手绘电影院

❶ 《哪吒》给《你好，李焕英》手绘贺图，电影人之间都有哪些有趣的互动

“娘，我长大一定有出息”，这是看了《你好，李焕英》后的感触。

《你好，李焕英》的票房就已经超过了电影了《哪吒之魔童降世》，目前《你好，李焕英》的票房已经达到了50.4亿，也是最快达到50亿票房的电影。

目前贾玲的这部《你好，李焕英》已经成为中国电影史上票房第二的电影，作为被超越的《哪吒之魔童降世》很大气，发博文祝贺，并附上了一张饺子导演手绘漫画。

漫画也是非常有心有趣，哪吒妈妈骑车带着哪吒去电影院看《你好，李焕英》这部电影，回来的路上哪吒在后座上哭着说“娘，我长大一定有出息！”两部影片中主角在海报上其乐融融。

《红海行动》做的祝贺海报上则署名“来自蛟龙小队的祝福”“祝魔童哪吒闹海成功”。

祝福我们国产电影事业蒸蒸日上。

从这些影片每一次超越后的互动不难看出，电影人的用心和谦逊，大家都在为别人祝贺的同时激励着自己希望自己可以更进一步。

也希望我们国产的影片事业发展的越来越好，可以有更多更优秀的电影人涌现在这个舞台上，也希望有更多优秀的影片来丰富我们业余生活。

❷ 终于让我们找到，日本的天堂电影院

如果尘世有天堂，一定是电影院的模样。

电影院让许多陌生人一起，大哭或者大笑，共同的情绪在黑暗的空间里流淌，又因为有黑暗的保护，悲欢都肆无忌惮。

有情侣在拥吻，有心意相通的眼神在交换，有伸出又缩回的满怀情意的手，有人在发呆，有人在打盹……

但时代如战车，轰隆驶过，不用说童年的工人文化宫、人民电影院，就是几年前去的书店、咖啡厅、常访问的网站，都在毫无保障的快速消失。世间风波，只管一变再变。

在神奈川县藤泽市，湘南海岸的鹄沼站前，有一条商业街，一直走下去会通往海的方向。

2017年春天，这条商业街上的一栋建筑物里，诞生了当地唯一一家迷你影院。准确地说，是面包店＋咖啡厅＋图书馆＋电影院。

因为建筑物从前是镇上的照相馆，所以墙壁上依旧挂着那些老照片。照片上的人如今早已老去、死去，但这里还在展示他们曾经的高光时刻，永远鲜活鲜亮，光彩照人。

步入一楼，是一个面包店＋咖啡厅的空间，最里面还有一个图书阅览室，付费使用，500日元3小时，面包和咖啡都可以买好后带进去。把自己没入沙发，通过书籍去往世界上任何一个地方，一个故事里。

沿着弧形的扶手木梯上到二楼，就是一家迷你电影院。座位不是连排的，而是厚重的沙发与木制咖啡桌，人们可以边喝咖啡边进食边聊天边看电影。一部电影1500日元，自己挑选，小学生是1000日元。

利用一个下午的时间，约上朋友一起来这里，买两个面包，各自一杯咖啡，走上二楼影院，选一部彼此喜欢的，边看边聊……

2小时候后走出影院，周边景致跟2小时前，甚至跟2年前都没有变化，但彼此的精神世界和情感世界，全然不同。

擦肩而过的人不会明白，你们刚刚去过了罗马或楼兰，经历了生死，参与了历史，在另一个维度里过完了一生。那种充盈又虚脱的感觉，只有彼此知晓。

迷你影院的主人，叫翔子，今年36岁。她从小就爱看电影，沉迷于老旧电影院与二手书店所独有的空气，高中时进电影院里打小时工，大学考的是东京工艺大学，影像制作专业。

毕业后，她回到老家藤泽市，在市民活动推进中心工作。老家原本有两个小型影院，虽然都只有一个放映厅，但也是地域民众非常喜欢的文化场所。

自进入2000年以来，小型影院陆续关闭，藤泽市也未能幸免。

翔子将特长用于工作，为大家组织放映会，一个月一次，让电影文化重新回到藤泽来。

她选片品味好，策划周详，所需费用，比如租借的放映器材、隔音措施等，都会列出明细并公开。活动的口碑越来越好，吸引到的观众也越来越多。

“当你真心想要某样东西，整个宇宙都会联合起来帮你。”

翔子的行动力，感染了周围，大家以众筹的形式，帮助她成立了一家株式会社，运营现在的迷你影院——面包店＋咖啡厅＋图书馆＋电影院。

她把自己喜欢的空间，都聚集到了一栋建筑里。

这家迷你影院跟旧时光里的一样，手绘宣传海报，自制电影手册，定期策划书籍加电影的交流活动，让藤泽这个小小的车站周边，成为众多人心目中的文艺圣地。

愿所有朴实而纯真的理想，都能够实现，愿年轻人与老街的碰撞，为更多地域带来新的希望。

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#终于让我们找到，日本的天堂电影院

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❸ 影视行业 需要画画的吗

快奔三了应该有些社会资源了。。。。影视行业涵盖的面很大，总的来说不牵扯特效就是些前期：拍摄 后期：后期的剪辑合成之类的。前期的拍摄先不说，后期的话就是需要掌握一些软件，软件要熟练的话没个半年也很难，特别是对这些合成的内容有深入的了解。总的来说可以说是跟绘画的功底特别是写实的东西的关系并不是很大，需要审美，当然会画画在处理一些特殊的案例的时候会有些帮助。工作这个东西做是没什么不能做的。但是感觉奔三了转行如果是转到一个关系不是很大或者几乎不太了解的行业的话特别是干技术活。反正是不太好。要是不是技术活转不转行倒是问题也不大。关键是技术活转行就跟重新开始一样。。。。。无形之中在专业范围内的高度就比别人低。你会发现你的同行都比你小很多。你也不容易做上去。。。。

❹ 万茜为十年老粉手绘Q像，她都为粉丝发放了哪些宠粉福利

万茜自从去年参加了芒果tv的综艺《乘风破浪的姐姐》以来，她的关注度又上升了很多。而且她出道多年，出演过很多的作品，也有一定的粉丝。最近。万茜给一个喜欢了她十年的老粉手绘Q像，这样的宠粉行为也让万茜再次上了热搜。

万茜和粉丝之间的感情也非常的让人感慨。也很少有明星这样做。宠粉的明星有很多，但是每个人的方式都不一样。粉丝对偶像的感情，其实更多的是守护。为偶像的发展保驾护航。粉丝与偶像的这种互动也才是最正常的关系。不停。不像有的粉丝那么的极端，成为了私生饭，还跟踪偶像，这无形中也破坏了偶像和粉丝之间的关系，私生饭叶引起了正常粉丝的不满。私生饭这类的粉丝应该杜绝，不应该让他们都群体继续发展。

万茜作为实力派演员，她的路人缘一直很好，当时《乘风破浪的姐姐》里面，有很多姐姐都想和万茜一组，就可以看出来万茜到底有多惹人喜欢了。而且万茜人很低调，除了作品，基本上看不到她的其他新闻。真的人淡如菊。

