动作电影剪辑教学

『壹』 13种剪辑手法及技巧是什么

1、动作顺接（CUTTING ON ACTIONG）：

镜头在角色运动时切换，剪切点不一定要在拳脚之际，甚至可以简单到就在人物转身的时候。

2、离切(CUT AWAY)：

就是画面先切到 插入镜头，接着切回主镜头。插入镜头 可以是和人物处在同一空间离切也可以让你表现角色的内心。

3、交叉剪辑（CROSS CUT）：

就是在两个场景中来回切换，多数电话通话场景都会用到交叉剪辑，用得好的话会增重紧张感和悬疑感。这个手法也能体现角色的内心景象。

4、跳切（JUMP CUT）：

就是对同一镜头进行剪接，通常都用来表现时间的流逝。跳切也加重镜头的急迫感。

5、匹配剪辑（MATCH CUT）：

匹配剪辑总是被错当成跳切，但两者是不一样的，匹配剪辑连接的两个镜头通常动作一致，或者构图一致。匹配剪辑通常用在场景切换上，因为画面总是从一处跳到另一处，所以才会造成误解。匹配剪辑不一定要落在视觉上，也有以对白为基础的匹配剪辑。

转场

6、淡入淡出（FADE IN / FADE OUT）

这个手法我们看过无数遍，就是镜头模糊进入全黑画面中，或者从其中淡出。

7、叠化（DISSOLVE）

就是把一个镜头叠加到另一个上，这个手法在蒙太奇中也经常用到，同样也可以表现时间流逝，你可以对同一镜头进行叠化。

8、跳跃剪辑（SMASH CUT）

是一种效果很突然的转场方式，一般用在角色从噩梦中惊醒这类场景里。或者从大动作的画面转至缓和的画面，反之亦然。

9、圆形划像（IRIS）

最早的时候，这其实是相机自带的效果，那个时候相机可以手动开关光控，今天单纯只是一个风格化的手法，在很多电影场景中都能看到。

10、划像（WIPE）

划像是把画面划入划出

11、隐藏转场（INVISIBLE CUT）

利用阴影隐藏剪接，造成同一镜头的假象，剪接被藏在镜头的快速摇动里。如今这种手法也很流行，将剪接转场隐藏在镜头运动中，也可以利用穿过画面的物体隐藏剪接，也可以利用离开画面的物体。

12、声音滞后（L-CUT）

基于音效剪辑的转场方式，上一镜头的音效一直延续到下一镜头，留意声音滞后不一定用在有预见性的片段里，它很常用，即使是角色间简单对话也会用到。

13、声音先入（J-CUT）

则是下一镜头的声效在画面出现前响起，未见其人先闻其声，这些手法很不起眼观众可能根本不会发现，但这正是要点。声音滞后和先入就是为了保证不打断节奏，营造一个完美的过度，承上启下，让音效去引导观众。声音先入也很适合用于给画面引入新的元素。

(1)动作电影剪辑教学扩展阅读：

剪辑（Film editing），即将影片制作中所拍摄的大量素材，经过选择、取舍、分解与组接，最终完成一个连贯流畅、含义明确、主题鲜明并有艺术感染力的作品。从美国导演格里菲斯开始，采用了分镜头拍摄的方法，然后再把这些镜头组接起来，因而产生了剪辑艺术。

剪辑既是影片制作工艺过程中一项必不可少的工作，也是影片艺术创作过程中所进行的最后一次再创作。法国新浪潮电影导演戈达尔：剪辑才是电影创作的正式开始。

资料来源：网络-剪辑

『贰』 电影剪辑技巧-剪辑口诀

电影剪辑技巧-剪辑口诀

虽然，有些说法有些老了，但是 ，值得借鉴。下面给大家介绍电影剪辑技巧——剪辑口诀，欢迎阅读!

电影剪辑技巧——剪辑口诀

由远全，推近特，前进雄壮有力量

从特近，拉全远，后退渲染意彷徨

同机位，同主体，不同景别莫组接

遵轴线，莫撞车，跳轴慎用要记切

动接动，静接静，动静相接起落清

远景长，近景短，时长刚好看分明

亮度大，亮度暗，所需长短记心间

同画面，有静动，主次时长要分明

宁静慢，激荡快，变化速率节奏清

镜头组接有规律，直接切换最普遍简洁更顺畅

相连镜头同主体，连接组接是突出主体引注意

相连镜头异主体，队列组接为联想对比有含义

瞬间闪亮黑白色，黑白格组接特殊渲染增悬念

全特跳切表突变，两级镜头组接变化猛冲击强

人物回想内心变化用闪回，闪回镜头组接手法最常见

同镜头数处用强调象征性，同镜头分析还首尾相呼应

素材不足相似镜头可组接，拼接弥补所需节奏和长度

同镜头中间插入不同主体，插入镜头组接表现主观和联想

借助动势衔接连贯相似性，动作组接镜头转换手段最常用

上下镜头都是特写始和结，特写镜头组接巧妙转换景和物

景为主时间变物主镜头转，景物镜头组接借助景物巧过渡

画内外音互相交替来转场，声音转场电话歌唱旁白最合适

多情节同展现压缩省时间，多屏画面转场上戏过去下戏现

明暗色彩对比千万莫过强，整体明暗影调和谐统一方为上

剪辑组接变化多端无定式，循规蹈矩死板僵化万万不可取

视题材风格不同自由发挥，灵活机动之余基本大忌要牢记

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『叁』 剪辑电影片段有哪几种手法 了解三大剪辑方法

1、传统剪辑

⑴也可称为剪辑的基本功。其主要作用有两个，一是保证镜头转换的流畅，使观众感到整部影片是一气呵成的 ；二是使影片段落 、脉络清晰 ，使观众不致把 不同时间、地点的内容误认为是同一场面 。因此 ， 这种剪 辑必须做到：

防止混乱。镜头衔接必须准确无误，不脱节不重叠，人物动作的方向、空间关系必须一致。

⑵镜头转换协调。剪辑往往以动作形态、节奏为剪辑点，即“动接动”、“静接静”。“动接动”指在镜头或人物的运动中切换镜头，如一个摇摄镜头接另一个摇摄镜头或一人奔逃的镜头接一人追逐的镜头等等。“静接静”指从一个动作结束后（或静止场面）接一个动作开始前（或静止场面）。

⑶省略实际过程。即省略不必要的、观众不看自明的过程，而仍能保持动作或情节的连贯。如一个飞机起飞镜头接一个飞机降落镜头可以省略旅行过程，一个桃花盛开的镜头接一个满地落叶的镜头可以省略时间的变化过程等等。传统剪辑，基本上是按着正常的生活逻辑进行，但又不是自然主义地记录生活中的全部过程。

2、创造性剪辑

⑴习惯上称能提高影片艺术效果的剪辑方法为创造性剪辑，主要有以下几种：

戏剧性效果剪辑。运用调整重点、关键性镜头出现的时机和顺序；选择最佳剪辑点，使每一个镜头都在剧情展开的最恰当时间出现。

表现性效果剪辑 。是在保证叙事连贯流畅的同时 ，大胆简化 或跳跃，有选择地集中类比镜头，突出某种情绪或意念。将一些对比和类似的镜头并列 ，取得揭示 内在含义 、渲染气氛的效果。

