美国理论电影行为不当

『壹』 不当行为1一4集剧情

不当行为是一部电影，本片以1970年的伦敦为背景，当时世界小姐大赛是全球收视率最高的电视节目，有超过1亿观众。

新成立的妇女解放运动声称选美比赛贬低了妇女，通过入侵舞台和扰乱比赛的直播而一夜成名。不仅如此，当节目继续进行时，结果引起了轩然大波：获胜者不是广受喜爱的瑞典人，而是格林纳达小姐詹妮弗·侯斯坦——第一位获得世界小姐桂冠的黑人女性。

在短短几小时内，全世界的观众都见证了父权制从舞台上被驱逐，西方的审美理想完全颠倒过来。

由多位英国女星凯拉·奈特莉（《加勒比海盗》〉）、古古·姆巴塔-劳（《佳人蓓尔》）、杰西·巴克利（《野玫瑰》）主演的新片《不当行为》（Misbehaviour）发布新海报，聚焦1970年世界小姐大赛所发生的改变了西方世界审美的大事件。

本片由女导演菲丽帕·洛索普（《王冠》《三个女孩》）执导，于2020年3月13日在英国上映。

『贰』 《美国骗局》这部电影是不是太过低俗

二十世纪七十年代，FBI在纽约哈帕克和长岛的进行了后来名为“阿伯斯坎”（Abscam）的调查行动，原本旨在调查偷窃案的FBI却意外从案中发现了众多违法的官员腐败行为。在一系列调查之后，最终有一名参议院议员、六名众议院议员、一名新泽西州议员、一名费城市议员和一名移民局官员被定罪。该案在当时引起巨大轰动，不但是因为在美国历史上头一次有如此大量的民选官员腐败，而且也因为FBI在调查行动中对卧底探员毫无底线的使用和大量的钓鱼执法行为。迫于舆论压力，在该案司法程序完毕之后，时任的美国司法部长本杰明-希维勒提（BenjaminCiviletti）专门就此类案件发布了《美国司法部关于FBI卧底行动指南》，该指南明确规定了FBI探员在进行卧底调查行为中应当遵循的司法规则和流程。导演大卫-欧-拉塞尔根据这个故事改编而成了新片《美国骗局》，在2013年的北美电影市场的圣诞档正式上映。

『叁』 之前看过一部很恶心的美国电影，里面有很多恶心的行为比如吞口水，闻臭屁，拉屎等等的，好像叫恶搞与捣蛋

这电影叫《蠢蛋搞怪秀》
已经出了好几部了，最新的一部稍微带点剧情《蠢蛋搞怪秀：坏祖父》
以下是主流媒体对这系列电影的描述

这部从头到尾充斥着各种恶作剧的电影,是在为我们展示一种看着别人“痛苦”、自己开心的恶趣味。
——MTV

这是一次疯狂的冒险经历,观众们会记得约翰尼·诺克斯维尔。 ——娱乐在线

约翰尼·诺克斯维尔又一次带给我们一堆非常愚蠢的娱乐。 ——《娱乐周刊》

『肆』 谈谈美国的作者电影理论

1、“电影理论是一个令人沮丧的话题。中国基本上只有电影评论，从没有真正意义上的电影理论。”

2、电影评论：指普通观众对一部影片观看后的感受。

3、本体论：本体论是形而上学的一个基本分支，英语词ontology是来源于希腊语单词ον（存在）和λόγος（学问）的组合。本体论主要探讨存在的本身，即一切现实事物的基本特征。

4、方法论：A、（引用自“雅虎知识”）《方法论》(Discours de la méthode)是笛卡儿在1637年出版的著名哲学论著，对西方人的思维方式，思想观念和科学研究方
法有极大的影响，有人曾说：欧洲人在某种意义上都是笛卡儿主义者，就是指的受《方法论》的影响，而不是指笛卡儿的二元论哲学。

笛卡儿在《方法论》中指出，研究问题的方法分四个步骤：

（1）永远不接受任何我自己不清楚的真理，就是说要尽量避免鲁莽和偏见，只能是根据自己的判断非常清楚和确定，没有任何值得怀疑的地方的真理。
就是说只要没有经过自己切身体会的问题，不管有什麼权威的结论，都可以怀疑。这就是著名的「怀疑一切」理论。例如亚里士多德曾下结论说，女人比
男人少两颗牙齿。但事实并非如此。
（2）可以将要研究的复杂问题，尽量分解为多个比较简单的小问题，一个一个地分开解决。
（3）将这些小问题从简单到复杂排列，先从容易解决的问题著手。
（4）将所有问题解决后，再综合起来检验，看是否完全，是否将问题彻底解决了。

