split電影2016

⑴ 對電影《分裂Split》的評價

在眾多電影題材中，精神疾病患者的題材一直十分受導演和編劇們偏愛。

比如說強迫症、斯德哥爾摩、抑鬱症、躁鬱症、精神分裂、人格分裂症基本上能找到相對應的有代表性的電影。

這兩天詹姆斯·麥卡沃伊主演的電影《分裂》資源終於出來了，

《分裂》在北美口碑票房雙豐收，爛番茄新鮮度80%，MTC評分75，豆瓣評分7.3。

看片名就知道這是一部關於多重人格的影片，另一個片名更直接——《精分》。

簡單說下劇情：

女主角凱西是一個和同齡人格格不入的怪女孩，

一天，她和同學克萊爾和瑪西亞准備一起坐車回家，誰知遭到了一神秘男子的襲擊和綁架。

三人被囚禁在灰暗陰冷的地下室中。

綁架三個女孩的，是一個名叫凱文的男人，實際上，他是一位多重人格患者，支配著他的身體的人格有23種之多。

首先來了解一下什麼叫多重人格障礙（D·I·D）

多重人格障礙是心理疾病的一種。多重人格具有超過一個(若是2個則稱為雙重人格)的人格存在，就有如「在一個身體里住著好幾個靈魂」。

多重人格的各個人格都是各自獨立、彼此分開的，一種人格出現，其他人格就自動退場，任何時候，都有一個主要人格占優勢，人的行為也就由占優勢的人格「值班」、控制，不會出現「好幾個人格爭奪控制權的混亂狀態」。究竟由哪種人格來支配，完全遵循「哪種人格最適應當時的環境和需要，就啟動和出現哪種人格」的原則。

美國犯罪史上非常著名的一位罪犯——

Billy Milligan。

他是一個「三項搶劫罪，三項綁架罪，四項強奸罪」的罪犯，同時他也是一個人格分裂患者——他不是分裂了一個兩個人格，而是整整24個人格，最終被宣判無罪。

《致命ID》、《搏擊俱樂部》、《禁閉島》等電影的靈感來源都來源於Billy Milligan這個人物。

2015年，美國著名作家Daniel Keyes了根據他所撰寫了多重人格分裂紀實小說《24個比利》，目前這部小說正在改編為電影《擁擠的房間》，將由萊昂納多·迪卡普里奧出演主角比利。

《分裂》中，詹姆斯·麥卡沃伊的角色名字叫凱文·溫德爾·克拉姆，他是一名多重人格患者。

除了自己的本體凱文外，他還有其他23種人格。主要的幾個人格角色有以下幾個：

電影開場抓走女孩們的，是外表禁慾系外加強迫症和潔癖的人格——丹尼斯。

優雅的女人——帕特麗夏太太。

9歲的男孩——海德薇格。

還有外向主導的 時尚 型人格——巴里。

每種人格對他自己形成了一種封閉式保護。大多數時候，這些人格都是無害的。

但凱文的第24種人格正在慢慢形成，這個人格強壯、邪惡、殘忍，而且並不是一般人類，而是某種意義上的「怪獸」。

多重人格的產生與童年創傷有密切相關，尤其是性侵害。當受到難以應付的重創時，多重人格患者以「放空」的方式，以達到「這件事不是發生在我身上」的感覺。

曾經看過一條新聞，1960年的美國，有一位名叫Kim Noble的女孩。父母都是普通工人，由於忙著工作，他們經常將年幼的Kim寄養在不同的親戚朋友家。也正是因為這樣，Kim時常會遭受來自寄養家庭的欺凌和虐待。

飽嘗痛苦與折磨的寄宿經歷使Kim的精神狀況開始出現異常。她會在夜裡反復做著奇奇怪怪的噩夢，清醒的時候也總覺得自己不是自己，好像有別人在操控自己的身體。

14歲時，Kim被送去精神病院接受治療，但因為當時心理治療技術並不發達，醫生始終無法確診Kim的病情。

多年來，她被診斷出過精神分裂、厭食、抑鬱等各種各樣的病症。直到1995年，她才被確診為D.I.D，並接受專業治療。

2005年，一位藝術治療師建議Kim Noble開始學習繪畫，因為繪畫是一種讓自己放鬆的方式。

下面是Kim所分裂出的幾個不同人格所做出的不同的繪畫作品：

最具有有母性的人格Bonny，她對女兒Amiee疼愛有加，是一個比較激進的人格，喜歡用鮮艷的顏色進行作畫。

有一部《入侵腦細胞》2000年出品。人的意識中具有各種角色類人格，在印度教中稱人格為舞台劇演員的各色面具。心理機制正常者即依據場景自如切換相應人格角色，但是存在主人格掌控。異常分裂是各人格沖突不受控制，彼此分裂互不共享信息。

詹姆斯麥卡沃伊的演技超神，23種人格+最後的終極獸性人格被他詮釋的很到位。除此之外，這部影片好像沒別的亮點了，片中的人格分裂症患者凱文和自閉症少女凱西可以說是同病相憐，都是由於成長環境的原因造成了人格扭曲，只不過詹一美扭曲得更徹底一些罷了。精分題材的驚悚片其實早已被拍爛了，很難有所突破。總的來說，及格線水準。