❺ 为什么3d电影和普通电影不一样3D电影是怎么做出来的

基本原理
立体电影就是用两个镜头如人眼那样的拍摄装置，拍摄下景物的双视点图像，再通过两台放映机，把两个视点的图像同步放映，使这略有差别的两幅图像显示在银幕上，这时如果用眼睛直接观看，看到的画面是重叠的，有些模糊不清，要看到立体影像，就要采取措施，使左眼只看到左图像，右眼只看到右图像，如在每架放影机前各装一块方向相反的偏振片，它的作用相当于起偏器，从放映机射出的光通过偏振片后，就成了偏振光，左右两架放 立体电影效果
映机前的偏振片的偏振方向互相垂直，因而产生的两束偏振光的偏振方向也互相垂直，这两束偏振光投射到银幕上再反射到观众处，偏振光方向不改变，观众使用对应上述的偏振光的偏振眼镜观看，即左眼只能看到左机映出的画面，右眼只能看到右机映出的画面，这样就会看到立体景像，这就是立体电影的原理。互补色、开关、柱镜、狭缝光栅等都是在保证左眼看左图，右眼看右图这一基本原理上的几种屏幕观看立体的不同方式。随着科技的进步，人们在屏幕上看立体的方式会更多。
原理解析
人以左右眼看同样的对象，两眼所见角度不同，在视网膜上形成的像并不完全相同，这两个像经过大脑综合以后就能区分物体的前后、远近，从而产生立体视觉。立体电影的原理即为以两台摄影机仿照人眼睛的视角同时拍摄，在放映时亦以两台放影机同步放映至同一面银幕上，以供左右眼观看，从而产生立体效果。 拍摄立体电影时需将两台摄影机架在一具可调角度的特制云台上，并以 立体电影原理
符合人眼观看的角度来拍摄。两台摄影机的同步性非常重要，因为哪怕是几十分之一秒的误差都会让左右眼觉得不协调;所以拍片时必须打板，这样在剪辑时才能找得到同步点。 放映立体电影时，两台放影机以一定方式放置，并将两个画面点对点完全一致地、同步地投射在同一个银幕内。在每台投影机的镜头前都必须加一片偏光镜，一台是横向偏振片，一台是纵向偏振片(或斜角交叉)，这样银幕就将不同的偏振光反射到观众的眼睛里。观众观看电影时亦要戴上偏振光眼镜，左右镜片的偏振方向必须与投影机搭配，如此左右眼就可以各自过滤掉不合偏振方向的画面，只看到相应的偏振光图象，即左眼只能看到左机放映的画面，右眼只能看到右机放映的画面。这些画面经过大脑综合后，就产生了立体视觉。 利用人的双眼视角差和会聚功能等特性拍摄的放映时产生立体效果的电影。普通的电影或照片都是一个镜头从单一视角拍摄的，影像都在同一平面上，人只能根据生活经验（如近大远小、光线明暗）产生空间感。而立体电影则是由从类似人两眼的不同视角摄制的具有水平视角差的两幅画面组成的，放映时两幅画面重叠在幕上呈双影，通过特制眼镜或幕前辐射状半锥形透镜光栅，观众左眼看到的是从左视角拍摄的画面、右眼看到的是从右视角拍摄的画面，通过双眼的会聚功能，于是合成为立体视觉影像。观众看到的影像好像有的在幕后深处，有的脱框而出，似伸手可攀，给人以身临其境的逼真感。采用幕前辐射状半锥形透镜光栅的立体电影受观众厅座位区位置的严格限制，观众头部不能随便移动，否则立体效果消失，因此观众感到异常不便。在戴眼镜观看的立体电影中，广泛采用着彩色眼镜法和偏光眼镜法。彩色眼镜法是把左右两个视角拍摄的两个影像，分别以红色和青（或绿）色重叠印到同一画面上，制成一条电影胶片。放映时可用一般放映设备，但观众需戴一片为红另一片为青（或绿）色的眼镜。使通过红镜片的眼睛只能看到红色影像，通过青色镜片的眼睛只能看到青色影像。此法的缺点是观众两眼色觉不平衡，容易疲劳；优点是不需要改变放映设备。初期的立体电影常用这种方法。1985年日本筑波国际科技博览会上展出了采用这种方法的球幕黑白电影，效果更佳。偏光眼镜法的立体电影，从1922年开始一直为各国所重视，有些国家已和大视野的电影相结合，拍成质量更高、效果更好的彩色立体电影。这种电影在放映时，左右画面以偏振轴互为90°的偏振光放映在不会破坏偏振方向的金属幕上，成为重叠的双影，观看时观众戴上偏振轴互为90°、并与放映画面的偏振光相应的偏光眼镜，即可把双影分开获得立体效果。由于制作和放映工艺的不同，偏光立体电影有双机和单机之分。1985年的筑波博览会上展出了70毫米大银幕彩色立体电影。自60年代以来，中国拍摄的立体电影是采用偏振光方式观看的立体电影。 苏联在70年代研试了全息立体电影，观看时不必戴眼镜，有很大的影像亮度范围。由于观众眼睛的视觉调节和收敛是自然的，不会引起过分紧张和疲劳，观众只要转动头部，即可看到如同实物那样的位置变化，比普通电影有更大的深度感，就象真实物体那样。这种电影仍在研究试验阶段。
偏振技术
你看过立体电影吗?你知道它的道理吗?它就是应用光的偏振现象的一个例子。在观看立体电影时,观众要戴上一副特制的眼镜,这副眼镜就是一对透振方向互相垂直的偏振片。这样，从银幕上看到的景象才有立体感.如果不戴这副眼镜看，银幕上的图像就模糊不清了。这是为什么呢? 这要从人眼看物体说起。人的两只眼睛同时观察物体，不但能扩大视野，而且能判断物体的远近，产生立体感。这是由于人的两只眼睛同时观察物体时，在视网膜上形成的像并不完全相同，左眼看到物体的左侧面较多，右眼看到物体的右侧面较多，这两个像经过大脑综合以后就能区分物体的远近，从而产生立体视觉。 立体电影是用两个镜头如人眼那样从两个不同方向同时拍摄下景物的像，制成电影胶片。在放映时，通过两个放映机，把用两个摄影机拍下的两组胶片同步放映,使这略有差别的两幅图像重叠在银幕上。这时如果用眼睛直接观看，看到的画面是模糊不清的，要看到立体电影，就要在每架电影机前装一块偏振片，它的作用相当于起偏器。从两架放映机射出的光，通过偏振片后，就成了偏振光。左右两架放映机前的偏振片的偏振化方向互相垂直，因而产生的两束偏振光的偏振方向也互相垂直。这两束偏振光投射到银幕上再反射到观众处，偏振光方向不改变。观众用上述的偏振眼镜观看，每只眼睛只看到相应的偏振光图象，即左眼只能看到左机映出的画面，右眼只能看到右机映出的画面，这样就会像直接观看那样产生立体感觉。这就是立体电影的原理。 我国在八十年代制作的立体电影是采用一个镜头拍摄和放映的立体电影，两套图象交替地印在一条电影胶片上，还需要一套复杂的光路装置及偏振系统，这里就不一一涉及了。
编辑本段立体电影制作流程
剧本讨论
立体影片制作客户的要求，主要诉求点，制作师交流与沟通。
概念设计
业内通用的专业立体电影流程前期制作，内容包括根据剧本绘制的动画场景、角色、道具等的二维设计以及整体动画风格（色调，节奏，情绪，泥塑---魔戒，星战，绿巨人等）定位工作，给后面三维制作提供参考。
分镜故事板
根据文字创意剧本进行的实际制作的分镜头工作，手绘图画构筑出画面，解释镜头运动，讲述情节给后面三维制作提供参考。
