奇幻动作电影剪辑

㈠ 推荐10部经典魔幻电影

影片深得女性观众欢心，认为影片想像力丰富，充满童趣。片中各种各样可爱的动物让影片多了一分独特的看点：影片开始时的怀表兔子，寻找爱丽丝的猎犬，“疯子三剑客”中的小老鼠和疯兔子，“红桃皇后”皇宫那些可怜的青蛙侍者，猴子掌灯，被“ 红桃皇后”拿来蹭脚的小肥猪，凡在影片中出现了有动物场景，都会在观众中引起小骚动。

影片的中世纪风格华服美轮美奂，无论是配饰搭配还是色调选择在大银幕上看都相当有质感，而在摄影上冷、暖两种色光助攻剧情走向，每一个镜头都被观众称“可做壁纸”的精致度，配乐也以大气空灵的旋律为主，歌词似诗，整个视觉和听觉上都属“唯美”系，被人评价视觉精致度堪比《权力的 游戏 》。

是一部整合了吸血鬼、狼人、科学怪人的“杂交恐怖片品种”，怪物猎人“范海辛”被戏称为“变成了罗马教廷的公务员，隶属于梵蒂冈情报六处超现实研究科，代号零零玖”，然后以英雄形象跟魑魅魍魉作斗争。该片是好莱坞投资的恐怖片，以庞大的布景、流畅的动作剪辑、层出不穷的怪物变身镜头不断进行密集的视听轰炸。

由"睡美人"改编的《沉睡魔咒》，该片对原著的故事进行了大幅的改编，将童话故事的边界延伸，变换出一个全新的故事来。

影片讲述了佩文西家的四个小孩--彼得、苏珊、爱德蒙、露西意外进入一个称为纳尼亚异世界，并在那里经历过一连串的冒险的故事。

《指环王》(The Lord Of The Rings)又称《魔戒》，是以J.R.R.托尔金小说《魔戒》改编而成，由彼得·杰克逊执导，伊利·亚伍德、伊恩·麦克莱恩、维戈·莫特森等主演的系列奇幻史诗电影。系列电影包括三部:《指环王：护戒使者》、《指环王：双塔奇兵》和《指环王:王国归来》。

加勒比海盗（Pirates of the Caribbean），最早是美国加州迪士尼乐园的其中一个景点。之后华特·迪士尼电影公司以此为名拍摄了一系列电影作品。其中包括2003年上映的《加勒比海盗：黑珍珠号的诅咒》，2006年上映的《加勒比海盗2：聚魂棺》，2007年上映的《加勒比海盗3：世界的尽头》和2011年上映的《加勒比海盗4：惊涛怪浪》。该系列电影在上映后均取得了不俗的口碑和票房成绩。《加勒比海盗5：死无对证》已于2017年5月26日上映。

是由彼得·杰克逊指导的奇幻史诗电影，马丁·弗里曼、伊安·麦克莱恩参加演出。《霍比特人：意外之旅》、《霍比特人：史矛革之战》和《霍比特人：五军之战》。

㈡ 《刺杀小说家》的特效真的可以吹爆了，说说这部电影究竟有多精彩

这部集合了动作、悬疑和奇幻元素的电影，会在群雄争霸的春节档中取得优异的成绩吗？让我们一起来聊聊：第一，双时空叙事，异世界磅礴瑰丽。《刺杀小说家》改编自双雪涛短篇小说集《飞行家》中的同名短篇小说《刺杀小说家》，讲述一名父亲（雷佳音饰）为找到被拐卖的女儿，接下了一桩刺杀小说家的任务。与此同时，小说家（董子健）创作的奇幻世界里，一个男孩也开始了自己的复仇之旅。本片采用了现实世界和异世界双时空并线叙述的方式，小说中人物的一举一动，也影响到了现实世界，两个平行世界不断交织，人物之间步步为营。在预告的一开篇，小说家笔下那个磅礴瑰丽的“异世界”就以截然不同的样子出现在观众面前。高耸如云的山颠之上，有一座气势恢宏的宫殿，似乎喻示着在这个异世界中有一位拥有至高权力的统治者。