在1960年代以前，西方科学研究的方法，从机械到人体解剖的研究，基本是按照笛卡儿的方法论进行的，对西方近代科学的飞速发展，起了相当大的促进
作用。但也有其一定的缺陷，如人体功能，只是各部位机械的综合，而对其互相之间的作用则研究不透。直到阿波罗号登月工程的出现，科学家们才发
现，有的复杂问题无法分解，必须以复杂的方法来对待，因此导致系统工程的出现，《方法论》的方法才第一次被综合性的方法所取代。系统工程的出现
对许多大规模的西方传统科学起了相当大的促进作用，如环境科学，气象学，生物学，人工智慧等等。

笛卡儿在方法论中还第一次提出「我思，故我在」的名言，第一次引入笛卡儿坐标系。对牛顿和莱布尼茨发明微积分理论有很大的作用。

B、认识世界和改造世界的方法。

5、米特里：法国电影理论家，被认为是经典电影理论的集大成者。他在其名著《电影美学与心理学》一书中指出：“电影美学就归结为确定一种形式由于某种内容和某种意图的关系，怎样和为什么优于另一种形式，换句话说，它要在特定情况下为这些形式确立其心理学的依据。”

6、戈达尔：著名导演，法国电影新浪潮运动旗手。

7、塔伦蒂诺：依上下文看应该是指被称为“鬼才”的美国导演昆汀.塔伦蒂诺。

8、电影批评（film criticism）：指对一部影片从镜头、构图、剧本、摄影等方面提出专业性的意见和建议，它是电影理论的一种方式。

9、中国电影人不曾参与电影理论从经典到现代、从本体论到方法论的这一嬗变过程，

10、邵牧君先生并不喜欢所谓电影符号学、性别论、镜像理论，就好像布努埃尔不喜欢“间代性痉挛影像记号学（The Semiology Of Clonic Image）”一样。

第一章 被禁忌的电影

本章主要讲述美国、欧洲、中国的电检制度，从古到今、由外及中，对中国本土电检制度提出讨论。个人认为作者倡导用商业方法代替政冶手段对电影进行审查。

1、“......电影，这一相比起其他艺术形式来显得颇为轻浮的一种写作......”此句有值得商榷的地方，或者是我多想了，作者只是打一个比方而已。因为电影不是一种写作，电影就是电影。就像一位音乐家在谱曲，你说他在写作就不大说的过去，谱曲就是谱曲。

2、电影史上的第一个裸露镜头出现在电影《舞会结束后的洗澡》。

3、电影审查制度主要依据四个方面对电影作出分级：性、暴力和恐怖、吸毒、非常态生活展示。

4、美国的电检制度：

在1915年，美国各州和地方政府就开始成立审查委员会，删剪和禁映他们认为不好的电影。

出现这种情况这很大程度上是因为地方政府得到了联邦法律系统的认可和支持。一家电影公司的一部影片被俄亥俄州政府禁映，该公司于1918年对俄亥俄州政府提出诉讼，将州政府告上联邦法院。这个案子经过一系列的辩论之后，最后最高法院作了一个裁决，说电影作为一个娱乐产业是不受宪法第一修正案的表达自由（free speech）限制，电影放映“纯属商业行为”，不能被视为“新闻媒体的一部分或公共舆论之工具”。电影因此无权享受宪法第一修正案对“言论自由”的保护，而须接受州、市政府的预先审查。从而肯定了对于电影进行审查和引导是合法的。这是对美国电影审查制度产生至关重要影响的一个判例。

由于美国整个法律系统是一个案例法系统。其成文法非常简单，但是每一个案例都具有法律的效力。所以你第一个这么判了，第二个我也就这么判。这个判例一直到1956年关于意大利著名导演罗西里尼的一部影片进口美国受到限制的另外一个判例才基本推翻这个限制。

1922年，为了保证票房收入、“纯洁”电影画面及内容，电影审查委员会开始筹建。这一机构由威尔·海斯（长老会教友、共和党人，曾任邮政总局局长）领导。1930年，天主教教士丹尼尔.劳德公开宣称电影正在败坏人们的道德观，并起草了一部电影审查法典，这部法典很快被电影工业的巨头们接受并交由美国制片人和发行人协会（1945年更名为美国电影协会The Montion Picture Association of America，简称MPAA）主席即威尔.海斯执行，所以史称《海斯法典》（《Hays Code》）。