粗模
在三维软件中由建模人员制作出故事的场景、角色、道具的粗略模型，为故事板（Layout）做准备。
3D故事板(Layout)
用3D粗模根据剧本和分镜故事板制作出Layout（3D故事板）。其中包括软件中摄像机机位摆放安排、基本动画、镜头时间定制等知识。
3D角色建模型\3D场景\道具模型
根据概念设计以及客户、监制、导演等的综合意见，在三维软件中进行模型的精确制作，是最终动画成片中的全部“演员”。
贴图材质
根据概念设计以及客户、监制、导演等的综合意见，对3D模型“化妆”，进行色彩、纹理、质感等的设定工作，是动画制作流程中的必不可少的重要环节。
骨骼蒙皮
根据故事情节分析，对3D中需要动画的模型（主要为角色）进行动画前的一些变形、动作驱动等相关设置，为动画师做好预备工作，提供动画解决方案。
分镜动画
参考剧本、分镜故事板，动画师会根据Layout的镜头和时间，给角色或其它需要活动的对象制作出每个镜头的表演动画，有人工设定关键帧，也有动作捕捉器。动画调节在三维动画中是与二维动画类似的思考方法，但在这个工作上三维动画有很大的优势。我们知道二维动画在制作时有“原画师”和“动画师或中间画”，在三维动画的世界之中设计者做的是“原画师”的工作，我们操作骨骼系统在不同的关键帧设定动画。而“动画师”的工作则全部由计算机自动完成。
灯光
根据前期概念设计的风格定位，由灯光师对动画场景进行照亮、细致的描绘、材质的精细调节，把握每个镜头的渲染气氛。
3D特效
根据具体故事，由特效师制作。若干种水、烟、雾、火、光效在三维软件（Maya）中的实际制作表现方法。
分层渲染/合成
动画、灯光制作完成后，由渲染人员根据后期合成师的意见把各镜头文件分层渲染，提供合成用的图层和通道。 配音配乐 由剧本设计需要，由专业配音师根据镜头配音，根据剧情配上合适背景音乐和各种音效。片子的音乐可以作曲或选曲。这两者的区别是：如果作曲，片子将拥有独一无二的音乐，而且音乐能和画面有完美的结合，但会比较贵；如果选曲，在成本方面会比较经济，但别的片子也可能会用到这个音乐。 旁白和对白就是在这时候完成的。在旁白和对白完成以后，在音乐完成以后，音效剪辑师会为影片配上各种不同的声音效果，至此，一条立体电影的声音部分的因素就全部准备完毕了，最后一道工序就是将以上所有元素并的各自音量调整至适合的位置，并合成在一起。这是立体电影制作方面的最后一道工序，在这一步骤完成以后，则立体电影就已经完成了。
后期剪辑
用渲染的各图层影像，由后期人员合成完整成片，并根据客户及监制、导演意见剪辑成不同版本，以供不同需要用。
编辑本段观看方式
1. 空分法
电影院中普遍采用。 现在有不少影院都拥有3D立体放映厅，放映时通过两个放映机来播放两个摄影机拍下的电影，在屏幕上就会同步出现两组有差别的图像，一般用偏振眼镜观看，也有用光谱眼镜的。
不闪式3D技术
不闪式3D 电视方式是最接近我们实际感受立体感，最自然的方式。如同在电影院里享受生龙活虎的3D影像，能够同时看两个影像把分离左侧影像和右侧影像的特殊薄膜贴在3D电视表面和眼镜上。通过电视分离左右影像后同时送往眼镜，通过眼镜的过滤，把分离左右影像后送到各个眼睛，大脑再把这两个影像合成让人感受3D立体感。 不闪式3D的特点：有关视角方面，在视听推荐距离内观看时不闪式3D全然不成问题。比如，除了在一米以内站着、坐着或者用非常不正常的姿势观看电视以外，在3D电视视听推荐距离内观看时没有任何问题的。 唯一缺点是播放1080p时只有540p，也就是画质减半，导致效果不明显。 不闪式的优势 首先没有闪烁，能体现让眼睛非常舒适的3D影像。不闪式3D没有电力驱动，可舒适佩戴眼镜并且全然没有闪烁感。因此可以尽情享受让眼睛非常舒适的3D影像。看实际测量闪烁程度的数据就能知道数据几乎是零，不会有头晕的状态出现。 能够用轻便舒适的眼镜享受3D影像。不闪式3D眼镜轻便、价格合理，还可以使用夹套眼镜让配戴眼镜的人也能舒服使用。 体现没有重叠画面的3D影像。画面重叠现象是因为右侧影像进入左侧眼睛或左侧影像进入右侧眼睛而发生的。不闪式3D所使用的特殊薄膜分离左右影像后体现3D影像，所以不会发生画面重叠现象享受好像看到活生生的真实物体的立体影像。通过实际测量画面重叠的数据就能知道不闪式3D的重叠数据是人无法感知的水平。
2. 互补色技术
是另一种3D立体成像技术，现在也比较成熟，有红蓝、红绿等多种模式，但采用的原理都是一样的。色分法会将两个不同视角上拍摄的影像分别以两种不同的颜色印制在同一副画面中。这样视频在放映是仅凭肉眼观看就只能看到模糊的重影，而通过对应的红蓝等立体眼镜就可以看到立体效果，以红蓝眼镜为例，红色镜片下只能看到红色的影像，蓝色镜片只能看到蓝色的影像，两只眼睛看到的不同影像在大脑中重叠呈现出3D立体效果。
3. 时分法
时分法需要显示器和3D开关眼镜的配合来实现3D立体效果。时分法所采用的立体眼镜构造有些复杂，当然成本也高些。两个镜片都采用电子控制，可以根据显示器的输出情况进行状态的切换，镜片的透光、不透光切换使得人眼只能看到对应的画面（透光状态下），双眼看到不同的画面就能够达到立体成像的效果。 优点： 应用得最为广泛，资源相对较多 缺点： 1、戴上眼镜之后，亮度减少较多； 2、3D眼镜快门的开合在日光灯作用下与左右图像不完全同步，会出现串扰重影现象； 3、快门式3D眼镜的售价基本在1000元左右，相对较贵，并且需要安装电池或充电使用。
4.光栅式
为了迎接2008北京奥运会接收电视立体节目，我国自己制造出了光栅式的立体电视机，但光栅式也有缺点，就是清晰度和其它的立体相比要差些，只有在非常大的电视上清晰度稍高，但这样一来，价格也就上去了，想克服这个缺点就是要技术进步。
5.普氏立体
这是一战后的一位老兵发现的一种看立体的方式（国内叫过全真立体），这项立体电视技术与原有各种制式的电视设备兼容，其原理是在拍摄立体节目时，让摄像机向左或向右匀速移动，主要是运动立体的效果。观众看节目时，戴上一付对应左移或右移的特制眼镜，这种眼镜的镜片一个是透明的，另一个是半透明的，成本低廉，如果不戴眼镜和看普通电视没有区别。这项技术面临淘汰的原因是左移与右移所拍的片子与观看带的眼镜容易混淆，造成立体效果不明显，而其兼容性好的特点又被过度炒作，八十年代起，在全球几十个国家几起几落。
6.观屏镜：
以前专用于看立体相机拍的图片对，图片对一般左右呈现。现在这种观屏镜也可看左右型立体电影。缺点：看图像或电影时最多只能是屏幕一半大小；优点：非常清晰。
7.全息式：
这种目前无法推广。在各个角度看上去都是立体的，不用立体眼镜。价格是贵得出奇，只在科技馆有展示。

