者电影的风采。而影片中传达出的对于社会的关注也传承了新现实主义和新浪潮的血液。
从《正午》到《美国美人》，从经典时期到新时期，电影在好莱坞这块土地上经历了半个世纪的演变，无论是故事结构还是人物形象或是观念意识，都发生了巨大的变化。经典好莱坞时期的一套手法在当代已不能满足观众的需要，而更善于适应社会时代需要的新好莱坞电影却悄然占据了观众的视线。《美国美人》在72届奥斯卡颁奖礼上获得包括最佳影片在内的多项大奖，这说明新好莱坞电影已从当年的边缘逐渐成为主流。好莱坞电影通过自身的调整完成了向后工业时代的过渡，至今仍雄踞世界电影工业金字塔的顶端，显示出其强大的生命力。
从《正午》和《美国美人》看好莱坞电影风格的变化

美国好莱坞电影的营销模式有哪些?

那些模式太多了，媒体释出吧， 一般比较多的

好莱坞电影的风格有哪些

我觉得有很多耶..歌舞,科幻,恐怖,惊悚,犯罪,商业性的啦,喜剧啊,爱情浪漫的啦,友情啊,亲情啊,战争的啊,关于人性美的啦..等

2015年会有哪些美国好莱坞电影上映？

大片呗？
速度与 *** 7
木星上行
我是传奇2
僵尸世界大战2
超人大战蝙蝠侠
终结者：创战纪
碟中谍5
侏罗纪世界
007新片（还没有中文译名）
饥饿游戏3嘲笑鸟下
以上回答满意不

暑期上映好莱坞电影有哪些？

美国队长，变形金刚3，绿灯侠，众神，哈7下，武侠

做个调查，谁是好莱坞电影史上成就最高的电影导演

詹姆斯.卡梅隆
主要作品“泰坦尼克号”
史蒂芬.斯皮尔伯格
主要作品“侏罗纪公园”“拯救大兵瑞恩”
乔治卢卡斯
主要作品“星球大战”
这三个导演被称为好莱坞三大巨头

中国有哪些电影可以与好莱坞电影媲美

好来坞影片拍摄过的中国题材的影片如下：
末代皇帝
大班
龙年
尖峰时刻1
尖峰时刻2
尖峰时刻3
卧虎藏龙
花木兰
面纱
玉战士
木乃伊3
功夫熊猫
功夫之王
碟中谍3
中国盒子
喜福会
黄石的孩子
南京大屠杀
上海正午
古墓丽影2
防弹武僧

2016上半年好莱坞电影有哪些

《奇幻森林》
《猎神：冬日之战》
《美国队长3：英雄内战》
《X战警：天启》
《忍者神龟2：破影而出》
《魔兽》
《独立日2：卷土重来》
《泰山归来：人猿大战》

好莱坞电影有哪些常见的主题

浪漫，搞笑
动作，战争
科幻，灾难
悬疑，励志
恐怖，动画
人物传记，历史事件
各种改编，社会话题
我感觉不是常见，应该涵盖了所有主题

⑸ 法国电影新浪潮与美国好莱坞的区别

法国新浪潮电影强调导演的个人风格，充满主观性与抒情性，采用实景拍摄，主张即兴创作，大多没有完整的故事情节，表现手法多变。我觉得它就是反对好莱坞电影的固定模式的。好莱坞电影处于资本主义文化产品标准化生产的体制下，以市场和观影者为导向，影片绝大多数为叙事电影，拥有完整合理的故事情节，编剧的作用非常重要，近年来多使用特技等技术手段；另外，好莱坞电影以明星为卖点的特点也是法国新浪潮电影所没有的。

⑹ 好莱坞成功背后的秘密

位于美国西海岸加利福尼亚州洛杉矶郊外的好莱坞，这是依山傍水，景色宜人的地方。以下是我整理的好莱坞成功背后的秘密，欢迎大家阅读。

世界电影百年之后，如今什么是“好莱坞”?怎样才算作商业 文化 的“成功”?好莱坞的“秘密”可以指它成功背后鲜为人知的失败，也可以指它令人信服的全球性扩张、垄断的历史，这个历史包括它庞大的文化工业体制的建立、调整与创新，尤其是它领先其他国家和民族电影的全球化策略。自从20世纪末中国进入世界贸易组织以来，“全球化”已经成为学界与媒体经常谈论的题目。这个演讲的目的之一，就是为大家提供一些新的信息，以便知己知彼，更全面地了解国际文化格局。