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1934年，海斯又成立了具有强制权力的自律机构法典执行局，即海斯委员会（the Hays Commission）。1930年至1968年间的每一部电影都受到《海斯法典》的影响，这部法典绝对伦理化，凡是和性、暴力、非常态生活相关的镜头统统封杀，生孩子？NO！裸体？NO！接吻镜头不可超过3秒钟，我想这和美国后来产生的什么接吻比赛有点关系。再举一个小小例子，当年玛丽莲.梦露在通风口的相片被无数人捧为经典：

《七年之痒》看掉了当时无数男人的眼睛，它就主动或被动的充分利用了《海斯法典》的限制。下面我们看看现行的美国电影分级制：

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书影
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海斯法典英文版
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相片
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美国电影分级制
2007-4-26 11:29 AM

『伍』 “美国的电影，也要遵守美国的宪法” || 朋友说

1915年，美国最高法院规定，电影放映“纯属商业行为”，不能被视为“新闻媒体的一部分或公共舆论之工具”，电影不能享受对“言论自由”的保护，因此必须接受州、市政府的预先审查。这为日后审查制度的确定确立了法理依据。

我们都知道，在国内，一部电影在公映之前要先经历有关部门的审查；如果审查不能通过，就不能放映。这套机制，一直令中国的电影人特别抓狂，就连影迷们也对此有颇多不满。但中国的电影审查机制真的“很过分”吗？国庆节前，中国电影集团总经理江平在复旦影视文化产业论坛上替“审片”制度“说了句公道话”。

政策其实很宽，

关键是道德良心的尺寸

江平说，近一百年来，看电影是我们生活中重要的娱乐方式，在其他传媒并没有出现的时候，电影就更显得神秘神圣，很多国家的领导人都把电影当做工具、武器。在这种情况下，就必然出现了国家对电影的政策管制和引导。“但也没有外界传说的那么多条条框框。2003年，新的电影局组成后，在政策上开始前所未有的开放，管得没有那么具体了，只要是能够表现真善美主题的电影，都可以拍。”

很多刚起步的民营电影公司经营者经常问江平，是不是这个不能拍、那个不让拍，而江平的答复却是：从政策的角度，从来就没有说过，某一类电影是坚决不允许拍的。基本上，只要你不违反宪法，都可以拍。

可是，什么东西不可以拍，没有明确的限制，这就需要电影人自己去把握。

比如，像民族题材的影片，可以拍，但你怎么拍，你怎么表现岳飞这样的“民族英雄”？就连《四郎探母》，有些京剧院中已经不唱“肖天佐摆天门两国交战，我老娘押粮草来到北番”了，而是唱“两方交战”和“来到北方”了。为什么呢？岳飞、杨家将，是我们汉族的民族英雄，但是，从少数民族的角度看，金兀术也是他们自己的民族英雄啊。中华民族是一个大家庭，你如何在影片中表现过去各民族间的纷争而不是两个国家的纷争？

此外，电影人不要老说政策，政策其实很宽松，关键是给自己心灵的政策，是否达到了真善美的高度。刚刚做这一行的人都喜欢琢磨，我怎么才能通过审查，可就算政策审查通过了，道德良心这道坎儿，你能迈得过去吗？如果我们每天拍的东西都是拜金、仇恨、阴暗、堕落，那你愿意让你自己的孩子去看吗？ 如果你愿意带着你妈和你十几岁女儿一起去电影院看你自己拍出来的电影，这就是你的良心所在。

电影是“工业品”，

不能享受对“言论自由”的保护

江平还特别强调：“任何一个国家的电影，都要守法。美国的电影也不能违反美国的宪法。”这就引出了美国的电影审查制度。

美国的电影审查，已经有相当长的历史了。

电影究竟是艺术还是工业产品？这曾是倍受争论的话题。假如是工业产品，电影就要受到质量检查，即审查；假如是艺术，那么根据美国宪法修正案第一条规定的言论自由原则，法律无权干涉电影创作。1915年，美国联邦最高法院在一份判词中指出："把言论自由的保证扩大到剧场、杂技表演或电影的主张是错误的或牵强的，因为它们都有可能被用来作恶"，电影"完完全全是一门生意"，不能被当作"出版物的一部分"或"公共舆论的喉舌"。也就是说，电影不能享受宪法对“言论自由”的保护，因此必须接受州、市政府的预先审查。

联邦法院的上述判决，实际上为美国各地方政府和教会团体组建形形色色的电影审查机构铺平了道路。既然电影不享有赋予文学、戏剧、绘画等艺术形式的同等自由，那么对电影内容实行严格审查似乎就成了天经地义的举措。