我们现在在电影院里看到的3D电影一般都是后期制作的说是3D电影起是没有什么太多的效果，电影院里播放的时候都是用两个投影仪播放效果也不明显，功夫熊猫的3D效果很不错了，不过看的时间久了眼镜适应了或者疲劳了就不会感觉那么明显了，需要摘下来3D眼镜休息一下，才能继续看。想看3D就去一些比较专业的地方的3D短片还可以。

❻ 请问3D、2D、IMAX、普通版、双机3D版的电影有什么区别

2d动画技术一般的动画技术，比如诸多日本动漫都是用2d绘制的，一般手绘都可以画出的那些动画。2d电影2D电影就是采用8mm胶片摄影机拍摄的，可在普通院线放映的电影，即平时到电影院看的一般的大银幕电影3d动画的概念普通3D电影，应该就是不带眼镜看的电影，但是电影的内容是通过3D技术制作的。这种3D动漫或特效制作的电影可以叫做3D影片，即3维动画，但实际上渲染出来后播放时仍然是2D的，就像你不带立体眼镜玩3D游戏时，很漂亮，是3维世界场景，但是没有深度感。（早年的怪物史莱克，小鸡快跑等都可以称为3d动画电影）即这里所说的3d是一种动画技术。 普通3d电影技术概念（需要戴3d眼睛的那种）3D立体电影的制作有多种形式，其中较为广泛采用的是偏光眼镜法。它以人眼观察景物的方法，利用两台并列安置的电影摄影机，分别代表人的左、右眼，同步拍摄出两条略带水平视差的电影画面。观众戴上特制的偏光眼镜时，由于左、右两片偏光镜的偏振轴互相垂直，并与放映镜头前的偏振轴相一致；致使观众的左眼只能看到左像、右眼只能看到右像，通过双眼汇聚功能将左、右像叠和在视网膜上，由大脑神经产生三维立体的视觉效果。展现出一幅幅连贯的立体画面，使观众感到景物扑面而来、或进入银幕深凹处，能产生强烈的“身临其境”感。
Imax3dIMAX是加拿大的IMAX集团所研发的一种巨型银幕电影。一般商业用35厘米影片为4个齿孔一个画面，IMAX的底片面积有传统35厘米底片之十倍大之多，保存期限也较长。IMAX底片分辨率高，投射至银幕之画质表现亦格外清晰自然，就算在比一般播放35厘米影片之银幕大上十倍之银幕上仍可呈现完美投射，无粗糙颗粒感之鲜明影像使情境更趋近真实。
除了一般的IMAX影片之外，IMAX后来又发展出了IMAX-3D以及IMAX-DMR这两种新的技术，所以IMAX电影并不一定是3D立体电影。3D立体电影设计是透过观众所戴之3D立体眼镜分别接收左右眼影像后译解成3D立体的效果。传统的3D胶片技术，将左右眼视觉影像同时存放在同一个胶卷中，，而IMAX 3D技术不仅使用世界最大的IMAX底片，并且使用双胶片分开录制、播放左眼及右眼的影像，使得影像更立体清晰，色彩也更鲜明。
双机3D 双机3D系统也就是通过两台放映机进行3D放映，其优势显著突出：用2台数字放映机分别模拟人眼的左眼和右眼，立体感强，亮度高，极大地弥补单机3D画面亮度不足，画面更加平滑流畅，全无高频闪烁和画面模糊现象，消除了单机3D系统放映的长时间观看带来的视觉疲劳和眩晕感。 双机3D色彩更细腻绚丽，实现高品质的观影效果，让观众不再只是看电影而是享受、体验电影。它是仅次于目前图像质量最好的IMAX 3D放映系统，但免除了IMAX 3D昂贵成本和改造条件的限制。色彩鲜艳可与IMAX放映效果媲美，再配上高品质的金属银幕，观众的视听感受会更加强烈，也看得更加过瘾。也正是如此，国内很多一线城市的影迷对于双机3D的追捧不亚于IMAX3D

❼ 大咖的作品出炉前，手绘设计草图是什么样子

出生于热那亚的当代著名建筑师――伦佐皮亚诺（Renzo Piano），带着意大利男人独有的自由热情与对艺术的热爱驰骋设计界数十余年。虽说经历过动荡战争的洗礼，内心却仍像个孩子般活泼且富有生命力。

1998年皮亚诺获得第二十届普利兹克奖，他的代表作有：蓬皮杜艺术中心/关西国际机场/提巴欧文化中心/波茨坦广场改造等。除了声誉海外的作品，他的草图是众多设计师学习效仿的对象，主旨表达清晰、线条精炼至极、偶尔的色彩点缀让画面顿生美感，这些都来源于他自信而成熟的设计思维。下面能哥就带大家感受下大师的灵魂草图吧~

英国伦敦碎片大厦

碎片大厦位于伦敦泰晤士河南岸的大厦，高达309.6米，是全欧洲第二高的大厦，仅次于莫斯科水星城。（修建完成后为西欧最高建筑）。

乔治蓬皮杜艺术与文化中心

这座文化中心坐落在巴黎塞纳河右侧，于1977年建成，整座建筑占地7500平方米，建筑面积共10万平方米，共分为工业创造中心、大众知识图书馆、现代艺术馆以及音乐音响谐调与研究中心几大部分。

里昂国际城

该项目是汇集人们生活、工作、集会、演出于一体的繁华多功能区域。建筑表面的陶瓦围护以及无框玻璃的使用，使建筑产生了一种活泼精致的“谷粒在闪烁”的效果，这就是皮亚诺所说的点彩派风格。

波茨坦广场

波茨坦广场是柏林的新中心，它周围的城市景象生动活泼而又多姿多彩。在高大宏伟的现代化建筑里，餐厅、购物长廊、剧场和电影院形成了一种独特的大融合。

Brancusi雕塑室

布朗库斯(Brancusi)雕塑室坐落于蓬皮杜广场保留的北墙上，该地在1990年因一次大风暴破坏之后向公众关闭，现作为蓬皮杜中心一部分被再次重建。皮亚诺在整体格局、展室空间与光线效果上融入丰富的设计元素，使其完美构建。

IBM移动帐篷

皮亚诺在1983年作的小“建筑”，这个建筑向马戏团透明的帐篷一样，能周游欧洲各个城市。

Menil收藏馆

梅尼尔私人收藏博物馆位于美国德克萨斯州，外观颇具后现代主义风格。如机翼般优雅曲面造型的反光板，是皮亚诺与结构大师彼得莱斯(Peter Rice)合作的创新发明，不但将自然光源神奇地漫射于展示厅内，更彰显了清晰的结构与科技的美感。

芝贝欧文化中心

该文化中心于1994年在新喀利多尼亚斯特建成，皮亚诺从当地的文化和建筑物的性质人手，采用棱纹棚屋结构中的薄曲线木材集合在一起支撑，这种结构体系不仅是由于形式的需要，还综合考虑了抵抗飓风和地震的需要。建筑外形似张开的船帆，倒影在波浪中迎风起舞。