《分裂》：多重人格的精準刻劃
分裂| Split

首次看到電影預告就知道這是一部關於「人格分裂」的電影，拜現今媒體發達之賜，「人格分裂」對於一般觀眾而言並不陌生，並且或多或少都知道些許關於這種症狀的相關常識。以此為題材的電影不在少數，首先想到的是前一陣子知名度很高的【24個比利】（The Minds of Billy Milligan）一書，內容講述比利身上擁有24個不同的人格，是一位典型的人格分裂症患者，此書題材不但取自真人真事，比利也是美國司法史上首位因為人格分裂而獲判無罪的犯人，並且將改編為電影《擁擠的房間》，預計由李奧納多狄卡皮歐（Leonardo DiCaprio）演出，只是消息傳聞已久，還是《分裂》先拍成電影上映了。

資料才發現，原來《分裂》的導演奈．沙馬蘭（M. Shyamalan）曾經執導過最成功的電影就是1999年的《第六感》（The Sixth Sense），神來之筆的結局令觀眾大為盛贊，在社群網路沒那麼發達的年代，觀眾很容易保有觀影樂趣（除非你有看過且大嘴巴的朋友），這種結局逆轉的電影日後也成為不少導演、編劇愛用的手法，只是效果總不如當初《第六感》來得好。

在此之後，奈．沙馬蘭又陸續執導了《天兆》（Signs）、《神秘村》（The Village）、《水中女妖》（Lady in the Water）等片，但成績都沒有《第六感》來得亮眼。所以奈．沙馬蘭又嘗試拍了一些商業導向的大片，如《最後的風之子》（The Last Airbender）、《重返地球》（After Earth）等，但都得來負面評價，也讓他差點變成票房毒葯，片商在宣傳時甚至要求不要提到導演的名字。這次《分裂》算是重回他拿手的懸疑題材，至少目前為止此片的評價多是趨於正面，看來相當有機會一吐多年來的悶氣。

這次身兼導演和編劇的奈．沙馬蘭確實表現相當不錯，以《分裂》這部電影的題材來說，導演的拍攝手法令人激賞。多重人格常與精神分裂（俗稱「思覺失調」）搞混，其完整名稱應為「解離性身份障礙」，電影中就直接簡稱為DID（Dissociative Identity Disorder）。觀眾都聽過，但也都一知半解，所以導演用了一種細微而詳實的方式，利用演員的動作、互動、台詞帶領觀眾從電影里發生的事件一點一滴了解在主角身上的多人格特徵，以及他可能產生的行為。

這樣的劇情編排看得出導演對於故事著墨的功力，利用多重人格不確定、無法預測患者行為的特性而製造出的緊張、刺激感，再藉由一個權威醫生的口來教育觀眾漸漸接收到更多多重人格患者的症狀與可能性。若你有認真看，應該可以感受到導演是如何帶領觀眾一步步走進整個無法預料的犯罪事件中，而且完全做到絲絲入扣，引人入勝。但相對地也因為觀眾對於人格分裂此一症狀的知解，而讓某些情節變得可以預測，反而失去應有的懸疑感。不過這類場景多數都被飾演本片主角的詹姆斯·麥卡沃伊（James McAvoy）以精彩的演技彌補過去，所以本片集合電影兩大重要元素，同時擁有好的劇本與演員，算是近期相當好看的一部電影。

（以下將會討論到劇情，沒看過的建議不要看）

事實上，《分裂》不少設定讓人很難不聯想到【24個比利】的故事，同樣的人格分裂症；同樣的產生出24種人格。太多的相似之處讓人有點懷疑《分裂》的劇本到底參考多少【24個比利】的故事？不過《分裂》拍攝手法精緻，大量的近距離拍攝方式突顯出演員的表情變化，讓觀眾輕易的投入劇情，甚至最後劇情還與導演十多年前執導的電影《驚心動魄》（Unbreakable）有關聯，這些優點縱使【24個比利】翻拍成電影可能都難以超越。

以劇情來說，《分裂》這部電影從一開始就不拖泥帶水，患有DID的主角綁架了三個女孩子，仔細去觀察，演員的每個動作、每種行為、每句話語都代表角色本身的思考模式，很少電影會如此吸引觀眾去看到那麼細微的刻劃，但在《分裂》當中，這樣的方式是必要的，如同引領觀眾欣賞此世界觀的3D眼鏡，事後回想，還真的不得不佩服導演的細膩。由於主角本身的多重人格特徵就是強烈的亮點，相信多數觀眾的目光都集中在此，像個好奇的頑童試圖找出凱文（凱文．溫德爾．克雷姆Kevin Wendell Crumb，主角原始人格的名字）身上其他人格的蹤影。

例如為什麼丹尼斯（Dennis，犯下綁架案的人格）上車後率先迷昏後座兩個女孩，之後卻沒有第一時間將坐在前座的凱西迷昏？從後面的劇情可以知道，丹尼斯原先的目標只有後座的兩個女孩，因為之前的主控人格貝瑞（Barry）曾經跟他的主治醫生弗萊徹醫生（Dr. Fletcher）訴說過在工作場合受到來訪的高中女生惡作劇，其實此舉可能意外引發凱文其他人格的躁動，並且讓貝瑞這個人格失去原本的主控地位，才發生後續一連串事件。而這兩個女孩很大機率就是對凱文惡作劇的高中女生，因為以她們天真帶點白目的性格來看，做出這樣的事好像也不意外，只是凱西並不在其內，但是綁架計畫執行時她也在現場，此時丹尼斯或許還未下決定要如何處置凱西，但是看凱西恐懼而不失慌亂的想偷跑下車，為避免節外生枝，因此決定將凱西也一並迷昏帶走。