经济学难以解释的成功

昂贵的制作成本，尤其是明星的片酬，加上同样昂贵的影片宣传费用，与票房的实际收入往往不成比例。如果单单以票房计算，好莱坞相当部分影片的投资都应该算作失败。

好莱坞在全球的成功是有目共睹的。我们可以以20世纪90年代为例，看看这些惊人的数字。1990年，欧洲共同体国家电影票房90%的收入为美国影片占有。1992年，欧洲进口的影视产品价值达到37亿美元，而欧洲自己只出口2亿8千8百万美元的影视产品。1993年，全世界100部畅销影片中，美国片共占88部，稳稳占据垄断地位。1994年，在美国影视娱乐产品高达180亿美元的年收入中，80亿美元(44.4%)来自出口，同年，美国电影票房在海外市场的收入第一次超过本土市场。1995年，美国电影占全球票房的60%。毫无疑问，洛杉矶的影视文化(地理位置上的“好莱坞”)和以纽约市为中心的国际金融业联手，垄断了全球的娱乐产业，包括电影、电视、音乐、 广告 、卫星、网络、出版甚至体育。然而，好莱坞的成功是传统经济学难以解释的一个现象，因为美国每年生产的影片中，票房亏本的数字经常超出盈利的数字。昂贵的制作成本，尤其是明星的片酬，加上同样昂贵的影片宣传费用，这些巨额的预支与影院票房的实际收入往往不成比例，制片厂和电影院的供求关系与电影产品的定价(票价)也不可能平衡。换言之，如果单单以票房计算，好莱坞相当部分影片的投资都应该算作失败。

那么，好莱坞是如何解决票房的拮据，而最终取得举世瞩目的成功呢?对这个“秘密”当然有种种不同的解释。第一是好莱坞文化产业的规模与财力，只有大财团支撑的集团公司才能在每年几部大片亏损的情况下依靠其他影片和产品扭亏为盈;第二是好莱坞灵活的管理文化，不时创新金融系统，不断调整营销策略，使它能适应社会经济的变化。当然，还有其他一些因素可以用来解释好莱坞的成功。比如语言因素：20世纪英语逐渐成为国际通用语言，这为好莱坞从默片到有声片的过渡产生了极大的推动作用。再如文化因素：作为一个由众多民族组成的移民国家，美国多元文化的特性要求好莱坞采用相对应的文本策略，大批生产能让不同阶级、种族、文化背景的观众都喜闻乐见的影片，这样的长期实践，形成了一整套比其他国族电影更具世界性的叙事和影像模式。还有艺术因素：“经典好莱坞”风格的创立，既为观众提供令人满意的视觉消费与重复观赏的欲望，又为厂家设定有规律可循的技术生产流程。

显然，纯经济贸易或纯文化艺术角度的解释都不能完全解释好莱坞成功背后的秘密。从电影研究中的“政治经济学” 方法 来看，另一种解释来自资本与国家的共谋。也就是说，对好莱坞而言，与产业运作和观众喜好同样重要的是美国政府的支持。这一点常常被人忽略，所以我们不妨回顾一下。

好莱坞走向成功的历史

美国政府在支持好莱坞争取海外文化霸权的同时，曾经明文立法禁止类似这种“托拉斯”联营方法在美国国内的形成，国内的经济保护主义(对中、小企业而言)和国外的“文化帝国主义”形成鲜明的对照。

很多人忘记了在第一次世界大战以前，美国并非强国，而美国电影也不曾占世界优势地位。直到1914年，大部分美国上演的影片与使用的电影技术都还是进口的。法国当时每周向美国出口12部片子，每年约600部;拉丁美洲的电影市场也由法国和意大利垄断。第一次世界大战使这一状况发生根本性扭转。1915年到1916年，美国影片出口从3千6百万英尺增加到1亿5千9百万英尺，两年内增长近5倍;而美国影片进口则从一战前的1千6百万英尺下降到20年代中期的7百万英尺。一战后，美片进入亚洲和拉丁美洲，美商大量收购巴西电影发行业，控制巴西本土的电影放映，几乎摧毁巴西电影的生产。此外，美片的主要出口地还包括英国、澳洲和阿根廷。