下一秒，一位背刀客面对着重峦叠嶂、云雾缭绕的群山。镜头一转，却是幽森晦暗、充满神秘和恐怖气息的洞府。主打奇幻元素的《刺杀小说家》在放出了“放肆想象”的宣传口号，由此可见电影中一定少不了天马行空的元素。在预告中，巨大的龙形花灯可以在天空中自行飞行游走，仿若活物一般让人感到不可思议。在巨型花车上扭动身躯的妖艳舞姬、朝着高大神像顶礼膜拜的人群，都不断向观众展示这个异世界的光怪陆离和神秘莫测。

在展现异世界的同时，穿插进了现实世界的镜头。现实中的人物和小说中的角色做着相同的动作，构建起现实与虚幻两者之间的联系。这种相互交织的剪辑方式可以说极为巧妙，双时空的叙事方式不仅加强不同时空下故事的紧密联系，更营造出一种紧迫感和刺激感。刺杀小说家故事新颖，特效更是耗时耗力精心打造，力求呈现出最逼真生动的异世界。

电影邀请《流浪地球》团队负责特效，用顶级视觉效果告诉观众：“《流浪地球》之后，中国电影技术是不断提升的”。

《流浪地球》以顶级视效开创“中国科幻元年”。特效团队刚接手影片便傻了眼：如此复杂而疯狂的设定，要完全依靠国内团队打造出来简直天方夜谭。《刺杀小说家》制作周期5年，其中2年半的时间用于视效处理。作为对比，《流浪地球》的视效时间“仅”9个月。

后期耗费巨大，前期筹备也是精益求精。剧组用2000多张设计概念图，先勾勒出异世界的雏形；再历时5个月，搭建摄影棚20多个，用当时中国面积最大的动捕场地，为后期特效制作打好基础。

终极反派“赤发鬼”，是《刺杀小说家》特效技术的最佳体现。赤发鬼的制作“精细到毛孔级”。特效制作费一分钟高达200万的赤发鬼，全身40万根头发、90万个毛孔都经过雕琢。最终呈现的效果中，毛发清晰可见、毛孔随肌肉收缩、每根手指独特的皮肤纹理和细致入微的血管系统让角色栩栩如生。

赤发鬼成为春节档“出场费最高”的角色正是这种巅峰级的特效，让团队发出“第一次感到自己真正在干视效大片”的感慨，也让探班的吴京惊叹连连。

㈢ 有哪些剪辑很酷炫的电影

《爆裂鼓手》的节奏能将你融入其中，随着鼓点敲击着你的视觉听觉，进而占据你的思想，控制你的呼吸。剪辑明快流畅，行于其所行，止于其所止。《爆裂鼓手》这匹“黑马”是2015年奥斯卡和英国学院奖（BAFTA）双料“最佳剪辑奖”获得者。幸运来得如此之快，让主创团队措手不及。汤姆·克罗斯是电视剪辑出身，曾经是艾美奖最佳电视剧集《死木》（Deadwood）的剪辑师，另外也参与了《万恶俱乐部》、《疯狂的心》、《播种爱情》的剪辑工作。当然，最广为人知的作品，还是作为新晋剪辑师完成的《爆裂鼓手》。电影故事是来自导演达米恩·查泽雷的亲身故事，年轻时他曾经的理想是成为一个鼓手，也在高中遇到了一个极其严厉的音乐老师，这段在音乐世界中挣扎的故事就脱胎于此。不过，他后来考上了哈佛大学（看，少年得志不是没有来由的），且最终却凭借着这个极其个人化的故事进军电影界，并且斩获了各种大奖。

㈣ 动作奇幻电影《灵魂战车》，有哪些精彩的情节不可错过

当然是小男孩最后。意识到自己有和父亲一样的能力，对着主角一顿地狱之火把他的恶灵骑士又召唤出来了。将战局完全扭转，团灭了所有人。最后手中还剩一点点零星蓝光，却救活了本来奄奄一息的小男孩。重新阐释了灵魂战车的主题。

