电影高饱和色调是啥导演

『壹』 审美提升 |女生必看的7部色调绝美电影

可能是因为我的职业离不开摄影的关系，我平时看电影都会注意电影的色彩搭配和画面的构图。

我个人觉得，电影不仅仅是故事的载体，更是镜头、颜色。灯光、构图组合而成的作品，是光影交错的艺术。

我下面推荐的7部，是我三刷之后，还会再刷的电影。感兴趣的人不妨看看。

01 《雪梨：现实的愿景》

影片将原始油画色彩的细腻与妍丽在画面中还原恰到好处，这种色彩、线条与光线的组合，每一帧都让人想截图欣赏。色彩搭配协调而干净，透着现代的简明与严谨，却又不乏油画色彩的妍丽。饱和度极高，透着执行的美。

02 《布达佩斯大饭店》

这部电影精妙的构图和漂亮的配色，至今都是教科书级别的模板。

影片构图采用黄金分割的比例，左右近乎完全对称，而在色彩的使用上极为丰富，不同的场景配合不同的风格，三十年代的光彩耀人，六十年代的萧条冷清，都通过色彩加以表达。

03 《天使爱美丽》

执导这部影片的导演让-皮埃尔-热内，是法国影坛里最热衷“调出复古色”的导演。影片由奥黛丽·塔图出演，当年一上线变成了现象级。

整部影片里的色彩充满了浓烈的童话感、浪漫的法式风格在可爱又带点神经质的叙事风格中被无限放大，影片的整体构图让人非常舒服。

04 《法兰西特派》

影片采用了4：3的比例，整体的色彩极有复古感，这种色彩搭配很容易将人的情绪带进去。

05 《月升王国》

选取了黄和绿两个高饱和度的近似色作为主色，红和蓝作为副色，主要运用了大量的近似色和少量的分散互补色进行配色，全片呈暖色调。

用整体的色彩为故事营造了温暖、清新、治愈的氛围。

06 《梦》

全片共有八个梦境，这八个梦境几乎贯穿了人类生活的全部主题。在不同的梦境里有着不同的场景，配合不同的色彩搭配，把人类要面对的所有主题都一一呈现出来。

07 《银翼杀手2049》

影片拿下了2018年的奥斯卡最佳视觉效果奖。电影整体的艺术造诣非常高，科技感十足的色彩搭配使观者沉浸其中，感官冲击非常大。

以上，共勉之。

『贰』 《拉片放映室》---第十五集:电影中常见的7种影片配色

《拉片放映室》第十五集---电影里常见的7种影片配色

拉片有技巧，观影有门道！哈喽，大家好，我是刘导！

学会拉片，让你技术性的去看电影！

所谓配色，简单来说就是将颜色摆在适当的位置，做一个最好的安排。

适当的色彩搭配不仅在视觉上具有舒适感，还可以营造不同的氛围、传递不同的情绪和心理暗示、表达不同的立场和主题，甚至决定影片的视觉基调和故事线的走向。

电影的配色方案有助于大家了解电影所呈现的气氛，以及角色们的内心世界，看懂导演背后的创作意图，再或者根据电影里角色和场景设计，去学习着装和家居颜色搭配。

除此之外转换思维也能帮助到设计师、修图师、调色师找寻灵感，完善自己的作品设计和电影色彩搭配。 抛开影片的剧本、结构、镜头等因素，我们对一部电影所具有美感的最高评价就是 ：电影 美得每一帧都可以 截图当 桌面 。

电影配色里，尽管单一固定的颜色可以带来深意，但更充实的电影色彩调色盘（即“配色方案”）在情境沟通中最有效。均衡配色方案涉及到色彩间的和谐关系。这种电影调色还能创造出整体感，促进色调的互相凝聚。那接下来我们就学习一下电影里常见的7种影片配色。

1、单色调

单色配色方案由单一颜色的不同色调产生，比如红色、暗红色和粉红色。它们能创造出一种柔和的、使人平静舒缓的和谐感。

《黑客帝国》就是一个很好的单色调电影配色案例。这部电影里几乎每个场景都有绿色色调。绿色渗透了全片内容，契合了电脑数字未来世界虚幻的科幻效果，尽管过去了20年，再度回头观看也会发现电影里的色彩感超强。