還有後面凱西教其中一個女孩尿尿在自己身上來避免丹尼斯對她的搔擾，因為凱西觀察到丹尼斯進出都要擦椅子的動作，可能是因為他有潔癖。面對在她們面前有如變色龍的綁匪，凱西也多能沉穩以對，在情勢未明朗前不願做出太激進的挑戰，並且利用與凱文不同人格的對話，找到逃離線會等，還有幼年受過的創傷，讓她習慣多穿幾件衣服來保護自己等習慣。

飾演凱西庫克（Casey Cook）的安雅泰勒喬伊（Anya Taylor-Joy）詮釋起來還算合格，畢竟在男主角精彩的表現下，始終掩蓋了她不少光芒。凱西庫克一角很明顯與另外兩位被綁架的女孩不大相同，也在導演巧妙的安排下，對故事內容有畫龍點睛的效果，因為重點在於凱西過去的成長背景，造成她冷靜觀察、耐心潛伏的獵人性格，同時擁有保護自己的防禦性，慢慢揭開凱文多重人格的秘密，不但救了自己一命，也讓她思考是否有機會改變自己未來的命運，甚至打開她潛藏在內心的多重人格因子，雖然導演在這方面沒有明說，卻也為之後的劇情創造無限可能的機會，甚至不排除開拍續集可能。

多重人格的題材是足夠引人入勝的，除了未來可以期待的《擁擠的房間》（由【24個比利】改編），過往電影《致命ID》（Identity），甚至港片《神探》（Mad Detective）都是這類電影中相當出色的代表，但是最讓我印象深刻的卻是1996年由李察吉爾（Richard Gere）主演、讓艾德華諾頓（Edward Norton）一鳴驚人的《驚悚》（Primal Fear，另一譯名《一級恐懼》）。在電影中身為律師的李察吉爾如何幫一位堅稱自己無辜的犯人打贏謀殺罪官司？當觀眾還在霧里看花的時候，揭露原來犯人疑似患有人格分裂症，這個情況似乎也解釋了先前一切不合理的情形。整部電影可以看到艾德華諾頓在初次演出時就精湛的詮釋一位雙重人格的罪犯，當一切事情都了結後，在最後五分鍾又來個大逆轉，不但讓觀眾看到演員近乎完美的表演，也在劇情結尾留下無限唏噓的驚人發展，同時擁有視覺與心靈的雙重滿足，同樣在演員與劇本上獲得很大的成功，只不過《分裂》在結尾的震撼沒有《驚悚》來得大，在觀眾胃口被越養越大的同時，現在鮮少有電影可以達到那樣的效果。