㈤ 电影影片剪辑技巧

电影影片剪辑技巧

电影的剪辑手段，主要是为了保证人物刻画的鲜明性、故事情节的连贯性、时间空间关系的合理性、节奏处理的准确性。那么都有哪些技巧呢？以下仅供参考！

剪辑的作用和目的：

作用是将单独看来没有任何意义的声音和画面，经过剪辑产生旋律，通过组合形成情节。

目的是：

1、准确鲜明地体现影视片的主题思想。

2、做到结构严谨和节奏鲜明

现介绍一些常用的影片剪辑技巧

一、切入切出 这是电影中最常用的一种镜头转换方法。即是不加技巧地从上一镜头结束直接转化到下一个镜头开始，中间毫无间隙。称为“切”。

二、淡出淡入 也称电影画面的渐隐、渐显。画面逐渐变暗，最后完全隐没，这种方法叫做淡出或叫渐隐。相反，画面逐渐由暗变亮，最后完全清晰，这个镜头叫做淡入，也叫做渐显。

三、划入划出 也是电影中镜头转换的一种技巧。有时用一条明晰的直线，有时用一条波浪型的线等从画面边缘开始直、横、斜地将画面抹去，叫划出。代之以下一个画面，叫划入。

四、化出化入 又称“溶出溶入”，也是电影中镜头转换的一种手法。在一个画面逐渐隐去（化出）的同时，另一个画面逐渐显露（化入）。这常常用在前后两个相互联系的.内容和场景，造成慢慢过渡的感觉。

五、叠印 指两个画面甚至三个画面叠合印成一个画面。常表现剧中人物的回忆、梦境、虚幻想象、神奇世界等。

六、其他技巧

焦点变虚。画面的若干画格焦点变虚，影像逐渐模糊。“虚”的速度和长度可以自由掌握，常表现剧中人视线模糊、昏迷等情景。

定格：常指一个动态镜头瞬间静止在某一画面上。

剪辑的精髓：

用画面讲故事。

有些人指出流畅的秘诀是动接动，其实这并不是唯一方法，剪辑还有静接静、动接静、静接动，效果要因片而异，都一样能剪出很流畅的片子。画面剪辑其实没有太多的限制，可以自由发挥，但是有一些准则是不能违背，比如说动接动：

1、既然是动接动，那么画面就不能是死的（固定画面），必须要有"推拉摇移跟升降"中的任意一个，如果碰上死画面，到PM或AE等软件中作推拉！！清晰度虽然有一点损失，但比起损失画面流畅感来说，要划算得多。

2、两个画面不能是相同景别相似机位（通常情况下，同机位剪辑是大忌，除非你追求特殊效果）

3、不能等画面运动到落幅才接,（简单说快定住或定住后）这样会影响流畅感，很多人以为画面一定要长到看清楚才行，其实画面剪辑也是一种调动人想象力的技巧，一个很短的镜头因为人的经验、想象，自然而然的把未表现的内容当成是已表现。

4、动的要有根据。如果是一个人在到茶壶喝水，那么镜头的逻辑关系就应该是：手拿茶壶、开盖（如果有）、另一只手拿杯子、倒水、水满......（基本上正常的规律），如果顺序颠倒，这组镜头就会看起来别扭。 褥疮怎么治疗褥疮如何治疗褥疮

5、注意节奏。节奏有两种，1：所表现的事物的内在逻辑关系形成的内在节奏。这是本来就有的。 2：外加的如音乐、噪声、这是人为的、利用外加因素控制节奏。

一条片子不能没有节奏，所谓流畅感其实就是剪辑中的节奏对人的冲击带来的心理影响。

剪辑的一般规律

1、 正确的剪切点：

剪辑是将许多零碎的画面片断串联为一个有节奏的整体的过程，这就涉及到一个应该在哪些地方进行剪切和连接的问题。

这里要提到一个画面顶点的概念，所谓画面的顶点，是指画面中动作、表情的转折点，比如人物手臂完全伸展时，点头打招呼后低头动作结束时，收回笑容的瞬间等。

这里要提到一个剪辑技巧：因为影像是一连串静止画面的连续，前面一个镜头的画面在人眼中会形成残留的影像，所以在实际剪辑工作中，遇到快速运动（画面内容）的镜头，要将剪切点提前一点。这样可产生体现出影像的旋律感和舒适感。比如一个翻书的动作，我们可以把最开始的剪切点选择在翻书动作已经开始的状态，若把翻书这个动作分解成25帧画面，那么就选择从第4或5帧处进入。将后点设为第21帧左右，这样不会对观众理解翻书动作产生影响，相反，还能表现出动作的旋律感和前后镜头的连贯性。