梅赛德斯-奔驰技术中心

内部空间犹如豪华巨轮一般的柏林奔驰中心由皮亚诺亲自操刀设计，大楼整体由当地的阿卡丹购物中心、凯悦酒店、柏林电影节主会场、办公大楼、餐厅、影院及赌场等组成。

❽ 求婚方式有哪些

一、最佳十种浪漫求婚方式有哪些
1.灯海求婚：在夜晚，很容易制造神秘的时间。带她去看灯海，在高兴时候单膝跪地求婚。
2.教堂求婚：带她去教堂，在让人可以幻想出浪漫结婚场面的教堂里，在让人敬仰的牧师的面前，跪下来向她求婚。
3.天台惊喜：下班约她到天台看看夜景，你牵着你的公主来到你精心打造求婚现场，一定你能让她感到惊喜。
4.晚宴求婚：选择一个恋爱纪念日或者情人节之类，准备好鲜花的钻戒。就像偶像剧里那样单漆跪地，对他说：“嫁给我”。
5.轻松熊求婚：如果你扮成发传达的卡通玩偶，出其不意的现身在她面前，并一直纠缠着她，转身拿出求婚钻戒。
6.梳妆镜求婚：再某个早晨，你可以在梳妆镜上写下“亲爱的，你是我这辈子认定的最爱，请嫁给我吧”。
7.电影院求婚：电影结束，女朋友还沉浸在男女主人公的浪漫爱情中时，屏幕上播放你事先录好的求婚短片。
8.初遇场地求婚：在你们经常去的地方给心爱的人准备一场浪漫的求婚仪式，熟悉的环境相爱的人，完美的结局。
9.手绘求婚画册：在你眼里她的样子，画出来，一篇一篇的，知道最后，绝对能够感动到对方。
10.校园广播求婚：很多爱情都是开始于校园，在毕业之际，男友可以在一个合适的日子里，让校园广播帮助自己求婚，公开告白。

二、属于两人的低调求婚方式
1.家庭求婚
这种是非常低调的，属于两个人的求婚场景，主要用一些感动的方式，比如说将家里布置的非常漂亮，或者是烛光晚餐这种。

2.旅游求婚
还有就是两个人一起去旅行，在途中突如其来的求婚行为，最美的景色，最爱的人，绝对是惊喜。

3.烟火求婚
当然还有就是烟火求婚，燃放烟花，然后带到特定的位置，在对方看到的那一刻，单膝跪地求婚。

❾ 动画专业方向

1. 动画专业的就业方向

动漫及业前景很好，涉及领域 衡多，性子 待遇 也很高，，有建筑、设 计 、服装 、 台美 术、动画公司、游戏、电影、电视 、广告制作、影视包装等。

2. 动画专业考研有哪些选择呢

我觉得学动画考研是还是有必要的， 尤其是想走偏学术方向，想从应用学科变成学术学科的同学 。考研不失为一种不错的选择。考研后， 继续往上考、 去教学或、者做相关动画周边公司的管理啊 ，跟着导师做项目，都是不错的选择。如果觉得考研，必须先决定了你的方向。每个学校的研究生研究方向、教学着重点是不同的。大龙猫镇楼。

3. 学影视动画的就业方向都是哪

就业方向

（1）广告公司、影视公司、电视台、影视后期公司、各类制造业、服务业等各类企业从事影视特效工作。

（2）制片厂、电视剧制作中心等各类事业单位从事影片特效、影片剪辑等工作。

（3）影视公司，电视台，动画制作公司从事二维动画，三维动画制作等工作。

（4）电视台栏目制作人员。

（5）游戏公司、次时代游戏工作室等工作。

前景待遇：3000—20000元/月

影视动画，顾名思义就是动画电影。

影视三维动画涉及影视特效创意、前期拍摄、影视3D动画、特效后期合成、影视剧特效动画等。

随着计算机在影视领域的延伸和制作软件的增加，三维数字影像技术扩展了影视拍摄的局限性，在视觉效果上弥补了拍摄的不足，在一定程度上电脑制作的费用远比实拍所产生的费用要低的多，同时为剧组因预算费用、外景地天气、季节变化而节省时间。制作影视特效动画的计算机设备硬件均为3D数字工作站。制作人员专业有计算机、影视、美术、电影、音乐等。影视三维动画从简单的影视特效到复杂的影视三维场景都能表现的淋漓尽致。

4. 动画专业考研有哪些方向，有动画专业研究生的院校都是什么

1.艺术设计

研究方向：工业设计、视觉传达设计、环境艺术设计、文化遗产、传统工艺美术。

2.设计学

3.美术学

研究方向：架上绘画研究、创作与基础教学的关系、创作与基础教学的关系。

考研推荐院校：中央美术学院、首都师范大学、清华大学美术学院、江苏师范大学、西安美术学院、南京艺术学院、南京师范大学、中国美术学院、上海大学、山东艺术学院、四川美术学院、福建师范大学、哈尔滨美术学院、浙江师范大学，陕西师范大学、鲁迅美术学院、广西艺术学院、西安工业大学、深圳大学、四川大学、西华大学、西南交通大学、四川师范大学、杭州师范大学等。

动画专业涉及范围：动画制作，漫画，插画，电影特效，游戏制作，动画产业营销，数字媒体等。

(4)动画专业方向扩展阅读

动画专业方向旨在培养具有较强创新意识和较高职业素养，具备扎实的美术功底和较强手绘能力，熟练掌握图像处理技术、动画制作流程的创新型、应用型高级专业人才。培养具备动画、电影、电视、创作所需要的基础知识及理论，能在动画、电影、电视等媒体的制作岗位上，从事动画原画、动画创意设计和编导及三维电脑动画创作理论研宄方面的专业人才。

中国传媒大学的动画专业课分为初试和复试两个阶段，初试在一月份，考试是一张试卷，分为动画常识和手绘两部分。其中手绘考试的内容分为人设、人物三视图等等。复试则为手绘分镜头的创作。北京电影学院的考研专业课在一月份就能够考完，考试内容主要以手绘分镜头为主。

5. 如何选择动画专业方向啊

学后期其实2-3维都接触的，最好的选择是做广告。而不是二维动画或三维动画。
后期软回件都比较死板的，也答就搞搞插件。因此软件不难，关键是想法。

看个几百条广告，几百本电影再说~~~~~

电影的片头是特效用的最多的环节~

6. 影视动画专业培养方向有哪些

动画专业培养具备动画、电影、电视、创作所需要的基础知识及理论，能在动画、电影、电视等媒体的制作岗位上，从事动画原画、动画创意设计和编导及三维电脑动画创作理论研究方面的专业人才。专业涉及动画制作，漫画，插画，电影特效，游戏制作，动画产业营销，数字媒体等。
动画专业的学生主要学习电影、电视、动画创作的基础知识与基本理论，受到动画设计、动画技法、动画制作的基本训练，掌握动画设计、动画编导、动画创作及理论研究的基本能力。主要课程有：影视剧作，影视声音，动画技法，影视动画创作，多媒体技术及应用，动画设计，动画等。主要实践性教学环节：包括素描，速写，人物设计，场景设计，卡曼设计与创作，动画色彩，动画配音，动画短片拍摄，毕业设计等。修业时间为四年，授予艺术学学士学位证书。

7. 动画专业就业前景

现在的动画专业就业面很广，相应的，就业前景也很好。但是单纯的动画就业就要有点困难了，现在很多动画行业的建模都是用次世代技术做的，我们这边也有很多动画专业的在学习次世代，所以很推荐你选择次世代方向，既和你们专业相关，就业前景也特别好。

次世代近几年游戏市场一直保持火热的态势，目前已成为游戏3D美术的主流技术，广泛运用在游戏、影视，动画，VR，3D打印等领域。预计5-10年还将延续这一现象，但是人才紧缺的现象也随之越发明显。