既然不想让别人来审，

那就干脆自己审

早期，制片和审查双方是对立的。但金融资本介入之后，对制片方提出了新的要求，就是不能够让投资的电影在拍完后走进市场的时候，再因为内容无法通过审查而影响投资回收。正是这种对风险的控制需求推动了美国电影制片人与发行人协会的成立，以及此协会将天主教徒从教会的角度提出的道德要求，最终演变成一个制片人与发行人的自律标准来控制拍摄者的一系列行为。

《海斯法典》充满了对制片人的原则性约束。如"应表现高尚的生活方式"，"引发对高尚的人物的崇敬"，"尊重法律和法院的公正"，“不能讲授犯罪的方法，使潜在的犯罪分子产生模仿的念头”，“不能使观众对于婚姻制度产生反感”等等。法典承认罪恶是戏剧的必要表现对象，但强调"不能把罪恶描写成有吸引力的或诱人的，而善良则是没有吸引力的"，"不能把观众的同情导向为非作歹的、犯罪的一方"，等等。法典强调，"罪行不一定非要得到惩罚，但必须让观众知道犯罪是错误的"。总之，法典要求影片明白无误地告诉观众"恶是不道德的"和"善是正当的"。

这些渐渐变成了一些在实际拍摄时可以操作的标准，成了一种制片人与发行人在不断的磨合中形成的共识。它的作用首先是防止建立政府主导的全国性电影审查制度。这期间已经有人在呼吁筹备建立了全国性的电影审查制度和机构了。从制片人的角度来讲，他们不希望有自己不能掌控的其他机构来审查，所以要建立这样一套自律机制。

协会的审查结果并不具有法律效力，"法典执行局"也没有法定权力阻止一部电影的放映，但由于无印章的影片很难保障票房利润，所以各个制片、发行公司在法典面前均俯首贴耳。

为确保万无一失，"法典执行局"还不时派员坐镇摄制现场，名义上是"为摄制组提供拍片建议"，实则是对剧本的执行情况(尤其是服装、舞蹈、对话等)进行检查和监督。可以毫不夸张地说，法典直接影响了1930年至1968年间美国制作的几乎每一部影片。历史学家特雷·拉姆塞誉之为"影业官方道德标准的大宪章"。

尽管其自身和实行的标准是有宗教背景的，但美国电影制片人与发行人协会归根到底代表的是电影产业的利益，也就是说实际操作中的目的是保证影片能够发行，能够不引起宗教或其他社会力量的反对。

所以在这种情况下，审查者其实代表着美国电影制片人与发行人协会在跟每一个具体的制片商在博弈。作为个案来讲是个人对个人。但实际上，在整个好莱坞的系统运转里面是代表了希望稳定产业发展的整体需求和具体影片的冒险性利益诉求及其产生的社会影响力之间的矛盾和博弈。

老少咸宜，

才能保证“上座率”

1966年，美国制片人协会正式宣告废除"海斯法典"，代之以沿用至今的电影分级制度。

按照目前的分级，最无禁忌的是G级，意思是“普通观众”级，这是指那些家长可以放心让孩子观看的电影。在G级之上是PG，也就是“建议家长指导”，这种影片可能包含某些对幼小儿童不太适合的内容，要由家长来决定是不是带孩子观看以及如何指导孩子。

PG之上是PG-13级。这一级是警告家长，这部影片有可能包括不适合13岁以下儿童观看的内容，比如不算严重的暴力、裸体、性感、粗话等等。只要影片有吸毒内容，至少就会定为PG-13。这个级别不是说13岁以下儿童一概不许观看，而是提醒家长要多留意。2009年风靡全球的3D大片《阿凡达》(Avatar)在美国影院的评级就是PG-13，2010年上映的3D影片《泰坦之战》(Clash of the Titans)也是PG-13。在PG-13以上是R级，也就是“限制级”。如果评级委员会认为电影里有一些成人内容，包括不断出现暴力、裸体、吸毒或粗话等等，就会把电影定成R级。这是严肃提示家长：一定要更多了解这部影片再决定是否允许孩子观看。没有家长或成年监护人的陪伴，17岁以下未成年人不得进入影院观看R级电影。评级人员还强烈建议家长不要让年龄幼小的儿童观看这类电影。2010年赢得奥斯卡最佳影片的《排弹部队》是R级。最为儿童不宜的级别是NC-17，这是“不许17岁以下未成年人观看”的意思。NC-17的评级不意味着“淫秽”或“色情”，但是影片中的暴力、性、变态或吸毒等成人内容，对未成年人来说实在“太猛”。电影院会提醒观众：您要想看这个级别的电影，就必须把孩子留在家里花钱请人照看了。