2、 动作剪辑中的固定规则：

指被拍摄物体为移动时的剪辑方法。

方法是将同一连续动作用不同机位和景别连接起来。为什么这么作：起源传说：一盘胶片时间很短，从前常常要因为更换胶片而不得不中断对一个动作的拍摄，然而人们发现用不同的镜头连接起来的同一个动作，看上去效果却出奇的流畅，给人以深刻印象，后来演变成动作剪辑的固定方法。

第一点：动作以7:3连接。

同一机位，不同景别时一般采取这种方法。如正面拍摄一个投手投球的动作，一个全景、一个近景，可以在全景开始30%或70%处接近景投手的细节，使整体动作达到流畅。当然根据素材的不同，可以故意将某些镜头剪切掉或是重叠起来，使整个动作体现另外的含义。

第二点；把两个动作连接成一个。

第一点介绍的是用不同的镜头连接同一个被摄物体，此处要介绍将不同的被拍摄物体的多个动作连接成一个，也叫“单个动作剪辑”。如击球动作，一般会这样处理：打出全垒打=》投手回头=》一垒手回头=》远远飞出去的球。采用这种剪辑方法，两位选手回头的动作就重复了，会给观众造成沉闷的印象。通过“单个动作剪辑”会把这两个回头动作整合成一个，通过剪辑来消除时间差。

具体作法是：在投手回头动作的前半部分进行剪切，连接一垒手回头的后半部分，这样能加强速度感并使画面连贯。当然在实际剪辑中我们为可以在加一组现场观众回头的镜头，来强化飞得很高很远的球（剪辑无定式）。

㈥ 动作电影中的衔接剪辑技巧

动作电影中的衔接剪辑技巧

动作电影又称为惊险动作片，是以强烈紧张的惊险动作和视听张力为核心的影片类型。下面给大家介绍动作电影中的衔接剪辑技巧，欢迎阅读!

动作电影中的衔接剪辑技巧

一 音乐是重中之重

预告片牛不牛逼，音乐权重占70%以上。

一段旋律有范、节奏变化丰富的音乐，是动作电影预告片的核心。适用于所有类型的电影预告片。

剪辑技艺再牛逼，音乐平庸，预告片就平庸；音乐品位高，曲子编辑的好（音乐不是拿来直接一整条用的，需要经过延长、缩短、拼接、变速、变音等处理），那么剪得糙一点都没关系。

音乐是最直观给你“感觉”的东西，2分钟的音乐包含着巨大的情绪流，一个字也不用讲，音乐一起，就能让你感到“兴奋”“感动”“爱情”“幻灭”“哲学”“宗教”“紧张”“恐惧”“压抑”等情绪，这些抽象的大主题里面又能细分出无数具体的意象。

而画面和对白，在预告片的几分钟时间里，只能呈现出零星的“信息”。

所以，音乐最关键。

二 剪辑技巧

先明确一点，我们剪预告片时，几个镜头剪成一组，几组镜头构为一幕，三幕或者四幕就能组成一条完整的预告片。

新来的剪辑师往往会出现“剪得比较乱”的问题，为什么？

1、一组镜头只需说清楚一个意思。如果你加入了不是这个意思的镜头，就会突兀。显得乱。

2、一组镜头讲完后，再去讲下一组镜头，逻辑上或者情绪上要有承接或者递进。新手会瞎跳乱跳，一组镜头还没讲完就开始下一组镜头。

3、幕与幕之间，要有大的逻辑串联。拿《小时代1》的先导预告举例子，第一幕起势，第二幕主角亮相正常世界，第三幕关系恶化进入低谷，第四幕事件和人物有了更丰富的变化进入高潮。（举小时代 预告片 的例子是因为，它是业内外公认的高水准预告片）

1、镜头之间的视点和动势最好接上。

A视点就是视觉重点，上个镜头的视点结束在画面左侧，下一个镜头的视点就尽量从左侧起。

B动势变化要顺。这个看具体情况处理。如果你仅仅把动势顺着方向或者快慢“接上”，那么看起来虽然舒服，但是有些楞。好看的动势要像书法。有断有连，有急有停，有粗有细，有开有合。这个看感觉了。

2. 根据音乐，普通镜头的剪辑要故意不压在节奏上，只把重要镜头压在节奏上。

为什么这样呢？所有镜头全压着节奏上，第一很楞，第二看起来像MV，第三（也是最重要的）你每个镜头都压在节奏上，都很爽，到了牛逼镜头或者该强化的镜头时，再压在节奏点上就没那么爽了，效果就出不来了。