游戏公司只有开出高薪，以期能留住人才，并且吸纳更多的人才，一般游戏设计师的工资能够达到年薪10万-20万，游戏主美的工资都是在年薪30万以上。

你是动画专业，有很好的基础，是很适合学习次世代的，而且学好次世代，你以后选择的就业面也很广，完全可以看自己的兴趣点，选择最适合自己的方向。

但是动画专业要做次世代，要学习的还有很多哦，可以专门去了解，然后学习一下。

8. 学动画专业的以后有那些就业方向

动画专业的学生将来毕业后，可以从事的行业很多。只要自己喜欢就可以找到自己合适的单位。现在动画涉及的领域很多，有建筑、设计、服装、舞台美术、动画公司、游戏、电影、电视、广告制作、影视包装等。
当然做为一个动画专业的毕业生，将来的第一志愿肯定是动画公司，因为动画公司是现在最难进的地方也是最却人才的地方。动画公司在中国现在还是很落后，所以在人才的录用方面是很严格的。

游戏公司也是一个很好的动画工作环境，现在中国的动画公司开始发展，大部分的公司人手都不够，需要大量的动画人才来补充，这个行业收入比较高。所以吸引很多的毕业生。建筑行业是动画学生进入最多的领域，因为这个行业对动画的专业要求不是很高。而收入却是相当客观的。所以有很多动画专业的学生进军这个行业。

9. 动画专业就业有哪些方向

动画专业培养具备动画、电影、电视、创作所需要的基础知识及理论，能在动画、电影、电视等媒体的制作岗位上，从事动画原画、动画创意设计和编导及三维电脑动画创作理论研究方面的专业人才。专业涉及动画制作，漫画，插画，电影特效，游戏制作，动画产业营销，数字媒体等。动画专业的学生主要学习电影、电视、动画创作的基础知识与基本理论，受到动画设计、动画技法、动画制作的基本训练，掌握动画设计、动画编导、动画创作及理论研究的基本能力。主要课程有：影视剧作，影视声音，动画技法，影视动画创作，多媒体技术及应用，动画设计，动画导演等。主要实践性教学环节：包括素描，速写，人物设计，场景设计，卡曼设计与创作，动画色彩，动画配音，动画短片拍摄，毕业设计等。修业时间为四年，授予艺术学学士学位证书。

10. 动漫专业的就业方向有哪些

广告公司、影视后期公司、各类制造业、服务业等从事影视特效工作。

制片厂、电视剧制作中心等各类事业单位从事影片特效、影片剪辑等工作 。

影视公司，电视台，动画制作公司从事二维动画，三维动画制作等工作 。

游戏公司、次时代游戏工作室等工作 。

❿ 建筑师看电影（19）：盘点那些建筑师出身的电影人

【壹】谢尔盖·艾森斯坦（Sergei Eisenstein）

         苏联导演，建筑师出身的世界电影先驱。第一次把蒙太奇概念从建筑学引入电影创作，将电影艺术提升到前所未有的高度，代表作《战舰波将金号》（Bronenosets Potemkin）。

        谢尔盖·艾森斯坦是俄罗斯功勋艺术家（1935），艺术学博士(1939)、教授。1898年1月22日生于里加一个建筑师家庭，祖上父系是犹太人，1915年毕业于里加实用学校，进圣彼得堡土木工程学院学习建筑学。后来决心从事造型艺术，转入美术学校。1917年10月革命爆发，他参加红军，设计防御工事，同时积极参加部队文艺活动。1920年到莫斯科第一无产阶级文化协会工人剧院工作。他以美工师和导演的身份参加了根据杰克·伦敦的小说改编的话剧《墨西哥人》（The Mexican）的演出。1921～1922年，他进入由梅耶荷德指导的高级导演班学习。1922年，在《左翼艺术战线》杂志上发表了第一篇纲领性的美学宣言《杂耍蒙太奇》（The Montage of Attractions），引起了长期的争论，并对整个电影艺术的发展产生了深远的影响。“蒙太奇”一词是法语音译，原为建筑学概念，本义为结构、装配、综合图纸等。当爱森斯坦将蒙太奇观念从建筑学引入电影创作后，使得电影“从一种影像记录技术走向一种影像创作艺术”。爱森斯坦的蒙太奇理论和实践对电影艺术的发展起到了里程碑式的作用。

【贰】弗里兹·朗（Fritz Lang）

        魏玛时期德国最重要的导演之一，生于奥地利一个建筑商的家庭，曾在维也纳学习建筑学。弗里茨·朗1918年进入德克拉影片公司任编剧，也曾从事剪辑工作，后升为导演。

        当时德国是表现主义的天下，因为一次世界大战以后，欧洲特别是德国，弥漫着反思人类行为的气氛。在这一思潮下，涌现了一大批表现主义作家、导演和艺术家，而弗里茨·朗也是其中的代表之一。表现主义的特征是用象征和隐喻的手法，对人性中复杂和阴暗的东西进行变形揭示，对人类社会比较悲观，这和第一次世界大战带给欧洲人的毁灭和挫折有关。代表作电影《大都会》（Cosmopolis）以影像世界践行了柯布西耶的“托柱城市”。自幼喜欢绘画，十分崇拜奥地利画家阿道夫·席勒（Egon LeoAdo1f Schiele，不是希特勒），席勒绘画作品中对死亡的崇拜给朗日后的电影艺术风格带来深远影响。因其贡献而常与希区柯克、卓别林等人并列于电影百人之列，被认为是电影史上影响力的导演之一。

【叁】伊姆斯夫妇（Charles & Ray Eames）

        是1950年代结合电影和建筑艺术的建筑师夫妇，是影像艺术和新媒体的开拓者。代表作短片《住宅》，使用了大量的剪辑手法。

        查尔斯·伊姆斯（Charles Eames，1907-1978），集建筑师、发明家、设计师、工艺师、科学家、电影人、教授于一身，是20世纪最有影响的一位勤奋的天才设计家。并进入华盛顿大学建筑系学习。当时的华盛顿大学仍是古典学院派的天下，而伊姆斯却被弗兰克·劳埃德·赖特的设计所吸引。1929年伊姆斯去欧洲旅行，目睹了第一代现代大师们的许多作品，促使他回国后便开创了自己的设计事务所。

        依姆斯夫妇是20世纪美国设计界最完美的一对伴侣，在分工上依姆斯主要从技术、材料和生产的角度来考虑问题，而雷则更多地考虑形式、空间和审美。这种结合有助于他们将结构、功能、心理、美学以及文化等诸多问题结合起来贯穿于产品设计的各个方面。他们的设计实践极大地丰富了现代设计的理论。

【肆】塞德里克·吉本斯（Cedric Gibbons）

        吉本斯是出身建筑世家的美工师，奥斯卡小金人的设计者。当过爱迪生的助手，后长期服务于米高梅公司，其中包括《傲慢与偏见》、《沉与浮》等传世名片。他是历史上获得一个奖项次数最多的个人。一生在数百部影片中担任过美工师，十一次获奥斯卡最佳美工奖，包括《圣路易雷的桥》（The Bridge of San Luis Rey，1929）、《快乐的寡妇》（Merry Widow，1934）、《傲慢与偏见》（Pride & Prejudice，1940）、《煤气灯下》（Gaslight，1944）、《鹿苑长春》（The Yearling，1946）、《小妇人》(Little Women，1949)、《一个美国人在巴黎》（An American in Paris，1951）、《邪恶的和美丽的》(1952)、《凯撒大帝》（Gaius Julius Caesar，1953）和《上帝喜欢我》(1956)。