最後，《分裂》在劇情上的創新比較稀少，但是導演細膩且引發觀眾投入欣賞的拍攝手法確實掌握得宜，是一部必須沉靜思考，細細品味才能夠挖掘出其中韻味的雋永之作。

⑵ 安迪·沃霍爾的電影創作

《口交》（Blow Job，1963）
《沉睡》（Sleep，1963）
拍攝一個男人的睡眠狀態，片長超過六小時。
《吻》（Kiss，1963-1964）
這是一系列拍攝於1963年8月到1964年底的短片，每個短片中演員接吻三分鍾。是對美國電影製作法規海斯法案（Hays Office Regulation）的顛覆與嘲弄，這條法規禁止演員間有超過三秒鍾的唇部接觸。同時期，安迪·沃霍爾製作了一件同樣叫做《吻》的網版版畫（The Kiss），採用恐怖片《吸血鬼》（Dracula，1931）中德古拉爵士噬吻米娜·哈克頸部的經典鏡頭。
《帝國大廈》（Empire，1964）
長達八小時，以單一固定鏡位拍攝紐約帝國大廈在天黑到清晨八小時內的變化，再將底片一段段剪接起來。
《妓女》（Harlot，1965年）
是安迪·沃霍爾第一次在電影中使用聲音，但非常粗糙。
《我的小白臉》（My Hustler，1965年）
片長約65分鍾，由兩部分組成。影片的情節相當簡單，像是一個沒有故事的故事，第一部分拍攝於一個面海的度假小屋，小屋的主人Ed帶著他的保鏢僕人Collie和他新包養的小白臉Paul來海邊度假，Paul一個人在沙灘上曬太陽，Ed則在小屋的露台上窺視著他。隨後，Ed的鄰居富有的年輕女孩Genevieve及另一個中年的男同性戀者Joe加入他，三個人開始無休止地討論Paul 的健美的肉體，以及如何勾引他，甚至和他上床等。第一部分最後，Genevieve試圖挑逗沙灘上的Paul，替他擦防曬乳，兩人一起到海中戲水。這部分由三個分別長約16分鍾、4分鍾及12分半的長鏡頭組成。攝影機架設在小屋和海灘之間，以便於鏡頭在兩者之間來回移動，近、中、遠等不同的景框則以伸縮鏡頭來完成。第二部分只有一個約32分鍾的固定長鏡頭，拍攝於Ed卧室中的浴室，Joe教導Paul該有的儀態以及如何取悅自己的僱主，如此而已。
《我的小白臉》實質上是一部對話劇，喋喋不休對話圍繞著性與挑逗，反映出有閑階級生活的空虛和百無聊賴。
這些影片都不包含聲軌。無聲、反敘事過長的放映時間和極限主義的取向使它們根本不可能在一般的電影院中放映。對沃霍爾來說，電影就像是平面創作的延伸，膠片就是畫布與紙以外的另一種載體。無論絹印、攝影、電影，都只是沃霍爾整體創作的一部份。以固定境頭對被攝物長時間連續拍攝，其實就和一系列瑪麗蓮·夢露頭像的創作理念是一致的。後來沃霍爾將《口交》、《沉睡》、《吻》、《帝國大廈》，的影像抽出來製成網版版畫，用不同的媒材二次回收自己的作品。
要到與楚克·溫（Chuck Wein）和保羅·莫利賽的合作關系建立以後，沃霍爾對聲音的處理才比較用心。六十年代中期以後，楚克·溫和莫利賽在「工廠」的的重要性逐漸增加；尤其是莫利賽，他對好萊塢電影的興趣促使工廠電影邏輯化。如果說，《口交》、《沉睡》、《吻》和《帝國大廈》是一個平面和造型藝術家的電影創作，楚克·溫和莫利賽則以電影工作者的身份介入了工廠電影的創作。從此，沃霍爾電影的題材雖然前衛依舊，但逐漸拉近與觀眾間的距離，不再挑戰觀眾耐力的極限，甚至在影片中加入敘事的元素，在對白中加入一絲幽默感。按照義大利影評人亞普拉（Adriano Apra）的說法，是楚克·溫和莫利賽使安迪·沃霍爾背離了他自己重實驗性的取向。
沃霍爾的影片多半是十六厘米的黑白片，影像的顆粒明顯，如有搖鏡等攝影機運動時，難免意外的晃動，伸縮鏡頭也常常出現失焦。製作的快速和技術上的疏陋使沃霍爾的影片有點家庭影片和業余電影的味道。這種粗糙的質感，增強了紀錄的特色。事實上，沃霍爾使用的Auricon十六厘米攝影機便是當時新聞記者所愛用的機型，輕巧、可以同步收音，也可以長時間拍攝。這台Auricon的攝影機是沃荷在《帝國》的籌備期購入的，當時便是看中了這台機器可以長時間拍攝的功能。
在沃霍爾這時期的影片，譬如《我的小白臉》中，紀錄性讓觀眾更貼近電影中的事件，加上長鏡頭的使用，往往是一場戲一個鏡頭），使每一個鏡頭都是與現實同步的真實時間。以《我的小白臉》的第一部分為例，當攝影機長時間面對Ed、Genevieve、Joe拍攝的時候，觀眾似乎近距離地旁觀了他們的對話，當攝影機突然間轉向海灘上的Paul，Ed、Genevieve和Joe的對話以畫外音的形式持續下去，觀眾又馬上成為與他們一同窺視Paul的同流者。
1966年的第六屆獨立電影獎的頒獎辭是這樣形容他的電影：
「安迪·沃霍爾將電影帶回了它的源頭，帶回了盧米埃爾的時代，他更新和凈化了電影。在他的作品中，他放棄了形式與內容上的鋪張，他的鏡頭以最簡單的態度聚焦於最簡單的影像。藝術家的直覺是他唯一的導引，他以一種偏執的態度紀錄人的日常生活及他周圍所見的事物。奇異的感受透過他的影片開始產生。世界改變了它的調性；它變得強烈而有張力。我們所見的世界比過往清晰，但並不是在一個被高度戲劇化的狀態，也不是為了服務於其他什麼目的，只是單純、最低限的原質，像吃就是吃，睡就是睡……」
《切爾西女郎》（The Chelsea Girls，1966）
這部影片在商業及影評上都獲得了成功，在全美一百多家影院上映，沃霍爾的影片第一次從地下躍上檯面。
由於大部分的段落拍攝於紐約切爾西旅館，《切爾西女郎》的原名就叫做《切爾西旅館》。影片由十二部30分鍾的短片組成，短片的內容僅是一般日常生活的片段，表面上看起來像紀錄片，其實是演員們依照沃霍爾的概念即興發揮而成。
影片採用了分割畫面（split screen），也就是將兩組（或兩組以上的）影像並列，同時放映，比如，《切爾西女郎》中第一、第二短片合成一組，第一短片放映時在右，第二在左。影片的音軌只有一個，由兩個片段的對白交錯剪輯而成。這樣的形式讓兩個單純的生活場景產生化學變化，兩者間既像鏡子般互相對照，又不時融合成不可分割的一體。分割畫面的形式在當時相當前衛，
《切爾西女郎》的成功，直接間接地啟發了其他美國電影對分割畫面的運用，例如Richard Fleisher的The Boston Strangler（1968）、布賴恩·迪帕爾馬（Brian De Palma）的Blow Out（1981），以及邁克·菲吉斯（Mike Figgis）導演的Time Code（2000）。
相對於許多沃霍爾前衛的電影，《切爾西女郎》的形式雖然眩目，但卻是一個冥想性強的作品。沃霍爾將悲傷的、喜悅的、冷漠的、浮華的、迷惘的眾生相並置，拼貼出一幅現代人的肖像。當年的《新聞周刊》稱它為「地下的伊里亞德」（Iliad of the underground）。
《我，一個男人》（I, a Man 1967年）