⑵节奏性效果剪辑。一般说来，镜头短、画面转换快，能引起急迫、紧张感；镜头长、画面转换慢，可导致迟缓或压抑感。因此长短镜头交替，画面转换快慢结合可造成观众心理情绪的起伏。利用这一点，在剪辑上控制画面的时间，掌握转换节奏，就可控制观众的情绪，达到预期的艺术效果。这种剪辑节奏也称剪辑调子。

⑶然而镜头的长短、转换快慢不能超越观众对内容含义理解的限度，否则就会造成混乱。剪辑调子常常也表示出影片情节或情绪的段落，使影片起伏张弛有致。影片中一个段落的剪辑调子是由镜头的数目来计算的，称剪接率。镜头数目多，称剪接率高或快调剪辑；镜头数目少，称剪接率低或慢调剪辑。

3、电影剪辑技术

⑴电影拍摄的再好也缺少不了电影的剪辑部分，在一般的电影制作后期剪辑时，要注意剪接电影片段，一般电影拍摄得到的底版经过冲洗，要制作一套工作样片，利用这套样片进行剪辑，剪辑师从大量的样片中挑选需要的镜头和胶片，用剪刀将胶片剪开，再用胶条或胶水把它们粘在一起，然后在剪辑台上观看剪辑的效果（这样的过程要不断的重复和制作）。

⑵进入电影剪辑部分就真正的进入了电影的非线性部分，有的时候技术高的剪辑师在剪辑电影的时候不会按部就班，也就是说不会去按照一个顺序一个一个的剪辑，很多剪辑师是从中间剪开，插入一个镜头，或者剪掉一些画面，都不会影响整个片子。

⑶但这种方式对于很多技巧的制作是无能为力的，剪接师无法在两个镜头之间制作一个叠画，也无法调整画面的色彩，所有这些技巧只能在洗印过程中完成。同时剪刀加浆糊式的手工操作效率也很低。

『肆』 影视剪辑技法

电影剪辑既是影片制作工艺过程中一项必不可少的工作，也是影片艺术创作过程中所进行的最后一次再创作。下面给大家介绍影视剪辑实用技法，欢迎阅读!

影视剪辑实用技法

影像剪辑者必备能力

1 在有限的素材中找出最好的表情和动作的眼力；

2 剪辑素材并发现它们与下一画面连接的剪切的能力；

3 运用影像和选择音乐的能力，以及制造旋律和情节的创造力。

4 剪辑者还要赋予由连续的静止画面所组成的电影以跳动感，给影像注入生命。

5 剪辑者会自然而然地在众多的镜头中找出最棒的表情，找出哪一点是剪切点，这就是剪辑的旋律感。与此同时作品的全貌也会在许许多多的摄影素材中慢慢呈现出来。透过素材，看到作品应有的面貌。

寻找剪切点的方法

应该在哪些地方进行剪切和连接呢？寻找剪切点无疑是编辑者的重要工作之一，在这里有点需要注意，这就是画面的顶点。

所谓画面的顶点，是指画面是动作、表情的转折点，比如人物手臂完全伸展时，点头打招呼后低头动作结束时，球体上升即将下落时，收回笑容的瞬间等。

影像是一连串静止画面的连续，因为前面的胶片在人眼中会形成残留的影像，所以胶片上的画面看起来才是动态的。

因此，越是激烈的运动，在画面的顶点或者在动作开始的前一刻进行剪切，会在后面的胶片上产生强烈的残留影像的效果，给观众留下深刻的印象。

产生旋律感的剪切点

让我们以翻书的动作为例，看一下寻找剪切点的方法。

如果从动作完全停止的状态开始拍摄，忠实地将翻书的动作从一开始拍摄到结束，这样观众一看就能知道是翻书的动作。

但是，仅仅让人看明白是无法 体现出影像的美妙之处的，旋律感和舒适感同样不可缺少。那么究竟应该怎么做呢？

我们把最开始的剪切点选择在翻书动作已经开始的状态。若把翻书这个动作分解成1～24个画面，那么就把最前面的3～4个片断剪切掉，作为开始的剪切点。

这种改变对于理解翻书的动作没有任何影响。相反，还能表现出动作的旋律感和舒适感。这种剪辑方法也可以运用到其他影像中去。

电影剪辑的正确方法不是只有一个

有一点希望大家不要误解，那就是剪切点并不是唯一的。

书页翻到中间时可以作为一个剪切点，翻书动作快要结束的时候也可以作为一个剪切点。

根据作品的不同，前后画面的不同，剪切点可以有所变化。正确的剪辑方法不是唯一的。

当然，剪辑也有其固定的形式几约定，它们可以说是剪辑的规则。了解这些规则非常重要，但由于剪辑本身是一项富于创造性的工作，所以有时也会打破规则 ，进行一些新的尝试。

剪辑的目的

从物理制约中解放，自由控制时间和空间

·在摄影和制作中有时需要分割镜头，在后面把它们构成一个情节

·在作品中省略故事中实际时间的流逝

·省略故事中空间的移动

结合演出意图构成剧情，确定作品的最终面貌

·有目的地进行镜头的连接，明确、强调想表达的内容

·使镜头的顺序和结构更严密，突出情节性要素

动作剪辑中的固定规则

被拍摄物体为移动时的剪辑方法

动作连接，是指对被拍摄物体的动作进行的剪辑。

从前，常常要因为更换胶卷而不得不中断对一个动作的拍摄，然而用不同的镜头连接起来的同一个动作，看上去效果却出奇的流畅，给人以深刻印象。据说这就是这一剪辑方法的起源所在。

动作以 7 ： 3 连接

首先看一下动作剪辑中的基本之基本，“动作连接”。

“动作连接”是指把一个动作用两个画面来连接的剪辑方法。

从理论上不说，这两组影像只是画面大小上的差别，描述的是同一时刻的同一动作，所以从任何一点开始剪辑都可以。

但是，这时会出现动作不连贯或重复的现象。最终剪辑出来的影像缺少节奏感。

一般的影像剪辑方法是按照7：3或3：7的比例来连接动作，以达到动作流畅的效果。这样一来，不仅前后动作看起来连贯，节奏感和生动感也应运而生。

当然，按照7：3的比例连接并不是绝对的真理。根据素材和剪切点的不同，人眼有时会产生重复、跳越的错觉。

所以，故意将某些镜头剪切掉或是重叠起来，动作反而看起来更加自然流畅。 在不同的影像中尝试着改变剪切点来看看效果吧。

把两个动作连接成一个

将不同的被拍摄物体的多个动作连接成一个，也就是通常所说的“单个动作剪辑”。

下文是使用的范例是：被打出本垒打的投手和一垒手回头看着飞出去的球。两位选手在同一时刻完成“回首”这一动作。

要想充分运用甩有的素材，一定会采用这样的连接：打出全垒打-＞投手回头-＞垒手回头-＞远远飞出去的球。

但是，采用这种连接方法，两位选手回头的动作就重复了，会给观众赞成一种沉闷的印象。

单个动作剪辑会把这两个回头动作整合成一个，通过剪辑来消除时间差。

具体而言，就是在投手回头动作的前半部分进行剪切，连接上一垒手回头动作的后半部分，这样能加强速度感并使画面连贯。 动作连接的要点

两台摄像机在相同的位置和角度拍摄出了两种不同大小的影像。如果是不同的位置和角度，也可以使用这一规则来处理。

当然，如果素材不是同时拍摄而成的，只要改变一下角度，以某一动作的顶点（某一具特征性的动作）为剪切点，连接的方法会有很多种。例如，先拍摄球出手前的一瞬间，随后再拍摄出球后手向下收回的动作，然后把它们进行连接。