        据说吉本斯的小金人设计灵感来源非常神奇，只是灵光一闪就出现了这样的想法，快速的用纸笔记了下来就定稿了。他早期以坚持用三维布景取代绘画背景而广为人知，后参加巴黎现代工业和装饰艺术博览会，将艺术装饰风格带回好莱坞，并创作出《摩登女郎》（Our Modern Maidens，1929）、《大饭店》（Grand Hotel，1932）等装饰艺术风格的巅峰作品。他对电影的视觉效果有富有想象力的构思，对于作品的掌控力度极强。在米高梅期间，他独立掌控米高梅的每一部电影，对于美术部分有决定权，致使其经手的作品都有着强烈的个人风格，也因此成为电影美术史上极具影响力的大师。

【伍】肯·亚当（Klaus Hugo Adam）

        著名电影制片人，美术总监，被称为“007设计师”。1921年2月生于德国柏林，1934年随家人从德国迁居英国。在英国伦敦大学学习建筑设计。其最出名的作品包括1960年代至1970年代的詹姆斯·邦德，以及《奇爱博士》（Dr. StrangeLove，1964）。他在1975年和1994年，获得两次奥斯卡奖。

        在二战期间参加英国皇家空军，成为整个二战英军中唯一的德裔飞行员。战后退役投身电影业，曾参与制作过著名的007系列中的《诺博士》（Dr. No，1962）、《金手指》（Goldfinger，1964）、《黄金眼》（Golden Eye，1995）、《霹雳弹》（Thunderball，1965）、《雷霆谷》（You Only Live Twice，1967）、《金刚钻》（Diamonds Are Forever，1971）、《海底城》（The Spy Who Loved Me，1977）、《太空城》（Moonraker，1979）等影片。以其在电影场景设计方面的奇思妙想获奖颇丰，拿过两次奥斯卡奖，多次被提名。肯·亚当的场景设计未来感十足，同时又不失可行性。电影镜头里的室内场景往往布置得异常整洁，比如《诺博士》里的拘禁室。体现了他个人设计的不少细节，和对点线面体的组合的敏感性——方形房间与圆形采光窗、单调的色彩、纤细的坐具，简洁而纯粹的极简主义风格等。风格出奇的场景设计随后成为007电影必不可少的看点，成为这一系列冒险电影的独特特征。到1979年，为呼应一年后才正式升空的航天飞机，《太空城》将太空也大胆化为邦德战斗的舞台。肯·亚当设计的最具科幻的太空城刻画了当时可达到的技术成果，也为载人航天的未来作了严谨的想象。除了大道具的建筑内部空间设计，还有一系列的小设备，比如《雷霆谷》里的微型单人飞机，以及《海底城》里的潜水船等，给人耳目一新的感觉。

【陆】杨占家

        元老级电影美术师杨占家先生出生于1936年，曾在中央工艺美术学院建筑美术系（现清华大学美术学院）攻读建筑造型设计。毕业后留校任教，1972年调入北京电影制片厂任美术师。由于电影美术师所处理的场景空间大部分都是建筑空间，所以杨先生拥有的关于建筑样式、建筑审美、建筑装饰、建筑结构、建筑尺度比例、建筑空间处理、建筑制图等方面的知识经验及技巧让他在电影美术行业游刃有余。他把建筑学严格科学的制图标准带进了中国电影工业。

        在杨占家先生的电影美术作品集里，记录了他为《十面埋伏》、《霸王别姬》、《卧虎藏龙》、《满城尽带黄金甲》、《木乃伊3》等电影大片绘制的气氛图、设计图以及构思草稿。他的手绘草稿充满灵性，是北京电影学院美术教学临摹范本之一。他的手稿，一点一线一轻一重之间，彰显大师艺匠精神。此外他还参与浙江横店影视城“明清宫苑”、“江南水乡”和“本山影视基地”设计。

【柒】费尔南多·梅里尔斯（Fernando Meirelles）

        费尔南多·梅里尔斯出生在一个巴西中产阶级家庭，在圣保罗大学学习建筑学。代表作《上帝之城》（Cidade de Deus，2002）反映里约热内卢贫民区变迁的电影上映后立即席卷世界影坛，入围了第76届奥斯卡四项大奖。他的《不朽的园丁》（The Constant Gardener，2005）同样广受赞誉。

        费尔南多·梅里尔斯在圣保罗大学学习建筑学时，发现他非常喜欢电影，于是他开始在朋友的小组里做实验性短片，并成立了一个独立制片公司Olhar Eletranico。这几个才华横溢的年轻人不久就拍摄出了优秀的作品，并在80年代巴西主要电影节中屡获奖项，他们的公司也在独立制片业内打响了名气。初始牛刀后成功的梅里尔斯又开始涉足商业广告等领域，并取得不错的成绩。90年代后期，他在拍广告的同时也开始拍摄电影，先后拍摄了两部短片和两部长片。

        2000年他开始筹拍电影《上帝之城》，并于2001年拍摄完成。这部反映里约热内卢贫民区变迁的电影上映后立即席卷世界影坛，在西方各大影展、电影节中屡屡折桂，还入围了第76届奥斯卡奖的四项大奖，包括最佳影片和最佳导演。

【捌】约翰·博克斯（John Box）

        出生在伦敦，幼时就读于海格学院，由于他父亲的工作是土木工程师，他童年的大部分时间在斯里兰卡。曾在北伦敦理工学校（现伦敦城市大学）学习建筑。参与制作《雾都孤儿》等知名作品，四次获得奥斯卡金像奖，三次获得英国电影和电视学院奖。伯克斯作为著名电影幻象大师，也被人称为“魔术师”。他极善于在电影中以光影及镜头使用技巧创造若有似无的幻像，在大卫·利恩的《日瓦戈医生》(Doctor Zhivago,1965)中利用烛蜡在西班牙阿梅利亚沙漠的盛夏拍摄俄罗斯雪宫。在利恩导演的另一部电影《阿拉伯的劳伦斯》(Lawrence of Arabia，1962)中，把沙漠涂成黑色从而产生一种海市蜃楼的构图，形成地平线隐隐若现的景象。在《印度之行》（A Passage to India，1983）中天衣无缝地将相隔数百里的实景混合在一起。作品《雾都孤儿》（Oliver，1968）获奥斯卡最佳艺术指导。是20世纪最后一部获得奥斯卡大奖的歌舞片，片中的歌舞不仅处理得当，而且妙趣横生。1992年被授予皇家工业设计师称号。

【玖】丹特·费雷蒂（Dante Ferretti）

        1943年生于意大利马切拉塔城，十六岁就离家到了罗马，学习美术和建筑。十八岁第一次踏入片场，他在两部同时拍摄的电影里担任助理美术师。这份工作让他得以跟随著名场景设计师路易吉·斯卡齐亚诺赛(Luigi Scaccianoce)做了十年美术指导。

        作为一名最直观大胆和表现主义的设计师，丹特·费雷蒂把伟大的欧洲电影和好莱坞结合起来。他因为马丁·斯科塞斯的电影《飞行家》获得了2004年奥斯卡最佳艺术指导奖。凭借蒂姆·波顿的《理发师陶德》获得奥斯卡提名奖。此外还包括皮埃尔·保罗·帕索里尼(Pier Paolo Pasolini)的《马太福音》(The Gospel Accordingto St. Matthew 1964 )，《俄狄浦斯王》（ Oedipus Rex 1907）。帕索里尼教会他“以绘画的方式理解电影”，对其影响颇深。他获得过三次奥斯卡奖，四次英国电影和电视艺术学院奖。费雷蒂将制作设计过程总结为“建造导演的世界”，以极强的合作精神还原合作导演心中的设想。他偏爱于实景拍摄，从《飞行家》(The Aviator,2004)、《吹牛大王历险记》（The Adventures of Baron Munchausen，1988）到《玫瑰之名》（Name der Rose,1986），都以搭建和技术还原真实场景见长。擅长使用“电影魔法”来创造虚拟世界，如电影《玫瑰之名》中复杂精妙的空间视错觉均为布景下的真实拍摄，视觉体验却能以假乱真。