时至20世纪30年代，美国电影产业三分之一的收入来自海外。有声片时代初期，美国的音乐类型片吸引了非英语国家的观众，好莱坞也开始尝试同步生产外语版的畅销音乐片。音乐的流行促进电影产业的“平行整合”，即电影与非电影产业之间的整合。音乐片的流行歌曲既可以授权由电台播放，又可以生产单张唱片在商店销售，电影开始尝到靠周边副产品增加盈利的甜头。20世纪20年代至30年代，经典好莱坞电影在海外极受欢迎。迷人的影星、动人的 故事 、撩人的音乐、惊人的外景地———好莱坞塑造的现代银幕形象，向全世界推销美貌、青春、财富和快乐。1939年，美国商业部估计，美国占据了全球约65%的电影制片产量。此后，历史再次垂 爱好 莱坞。第二次世界大战使欧洲电影工业元气大伤，德国和意大利的国营电影企业要么破产，要么暂停，美国影片乘虚而入。1945年-1949年，意大利进口美片2000部，平均每年400-500部，与此相类似的是抗战胜利后好莱坞电影倾销中国的情况。资本与国家的共谋在冷战初期尤其突出。好莱坞在意识形态上推广美国政府的反法西斯主义的政策，在文化上向世界出口美国的生活方式。这种共谋如此合拍，以致好莱坞的一个影片出口公司当时自称是美国的“小国务院”。与此同时，在经济政策上，美国政府也及时支持好莱坞，为其减低税收，优惠外币兑换率，订购影片，甚至充当其海外商业谈判的代表。到了60年代，好莱坞已经在英国及拉美国家占据垄断地位。值得注意的是，美国政府在支持好莱坞争取海外文化霸权的同时，曾经明文立法禁止类似这种“托拉斯”联营方法在美国国内的形成，国内的经济保护主义(对中、小企业而言)和国外的“文化帝国主义”形成鲜明的对照。

70年代初的全球石油危机和通货膨胀一度造成美片海外市场的不景气，但是好莱坞将注意力转向国内市场，及时发展黑人观众群，开发新的动作类型片。非洲市场的开发形成好莱坞另一个长期称霸的领域。如今，不但非洲市场一半以上放映美片，而且非洲生产的影片往往不能在本土放映，而只在欧美市场流通。80年代墨西哥和阿根廷两国经济萧条，货币贬值，美国政府借助强势经济援助理所当然地又让好莱坞打入这两个非英语语系的电影大国。到了80年代中期，作为传统电影大国的日本也成为好莱坞主要的海外利润来源之一。随后的历史发展仍然有利于好莱坞：原苏东国家的开放，欧洲共同体市场的建立，录像与数码技术的普及，一切似乎都为好莱坞的全球垄断大开绿灯。

好莱坞与文化帝国主义

早在20世纪30年代，美国商界就惊喜地发现，美国影片的放映常常引起对美国商品需求的增加。据当时的估计，出口1英尺美片即可以促销1美元的美国产品，出口12万个电影拷贝就等于派出12万个“美国大使”。

德国著名导演文德森承认：“美国人已经殖民了我们的下意识。”这里的殖民指的是影像的殖民，而影像的殖民提出了文化帝国主义的问题。“文化帝国主义”的概念原先指美国文化(“北方”)对拉美国家(“南方”)的影响，这一点有别于我们熟悉的“东方”与“西方”。早在20世纪30年代，美国政治与好莱坞文化的共谋就使美国商界惊喜地发现，美国影片的放映常常引起对美国商品需求的增加。据当时的估计，出口1英尺美片即可以促销1美元的美国产品，出口12万个电影拷贝就等于派出12万个“美国大使”。