以动作为中心进行剪辑时，必须注意几个方面的问题，以下就是要点所在。

①将时间看起来较长的镜头作为主要镜头。 ②考虑画面的上下左右，以免影响动作的连续性。 ③大幅度改变运用和摄像机的位置会画面的气势。 ④按照实际时间进行的连接看上去会比较拖沓，因此要压缩过渡动作中能省略的部分。特别是动作激烈的场面，镜头的长度要缩短。 ⑤同时拍摄而成的素材理论上可以在任意一点进行剪辑，但是选择不同的剪切点，重复或省略一些镜头，动作会更为流畅。 ⑥同一动作使用不同的画面连接时，要尽量在动作的顶点处进行连接。

有目的地重叠动作用以强调

通过有目的地重复，用以强调某一动作，这种方法被 称为双重动作或是三重动作。

范例影像中，把投手手臂举到最高点的镜头作为剪切点，连接从前方、后方拍摄到的这一动作，最后再连接出球后手向下收回的侧面全镜头。

这样一来，对于观众不说，动作可能并不是那么流畅，但是“出球”的动作重复了3次（三重动作），给人印象十分深刻。

双重动作，只有当有意识地想要突出某一动作时才有效，而且要尽量精短，以免冗长。

激烈的动作场面可能省略中间部分

剪辑的目的之一在于时间和空间上的省略。

如果按照实际时间的推移和空间的移动进行剪辑，再多的时间都不够表现，观众也会觉得冗长、乏味。

这时，比较有效的方法是抽取同一动作的部分中间镜头，然后连接组合。

这种方法也被称为中间抽去手法。

它的作用是能大幅度地缩减时间，增加影片的速度感，让观众百看不厌。

运用这种手法时，必须选择抽去哪些镜头，这是难点所在。

最重要的是不能剪切掉动作的顶点（特征性动作）。手臂举到最高处、手臂放到最低点、最生气时的脸、笑得最灿烂时的脸等，如果抽去了这些顶点镜头，就无法了解动作会朝哪个方向发展。

跳跃式剪辑发展了这一手法，它是中间抽去手法的一种，由戈达你创立，如唱机针般地对影像进行跳跃式的连接。

跳跃式剪辑敢于打破传统剪辑的禁忌，使制作让人印象深刻的场面成为可能。

动作的中间抽去手法通过抽去中间镜头来省略时间并突出速度感时，必须注意选择应该省略哪些.省略其他镜头，最初状态、投球时手臂位置达到最高时，手臂下垂，仅用这3个镜头就能最低限度地表现了出投球的动作。

连接 FRAME IN 和 FRAME OUT 画面

被拍摄物体在拍摄框架中，这被 称为FRAMEIN。

反之，被拍摄物体离开拍摄范围，则称之为FRAME OUT。

走路或奔跑中的人、动物、小轿车、电车，这些移动中的物体都可以对它们进行剪辑。

我们一起来考虑一下怎样连接同一被拍摄物体在不同背景下的FRAME IN和FRAME OUT画面。

自行车从镜头前骑过的场面，在不同地点拍摄两组同样大小的镜头。

当然，我们可以按照从自行车驶入空舞台（镜头中只有背景，没有被 拍摄物体）到自行车驶出镜头的顺序连接。

这样的连接方法没有错，但是空间上显得过于空旷，而且动作不够流畅。

优秀的、有节奏感的动作连接方法是在前一组镜头是被拍摄物体即将离开拍摄范围时，然后连接上后一组镜头中物体刚刚进入拍摄范围的镜头。

要点是使用被拍摄物体一半在镜头中，一半在镜头外的画面。这样连接动作看上去会比较流畅。

如果被拍摄物体在前后两组镜头中的角度不同，在FRAME IN和FRAME OUT之间加入一帧空舞台镜头，画面前后会更为连贯。

用暗镜头或共同点连接不同被拍摄物体的动作

不同被拍摄物体的动作怎样连接？

范例中是奔跑而来的人物和飞驰而去的汽车之间的连接，首先让奔跑而来的人物越跑越近，直至充满整个画面，使画面变成黑色，然后连接上后续的镜头。 虽然人物的奔跑速度和汽车的速度不同，但是一来一往之间的黑屏（或者是光线很暗的镜头）成功地再现了流畅的动作。

对话剪辑中的固定规则

人物台词的剪辑方法，对话在这里就是指台词。

对话剪辑是指对登场人物的台词进行的剪辑。

它与动作剪辑并列为最具代表性的剪辑方法，是展示故事情节时不可或缺的因素。

看起来简单的对话剪辑，其实也是一些用来表现特殊效果的固定规则。

台词以 1 ： 3 连接

台词与台词之间，除去SE和BGM等之外，余下的就是无声状态了。

对于影像剪辑来说，重要的是如何制造出这种无声状态，并利用它来表现影片的节奏。

范例中是两个人在车上对话的场景。剪辑的关键在于两人的对话之间应该有怎样的间隔。一个一个的对话镜头都是用摄像机代替另一个人物拍摄而成的，因此两个人并没有进行真正的对话（=间隔）。剪辑时，如何制作出自然的对话间的间隔非常重要。 一般来说，对话与对话之间的间隔按照1：3的比例进行连接会比较连贯。

如果前组镜头中台词结束后所空的间隔为1个长度，那么在后续镜头中的对话开始前就要空出3个长度的间隔。

台词的上移下移，增加戏剧性效果

对话的上移下移，即将台词部分插入前一镜头（上移）或拖入后一镜头（下移）中。

它的作用在于突出人物因对话内容而产生的表情和动作的变化。

例如：A先生被某人叫住。B先生向他打招呼说“你好，A先生”，将这一部分上移，随后出现B先生的镜头中再插入上移了的A先生的台词，“这不是B先生吗！”。

这样一来，整个场面就显得更为流畅和连贯了。

例如：将前一镜头中的“我有了喜欢的人”这一关键名下移，突出表现在这句话的影响下男主角的表情变化。这是这一技巧的意图所在。

例如：为了突出女主角在男主角邀请兜风的前后表情的变化，将男主角的台词上移，和女主角的脸部镜头一起出现。如果不上移台词，画面中中有女主角无声的脸部镜头，影片会显得很长，而且没有节奏感。