【壹拾】斯图尔特·克莱格（Stuart Craig）

        1942年生于英国诺福克郡诺维奇市，他为一些现代电影设计过最具标志性的影像。作为弘赛艺术学院(现在的密德萨斯大学)的大学毕业生和皇家艺术学院电影和电视专业的研究生，他初始在美术部里为英国设计师迈克尔·斯特林格(Michael Stringer)工作。克莱格在创造哈利·波特的世界之前的大部分作品都有奢华、壮观的布景，比如《秘密花园》(The Secret Garden 1993),《英国病人》(The English Patient, 1996)等等，但也创造过更现代的电影世界，包括《诺丁山》（Notting Hill 1999）和由科恩兄弟(the Coen Brothers)编剧的2012年版《神偷艳贼》(Gambit )。他设计的其他古装片包括《孟菲斯美女号》(Memphis Belle 1990),《卓别林》(Chaplin 1992)等。克莱格最广为人知的作品莫过于近乎完美地完成了哈利波特系列的魔幻世界还原，在十年里，他为所有八部哈利·波特电影延续了清晰的创作线索。与四位导演分别合作拍摄，创造了宏伟的布景，并复兴了英国的电影产业，这些设计成果如今保留在华纳兄弟的利维斯顿拍摄基地。克莱格凭借《甘地传》、《危险关系》和《英国病人》获得了三座奥斯卡金像奖，另外还获得过七次提名，并被授予皇家工业设计师的称号。

【壹拾壹】格兰特·梅杰（Grant Major）

        好莱坞顶级艺术大师格兰特·梅杰于1955年出生于新西兰，早年在新西兰电视台从事设计工作。在他的设计生涯中，曾负责过英联邦运动会的整体仪式设计、也曾为澳大利亚和西班牙世博会设计过新西兰场馆。从90年代开始，格兰特开始以艺术指导的身份参与电影制作。他因《金刚》（KingKong2005）、《指环王》（The Lord of the Rings 2001-2003）三部曲而声名远播，曾获得四次奥斯卡提名，并最终因《指环王：双塔奇兵》获得奥斯卡最佳艺术指导奖。《龙之谷：破晓奇兵》（DragonNest 2014）是格兰特·梅杰第一次担任动画片的艺术指导，在影片中打造出了一个与《指环王》中土世界相同级别的剑与魔法的世界。格兰特以巨型构筑场景见长。《指环王》系列三部电影将近四百个布景，实景与虚拟场景相结合，细化步骤及执行过程极其复杂，更多场景采用了实景建造而不是单纯的3D虚拟创造。在《金刚》中采取全景搭建的方式，整部电影均在摄影棚及露天片场完成，甚至为此建造“SS历险号”巨轮。格兰特·梅杰完成的魔幻场景气势恢宏，场面真实，犹如身临其境。

【壹拾贰】伊芙·斯图尔特（Eve Stewart）

        伊芙·斯图尔特1961年生于伦敦，曾凭借《国王的演讲》（The King's Speech2010）和《酣歌畅戏》（Topsy-Turvy Mike Leigh Untitled1999）获得两次奥斯卡提名。她曾在英国中央圣马丁学院攻读戏剧设计，然后在皇家艺术学院获得了建筑学的硕士学位。她最初是一名戏剧设计师，曾经在伦敦汉普斯特德剧院和迈克·李(Mike Leigh )合作，然后她转型为电影美术指导，拍摄了迈克·李的《赤裸裸》（Naked, 1993）和《秘密和谎言》(Secrets & Lies 1996)。在她和迈克·李合作的下一步电影《酣歌畅戏》中，她担任的是制作设计。此外，她还设计了这位导演的《一无所有》( All Nothing 2002 )和《维拉·德雷克》(Vera Drake,2004)。电视剧《伊丽莎白一世》(Elizabeth I, 2005)让她赢得了2006年艾美奖的最佳设计奖，也开启了她和导演汤姆·霍珀(Tom Hooper)的长期合作。从那以后，他们又合作了《魔鬼联队》（The Damned United，2009）和《国王的演讲》。最近，她设计了精美的BBC连续剧《演讲时刻》（ The Hour, 2011），以及万众期待的、改编自世界最著名音乐剧的《悲惨世界》(Les Miserables, 2012)。她的作品细节丰富而装饰效果显著，画面往往色泽饱满而极具个人风格，在电影《酣歌畅戏》中，以染料绘制布景成功将戏剧效果呈现于大荧幕。

【壹拾叁】内森·克劳利（Nathan Crowley）

        伦敦北部长大，之后在布莱顿理工学院（Brighton Polytechnic）学习3D设计，一学期后他就辍学去洛杉矶学习建筑。后在斯皮尔伯格《铁钩船长》（Hook1991）中担任画手。《铁钩船长》让他学会如何在必要的时候构建巨大的布景，而《惊情四百年》（Dracula1992）让他发现了摄像机的奥妙。这两部电影的奠定了克劳利电影制作的核心：坚持用纯手工的方式构建宏大与开阔的场景。他凭借自己的努力将二者联系起来，寻找合适的拍摄环境来创造真实场景，而不使用模拟替代的方式。内森·克劳利成为好莱坞最富创意、最受欢迎的艺术指导之一。作品中有热映的爆米花电影，也有敢于揭露政府黑暗、细致描绘黑帮的传记电影《公众之敌》（Public Enemies），还有科幻电影《异星战场》（John Carter）以及家庭影院HBO频道播出的《西部世界》（West World）。但是他最有名的作品（包括两部奥斯卡提名作品），都是跟克里斯托弗·诺兰（Christopher Nolan）合作拍摄的，因为诺兰的美学标准与克劳利最为接近。他们共同策划出《白夜追凶》（Insomnia）中惊险刺激的极地冰景，《致命魔术》（The Prestige）中蒸汽朋克的伦敦街景，《蝙蝠侠：黑暗骑士》三部曲（The Dark Knight Trilogy）中黑暗杂乱的哥谭市等。

【壹拾肆】保尔·汉宁森（Poul Henningsen）

        Poul Henningsen1894—1967)汉宁森是丹麦著名设计师，出生于奥德拉普，被誉为丹麦最杰出的设计理论家，他曾在哥本哈根的技术学校和丹麦科技学院学习。1920年，汉宁森成为哥本哈根市独立建筑师，他成功地设计了几幢住宅、工厂和两个剧院的室内。汉宁森的成名作是他于1924年设计的多片灯罩灯具，这件作品于1925年在巴黎国际博览会上展出。获得很高评价，并摘取金牌，这种灯具获得“巴黎灯”的美誉。汉宁森的一生都保持了“巴黎灯”的精妙设计原则。除此之外，他还为几家报纸和期刊撰写文章，为剧院编写滑稽剧、创作诗歌。由他的文字作品可以看出，他还是一名犀利的社会和建筑批评家。

        汉宁森是世界上第一位强调科学、人性化照明的设计师，早在二十世纪二十年代他就提出了要提供种无眩光的光线，并创造出舒适的氛围。汉宁森的设计风格体现了对传统的继承和发扬，完美地把现代工业设计和传统手工艺相结合。作品精致典雅，手工制作的味道浓郁。造型简洁明了，注重形式构成感，而不依赖于细节装饰。同时大量运用自然材料，给人以亲切感和充满人情味，形式与功能完美结合。

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