是沃霍爾第一次觸碰異性戀的題材，由八個短篇組成，每個短篇的結構大小異，其實就是同一男子（湯姆·貝克〔Tom Baker〕飾演）與八個女子間的性冒險，然而他的性冒險卻總是受外務干擾或無疾而終。例如：第一個短篇中，湯姆和辛西亞·梅（Cynthia May）飾演的女子前晚才首次邂逅，早晨起床後湯姆再次向辛西亞求歡，辛西亞一再以父母會突然進房間或女傭會來打掃等借口回絕，結果兩人只得在床下倉促完事。第二個短篇中，湯姆和史蒂芬妮·格雷（Stephanie Graves）飾演的女子在一個大廈頂樓打得火熱，衣衫襤褸的時候她告訴他，她是一個被包養的女人，她的公寓便是她和情人每周兩次幽會的愛巢。第三個短篇中，湯姆和英格麗·蘇波斯塔（Ingrid Superstar）在桌邊閑聊，湯姆起初嘲笑英格麗的嬰兒肥又吵著要看她的胸部；英格麗給湯姆看她的胸部，湯姆試著愛撫她。為了和英格麗上床，湯姆騙她說他可以通靈，他讓她躺在桌上，進行招魂的儀式，結果英格麗在半催眠的狀態下談起她的建築師男友。
在表面上，《我，一個男人》是一系列的性喜劇，描寫一個四處沾腥的男人常常不得其門而入，不然就是得屈就於荒謬的狀況，才能達成自己的目的。湯姆·貝克的角色，安迪·沃霍爾原本屬意The Doors樂隊的主唱吉姆·莫里森，但由於莫里森的經紀人反對，才啟用莫里森的好友湯姆·貝克。
在《我，一個男人》中，沃霍爾採用了Strobe Cut的技術，也就是在拍攝過程中必須快速關閉再打開攝影機，以造成影像和聲音的斷裂，而演員的表演則不中斷，這種技術得在一個可以同時收音的機器上執行，在快速開關之間，機器會發出短促的嗶聲，影像則會出現短暫的曝光。因此，在《我，一個男人》中某些緊要關頭的時候，觀眾只快速地看到重點，伴隨而來的則是一連串的閃光和嗶嗶聲，就像是影片被電檢局動了剪刀似的，讓入戲的觀眾徒然感到沮喪。
如同沃霍爾一貫的創作觀，《我，一個男人》是系列生活場景的片段再現，影片並不提供事件的因果和角色的背景，人也只是無根無家的符號。在這些有趣的生活場景背後，可以看到的是人的空虛、徒勞，以及人無法改變現狀的無奈。
有趣的是，影片中的第七個女孩正是1968年6月3日槍傷沃霍爾的瓦萊麗·索拉娜絲（Valerie Solanas）。如同她在《我，一個男人》中的角色，索拉娜絲是一個女性主義者。她第一次到工廠，是為了她自己所寫的劇本尋求拍攝機會。這個名叫Up Your Ass的劇本相當前衛、大膽，連向來大膽的安迪·沃霍爾都嚇了一跳，還以為索拉娜絲是警方派來的卧底，誘他觸犯風化罪。起初，索拉娜絲以為沃霍爾會採用她的劇本，然而，當這劇本在工廠無端遺失之後，沃霍爾便成為索拉娜絲糾纏不清的對象，也種下她日後槍殺沃霍爾的種子。她開始向他要錢，要他付清她在切爾西旅館的租金，因此沃霍爾才以二十五美元的酬勞讓索拉娜絲在《我，一個男人》中客串。
索拉娜絲槍擊事件發生的時候，安迪·沃霍爾正忙著影片《寂寞牛仔》（Lonesome Cowboys）的剪接工作，子彈近距離射進他的胸部，幾乎致命。索拉娜絲入獄後出版的女性主義著作《S.C.U.M宣言》（S.C.U.M 〔Society for Cutting Up Man〕Manifesto），使她一度成為女性主義基本教義派的象徵。加拿大女導演瑪莉·哈倫（Mary Harron）曾於1996年將索拉娜絲槍殺沃霍爾的事件搬上大銀幕，名為《我槍殺了安迪·沃霍爾》（I Shot Andy Warhol）。
《寂寞牛仔》是109分鍾的彩色片，由安迪·沃霍爾與保羅·莫利賽合導，莫利賽最鍾愛的男演員喬·達里桑德羅（Joe Dallesandro）和工廠的超級巨星Viva主演。《寂寞牛仔》是關於一群同志牛仔住在一個只有一個女人的偏遠小城的故事，影片拍攝於亞利桑那州的Tuscon，與某些約翰·韋恩（John Wayne）主演西部片的外景地相鄰。《寂寞牛仔》是沃霍爾最具爆炸性的影片之一，拍攝期便受到FBI的關注，影片中Viva被集體強暴的場面更是爭議不斷。1968年11月，《寂寞牛仔》贏得舊金山影展的頭獎。作為美國西岸同性戀大本營、知識分子與學生活躍的開放城市，舊金山影展的肯定對「導演沃霍爾」具有指標性的意義。
《藍色電影》（Blue Movie，1968年）
是安迪·沃霍爾親自執導筒的最後一部影片，是片長133分鍾的彩色有聲片。
《藍色電影》原名《Fuck》，1968年10月拍攝於紐約格林威治村一間公寓。雖然在片中演員Viva和路易斯·瓦登（Louis Waldon）發生真正的性關系，但影片中一大部分的時間，他們都花在討論越戰、做菜和淋浴上。《藍色電影》的藍色，是因為拍片時忽略了透進室內的日光，沖片後整部電影呈現藍色調。原名過於聳動，沃霍爾索性將它稱為《藍色電影》，企圖避開FBI的耳目。
以當時的社會風氣來看，《藍色電影》不論在敘事或性的呈現上都極具挑釁的意義，與當時道德崩解和性解放的時代氣氛吻合，也因此屢遭檢警的干預，從單廳放映的New Andy Warhol Garrick劇院撤片。撤片後，沃霍爾以書的形式將《藍色電影》重新出版，完整保留了影片的靜照和對話。
沃霍爾本人曾經這樣說過：「我一直希望拍一部純粹關於性交的電影，沒有任何其他的東西。就像《吃》就只是吃，《睡》就只是睡一樣。所以1968年10月我就拍了一部Viva和路易斯·瓦登性交的電影，我稱它為《干》。」如同沃霍爾所言，《藍色電影》某些創作理念的確和他最早期的影片遙相呼應，比如對性交這個狀態的呈現，越戰等外圍話題僅是影片的框架。除了性和個人的解放，沃霍爾的影片很少對當時政治和社會有直接的指涉或批判。在同時期的電影中，《藍色電影》的虛無以及對性的偏執，和貝托魯奇1972年的《巴黎最後探戈》有相當程度的重疊，只是兩者一冷靜一感傷，冷靜的《藍色電影》宣告了一個[[1970年[[這個新時代和一種新道德觀的來臨，感傷的《巴黎最後探戈》則像一首輓歌，提早預示了這個時代的結束。 安迪·沃霍爾生前曾揚言，在潮流急轉的世代，再當時得令的人與事也最多隻有十五分鍾的知名度，潮流壽命還比不上用完即棄的紙尿片或安全套！然而，沃霍爾的破格藝術觀仍持續影響「後後後後後後現代」的藝術文化取向，雖然他曾自謙地稱：「I don』t think my art has any lasting value。」但藝術價值不同藝術價格，它往往超越拍賣行的叫賣，真正的價值在於能刺激和衍生出更多藝術生命。
有不少影評人認為安迪·沃霍爾不能算是一個真正意義上的導演，他們說的也是事實，因為安迪的不少影片基本上用不著「導演」這個動作，他的攝影機只是對著某個物體，比如一個熟睡的人，比如，帝國大廈，然後就讓他的攝影機幾個小時，幾個小時地運轉。不過，他的攝影和導演理念事實上遠遠地走在了他那個時代，甚至我們這個時代的前面。他把電影手段--特寫--發揮到了極限，使之轉化成情節和事件，藉此，他恢復了攝影機的原始功能。而他在《帝國大廈》里所創造的剎那奇觀亦被以後的電影人源源不斷地引用，我們因此也常常得以在銀幕上欣賞到凱旋門、時代廣場、金門大橋等諸多建築物的突然燃亮。