并不是台词的长短决定镜头的剪切，而是要一边考虑情节一边进行有目的的剪切，这一点是至关重要的。

使用嵌入的蒙太奇手法表现心情

要想让上面的场面更戏剧化，可以使用在台词之间插入其他镜头的方法。比如，露出一点后续的镜头，这样也是可以的。 前组镜头中女主角的台词说到一半时，插入男主角的`脸部镜头，这样不仅能表现出男主角在听了女友的回答后强烈的表情的变化，更是能强调之前平静愉快的状态。

非动作和台词的剪辑方法 场景转换和制造连接点

初学者可以使用传统的 O.L 方法柔和地过渡镜头

O.L(OVER LAP重叠摄影)与淡入、淡出一样，是非常常见的过渡效果。

表示时间的流逝和空间的移动，也可用于表现心情。

类似的过渡方法还有抹拭法、消散法等。

用遮蔽物连接不同场景！换窗

换窗是指被拍摄对象的前面有遮蔽物时，通过用遮蔽物遮挡画面的方法来过渡到后续镜头的剪辑方法。

遮蔽物大体上可以分为两种，不可动遮蔽物（墙壁或是其他很大的东西）和行人等可以动的对象。

两者本来都是可以直接连接的，但是使用遮蔽物连接显得更加自然。

用模糊画面连接不同的场景

聚集和不聚集是指把模糊的图像渐渐合成清晰的图像，或把清楚的图像渐渐变为模糊的图像。

因为它是非常抽象的画面，所以用它来连接两个不同镜头时非常自然。

但有一点需要注意，如果前面的图像和后面的图像在颜色和图像上没有共同之处，最后做出的结果看上去会很不和谐。

比如说，从红色的玫瑰转到警车的信号灯，或是从一个人的脸转到另一个的脸等，模糊画面连接的应该是具体的场面，在舞台或被拍摄对象在颜色和形式上有共同点时才能使用。

用运动造成的模糊效果连接镜头

快速移动拍摄是用极快的速度左右（也可以是上下）移动摄像机进行拍摄。

使用这种方法的时候，会出现模糊的效果，连接不同的镜头。

这种手法给人以重视空间移动的印象，注意应该使用非常短的快速的镜头。如果使用了冗长的镜头，就很难作为场景转换的连接镜头来使用了。

注意不同场景中的背景也应有较大变化。

用一样的风景来连接镜头

空切是在连接同时进行的两个不同场景时，在前面的镜头中将摄影机抬起拍摄天空，再将摄影机落下变为其他场景的镜头剪辑方法，不是蓝色的天空也可以，可以使用月亮、太阳、星星等。

两个镜头中的场景可以离得很远，但是一定要有共通点（如大海）。

用曝光效果连接镜头

像用强烈的闪光灯来拍摄一样，用闪光（快速闪光出现的完全白色的镜头）来连接不同，镜头的方法叫做闪光效果

即使连接毫无共通点的镜头也能做到完全没有不和谐感。

广告和音乐电视中经常用到这一手法。

用分割画面过渡到后续镜头

一般做法是将同时进行的镜头分割后放在一起。如果不这样做，观众会很难理解画面。

将镜头的右半部分分割出去，插上其他镜头来构成整个画面的。在表现同步的事件时非常管用。

其他有代表性的剪辑方法 影像产品可以说是蒙太奇的集合

最后介绍的是CUT BACK(回切)等有代表性的剪辑方法，剪辑师可以通过不同的剪辑方法，使情节、登场人物的心情，以及影像的含义等有很大的改变，有的作品甚至由此出现了180度的大转弯。

蒙太奇就是通过画面的组合来产生出故事性的，这里向大家介绍这种效果非常好的剪辑方法。

让同时进行的不同镜头交替出现

让在不同场所同时发生的事情交替出现，这叫回切（也可以叫做交叉剪切）。

回切在强调场面连续性的同时，增强紧张感和表现力。

通过改变镜头的摄影速度（慢动作），可以使情节表现力更强。

在回切中让不同场所的镜头交替了出现，最后双方出现于同一场所，这种方法效果会更好。

例，约会迟到了，快速跑步的男性镜头与在约定地点等待的女性镜头交替出现。最后，无论是两人最终见面，还是男性没有赶到，女性一个人去逛街，镜头效果都会很好。

与回切相近的剪辑方法还有回闪（FLASH BACK）。

回闪是在表现登场人物的回忆或心里描写时，插入很多超短镜头。

当连接很困难时，插入黏合剂似的画面

切出（CUT AWAY） 是像黏合剂一样连接前后镜头的剪辑方法。它是一种反传统理论的方法，在连接尺寸相同的两幅画面时全观众以很大的震撼力。

例如，拍摄两个人在咖啡厅的情景时，并不是把两个人的特定镜头连接在一起，而是在中间插入咖啡方糖的镜头，这样影片显得更有节奏感。

只要插入的镜头拍摄的是前面镜头中出现过的物体就可以。

例，把女性看宝石的镜头、宝石的特写镜头和她在其他商店购物的镜头连接在一起。请大家自己感受一下，如果没有这个宝石的镜头，在节奏感和震撼力方面给观众的感觉有什么不同。

用不同框架的镜头连接，产生节奏感！

放大和缩小是给普通镜头带来新奇感的很常见的方法。

将框架不同的心情镜头（一般是可以表现人物心情的特写镜头）与场景镜头（状况镜头，一般是远镜头或超远镜头）阶段性地连接起来，通常的做法是分成3个阶段，注意不同镜头的框架是不同的。

例如一个分3次接近一个吸烟男性的镜头（放大）。也可以分3次将镜头逐渐拉远。

如果使用同样的框架单调，可以使用这种方法。

从电影看“回切”的奇妙之处回切，就是使两个或两个以上的不同场景镜头以某种关联*****错出现的剪辑技巧。

这种方法看上去似乎很难，实际上，我们经常可以在电视剧与电影中看到，它是一种非常普通的剪辑手法。

比如，打电话的男人和女人交错出现，这是很常见的镜头，但它使用的就是回切方法。

回切的优点是让时间的流逝重复出现，给人以更加接近电影的时间感。

比如描写杀人犯以及追捕他的警察的时候，用回切的手法会使影片进入**，提高速度感，给观众以更高的紧张感《沉默的羔羊》中的**情节就是用回切的手法巧妙地展开的。

回切的手法可以赋予镜头新的含义。

比如希区柯克的电影《捉贼记》中的情景：凯力.布兰德和格蕾斯.凯莉在旅馆的房间里交谈的时候，窗外放起了烟火为。这里烟火为了隐喻两人的恋情。这里对烟火煌镜头进行回切，使得影片的情节更有表现力。