历史上几个事件充分说明好莱坞影像的文化帝国主义威力。其一，早年美片出现新型缝纫机的图像，这曾使美国出产的缝纫机在海外一度脱销。其二，美片营造现代的工作条件，又曾引起巴黎工人罢工，抗议法国工厂的不良环境。其三，美国明星在一部影片中手把手地教当地男孩做汉堡包，曾诱发对地中海饮食文化即将濒临消亡的争论。其四，阿根廷观众发现一部美片中影星不穿内夹衣，又一度造成该产品在市场上的滞销。

好莱坞对美片的影像感染力早有发现，在1927年就列出“不能及不宜拍摄”的敏感内容的条款，这属于美国文化产业的自律。与自律相反，30年代好莱坞为了逼迫日本开放电影市场，就曾以大量拍摄日本黑帮片来要挟日本，电影作为“文化形象代言人”的功能不言而喻。到了全球化的今天，文化帝国主义的渗透力更是无所不在。从影像的角度说，所谓的“斯皮尔伯格现象”也可以视为好莱坞文化帝国主义的表现，因为以《侏罗纪公园》(1993)和《泰坦尼克号》(1997)为代表的好莱坞高科技、高质量的影音标准是其他国族电影在缺乏巨额投资的情况下所难以达到的。从消费的角度说，电影周边商品的发展往往使消费者忽视产品的文化来源，典型的例子是迪斯尼。从动画片和游乐园到有线电视与礼品商店，迪斯尼标榜的是全球性、重复性的消费。从迪斯尼到麦当劳再到可口可乐，今日消费者面临的是全球文化的“类同化”压力，虽然还不完全是“同一化”。

在电影界，拉美国家一度兴起“第三电影”以抵制好莱坞的影响。遗憾的是，这些在意识形态和审美概念上“反好莱坞”的作品没有商业基础，只为理论界提供文本，影响甚微。而且近年理论界的研究证明，电影观众对影视产品的接受并非一律是消极的认同，而经常是积极的协商，甚至是主动的抵抗。在大众媒体研究领域，“文化帝国主义”的课题也渐渐让位于“全球化”的理论探索。

好莱坞与全球化生产格局

好莱坞成功背后的秘密之一就是：在电影本身从胶片走向数码的所谓“电影死亡”的时代，“好莱坞”已徒有虚名，它指涉的是业主不定的多国娱乐文化产业及其资本灵活积累的全球化策略。

迪斯尼的当家艾斯纳认为，“美国的娱乐产业不是世界的美国化，而是娱乐的全球化。”这个观点强调，至少在娱乐界，“全球化”不等同于“美国化”。如果说早年的“美国化”是文化帝国主义及其侵略、扩张的一种表现，那么近年的“全球化”则是70年代后全球相连的金融和管理效应所造成的一种新的格局。资本超越国界的全球性迅速流动造成出口型的跨国、多国公司特别是服务业的兴旺，同时也造成传统工业尤其是制造业的衰落。新的国际型经济正逐步完善，高速的资本流动打破了传统的时空概念，速度和效率就意味着利润和优势。虽然在世界的格局里，“中心”与“边缘”的不平等继续存在，但是国家对经济的控制力已经大大减弱，跨国资本在国际舞台上正扮演着越来越重要的角色。

反映在影视界，平面整合与垂直整合愈演愈烈。如今几个大财团拥有全球大量的影视、娱乐产业。迪斯尼由动画片进入故事片，进而出版图书、画册，营造游乐园、旅馆、观光游轮，发展录像产品和播放平台，甚至购买美国三大媒体之一的美国广播公司(ABC)，显示出惊人的实力。电影周边产品的利润开始超过票房。1990年，美国本土的录像收入已经高于票房收入，证明观众更多地在家里甚至汽车内看电影。而票房的收入只不过是周边产品收入的十分之一，所以票房已经不再是决定一部电影成败的主要指标。到2003年，电子游戏的收入也已超过票房收入，难怪像最新的《星球大战前传3》这样的大片也要同步或迅速发行电子游戏产品。娱乐产业在全球化时代的新变化要求在考虑投资一部电影之前，不仅要关心预计的票房，而且更重要的是要关注这部电影能否产生、如何延伸有利可图的周边产品。