这样是先抑后扬的一种做法。

3. “刺激——反应”链条。

剧情片里，说出的一句话，要接住。（用别人的反应、事件、另一句话等来接）

爱情片里，抛出的一个媚眼，要接住。（别人的媚眼，幸福的表情等来接）

动作片里，射出的一颗子弹，要接住。（东西被打烂，炸弹爆炸，人死亡等来接）

“刺激——反应”链条，是一组镜头最常用的叙事方式之一。给了刺激就一定要有反应，一组镜头才有结束感，结束之后再开始下一组镜头。路一步一步走，话一句一句说。新手剪片子，最常犯的毛病就是给了刺激，没反应。不知道怎么就到下一组镜头了。就好像你给别人讲故事，每句话都讲一半，观众不知道哪里出了问题，只觉得不舒服、不好，其实是你挖的坑没填上，绊到观众了。

4. 跳切、快放、快闪夹黑帧、慢镜头

镜头节奏要变化：几个快的'，就插一个慢的。几个近景，来一个远景。几个格斗，加个大场面。几句对话，来个爆炸……永远要给出变化，要有能量的起伏。带观众做过山车。

有时人物动作慢我会跳切或适当快放，显得有力一些。快闪夹黑帧这块，《匹夫》先导预告1分10秒处有例子，学生服日本刀砍人。

5. 如果一场戏很牛逼，就整场放。（并不是说你不去处理它）

国外预告片最爱用的技巧，为什么？因为人家电影拍的牛逼，场面撑得住。

常常最后一个镜头（就是最高潮那个），就用片子里的一个牛逼的场景镜头做结尾。不像我们，用高速剪辑或者凌厉的剪辑堆砌出一个高潮来。《独行侠》的许多款预告片都是这么干的，一整场动作场面码上去。很过瘾。

6. 起高潮之前压低，高潮后要安静，再起更高的高潮。

通常，开枪爆炸之前，我们会刹住音乐，让整个音响安静下来，说句话或者什么的，再起开枪或爆炸。这样做是为了让高潮显得更高更有力。通过能量差产生对比，做强效果。

再举《小时代1》先导预告的例子。第四幕是高潮，所以第三幕要低谷一点压抑一点（不管剪辑节奏、速度还是音乐能量都比其他几幕要低），而且，在起第四幕之前，先猛地安静，唐宛如喊叫“冲啊！”后，音乐再响起，进入高潮。

三 音响音效设计

评论里有位朋友说觉得音效最关键，实际上，没有最关键的，所有的步骤都是关键。创意、剪辑、音乐、音效、特效等方面全都做到高完成度，才能出一支好预告片。

好莱坞预告片的音效使用量是非常小的，随便打开一支好莱坞大片的预告，旁白和音乐占音响总量的90%，只有在关键的地方才有一两个音效。他们最重要的是对白，对白一起，音乐都会降好几个量级。

为什么呢？因为好莱坞重故事，而且好莱坞演员的念白都很棒，随便一句话都可以撑起来，，加上人家电影画面牛逼，音效这种东西要你用好音响才能感受的到，所以想要看预告片真正的音响设计，还得去电影院里看前面的贴片。（最近看imax版本的《007幽灵党》，前面有《火星救援》的全长贴片，那个录音水准和音响设计水平可以说是世界最高水平了，快去看吧）

话说话来，音响设计涉及到的声音层次有三层：音乐、旁白、音效。原理是：“此起彼伏，有起有伏”。

1、有起有伏

从大的音乐结构来看，必须做到“有起有伏”，音乐的能量不要一直高或一直低，需要变化。我们一般做音乐，同一个旋律走两小节，就要变化。要递进、中断或者旋律发生变化。否则观众看的时候会疲。

2、此起彼伏

这里主要指音效和对白需要此起彼伏，简单来说就是“有音效的地方别有对白，有对白的地方别有音效”“音效和对白不要打架”。这个以剪辑师为主，在剪辑时就应该注意，音响设计师做辅助。