在克波拉的影片《地狱默示录》中，回切又变得有几分哲学意味了。

在温拉德刺杀卡特大佐的画面中插入了原住民用牛祭神的镜头。这个镜头冰大容易理解，但是克拉波是从文化人类学的角度来制作这个场景的。

来自 拍电影网｜作者 aoxilisi

『伍』 编导的电影剪辑技巧

编导的12条电影剪辑技巧

电影的剪辑手段，主要是为了保证人物刻画的鲜明性、故事情节的连贯性、时间空间关系的合理性、节奏处理的准确性。那么电影剪辑技巧都有哪些？以下仅供参考！

1.剪辑要紧凑。

演员对话中不必要的停顿。缩短每句中间的空白部分，甚至可以减去冗长不重要的对话。不过在剪去对话前，请先征求导演的意见。

通常来说，我的方法是一开始就剪辑出精确的版本，而非剪出较长的电影再缩减。大部分电影观众的注意力一般不超过90分钟，相当于一般电影的长度。如果初剪完后电影长度大约100分钟，那你基本上还需继续剪到90分钟使电影更紧凑。但如果初剪完后电影长达两个小时甚至更长，那就需要"动大手术"了。

2.临时音乐。

许多剪辑师喜欢用临时背景音乐剪辑电影，把临时音乐当做占位符。

在此我提出不提倡该做法的两个原因：

第一，一旦人们喜欢上临时音乐就很难再找到感觉不错的合适配乐。

第二，临时音乐会成为你的"精神支柱"。当无趣的场景配上有趣的音乐时，你会更加宽容。我更愿意剪辑出有力的电影场面并通过适当编辑使它完美呈现。

如果一个场景可以自己站得住脚，那配乐会锦上添花。唯一的例外是蒙太奇镜头的音乐设置。因此，我在剪辑时候可以做的更好。

3.不要使用法网剪辑方法。

最初的法网电视连续剧使用特定对话剪辑方式：声音与画面完全同步，不存在重叠部分。

常用的方法是：剪A画面—A讲完对白—剪B画面—B讲完—剪回A画面，就这样一直轮流剪辑下去。

剪辑大师沃尔特·默奇将这种剪辑方法命名为法网风格剪辑法。但事实上，观众对与声音和画面剪辑不重合的反应更好。

我认为这种剪辑方法更贴近现实生活，我们先是听到有人开始说话，然后才抬头去看。或者一个人正在说话，我们会看看我们的朋友的反应。这种剪辑方法更贴近人的自然反应，会使影片更加流畅。

4.动作配合。

使用演员手势，道具，视线或者走位是剪辑方法之一。

但沃尔特·默奇说，最好的方式是让情绪自然流露，或者剪出流畅的叙事节奏，技术上的剪辑反而是最不需要考虑的。

但也绝不可忽略，因为动作不相配会让观众难以入戏。然而一个编辑朋友经常告诉我，"过分注重匹配会束缚剪辑"。如果观众能完全入戏，那他们常常会忽略那些镜头存在的不连续问题。剪辑的职责就是尽量使观众融入剧情之中。

5.移动拍摄镜头。

移动镜头是拍摄动作片的主要方式，可以是轨道摄影机，旋臂摄影机，摄影机稳定器或手持摄影机。

动作电影通常要呈现出紧张的氛围。当我剪辑电影时，我喜欢在镜头运动时作剪辑，保证一个接一个的镜头都处于运动状态，但许多导演兵不同意，他们更喜欢在摄影机开始移动前或停止移动后才剪辑。但我更喜欢紧凑的剪辑方式，让观众目不暇接。

6.不要一直用同一个角度进行剪辑。

如果导演拍摄了许多不同角度的镜头，不要一直机械的切回到同样角度，或者重读不久前使用的同一系类镜位。

当然，在一个对话场景中只有两个角度，难以避免重复剪辑，但是如果导演根据不同需要不同镜头框架进行拍摄，那不妨通过剪辑体现导演的意图。不要被剪辑规则束缚，比如主镜头/单镜头/反转，主镜头/单镜头/反转等等。可以尝试混搭一下。

7.镜头三个一组。

当需要切换场景时，通常都是三个一组。至少保持1.5到2秒也可更长。

举个例子，在主角进入房间环顾四周的场景中，以三个为一组剪辑视点镜头可以直观展示给观众主角所看到的整个场景，模仿我们真实的世界让观众身临其境。

8.重点剪辑演员的眼睛。

演员在电视上、电影中和舞台上都凭脸蛋吸引注意，但最重要的是演员的眼睛。

当剪辑激烈的对话场景时，我都注意演员的眼睛。他们是否传达出适当的情绪？对戏的演员反应如何？演员的表演决定我的剪辑。这个原则使我更专注于传达对话的主要演员而剪掉其他人的反应。

9.排除演员表演中的"空气"。

和第一点相似—我喜欢紧凑的剪辑。注意大多数演员都表演夸张，超过合适的程度。演员会强调停顿、比脚本要求的增加更多错误、表现的更为口吃、瞥的时间更长，但剪辑的职责是通过适当剪辑使表演恢复正常。剪掉冗长动作和对白，使电影真实而不做作。

10.形成故事情节。

据说世界上有三种电影：剧本型、拍摄型、剪辑型。

无论你剪辑哪一种类型时，都要高度注意故事脉络，不要害怕改变剧本或拍摄内容，只要是有意义为之。许多剪辑师利用在画面分镜剧本作记录从视觉上呈现出故事情节。这可以帮助你确定以最通顺的逻辑呈现故事给观众。

11.利用数字辅助设备。

像现代的NLEs和finishing techniques这样的数字媒介提供给制作人很多辅助工具。

比如，数字图像可以放大很多倍。你可以用这些工具变焦拍摄者放大一个镜头来拍摄广阔场景或特写镜头，如果用的是用RED数字摄像配35mm胶片拍摄那会很容易做到。只要保证图像质量，不必害怕拉近焦距拍摄。

许多剪辑师经常讨论用多画面屏幕来进行剪辑。通常是指两个演员的时间安排与预设不符（比如在一个过肩镜头或双人特写镜头中）但是可以剪辑出适当的场景节奏，放慢两个演员间的时间。

如果摄像机被锁定，演员动作重叠的部分不太复杂，那么可以用更简单的方法创造全新的OTS镜头。产生一种两个演员在表演的`时间选择上有所偏差的视觉效应。

12.做自己的选择但也要考虑其他人。

作为剪辑师的职责是形成故事情节把握电影节奏。

最重要的一点是帮助导演达到创造性的视觉效果。但是你也要有自己的想法。大部分剪辑师都是独立完成初剪。这是你在电影打上鲜明的个人烙印的第一个机会。当初剪完成后，导演会和剪辑师通力合作把剪辑变成导演想要的版本。

你在剪辑和改变某一演员的表演时所做的种种选择都影响了观众的观影感受。比如，剪掉对话中重复的部分可以使增强画面的紧张感。这传达出一点，即使拍摄完毕剪辑工作也不可怠慢。