只有老少咸宜的影片才能吸引人们携家带口来电影院。为了保证上座率，许多大众影院不放映NC-17级的影片。而制片商为了防止影片级别被定高，影响票房收入，有可能会自操剪刀删剪镜头。

这种分级是由总部设在加利福尼亚州的民间组织“美国电影协会”制定的。这是一种“自愿分级”制度，虽然名为“自愿评级”，不过，身为电影协会成员的各大制片厂都会把他们的电影送给评级委员会审定。另一方面，一些外国影片或者独立制作的影片，因为事先就不指望大量发行，可能也就不费这道评级麻烦。这些“未评级”(Unrated)影片可能只在数量有限的艺术片影院放映。

与美国的电影分级制度相比，中国的电影审查制度看起来很严格，实则是存在很大的漏洞。比如前几年的商业大片《英雄》《霍元甲》《无极》在美国都被MPAA定位PG-13级，《功夫》《满城尽带黄金甲》《投名状》等都更被定位R级，《色戒》还被定在NC-17级，但在中国这些电影连低龄儿童都可以随便观看，没有任何控制。

中国看似严格的审查制度，因为审查制度追求的是“老少咸宜”，即对成年人与儿童普遍适用的内容，但在实际操作的过程中，成人的合法权利常被“保护儿童”的名义侵犯，而儿童也因审查中的“拉平效应”而接触到超过其承受力的内容，其结果是反而同时侵犯和损害了两个群体中个体的利益。

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『陆』 美国电影的电影理论

长期以来，美国只把电影看作是娱乐手段，把好莱坞当成生产故事和幻想的工厂，因此首先注意影片的商业价值。但是，70年代前后，美国电影学术研究有了很大的发展。1967年，在华盛顿和洛杉矶两地成立了美国电影研究院（AFI）。电影资料馆遍布全美，其中重要的有纽约现代艺术博物馆、罗切斯特的伊斯曼电影数据馆、华盛顿国会图书馆、伯克利太平洋电影资料馆等。8大影片公司于60年代先后解体或转产之后，影片和档案大量捐赠给上述资料馆和各大学的电影研究中心，对研究本国电影传统、保护本国电影文物起着很大作用。
60年代后期以后，美国的专业电影制作和理论教育有了发展。许多综合大学里陆续设置了电影学院、电影系或专业，著名的有南加利福尼亚大学的电影学院，加利福尼亚大学（洛杉矶）的影剧系和纽约大学的电影制作、电影理论、影剧剧作 3个系。只就电影理论学科来说，获得电影博士学位的人数由60年代中期的 200人激增至2000人。各种理论研究机构和学会的发展，各种电影学术性刊物（如《美国电影》、《电影季刊》、《广角》、《电影杂志》）的繁荣，为美国电影研究提供了条件。