毫无疑问，新的好莱坞，不论是作为产业还是作为概念，早已出现;新的全球化生产格局也已经形成。新格局的特点之一是娱乐产业的多国投资与跨国产权。如今好莱坞资产的业主包括由法国、加拿大、日本(如索尼公司)、澳大利亚(如默多克集团)等国的机构。新格局的特点之二是资本的“灵活积累”，不仅限于国内，更分散在海外。著名导演约翰·福特说，如今“你无法在地理上确定好莱坞：我们根本不知道好莱坞在哪里”。当然，不知道并不意味着好莱坞不存在，而意味着它“无所不在”的全球化生产格局。中国的盗版影碟也说明了好莱坞在中国的影响;无疑，盗版已经在中国造就一批业余的好莱坞影片“专家”。回到资本的灵活积累，多国投资合拍如今成为正常运作。其实，由于美国政府一度反对国内大财团的经济垄断，好莱坞从20世纪40年代起就开始主动向海外发展。从1950年到1973年，只有60%的美片完全在美国国内生产。海外劳工低廉是早期海外策略的决定因素之一。1949年，在海外生产的美国电影仅19部，1969年则增至183部，多数在欧洲拍摄。今日的全球化格局更要求以全球预售权的经费来预支基于洛杉矶的拍摄工作。为此，好莱坞早就开始购买或合营海外的发行公司和电影院线，以达到共担投资、票房风险的目的。到了90年代，作为全球发行公司的华纳已在世界各大都市经营多厅的“华纳影城”，在中国也不例外。

类似“华纳中国”这样的子公司表明，全球化的新格局要求各个生产层面的重新分工、组合。与以往好莱坞片厂一统天下的经营不同，如今创意、投资、制作、道具、服装、音乐、宣传等程序可以在世界不同地方灵活多样地分期进行，在艺术(编剧、对话、导演、明星、音乐、歌曲)、金融(集资、预售)、法律(版权)等各方面分别处理。制片商与发行商订合同，分账预支筹款。制片商再与众多的专业中小公司(演员代理、摄影器材、特技制作)联系，产生配套流水作业。签约的投资、发行公司往往拥有连锁录像店、有线电视等娱乐平台，所以万一票房不佳，周边产品还可以保证扭亏为盈。

与过去文化帝国主义的策略不同，全球化的文化产业允许权力的不连贯性、多边性和多方向性，由此产生市场的灵活性和消费的多样性。参照美国福特汽车公司的国际市场 口号 ：“要成为多国集团，就必须在各地都成为本土的。”类似的营销概念还有如20世纪80年代在日本产生的一个新词：“土著化”;在英语世界产生的另一个词：glocal，即将“全球”(global)和“本土”(local)两词合二为一。全球与本土因此相辅相成。跨国资本需要世界各地的本土市场，本土的发展也需要跨国资本的投入。哥伦比亚(亚洲)电影公司以北美发行权为交换投资冯小刚的贺岁片《大腕》(2001)，索尼公司以同样方式加盟张艺谋的武侠片《英雄》(2002)，其中的道理就是全球资本与本土文化的互动。资本获取最佳利润的逻辑要求全球化不能、也不可能是全球的同一化，因为不同的本土市场需要不同的产品，李安的《卧虎藏龙》(1999)在欧美和中国迥然不同的票房证明了这个逻辑。

作为好莱坞传统的多元文化策略，在全球化时代又产生新的影响。颇具反讽意味的是，好莱坞文化产业的巨大成功反过来也让美国政府的部分官员担忧。90年代，某些国会议员提问：“如果德国购买了福克斯电影公司，两次世界大战的战争片又将做什么样的修改?”不单政府如此，美国电影协会也为全球性的多元化策略担心：“如果海外市场的比例不断加大，那么美国故事又将变成什么样的呢?”美国政界和文化界的这类担忧，再次说明“全球化”不等于“美国化”，而“好莱坞”也不再代表狭义上的美国“电影”，因为它同时生产电视、音乐、体育等娱乐产品;不再象征纯粹的“美国”文化，因为美国不再是它的价值核心。产业改型后的新好莱坞不再基于洛杉矶市北边如今相当破落的“好莱坞”城：全球化的好莱坞已经无所不在。从这个意义上可以说，好莱坞成功背后的秘密之一就是：在电影本身从胶片走向数码的所谓“电影死亡”的时代，“好莱坞”已徒有虚名，它指涉的是业主不定的多国娱乐文化产业及其资本灵活积累的全球化策略。