⑶ 怎麼才能把一部電影分成幾部分

分類: 電腦/網路 >> 軟體
問題描述:

我想把一部電影分成更小的幾部分，這樣就可以發送到郵箱里去了，有哪位大俠能指點一下，不勝感激！

解析:

輕松截取精彩電影片段

VCD格式的電影可以用「超級解霸」來截取，avi、asf、asf、wmv、wma、rm、rmvb等格式的影片怎麼辦呢？

[正文] 相信很多朋友都有這樣的困惑：自己有一些電影資料，由於某種原因需要將其中一部分截取出來。一般的vcd格式的電影老師們都會用「超級解霸」來截取其中的一段，但是還有好多的其它格式的，如avi、asf、asf、wmv、wma、rm、rmvb等格式的影片，用「超級解霸」就解決不了。現在，我們就這方面的問題共同研究交流一下。

首先，把一些常用的電影格式分為兩大類，第一類是rm格式的影片，如rm和rmvb格式的電影，除了這類電影以外的其它的都歸為第二類。

我們先說一下第一類rm和rmvb格式影片的截取方法：要截取這類影片，我推薦給大家一個軟體——Easy Realmedia Editor，方便的在網上找到，我只說一下它的具體用法。首先安裝完以後，把這個軟體打開，界面如圖1：

圖1

然後，選擇「添加」，打開需要截取的影片，這個需要截取的影片就會出現在工作區。用滑鼠單擊一下這個文件，然後選擇「參數設置」，出現圖2所示的畫面。

圖2

在這個窗口中，我們需要用到的就是在「起始時間」和「結束時間」前面打上勾，打上勾以後，在它後面的框中會顯示這個影片的總長度，如這個例子中的影片的長度為1小時28分30秒，如你只需要這個影片的第20分鍾到第40分鍾這一部分，就選擇「開始時間」調整為20:0.0，「結束時間」調整為40:0.0，調整結束後，選擇一下你要截取的片段的輸出位置。如例子中輸出到「d:\film」下。最後單擊「確定」按鈕，就自動返回到圖1窗口，然後單擊「開始編輯」按鈕就開始截取了。結束後，就可以到輸出的地方去找自己需要的那個片段了。