『柒』 电影理论的本体论

第二次世界大战后意大利新现实主义电影的勃兴使电影理论空气为之一变。以法国的A.巴赞和美国的S.克拉考尔为代表的纪录派理论从50年代起取得了堪与蒙太奇理论相颉颃的地位。
巴赞首先是一位影评家，但他的影评文章超出了实践的性质，具有重要的理论价值。他留下的大量电影论文被编选成 4卷集《电影是什么？》。
巴赞的电影影像本体论和长镜头理论（或称场面调度理论），是他的理论体系的基础和核心。
电影本体论力求证明电影的“本体”实质，电影和存在、电影和现实的联系。持有本体论观点的重要代表人物除巴赞和克拉考尔外，还有美国的O.帕诺夫斯基和S.卡维尔等，但其中以巴赞和克拉考尔的理论体系为最完整、最有影响。
巴赞认为，电影本质上是“真实的艺术”。他在选集的序言中指出：“我们必将从照相影像开始，它是最后的综合体的基本元素，然后以此为起点，简略地提出一种关于电影语言的（哪怕算不上理论，也至少是）分析，其立论基础是假定它具有内在的真实性。”
巴赞论证说，照相术的发明使人类长期以来企图创造出一个符合现实原貌、而时间上独立自存的理想世界的愿望得到了实现。因此,从绘画过渡到照相术时,最本质的现象是心理因素，它完全满足了把人排除在外、单靠机械的复制来制造幻象的愿望；人们终于获得了一门“有了不让人介入的特权”的艺术。以照相术为基础的“电影这个概念与完整无缺地再现现实是等同的，他们首先考虑的是再现一个声音、色彩、立体感等一应俱全的外部世界的幻景。”
巴赞从意大利新现实主义电影中找到本体论理论的最好实践例证，指出艺术家真实地再现现实并不等于放弃自己的创造任务。因为传达关于人和社会的实况并不比传达主观视像更容易些：“艺术中的‘写实主义’形式向来都首先是具有深刻‘审美意义’的形式。……在艺术中，现实如同想象一样，是艺术家独有的财富，而把现实的具体内容体现在文学或电影作品之中，并不比体现想象的最离奇的梦幻更容易些。”
在电影本体论的基础上，巴赞构筑起他的长镜头理论大厦。这一理论的两个中心论点是：①反对蒙太奇至上论。②强调现实的多义性。
巴赞激烈地反对爱森斯坦等人的蒙太奇理论。他指出,电影从蒙太奇开始才成为一门艺术的名言,曾暂时起过积极作用，但它的效能已经发挥殆尽。蒙太奇是文学性的和最反电影的手段。电影的特性就其纯粹状态而言，相反地正在于摄影上严格遵守空间的统一性。但是他并不绝对反对使用蒙太奇，而认为蒙太奇在电影中只是在这样的情况下才是必要的：创造必要的不真实性。这是因为电影的一部分功能是使观众享受幻想的乐趣，如果太真实，就完全排除了幻觉。因此，他觉得可以提出下述原则作为美学的规律：在必须同时表现动作中两个或若干因素才能阐明一个事件的实质的情况下，运用蒙太奇是不能容许的；一旦动作的意义不再取决于形体上的接近，运用蒙太奇的权利便告恢复。巴赞的蒙太奇界限论是以现实的多义性为依据的。他指出，现实是多义的，而蒙太奇从根本上反对多义性，这是由它的本性决定的。
巴赞强调现实的多义性是为了要求影片创作者通过选择来突出事件的含义。他认为，电影叙事单元不是镜头，而是事件，这是具体现实的片断，而现实本身是多面的、多义的，一个事件的确切含义是在悟出它与另一些事件之间的联系后才能逆推出来。他还认为，虽然电影确实大抵只能从外部把握它的对象，但是它有千百种手段去处理客体的表象,能清除所有模糊的含义,使事物表象成为反映一种单一的内心现实的符号；银幕形像存在的前提是情感与情感的外部表现之间具有必要的、明确的因果关系。
巴赞认为，从多义的现实事物中“悟出”其“确切的含义”的人，应当是观众。而要做到这一点，观众在看电影时就必须对画面的内容有选择的权利。只有不被剪断的景深镜头才能给予观众这一权利。巴赞以O.威尔斯的影片为例，指出，这位导演在《公民凯恩》里用景深镜头来刺激观众，这种技巧迫使观众去使用他们自由的注意力，同时也使他们觉察到事实的多重矛盾，这就使其景深镜头具有三重的真实，即本体论的真实、戏剧的真实和心理的真实。他称赞《安倍逊大族》，认为其镜头段落绝不是仅仅消极地拍下同一场景中的动作，它拒绝分割事件，拒绝按空间分解剧情发生的地点，这是一种积极的手法，其效果比经典的分镜头可能产生的效果更要好得多。
S.克拉考尔是另一位原为德籍的美国电影学者。他采纳了巴赞的理论前提，根据自己40多年的“观影经验”，写出了《电影的本性》(1960)，把纪录派理论发挥到了极至。
克拉考尔说，他的电影理论是一种“实体的美学”，而不是形式的美学。他关心的是内容。他的立论基础是：“电影按其本性来说是照相的一次外延，因而也跟照相手段一样，跟我们的周围世界有一种显而易见的近亲性。当影片纪录和揭示物质现实时，它才成为名副其实的影片。”