剪辑师做出的决定可以轻易改变场景传达出的感情，因此任何决定必须服从剧情。当然，只有有符合逻辑的理由并且导演同意时你才能作这样的剪辑，如果不同意就要提供备选方案。

我喜欢在选择最好的场景前回顾一下取景镜头。起初，导演也许从四个镜头中标记了第三个和第四个为取景范围，我实际上可能开始用第一个镜头，接着用第四个镜头的后半段。

在反复简介演员对话对白时，我经常剪掉包含很少取景镜头的过场场景。虽然你已经想好解释你所做剪辑的理由，但也要准备好应对改变。

大部分导演不会在后期制作时回顾每一个取景镜头，而是根据你剪辑表演的版本进行修改，无论是否欣赏演员的表演。如果他们的确欣赏某一演员的不同的表演，他们会建议修改剪辑或从取景镜头找到合适部分。剪辑的场景越让人感觉焕然一新并呈现出最令人信服的表演，导演就会越认同你的技术。

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『陆』 怎么剪辑电影

因为现在短视频的崛起，任何企业，任何工作室或者个人都需要剪辑大量的视频来包装品牌，发抖音，发朋友圈，发淘宝等自媒体渠道做展示。因为每天都要更新并发布新内容，所以剪辑师根本招不够，供需失衡就造成了剪辑师高薪水(无论是找工作还是自己在家里接私单，月收入轻松过万，两三万也是稀松平常。)【推荐一个免费“短视频剪辑后期”学习网址】：
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而且剪辑这个技术并不需要高超的电脑技术，也不需要美术音乐造诣，基本都是固定套路，要什么风格的片要什么节奏，经过三四个月的培训可以轻松掌握。但凡有点电脑基础，会用鼠标拖拽，会点击图标，会保存，除非自己不想学，没有学不会的。但要学好学精，自制能力相对较弱的话，建议还是去好点的培训机构，实力和规模在国内排名前几的大机构，推荐王氏教育。

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『柒』 电影解说视频剪辑教程

电影解说视频剪辑教程如下：

第一步：找一部有看点的电影，仔细看完电影，对电影的情节逻辑了解清楚，多看几遍印象也会比较深刻。最好在看的时候脑子里就想着，这一段该怎么写成文案。

第二步：写文案（写台词），如果自认为不用写台词也能流畅的把电影讲清楚，那就可以不写。 这一步是最难也是最重要的一步，就是把电影内容用自己的话总结出来，让观众能够听懂，也可以像写电影剧本一样，尽情发挥自己的想象力，后面的内容按照这个剧本来做就行了，文案写得越好视频质量越高。

第四步：剪辑加字幕先导入录好的语音，然后看着文案，剪辑出对应语句的电影片段（要把电影片段的声音关掉），一定不要剪得牛头不对马嘴，也就是说的内容和画面不一致。这一步是最麻烦且最费时间的一步，需要看对后期软件的熟练程度。

第五步 :把渲染出来的视频文件导入小丸工具箱压制一下，有的视频渲染出来好几个G，压制出来也就几百兆。最后就是上传了，各大网站都有上传的字样，如果会用PS的话可以自己P一张封面，不会的话截取电影画面，或者用系统自己生成的。这样一部电影解说就完成了。

『捌』 常用电影剪辑技巧

剪辑流畅的秘诀不只是动接动，还有静接静、动接静、静接动，效果要因片而异，都一样能剪出很流畅的片子。下面给大家介绍常用电影剪辑技巧，欢迎阅读!

常用电影剪辑技巧

1 、正确的剪切点：

这里要提到一个画面顶点的概念，所谓画面的顶点，是指画面中动作、表情的转折点，比如人物手臂完全伸展时，点头打招呼后低头动作结束时，收回笑容的瞬间等。因为影像是一连串静止画面的连续，前面一个镜头的画面在人眼中会形成残留的影像，所以在实际剪辑工作中，遇到快速运动（画面内容）的镜头，要将剪切点提前一点。这样可产生体现出影像的旋律感和舒适感。比如一个翻书的动作，我们可以把最开始的剪切点选择在翻书动作已经开始的状态，若把翻书这个动作分解成25帧画面，那么就选择从第4或5帧处进入。将后点设为第21帧左右，这样不会对观众理解翻书动作产生影响，相反，还能表现出动作的旋律感和前后镜头的连贯性。

2 、 动作剪辑中的'固定规则 ：

将同一连续动作用不同机位和景别连接起来。据说由于一盘胶片时间很短，从前常常要因为更换胶片而不得不中断对一个动作的拍摄，然而人们发现用不同的镜头连接起来的同一个动作，看上去效果却出奇的流畅，给人以深刻印象，后来演变成动作剪辑的固定方法。

第一点：动作以 7:3 连接。

同一机位，不同景别时一般采取这种方法。如正面拍摄一个投手投球的动作，一个全景、一个近景，可以在全景开始30%或70%处接近景投手的细节，使整体动作达到流畅。当然根据素材的不同，可以故意将某些镜头剪切掉或是重叠起来，使整个动作体现另外的含义。

第二点；把两个动作连接成一个。

将不同的被拍摄物体的多个动作连接成一个，也叫“单个动作剪辑”.如击球动作，一般会这样处理：打出全垒打→投手回头→一垒手回头→远远飞出去的球。采用这种剪辑方法，两位选手回头的动作就重复了，会给观众造成沉闷的印象。通过“单个动作剪辑”会把这两个回头动作整合成一个，通过剪辑来消除时间差。如在投手回头动作的前半部分进行剪切，连接一垒手回头的后半部分，这样能加强速度感并使画面连贯。当然在实际剪辑中我们为可以在加一组现场观众回头的镜头，来强化飞得很高很远的球。

第三点：有目的地重叠动用，用以强调。

如动作影片中必杀技的镜头，可以采用不同角度重放，或同角度快慢镜重放。强化视觉冲击力。成龙影片经常使用。

动作连接的画点：

将时间看起来较长的镜头作为主要镜头；考虑画面的上下左右，以免影响动作的连续性；大幅度改变动作和摄像机的位置会增强画面的气势按照实际时间进行的连接看上去会比较拖沓，因此要压缩过渡动作中能省略的部分。特别是动作激烈的场面，镜头的长度要缩短，要尽量在动作顶点处进行连接。

3 、 场景转换和和制造连接点

第一点：相溶：指让前面的画面慢慢消失，同时让后面的画面徐徐出现。 第二点：淡入淡出：以黑色过渡。 第三点：用遮掩物连接不同场景。 第四点：用模糊画面连接不同的场景。 第五点：用运动造成的模糊效果连接镜头。 第六点：用一样的风景来连接镜头。“空切” 第七点：用曝光效果连接镜头。“广告和音乐电视” 第八点：用分割画面过渡到后续镜头。