⑺ 好莱坞电影的形式与观念

形式商业片，独立制作，与各大电影财团的关系。观念，商业化，

⑻ 新好莱坞时的电影艺术特征是什么

1、体现对生命的反思。

上世纪五十年代，美国金融危机对民众造成了巨大影响，人们开始怀疑骄傲、自由的美国精神，经过越南战争对美国民众内心的洗礼，民众开始反思社会、人性、生命等问题。

此时新好莱坞电影将战争等题材的影片般上荧幕，影片中使用大量的影射、隐喻、象征，将战争的残酷表现在观众面前，引起观众的反思。

2、关注边缘人群。

在美国文化中，妇女、黑人以及瘾君子、同性恋、精神病患者都是边缘化的人群。新好莱坞电影开始关注这些边缘人群。

如女性题材的《末路狂花》讲的是主人公因失手打死一个试图强奸的男子走向逃亡的两名女性形象，影片中两位女性在逃亡中与警察展开一场惊心动魄的博弈。

电影结构

1、沿袭传统的叙事结构。好莱坞电影的叙述结构大多比较简单，电影一般由一条或者两条线索构成，这与美国文化中不被束缚的原则有关，往往复杂的叙述线索得不到较高的认可。

2、后现代的叙事方式。

新好莱坞的导演对电脑电脑特技的应用消弱了影片的叙事，新好莱坞电影大多采用多线索叙事的方式，这种叙述方式的产生让观众感觉更新颖，能够从多种角度表现事物本身，将观众带入电影情节当中

⑼ 法国印象派电影对于世界电影文化的意义和价值体现在哪些方面

？
法国印象派电影对世界电影文化的意义和价值体现在以下几个方面：
一、技术创新：法国印象派电影把艺术家的视觉创作理念融入到电影技术中，推动了电影技术的发展，开创了电影艺术的新时代。
二、艺术审美：法国印象派电影以其独特的艺术审美，把艺术家的视觉创作理念融入到电影中，使电影具有更强的艺术性和感染力。
三、文化影响：法国印象派电影以其独特的艺术审美，把艺术家的视觉创作理念融入到电影中，使电影具有更强的文化影响力，对世界电影文化产生了深远的影响。

⑽ 请问有一个电影叫"疯狂美丽都"是一部法国电影，讲的是什么事

【片名】：疯狂约会美丽都/The Triplets Of Belleville
【导演】：Sylvain Chomet
【主演】：Voices of: Jean-Claude Donda, Michel Robin, Monica Viegas, Betty Bonifassi, Marie-Lou Gauthier
【发行公司】：Sony Pictures Classics
【制作公司】：Canal +, Cofimage 12, France 3 Cinema, Gimages 3, Les Armateurs
【首映】：2003年
【片长】：78分钟
【语言】：英文
【区域】：欧美
【类型】：卡通片 喜剧片 冒险片

电影介绍:

巴黎，曾是西方世界的文化中心，当美国还是一片荒蛮的时候。它包容来自世界各地的文化形式，所有的名流艺术家们都来到那里寻找自己的归宿。法国人爱他们自己的文化，就像爱自己一样，他们就像骄傲的公鸡，总以自己的文化为荣。而二战后法国的衰退以及美国的崛起，使美国的快餐文化侵袭全球，到处都是好莱坞的电影，到处都是迪斯尼的动画。法国人像一个末落的贵族维持着自己的尊严，绝不愿像美国看齐，在法国人眼中美国就像一个暴发户，机械的制造着大量的垃圾文化。

即使在动画片上面，法国也不愿意走像美国的路子。众所周知，美国和日本是世界上最大动画片生产国，并且在世界动画电影的市场上，美国占据着主导地位，成为世界动画消费的主流力量。美国的动画，诸如迪斯尼，华纳兄弟公司出品的大部分动画片都越来越追求技术上精益求精，画面日益完美，在视觉效果上几近极致。而法国的动画却同它相反，对于画面追求简约，怀旧为主，相反更多地追求内容上的饱满，就如同这部法国动画的杰作《疯狂约会美丽都》。