和巴赞一样，克拉考尔也抛开了传统的艺术观念来看待电影，但比巴赞走得更远。他断言说，传统艺术观念“并不、也不能适用于真正‘电影化’的影片”，因为传统的艺术是“从上层到基础”，即从思想意图出发来消化物质现实材料，而唯独电影是“从基础到上层”，即从对物质现实的如实反映开始，最后走向某个问题或信念。因此，“如果电影是一门艺术，那么它便是一门不同于寻常的艺术”，“是唯一能保持其素材的完整性的艺术。”
克拉考尔的理论目的是通过对各类电影的审查，找出一条最符合电影本性的发展电影的路线为此,他详尽地分析了电影的材料与方法，摒斥了一切“非电影化”的形式和内容。树立起他的“电影化的”标准，最后在人类活动的总的背景上论证了电影的规律和可能性。
克拉考尔用“物质现实的复原”来概括他的“电影化”的概念。为了达到“复原”的目的，他只允许电影发挥“纪录”和“揭示”两种功能，而排斥一切经过艺术家设计的、有明确思想意图的、在故事结构上有头有尾的影片。即使是纯视听形式的实验影片也在受排斥之列，因为在他看来，这种影片固然倾向于避免讲述故事，但它们在这样做时却很少考虑电影手段的近亲性，忽视摄影机面前的现实；它们废除了故事的原则，只是为了树立艺术的原则，在这次“革命”中也许艺术得到了好处。电影则一无所得。
在克拉考尔看来，最“电影化”的形式和内容是“找到的故事和插曲”。所谓“找到的故事”有3个特征:①它是被发现的，而不是被构想出来的；②它是自然素材的一个重要的潜在元素，很少有可能发展成一个独立自在的整体；③它能再现出我们周围世界中一些典型的偶然事件，使其通过摄影机的揭示而从生活流中实现出来，继而又消失在生活流中。
克拉考尔深深意识到，他给电影规定的严格的价值标准必然会遭到反驳，因为他对一切“非电影化”的题材的排斥，除了依靠他自己对电影的独特信念和热情外，无法在电影理论范围内找到任何根据。于是他便转而在人类思想和活动的变迁这一更为广阔的背景中论证他的电影功能论。克拉考尔认为，看电影的意义在于使现代人有可能经验物质现实，把注意力从内心世界转移到生活的外部现象上来。现代人非常需要这个“转移”，因为他们患了“思想空虚症”和“认识抽象症”。他认为，人的内心世界和外部现实之间的关系在过去3或4个世纪中已经发生了深刻的变化。其中有两个变化是特别值得注意的，一是共同的信仰渐失人心，一是科学的威信稳定上升。由于现代人不再有共同的信仰，他们对理性的作用发生了怀疑，趋向于反理性主义；另一方面，科学的发达导致人们“把现实现象数学化”，把事物的具体的物质内容化为抽象的认识。这两者最后使观代人成为对观实漠不关心的“孤独的人群”。唯有电影才有可能帮助人们“通过摄影机来经验这个世界”，使它从冬眠状态中、从虚假的不存在状态中彻底恢复活力。
J．米特里 在对电影进行整体性研究的最新一位代表人物是法国的电影教授 J．米特里。他的两卷本著作《电影的美学和心理学》出版于1963年。其中广泛地论述了50年来电影理论所涉及的一切问题，评述了多种不同的论点，有明显的综合性质。根据法国电影研究家C.麦茨的概括，米特里在他的著作中主要论述了10大问题：①现代电影；②主观镜头；③电影中的有声语言；④电影音乐；⑤电影中的彩色；⑥纯“视听”影片；⑦电影对戏剧程式的逐渐摈弃；⑧电影与戏剧；⑨电影与小说；⑩隐喻、象征、语言。
米特里的综合性理论的一个重要目的在于对以爱森斯坦为代表的蒙太奇理论和以巴赞为代表的本体论理论进行批判性的调和。他对影片作了历史性分类，即“蒙太奇”影片和“时空连续拍摄”影片，认为这是电影表现手段的两大形态，但不是水火难容的。指出这两种美学的对立只是强调了在电影手法上存在着两种形式的差别。一种形式在电影中相当于诗的语言，另一种形式相当于小说的语言。显然，两者遵循的原则是不同的。不论小说家要说什么，总是躲在主人公身后，隐藏在表面的真实性之后，他的一切努力就是旨在创造或再创造这种真实性。诗人则不然，他直接表达思想，他和事实一起，而不只是通过事实来说话。米特里更倾向于蒙太奇理论。他说：“我们首先要反对一种倾向，这种倾向为了捕捉住‘真正’的现实，想把电影变成一种纯粹纪实的手段,一种纪录行为的机器。在一定程度上,电影是纪实的,但幸而它并不完全如此,因为它存在的条件绝对不让它这样。当电影纯粹纪实时，它必然损害艺术。”他批评巴赞在反对蒙太奇理论时“似乎总是选择坏影片中一些表现手法加以攻击和贬斥”，“这种做法导致他把表现方法的应用不当归罪??需的。但他反对“把蒙太奇效果视为电影表现形式的核心。”“把它视为一般美学的基础，而不是仅仅把它当作表达个人风格的手段”。他指责了爱森斯坦早期著作中的“杂耍蒙太奇”理论，强烈反对把蒙太奇手法同语言进行类比。他认为电影中的每一个抽象意义都必须植根于我们的真实感觉，想要利用蒙太奇来担负语言的工作以传达抽象的概念，那是对电影媒介的误用。为此，他详细列出了各种不同的蒙太奇，指出哪些是合适的，哪些是有违于电影的本质的。