『玖』 电影影片剪辑技巧

电影影片剪辑技巧

电影的剪辑手段，主要是为了保证人物刻画的鲜明性、故事情节的连贯性、时间空间关系的合理性、节奏处理的准确性。那么都有哪些技巧呢？以下仅供参考！

剪辑的作用和目的：

作用是将单独看来没有任何意义的声音和画面，经过剪辑产生旋律，通过组合形成情节。

目的是：

1、准确鲜明地体现影视片的主题思想。

2、做到结构严谨和节奏鲜明

现介绍一些常用的影片剪辑技巧

一、切入切出 这是电影中最常用的一种镜头转换方法。即是不加技巧地从上一镜头结束直接转化到下一个镜头开始，中间毫无间隙。称为“切”。

二、淡出淡入 也称电影画面的渐隐、渐显。画面逐渐变暗，最后完全隐没，这种方法叫做淡出或叫渐隐。相反，画面逐渐由暗变亮，最后完全清晰，这个镜头叫做淡入，也叫做渐显。

三、划入划出 也是电影中镜头转换的一种技巧。有时用一条明晰的直线，有时用一条波浪型的线等从画面边缘开始直、横、斜地将画面抹去，叫划出。代之以下一个画面，叫划入。

四、化出化入 又称“溶出溶入”，也是电影中镜头转换的一种手法。在一个画面逐渐隐去（化出）的同时，另一个画面逐渐显露（化入）。这常常用在前后两个相互联系的.内容和场景，造成慢慢过渡的感觉。

五、叠印 指两个画面甚至三个画面叠合印成一个画面。常表现剧中人物的回忆、梦境、虚幻想象、神奇世界等。

六、其他技巧

焦点变虚。画面的若干画格焦点变虚，影像逐渐模糊。“虚”的速度和长度可以自由掌握，常表现剧中人视线模糊、昏迷等情景。

定格：常指一个动态镜头瞬间静止在某一画面上。

剪辑的精髓：

用画面讲故事。

有些人指出流畅的秘诀是动接动，其实这并不是唯一方法，剪辑还有静接静、动接静、静接动，效果要因片而异，都一样能剪出很流畅的片子。画面剪辑其实没有太多的限制，可以自由发挥，但是有一些准则是不能违背，比如说动接动：

1、既然是动接动，那么画面就不能是死的（固定画面），必须要有"推拉摇移跟升降"中的任意一个，如果碰上死画面，到PM或AE等软件中作推拉！！清晰度虽然有一点损失，但比起损失画面流畅感来说，要划算得多。

2、两个画面不能是相同景别相似机位（通常情况下，同机位剪辑是大忌，除非你追求特殊效果）

3、不能等画面运动到落幅才接,（简单说快定住或定住后）这样会影响流畅感，很多人以为画面一定要长到看清楚才行，其实画面剪辑也是一种调动人想象力的技巧，一个很短的镜头因为人的经验、想象，自然而然的把未表现的内容当成是已表现。

4、动的要有根据。如果是一个人在到茶壶喝水，那么镜头的逻辑关系就应该是：手拿茶壶、开盖（如果有）、另一只手拿杯子、倒水、水满......（基本上正常的规律），如果顺序颠倒，这组镜头就会看起来别扭。 褥疮怎么治疗褥疮如何治疗褥疮

5、注意节奏。节奏有两种，1：所表现的事物的内在逻辑关系形成的内在节奏。这是本来就有的。 2：外加的如音乐、噪声、这是人为的、利用外加因素控制节奏。

一条片子不能没有节奏，所谓流畅感其实就是剪辑中的节奏对人的冲击带来的心理影响。

剪辑的一般规律

1、 正确的剪切点：

剪辑是将许多零碎的画面片断串联为一个有节奏的整体的过程，这就涉及到一个应该在哪些地方进行剪切和连接的问题。

这里要提到一个画面顶点的概念，所谓画面的顶点，是指画面中动作、表情的转折点，比如人物手臂完全伸展时，点头打招呼后低头动作结束时，收回笑容的瞬间等。

这里要提到一个剪辑技巧：因为影像是一连串静止画面的连续，前面一个镜头的画面在人眼中会形成残留的影像，所以在实际剪辑工作中，遇到快速运动（画面内容）的镜头，要将剪切点提前一点。这样可产生体现出影像的旋律感和舒适感。比如一个翻书的动作，我们可以把最开始的剪切点选择在翻书动作已经开始的状态，若把翻书这个动作分解成25帧画面，那么就选择从第4或5帧处进入。将后点设为第21帧左右，这样不会对观众理解翻书动作产生影响，相反，还能表现出动作的旋律感和前后镜头的连贯性。

2、 动作剪辑中的固定规则：

指被拍摄物体为移动时的剪辑方法。

方法是将同一连续动作用不同机位和景别连接起来。为什么这么作：起源传说：一盘胶片时间很短，从前常常要因为更换胶片而不得不中断对一个动作的拍摄，然而人们发现用不同的镜头连接起来的同一个动作，看上去效果却出奇的流畅，给人以深刻印象，后来演变成动作剪辑的固定方法。

第一点：动作以7:3连接。

同一机位，不同景别时一般采取这种方法。如正面拍摄一个投手投球的动作，一个全景、一个近景，可以在全景开始30%或70%处接近景投手的细节，使整体动作达到流畅。当然根据素材的不同，可以故意将某些镜头剪切掉或是重叠起来，使整个动作体现另外的含义。

第二点；把两个动作连接成一个。

第一点介绍的是用不同的镜头连接同一个被摄物体，此处要介绍将不同的被拍摄物体的多个动作连接成一个，也叫“单个动作剪辑”。如击球动作，一般会这样处理：打出全垒打=》投手回头=》一垒手回头=》远远飞出去的球。采用这种剪辑方法，两位选手回头的动作就重复了，会给观众造成沉闷的印象。通过“单个动作剪辑”会把这两个回头动作整合成一个，通过剪辑来消除时间差。

具体作法是：在投手回头动作的前半部分进行剪切，连接一垒手回头的后半部分，这样能加强速度感并使画面连贯。当然在实际剪辑中我们为可以在加一组现场观众回头的镜头，来强化飞得很高很远的球（剪辑无定式）。

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『拾』 动作电影中的衔接剪辑技巧

动作电影中的衔接剪辑技巧

动作电影又称为惊险动作片，是以强烈紧张的惊险动作和视听张力为核心的影片类型。下面给大家介绍动作电影中的衔接剪辑技巧，欢迎阅读!