观众在一定时间流里面能够注意到的信息是有限的，预告片属于高强度的信息流，对于观众注意点的设置一定是排列有序而不是挤在一起的。

所以大家看标准范式的好莱坞预告片，大的节奏设计通常是固定的：“说几句话”+“插个音效”， 完成一组镜头。对应剪辑就是：几个叙述镜头加对白或旁白+能出音效的镜头。

3、其他

音响在频率上大致有“高、中、低”三个频率段，许多新的预告片公司作品，往往听起来不够饱满、音效怪怪的、衔接不够顺滑。原因有三。

一是忽视了氛围音，主要是低音的填补。有一些耳机几乎听不出来的长长的“嗡”“呜”的低音，我们是会随着音乐能量的起伏，压在音乐下面。这一层很重要，缺少了就会让音响变得很“薄”。

二是音效的融合度不够。同一个声音，比如开枪的声音，乐库里面可能有一千种音效，你要找到能够融合进整体音响里面的那一个。找不到，就试，试不出来就自己做变音处理，把它融合进去。融合度低的音效，就像一段光滑木板上面的倒刺，很扎手。

三是衔接处理要顺滑。一部电影预告片会用到好几段音乐，成百上千种音效。这么多的元素拼在一起，要把他们的接缝处打磨顺滑，不扎耳朵。

㈦ 古装奇幻动作电影《青面修罗》开播，这部剧有哪些亮点和槽点

这部剧亮点就是有冯绍峰和胡军，而且有江湖打戏，画质是特别暗黑的，槽点就是剪辑太乱，没有时代背景。

㈧ 剪辑电影怎么剪辑

1.点击【分割】，当轨道上出现

剪刀形状时按下左键实现分割。像使用剪刀一样，在视频播放的过程中间，按下空格键能够定格在某一帧，点击左键这时候整段视频则被且分为两部分，重复操作即可将视频分为三部分、四部分等

2.当使用【分割】工具以后，一段视频已经成功切分为几部分。对于自己不需要的部分，首选选中，然后点击鼠标右键选择【删除】，就能够将不需要的部分删除。

3.当删除以后轨道上就出现空白，这时候一定要拖动视频将所有的无缝衔接起来，轨道不留白导出才没有黑屏，导出之前按住【ctrl+enter】从头播放一遍无误再导出。

首先电影剪辑在早期是通过负片冲洗出来的正片进行剪辑的，被冲洗出来的正片上每一格画面都会有编号和负片相对应，这个被拿来剪辑的正片叫工作拷贝。剪辑师将工作拷贝挂载到剪辑台的胶片转轴上可以控制正向、反向和逐格的查看，而定位光孔会直接把当前定位的胶片画面投影到小型的监视屏幕或者毛玻璃上。声音以磁带录制，以等比例的速度被平行放在和画面同步的另一卷转轴上，定位是感应磁头，保证声画同步即画面转动24格（常速播放1秒）磁带也转动常速播放1秒的走带长度。

剪辑操作就是在分别在两段胶片和磁带上找到需要剪辑的位置先用记号笔作出标记，然后剪断胶片和磁带，最后将需要连接的两段胶片和磁带用透明胶带粘合起来。这个操作每次被剪断的余片都要非常认真详细做好标记。因为如果剪多绝祥游了那么很有可能要在余片里重新找回一些画面和声音添加回来，所以需要在剪辑前对剪辑的不同画面非常熟悉并且有构造剪辑节奏非常强的时空想象能力，否则来回地尝试改变实际上会浪费大量的时间。每一刀的剪辑不是在机器上而是在脑海中，但现在已经很少有学校会学习胶片剪辑了。遇到像淡入淡出、叠化、多重曝光特效等镜头需要在剪辑台上决定特效时长和特效出入点后算出对应的画面格数然后用特殊记号笔标记出来。

剪辑好的工作拷贝会被送去整理出所有剪辑出入点的编号然后去查找出对应的负片，其中也包含覆盖特效画面格数的负片，冲好的负片被按照剪辑和特效的每一个出入点连接起来，不同的是连接时不再使用会破坏画面的透明胶带，而是齿孔卡扣，同时连接时不会直接用手而是质地非常细腻的真丝手套在柔软的绒布上进行。因为电影拍摄后冲出来的负片仅此宴洞一条，它的质量好坏直接影响到洗出的所有拷贝，所以一定是被顶级保护的。其中淡入淡出、叠化、多重曝光等特效镜头会在冲洗时采用配光技术完成，然后这个负片会被洗成成百上千个拷贝发往大大小小的电影院进行放映。