怀旧是影片《疯狂约会美丽都》的一个特色，这里面有对默片和黑白电影年代的缅怀，就如影片开首以黑白粗糙画面呈现的美丽都三重唱的表演，诙谐而夸张，仿佛动画片产生最初的米老鼠动画，再如片中人物很少有对话，多以肢体语言代替了对话。在怀旧之下是一派唯美的写意画风，那几片落叶悠悠掠过，朴素小镇的动人意境油然而生，这不是精致的描图所能替代的。当然法国人肖凡并没有一味的排斥科技，他在适当的地方还是运用了CG技术，比如海面的惊涛骇浪就运用了CG技术，但这也只是起到画龙点睛之功效，并非全面的替代。因为法国人总是相信科技再发达，也是不能够代替文化和艺术，不然只能沦为工业产品。

在影片当中处处充满了嘲讽，里面有着法国人对美国文化的鄙视和不屑。比如美丽都，也就是影射中的美国纽约，自由女神手中的火炬变成了冰琪琳，书本变成了汉堡包，而女神也变得肥胖异常，几乎是物质世界的象征（说回来自由女神还是法国人送给美国人的，打概法国人觉得给美国人让她变味了）。好莱坞的单词在片中由“HOLLYWOOD”变成了“HOLLYFOOD”，法国人的幽默感在这里得以发挥，配以满街的胖子市民，暗指美国快餐文化所缔造的物质王国除了带来肥胖的身体却没有仍何文化上的贡献。而曾经红极一时的美丽都三重唱的沦落仿佛也在说明文化艺术在美国这样的物质世界中的最终下场，难以找到出路。

而影片的真正高明之处在于对亲情的描绘上面，它不象《海底总动员》那样无时无刻地表露亲情，极度渲染，唯恐天下不知。由于没有过多的语言对白，影片对亲情的表现上几乎达到了无声胜有声的境界。

片中失去双亲的男孩和奶奶生活在一起，男孩有些自闭，终日郁郁寡欢。奶奶为使他开心，给他找来一条小狗，但是短暂的喜悦后又是无尽的忧郁。在无意中奶奶发现孙子的剪贴本，发现孙子对环法自行车赛的热爱，于是便为他买回一辆自行车。从此以后开始训练起孙子，打算帮他达成理想。这其中有不少的法国人夸张的幽默在里面，比如奶奶以各自简陋的工具帮助孙子恢复体力，控制饮食，保持体重。而最为夸张的是奶奶以小只脚踏小船居然跟随带走孙子的巨轮飘洋过海来到美丽都，以一种不可能来表达出一种亲情的极至。没有钱的奶奶受到金钱至上的美丽都的排斥，最后流落街头得到已经苍老沦落的美丽都三重唱的帮助。在酒巴里她们以各种无用物件来演译着动听的音乐，似乎暗示着真正的艺术并不一定要依赖于物质，它可以凭借各种形式得以表现。四位苍老的女性最后凭借着机智从赌场中救出了充当工具的自行车手孙子，在那段追杀中法国幽默再次夸张表现，让这一过程妙趣横生。

当影片即将落幕前的画面中业已白发苍苍的孙子对着身旁的空位说了一句：“奶奶，电视节目放完。”这一幕正是在呼应影片开首时的那一幕：奶奶问身旁的孙子：“电视放完了吗？你为什么不跟奶奶说。”而孙子却闷声不响的离去。当我看完最后一幕几乎让在眼眶中转动的泪水夺眶而出，这就是法国人认为的艺术渲染力，一种不经意的流露。

在影片之中其实还有一个小小的插曲，小狗布鲁诺为什么整日冲着窗口外驰过的列车狂吠呢？是因为小狗小时候曾被玩具小火车碾过尾巴，疼痛记忆犹新啊。另一方面也是那条铁路横穿郊外，完全破坏了美丽郊外的整体风景，小狗的狂吠也是一种文明进程对自然和艺术化破坏的不满的态度。

法国人的幽默夸张而尖刻，独具超凡的想象力，用极简的的方式来打造了一个极动人的亲情故事，在极度抽象的画面下却蕴含着感动，这便是具有浓厚人文气息的法国动画。动画片的形式也并非是单一的，这里同样充满了不同的选择。