动作电影中的衔接剪辑技巧

一 音乐是重中之重

预告片牛不牛逼，音乐权重占70%以上。

一段旋律有范、节奏变化丰富的音乐，是动作电影预告片的核心。适用于所有类型的电影预告片。

剪辑技艺再牛逼，音乐平庸，预告片就平庸；音乐品位高，曲子编辑的好（音乐不是拿来直接一整条用的，需要经过延长、缩短、拼接、变速、变音等处理），那么剪得糙一点都没关系。

音乐是最直观给你“感觉”的东西，2分钟的音乐包含着巨大的情绪流，一个字也不用讲，音乐一起，就能让你感到“兴奋”“感动”“爱情”“幻灭”“哲学”“宗教”“紧张”“恐惧”“压抑”等情绪，这些抽象的大主题里面又能细分出无数具体的意象。

而画面和对白，在预告片的几分钟时间里，只能呈现出零星的“信息”。

所以，音乐最关键。

二 剪辑技巧

先明确一点，我们剪预告片时，几个镜头剪成一组，几组镜头构为一幕，三幕或者四幕就能组成一条完整的预告片。

新来的剪辑师往往会出现“剪得比较乱”的问题，为什么？

1、一组镜头只需说清楚一个意思。如果你加入了不是这个意思的镜头，就会突兀。显得乱。

2、一组镜头讲完后，再去讲下一组镜头，逻辑上或者情绪上要有承接或者递进。新手会瞎跳乱跳，一组镜头还没讲完就开始下一组镜头。

3、幕与幕之间，要有大的逻辑串联。拿《小时代1》的先导预告举例子，第一幕起势，第二幕主角亮相正常世界，第三幕关系恶化进入低谷，第四幕事件和人物有了更丰富的变化进入高潮。（举小时代 预告片 的例子是因为，它是业内外公认的高水准预告片）

1、镜头之间的视点和动势最好接上。

A视点就是视觉重点，上个镜头的视点结束在画面左侧，下一个镜头的视点就尽量从左侧起。

B动势变化要顺。这个看具体情况处理。如果你仅仅把动势顺着方向或者快慢“接上”，那么看起来虽然舒服，但是有些楞。好看的动势要像书法。有断有连，有急有停，有粗有细，有开有合。这个看感觉了。

2. 根据音乐，普通镜头的剪辑要故意不压在节奏上，只把重要镜头压在节奏上。

为什么这样呢？所有镜头全压着节奏上，第一很楞，第二看起来像MV，第三（也是最重要的）你每个镜头都压在节奏上，都很爽，到了牛逼镜头或者该强化的镜头时，再压在节奏点上就没那么爽了，效果就出不来了。

这样是先抑后扬的一种做法。

3. “刺激——反应”链条。

剧情片里，说出的一句话，要接住。（用别人的反应、事件、另一句话等来接）

爱情片里，抛出的一个媚眼，要接住。（别人的媚眼，幸福的表情等来接）

动作片里，射出的一颗子弹，要接住。（东西被打烂，炸弹爆炸，人死亡等来接）

“刺激——反应”链条，是一组镜头最常用的叙事方式之一。给了刺激就一定要有反应，一组镜头才有结束感，结束之后再开始下一组镜头。路一步一步走，话一句一句说。新手剪片子，最常犯的毛病就是给了刺激，没反应。不知道怎么就到下一组镜头了。就好像你给别人讲故事，每句话都讲一半，观众不知道哪里出了问题，只觉得不舒服、不好，其实是你挖的坑没填上，绊到观众了。

4. 跳切、快放、快闪夹黑帧、慢镜头

镜头节奏要变化：几个快的'，就插一个慢的。几个近景，来一个远景。几个格斗，加个大场面。几句对话，来个爆炸……永远要给出变化，要有能量的起伏。带观众做过山车。

有时人物动作慢我会跳切或适当快放，显得有力一些。快闪夹黑帧这块，《匹夫》先导预告1分10秒处有例子，学生服日本刀砍人。

5. 如果一场戏很牛逼，就整场放。（并不是说你不去处理它）

国外预告片最爱用的技巧，为什么？因为人家电影拍的牛逼，场面撑得住。

常常最后一个镜头（就是最高潮那个），就用片子里的一个牛逼的场景镜头做结尾。不像我们，用高速剪辑或者凌厉的剪辑堆砌出一个高潮来。《独行侠》的许多款预告片都是这么干的，一整场动作场面码上去。很过瘾。

6. 起高潮之前压低，高潮后要安静，再起更高的高潮。

通常，开枪爆炸之前，我们会刹住音乐，让整个音响安静下来，说句话或者什么的，再起开枪或爆炸。这样做是为了让高潮显得更高更有力。通过能量差产生对比，做强效果。

再举《小时代1》先导预告的例子。第四幕是高潮，所以第三幕要低谷一点压抑一点（不管剪辑节奏、速度还是音乐能量都比其他几幕要低），而且，在起第四幕之前，先猛地安静，唐宛如喊叫“冲啊！”后，音乐再响起，进入高潮。

三 音响音效设计

评论里有位朋友说觉得音效最关键，实际上，没有最关键的，所有的步骤都是关键。创意、剪辑、音乐、音效、特效等方面全都做到高完成度，才能出一支好预告片。

好莱坞预告片的音效使用量是非常小的，随便打开一支好莱坞大片的预告，旁白和音乐占音响总量的90%，只有在关键的地方才有一两个音效。他们最重要的是对白，对白一起，音乐都会降好几个量级。

为什么呢？因为好莱坞重故事，而且好莱坞演员的念白都很棒，随便一句话都可以撑起来，，加上人家电影画面牛逼，音效这种东西要你用好音响才能感受的到，所以想要看预告片真正的音响设计，还得去电影院里看前面的贴片。（最近看imax版本的《007幽灵党》，前面有《火星救援》的全长贴片，那个录音水准和音响设计水平可以说是世界最高水平了，快去看吧）

话说话来，音响设计涉及到的声音层次有三层：音乐、旁白、音效。原理是：“此起彼伏，有起有伏”。

1、有起有伏

从大的音乐结构来看，必须做到“有起有伏”，音乐的能量不要一直高或一直低，需要变化。我们一般做音乐，同一个旋律走两小节，就要变化。要递进、中断或者旋律发生变化。否则观众看的时候会疲。

2、此起彼伏

这里主要指音效和对白需要此起彼伏，简单来说就是“有音效的地方别有对白，有对白的地方别有音效”“音效和对白不要打架”。这个以剪辑师为主，在剪辑时就应该注意，音响设计师做辅助。

观众在一定时间流里面能够注意到的信息是有限的，预告片属于高强度的信息流，对于观众注意点的设置一定是排列有序而不是挤在一起的。

所以大家看标准范式的好莱坞预告片，大的节奏设计通常是固定的：“说几句话”+“插个音效”， 完成一组镜头。对应剪辑就是：几个叙述镜头加对白或旁白+能出音效的镜头。

3、其他

音响在频率上大致有“高、中、低”三个频率段，许多新的预告片公司作品，往往听起来不够饱满、音效怪怪的、衔接不够顺滑。原因有三。

一是忽视了氛围音，主要是低音的填补。有一些耳机几乎听不出来的长长的“嗡”“呜”的低音，我们是会随着音乐能量的起伏，压在音乐下面。这一层很重要，缺少了就会让音响变得很“薄”。

二是音效的融合度不够。同一个声音，比如开枪的声音，乐库里面可能有一千种音效，你要找到能够融合进整体音响里面的那一个。找不到，就试，试不出来就自己做变音处理，把它融合进去。融合度低的音效，就像一段光滑木板上面的倒刺，很扎手。

三是衔接处理要顺滑。一部电影预告片会用到好几段音乐，成百上千种音效。这么多的元素拼在一起，要把他们的接缝处打磨顺滑，不扎耳朵。

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