對於其它類型影片的截取，用到這個軟體——Boilsoft公司出品的AVI-MPEG-ASF-WMV Splitter，這個軟體大家同樣可以方便的在網上找到，這個軟體的界面如圖3。

圖3

具體的操作如下：單擊「Open」按鈕，打開需要截取的影片，如例子中打開的是「E:\film\d\d\ rd-cd1.avi」這個文件，打開後，在右邊的「Split by Select」下面的「Star」中選擇需要截取影片的開始時間，如我選擇的是「00:00:31.000」，代表的是從31秒開始截取，在「End Time」中我選擇的是「00:00:54.000」，代表截取到這個影片的54秒。選擇完後，單擊下面的「Split」按鈕，在彈出來的對話框中選擇一下保存這個影片片段的位置，就可以了。

配合使用這兩款軟體，可以滿足大多數主流格式媒體文件的操作，用處也是非常的大。

⑷ 求分裂split 電影 百度雲

《分裂》網路網盤高清資源免費在線觀看：

鏈接: https://pan..com/s/1_v3FeG3JUMTZzj8hx_T_9w

《分裂》是由美國環球影業發行，由M·奈特·沙馬蘭執導，詹姆斯·麥卡沃伊、安雅·泰勒·喬伊、貝蒂·巴克利、海莉·路·理查森、傑西卡·蘇拉聯合主演的驚悚片。該片於2017年1月20日在美國上映。該片根據真實事件改編，講述了凱文患有精神分裂，他被精神病醫生診斷出有23種多重人格身份的故事。

⑸ 電影split的結局是什麼意思最後那個男人是誰

不好意思，更正我剛才的回答。
以上應該是他最後下太空倉之後說的。
布魯斯威利最後說的是「We win,Gracy.」「我們贏了，葛莉絲（他的女兒）」。

⑹ noir什麼意思

釋義：

1、adj. 輪盤戲中黑色數字的

2、n. (Noir)人名；(法)努瓦爾

noir 英/'nwɑː/

片語：

1、pinot noirn. 黑皮諾/黑比諾（葡萄品種之一）

2、film noir具有悲觀色彩的影片

例句：

1、For example, a .

例如，「黑色電影」是一個關於謀殺和其他罪行的電影。

2、,asthemeansofastupidescape.

他們總是出現在那些糟糕的黑白影片里，作為一個愚蠢的脫身手段。

(6)split電影2016擴展閱讀

電影類型及相應電影的英文簡跡表達

1、Action 動作電影

《Mission impossible》 碟中諜、《Fast and Furious》 速度與激情

2、Drama 劇情片

《The Shawshank Redemption》 肖並咐搏申克的救贖

3、Sci-fi 科幻片

《Matrix》 黑客帝國

4、Fantasy 奇幻片

《Lord of the rings》 指環王、《Harry Potter》 哈利波特

5、Horror 恐怖片

《Paranormal Activity》 鬼影實錄

6、Thriller 驚悚片

《Split》 分裂

7、Comedy 喜劇片

《The Hangover》 宿醉、《Romantic Comedy》 愛情喜劇、《Love Actually》絕祥 真愛至上

⑺ 調色大法好，五種調色手法讓你的電影作品脫胎換骨

電影感的塑造，離不開構圖、景深、解析度、鏡頭運動，本期就單從後期調色來說，怎麼使自己拍的片子，瞬間賦予「電影感」。

調色無非就是導入素材，回批，調色，輸出，就是幾個簡單的操作步驟，但是背後暗藏玄機。調色的意義，不外乎兩種，一是提升畫面品質，二是增加氛圍感受。

好的調色可以讓整部電影脫胎換骨，那麼到底該怎麼調色才能出現這種效果呢？首先給大家介紹一個概念：

色相環The Color Wheel

色相環是由RYB上的十二種顏色所組成，亦稱減色法（Subtractive Color）。

RYB顏色模式中主要以紅色、黃色、藍色為主，亦指三原色。三間色為綠色、橙色、紫色，可以藉由三原色混合而成。剩下的六個再間色則由原色與相鄰的三間色混合而成。

一般而言，我們多以右半部的暖色調系列來代表歡樂及活力，而左半部的冷色調系列則代表安詳及冷靜。

說了那麼多，到底該怎麼給自己的電影調色？有沒有什麼通用的技巧？

別急，馬上開始！！（高能預警：文末有大量經典調色案例）

五種電影基本調色手法

1. 互補色模式Complementary Color Scheme

互補色是指兩種對應的顏色所形成的對比效果，以暖色系與冷色系的兩種顏色來強調對比度以及提升鮮艷、突出的效果。

最常見的例子為橙色與藍色、藍綠色（Teal），這也是多數的好萊塢大片都以這兩種顏色作為電影色彩效果的原因。然而，使用互補色模式時須適度調整其飽和度，使該對比效果是令人感到賞心悅目而非刺眼。

上兩圖為電影《天使愛美麗》劇中的對應色卡，這是一種典型的紅色配綠色之對應效果。通常兩種對比的色彩象徵沖突行為，透過外在的互補色彩之呈現來表示角色內心正處於矛盾或是身心交瘁的狀態。