电影理论中的结构主义－符号学电影理论的最新发展形态是结构主义－符号学的电影研究。这种研究方法的代表人物克里斯兴?麦茨认为,在米特里之后,电影理论应当进入“第二时期”，从全面的、概括性的研究转入精确的、科学性的局部的研究，即建立结构主义－符号学电影理论。
在电影研究中把结构主义和符号学相提并论，一是因为，一些结构主义者，如麦茨、 P.沃伦、 B.尼柯斯、U.艾柯和克莉思托娃等，本人就是符号学家，他们的工作主要就是对电影作符号式的分析；二是因为一般性的符号学研究中往往掺杂一些结构主义哲学的因素。
结构主义-符号学电影理论主要有两个方面,一是对电影作一般的理论研究,力图给电影建立科学的基础;二是运用这个科学对具体影片进行结构主义式的“读解”分析。麦茨的著作《论电影中意义的显现》(卷1,1968；卷2,1972)和《语言和电影》(1971)等是最有代表性的。
麦茨把电影研究分为两种,一是广义的电影研究,这包括电影和其他活动之间的关系、可能产生的所有问题，如技术、工业组织、电影检查、观众反应、明星崇拜等。广义的电影是社会学、经济学、社会心理学、精神分析学、物理、化学的研究对象。二是狭义的电影研究，仅指电影本身，不涉及影片制作的复杂程序和电影引起的种种现象。结构主义－符号学电影理论即只限于对电影动力的内在研究,是一种“寻求意义的科学”,即研究电影如何将其内含的意义传达给观众，并为这种传达制定一个清楚的模式，找出构成电影经验的规律。
麦茨认为，电影的核心是“意义的显现”，即“经由符号系统来理解影片所传达的信息的人为过程”。电影的“意义的显现”的特性决定于电影的独特的“表现材料”。它既非现实本身，也非蒙太奇，而是“ 5个材料频道”：①多样的活动摄影影像；②我们在银幕之外看到的一切文字资料;③录下的语言；④录下的音乐;⑤录下的噪音和音响效果。电影结构主义－符号学的任务就是分析这些“材料频道”的“混合的意义”。
麦茨反对把电影说成一种语言，他否认电影有任何“文法”可言，但他赞成用语言学的原理来研究电影，并采用了一系列语言学的术语，如“符码”、“信息”、“系统”、“符体”、“并列组合”等，其中最关键的术语是“符码”,它是符号学的主要研究手段所谓“符码”并不存在于电影中，它是信息据以传达的逻辑关系，是符号学者研究了一系列影片后将影片中起作用的规则加以归纳整理编造而成的。所以“符码”是“表现材料”发生意义、发出信息的逻辑形式。符号学就是根据编出的“符码”（表演、灯光、走位、摄影机运动）还原影片中的信息的。
麦茨认为“符码”有 3个基本特性：一是“独特程度”,如“平行蒙太奇”是电影的独特“符码”,为其他艺术所不可能有。二是“不同的普遍性层次”，如全景镜头属最普遍层次，但西部片中的牛仔裤、西部景物属特殊层次。三是“会下降为次符码”。“次符码”是对“符码”的一种用法。在不同时期的不同影片里，“独特符码”和“普遍符码”都会有不同的用法。根据这一解释,电影结构主义-符号学作为一般性理论研究就要分析每个“符码”的“独特程度”、“普遍程度”和“符码”间的相互作用；当用于对具体影片的“读解”分析时，则要指出无数“符码”在作品中系统地安排和交结的情况。因此,麦茨说:“电影是所有符码加上其次符码的总和”，这个“总和”能从电影的“表现材料”中制造出“意义的显现”，电影理论就是赞成某些“符码”而反对其他“符码”的“检查制度”。而电影史就是由过去采用过的“次符码”组成的。

『捌』 最近，" 偷票房 " 又成为电影圈的热门话题，真的存在这种乱象吗

" 偷票房 " 又成为电影圈的热门话题，这种乱象确实是存在的，只不过手法都比较隐秘，所以很少被拿到公共场所探讨。此次《明日战记》被偷票房这件事情又将这种乱象带到了大家的眼前，网友们都表示这种偷票房的行为确实是非常可恶的。所谓的偷票房有着各种各样的方法，其中一种就是买了一张电影票，拿到票的时候却发现电影票上写了另一个电影的名字。

这种现象如果没有被曝光的话就成了顺理成章的偷票房行为，所以只有将其曝光出来才能让众人看到电影市场中所存在的问题。大家之所以选择去看一部电影，肯定也是想要用自己的方式给这个作品一定的支持。如果因为电影院的操作导致自己的支持转移到了另一个电影之上的话，可能自己也会觉得非常的膈应，所以大家在看电影的时候一定要注意这些细节。