由于你的题目不甚明确，不知道说的是作为职业剪辑师的电影剪辑还是个人想电影混剪。这里我两个都说一下。

作为电影剪辑师，剪辑电影就具有高度的专业性，需要一定的剪辑技巧，电影剪辑通常被称为“隐形艺术”，大多数剪辑师的目标是创建无缝的成品。一旦工作完成，并且做得很好，就很难注意到单独的部分。以下说几个电影剪辑的剪辑技巧：

1.长镜头

在过渡到下一个镜头之前持续一段很长时间的镜头。每个镜头的平均长度在不同的时间和地点差别很大，但大多数当代电影的剪辑速度往往更快。一般来说，任何一分钟以上的镜头都被认为是长镜头。

2.节奏

声音的频率和规律性，一连串的镜头和镜头内的动作。节奏因素包括节拍（或动感）、腔调（或重音）和节奏（或速度）。节奏是电影的基本特征之一，它决定了电影的情绪和观众的整体印象。这也是最复杂的分析之一，因为它是通过场景、摄影、声音和剪辑的组合来实现的。的确，节奏可以理解为电影中所有元素的最终平衡。

3.重叠剪辑

重复部分或全并销部动作的剪辑，从而扩展了它的观看时间和情节持续时间。最常见的是实验性电影制作，由于其短暂的令人不安和纯粹的图形性质，它也出现在动作和动作优先于情节和对话的电影中:体育纪录片、音乐剧、武术等。重叠剪辑是80年代和90年代香港动作电影的共同特点。当导演吴宇森移居好莱坞后，他试图将这种风格融入主流动作片，比如《碟中谍2》。

4.转场

镜头是由剪辑定义的，但剪辑也可以将镜头连接在一起。在传统中，剪辑是为了建立空间，引导观众看到场景中最突出的部分。

1.借位

借位在连贯性剪辑中，是一种从一个镜头到另一个镜头显示连续时间和空间的方法，但实际上它与场景中人物或物体的位置不匹配。在文森特·明奈利的《火树银花》中，牺牲了真实的物理空间来换取戏剧性的空间。正如在第一个画面中看到的，电话后面是有一堵墙的。然而，在第三个镜头中，这堵墙神奇地消失了，为了显示电话和围坐在餐桌旁的家人（电影中的一个重要元素），从一个角度看，这在真实的房间里是不可能的。

2.交叉

交替拍摄在不同地方发生的动作镜头，通常同时进行。因此，这两个操作被衔接起来，将来自不同空间的角色关联起来。为了进一步强调他们的相似之处，这位父亲实际上是在重温他和第一个女朋友的第一次约会，而他的女儿实际上是在第一次约会。杨使用跨越时空的交叉，暗示历史会一代又一代地重复。

3.切入镜头、切离镜头

在同一空间中，从远处取景到近景的瞬间转换，反之亦然。

4.叠化

两个镜头之间的过渡，第一个画面逐渐消失，而第二个画面逐渐出现。有那么一会儿，这两个画面混合在一起了。叠化可以作为一个相当直接的手法连接任何两个场景，或以更有创意的方式，例如暗示幻觉的状态。

5.圈入/圈出

一种圆形的、可移动的蒙版，它可以结束一个场景（圈出）或强调一个细节，也可以打开一个场景（圈入）或显示一个细节周围的更多空间。

跳跃式剪辑是用来表达的，暗示一个角色或他/她的日常生活的沉思或矛盾，但这也是与主流电影叙事方式决裂的明确标志。与其把一部电影呈现成一个完美的、在我们面前无缝展开的独立故事，不如说，跳跃式剪辑就像是一句话，既证明了讲述这样一个故事的人为性，也证明了讲述这样一个故事的困难性。

6.定位镜头/再定位镜头

一种镜头，通常包括远距取景，显示场景中重要人物、物体和背景之间的空间关系。通常情况下，场景的前几个镜头通常是定位镜头，因为这介绍了其中的位置关系和空间关系。

7.正反打镜头

两个或两个以上的镜头对角色进行相互切换，通常在对话的情况下。

8.叠画

在同一胶片上曝光多个图像。与叠化不同，叠画并不意味着从一个场景到另一个场景的转换。通常是用于相同的演员在屏幕上同时出现两个角色、表达主观或醉酒的视觉效果，或者简单地将叙事元素从另一部分的迷幻世界引入场景。