電影《搏擊俱樂部》就為橙色與藍綠色之對應搭配作了完美的詮釋。陰暗的部分以藍綠色表示，明亮的部分就以橙色來呈現，就像人的內心充滿著各種正、負面思維來抨擊一個完整的個體。

電影《亡命駕駛》與上一個圖所呈現的效果有異曲同工之妙。然而，互補色並非總是如此明顯，也與使用的對比程度有些許關聯。以電影《搏擊俱樂部》的另一幕場景為例，外觀看似全以藍綠色作為色彩效果，仔細地觀察後會發現偏橙色的膚色與其藍綠色的背景相對。

2. 相似色模式Analogous Color Scheme

相似色是指以色相環上鄰近的顏色之組成來呈現電影中整體色彩的協調感。彼此之間的色彩結合較為柔性，通常以相似色作為電影中的風景色調來呈現自然、柔和之感。

最常見的模式是選擇一個主色系，並挑選與其相近的色彩作搭配，最後再以黑色、白色以及灰色作襯托。（日劇也常用）

電影《美國騙局》中的一幕場景以紅色、橙色、棕色與黃色彼此色彩相接使電影的整體色調偏向暖和的氛圍，畫面幾乎不含一絲緊張之氣氛。

3. 三等分配色模式Triadic Color Scheme

三等配色是指三種顏色於色相環上以120度隔開，雖然整體色彩的飽和度不會太高，但一樣給人生機勃勃之感。然而，三等分配色為電影中最冷門的配色模式，不過適當使用仍會展現出令人驚艷的效果。

讓-呂克·戈達爾（Jean-Luc Godard）採用三等分配色模式來呈現其1964年電影《狂人皮埃羅》的整體色調。

4. 補色分割模式Split-Complementary Color Scheme

補色分割相似於互補色的對應關系，但兩者之間的差別在於補色分割是以主色及其對應之兩側顏色作結合。一樣具有強烈的對比度，但張力的效果較不顯著。

科恩兄弟（Coen brothers）的電影《閱後即焚》中一幕場景就以紅色及其對應之綠色與藍綠色來呈現。

5.矩形配色模式Tetradic Color Scheme

矩形配色是由兩組互補色所構成，通常具有五光十色之繽紛感，但至少有一種主色來突顯其效果。

電影《媽媽咪呀》（Mamma Mia）使用了矩形配色模式來呈現其派對場景，為該場景展現出良好的協調感，而非淪落似迪斯科舞廳樣俗不可耐之貌。

除此之外，近來多數電影所呈現的色調以橘色與藍綠色等互補色為居多。橙色多用於明亮及肌膚之處，而藍綠色則用於陰暗之處。根據電影《木蘭花》（Magnolia）中的場景顯現出好萊塢對該模式的偏愛。以橙色為置中色，強調其臉部的肌膚，而藍色則退至後方陰影處作為襯托。

經典電影調色卡

《愛麗絲夢遊仙境 2》 (2016年) 導演： 詹姆斯·波賓

《阿拉丁》（1992年） 導演： 羅恩·克萊蒙茲，約翰·馬斯克

《鳥人》（2014年） 導演： 亞利桑德羅·岡薩雷斯·伊納里圖

《僵屍新娘》（2005年） 導演： 蒂姆·波頓 麥克·約翰遜

《死侍》（2016年） 導演： 提姆·米勒

《被解救的姜戈》（2012年） 導演： 昆汀·塔倫蒂諾

《剪刀手愛德華》（1990年） 導演： 蒂姆·波頓

《阿甘正傳》（1994年） 導演： 羅伯特·澤米吉斯

《冰雪奇緣》（2013年） 導演： 克里斯·巴克 珍妮弗·李

《哈利波特和死亡神器二》（2011年） 導演： 大衛·葉茨

《盜夢空間》（2010年） 導演： 克里斯托弗·諾蘭

《功夫熊貓》（2008年） 導演： 約翰·斯蒂芬森 馬克·奧斯本

《少年派的奇幻漂流》（2012年） 導演： 李安

《瘋狂的麥克斯：狂暴之路》（2015年） 導演： 喬治·米勒

《彼得·潘》（1953年） 導演： 克萊德·吉諾尼米，威爾弗雷德·傑克遜，漢密爾頓·盧斯科

《羅密歐與朱麗葉》（1996年） 導演： 巴茲·魯赫曼

《千與千尋》（2001年） 導演： 宮崎駿

《星球大戰7：原力覺醒》（2015年） 導演：J·J·艾布拉姆斯

《復仇者聯盟》（2012年）導演： 喬斯·韋登

《蝙蝠俠:黑暗騎士》（2008年） 導演： 克里斯托弗·諾蘭

《教父》（1972年） 導演： 弗朗西斯·福特·科波拉

《飢餓游戲：嘲笑鳥2》（2015年） 導演： 弗朗西斯·勞倫斯

《獅子王》（1994年） 導演： 羅傑·艾勒斯 羅伯·明可夫

《火星救援》（2015年） 導演： 雷德利·斯科特

《荒野獵人》 （2015年） 導演： 亞利桑德羅·岡薩雷斯·伊納里圖

《沉默的羔羊》（1991年） 導演： 喬納森·戴米

《萬物理論》（2014年） 導演：詹姆斯·馬什

《楚門的世界》（1998年） 導演： 彼得·威爾

《泰坦尼克號》（1997年） 導演： 詹姆斯·卡梅隆

作品集指導可是個技術活

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