9.划像

一种镜头之间的过渡，其中一条线穿过画面，在第一个镜头移动时将其删除，代之以下一个镜头。这是一个动态的、引人注目的转变，通常用在动作或冒险电影中。

就像其它的转场方式，比如横摇，划像在特定的历史时期（20世纪50年代和60年代）变得流行起来，以至于成为那个时期电影的风格标记。

5.匹配剪辑

匹配剪辑指的是通过在两个镜头之间建立某种形式的联系来连接和分割两个镜头的技术。这种联系可以从场景描述的情况中推断出来（例如，图形匹配）。

1.视线匹配剪辑

一种遵循动作原理的剪辑，第一个镜头是一个人朝一个方向离开，第二个镜头是一个附近的空间，里面有他或她看到的东西。如果这个人向左看，下面的镜头应该暗示这个人在屏幕外是向右看的。

2.图形匹配剪辑

两个连续的镜头连在一起，以创造出构图元素的强烈相似性（如颜色、形状）。用于传输连续性样式，以平滑的方式在两个镜头之间进行过渡，图形匹配剪辑也可以用来做隐喻性的联想，就像苏联连贯性风格。

6.剪辑风格

1.连贯性剪辑

一种保持叙述动作连贯的剪辑方式。连贯性剪辑依赖于从一个镜头到另一个镜头的方向、位置和时间关系，即连续镜头之间的时间和空间是连贯的。此外，当屏幕上的方向与电影世界的方向相匹配时，叙述也更容易被理解了。如下图所示，“180度规则”规定了摄影机应该停留在动作轴两边的一个区域内（场景中有一条主要元素A和B之间的假想线，通常是两个角色）。

通过遵循这一规则，导演要确保每个角色在画面中占据一个一致的区域，帮助观众理解场景的布局。这种一致的空间感通过例如动作匹配等技术手段得到了加强。

2.蒙太奇

包括镜头内的蒙太奇、声音和图像之间的蒙太奇，多层次的含蓄，以及在两个镜头之间的冲突。通过持续时间、屏幕方向和镜头比例的模式联系在一起，从而产生了使不相关联的镜头产生了意义。

3.省略式剪辑

省略事件中部分的镜头过渡，导致情节和故事持续时间的省略。

讲完这些，再来说说电影的混剪。

第一步，确定好要剪辑的中心思想

在开始混剪之前，我们首先要确定好要剪一个什么类型的片子，而不是一上来就开始动手剪辑，所谓的谋定而后动说的就是这个道理。

第二步，挑选影片素材

主题确定好了之后，开始围绕着主题挑选素材，你不能定下要剪辑温馨拥抱合集，却挑选出打斗血腥的场面。例如剪辑漫威反派，就挑选漫威系列的电影，剪辑钢铁侠，就挑选涉及到钢铁侠的电影，剪辑机器人系列，就挑选科幻类的电影，剪辑中国功夫，就挑选武侠功夫片等等。

第三步，确定框架

浏览影片确定好架构并找出适合片段电影准备好之后，要根据自己的中心思想定下大体的框架，比如开端--发展--高潮--结局等，然后浏览影片挑选出合适的片段。

第四步，音乐很重要

挑选合适的音乐音效素材不夸张的说音乐挑的好，混剪就成功一半了，要根据中心主题和架构来挑选音乐，剪辑温馨的就挑选舒缓的音乐，剪辑激烈打斗的就挑选激昂燃系的音乐等等。

第五步，粗剪

根据音乐和架构进行粗剪首先根据架构把挑选出来的片段整理好，其次把同类动作拼起来，比如跳跃、拥抱、跑步、碰撞、攻击、摔倒、爆炸等等。最后根据台词旁白等铺陈好画面，整体连贯起来。

第六步，精剪

根据音乐的节奏，开始一帧帧的调整，在高潮部分卡准音乐节奏节拍。删掉多余的镜头。

第七步，检查

反复修改好的片子都要反复的修改，自己多看几遍，修改好了，再请别人观看提出修改意见，反复雕琢，直至能打动自己，才能打动观众。

第八步，成片输出

渲染输出在修改好之后无误就可以渲染输出成片啦！