2019年8月，华纳兄弟影业正式宣布开发《黑客帝国4》，基努里维斯等主创回归，影片将于2022年上映，届时我们也可以再度欣赏一下它的电影配色。

2、互补/对比色

色轮上，两种颜色位置相对，形成互补色。这是目前应用最广泛的色彩方案。常见的例子是橙色和蓝色或青色。这对颜色一个是暖色一个是冷色，形成了强烈的对比效果。其饱和度需要调整，而视觉上互补色是很自然很舒服的。

互补色会产生对立的戏剧效果，它结合了冷色调和暖色调，在很多的好莱坞电影中，会使用橙色和蓝色的互补色来营造电影的画面感，建立戏剧性的冲突和画面张力，通过电影配色来展现人物情绪和内心情感，一个人物内心的矛盾冲突就会由外部环境的色彩反映出来，和观众在观影视觉上产生互动。

让-皮埃尔·热内的导演作品《天使爱美丽》中的电影配色，是一个典型的红色和绿色互补色。

3、 分散互补色

分散互补色和互补色方案很相似，不同之处在于，互补色中，使用的颜色是基础色位置直接对准的颜色，分散互补色中，使用的是对准颜色两旁的颜色。同样对比度很高，但张力不及互补色。

科恩兄弟的作品《阅后即焚》的这个场景中，使用的分散互补色是红绿青。

4、 相似色

相似色在色轮上位置相邻。它们的匹配性很高，能在色板上创造出一个整体的和谐感。它不是暖色也不是冷色，所以没有像互补色的那样的对比度和张力感。

相似色很容易被用到外景中，因为它看起来比较自然。

5、 三色

三色是三种颜色均匀的在色轮上隔开。一个颜色是主色，另外两个是强调色。即便是色调饱和度不高，这些色彩也带给人生动的感觉。三原色是最不常用的电影配色方案，但即使色调不饱和，它也能使画面引人注目且充满生机。

让·吕克·戈达尔1964年的电影《狂人皮埃罗》使用了三色方案，其中三色分别是红蓝黄。

6、 四色（矩形配色）

四色由四种颜色组成，位置是两对互补色的位置。其色板有很多丰富的颜色，在这些色彩调和中，有一种颜色是主色。

《妈妈咪呀》多彩的party场景中转变成四色，这样在场景中制造了很好的平衡和调和感，免去了变成俗不可耐的舞厅场景。

不管画面中的颜色是橙色/青色，都能创造常见的场景效果，橙色放到高光和肤色色调的中上部，青色（蓝绿色）放在隐形中。

7、 不协调配色方案

不协调的配色方案是一种导演经过深思熟虑的选择，它与上述方案不同，可以用来调整观众的注意力。不协调的颜色可以帮助一个角色、细节或场景从影片中脱颖而出。比如，天使爱美丽中的绿色或第六感中的红色。

但是不协调的颜色配色无论在前期还是后期调色中使用，都需要综合考虑其使用特点和意义，不要在不合适的位置用不协调的配色方案，不然会适得其反的让观众觉得是糟糕的色彩搭配（俗称辣眼睛）。

而任何偏离影片主要色调的颜色，通常会用来使观众关注某个特定的人物、物体或地点。例如《辛德勒的名单（1993）》中的红衣小女孩，《灵异第六感》中的红色等。

『叁』 张艺谋的《影》所依靠的是调色，是不是中国第一部水墨画电影

张艺谋导演的《影》，是我非常喜欢的水墨画风格的电影。一幅幅生动形象的水墨效果让我的吃了一顿饱饱的视觉盛宴！但《影》不是第一部水墨画电影。

目前水墨画电影为数不多，但部部都唯美至极，是艺术底蕴和文化故事相结合的一些电影，具我认识的有三部。第一部水墨画电影是由特伟、钱家俊、唐澄共共导演的《小蝌蚪找妈妈》。

它是上海上海美术电影制片厂出品的一部水墨画电影。电影的开头，中国风的水墨画一副副国呈现，古琴琵琶，声中镜头像寂静的荷塘小景缓缓推入，片中出现的小蝌蚪，虾，鲶鱼、乌龟、小鸡、荷叶、水和青蛙等等，每一种都具有神韵，栩栩如生地刻画了水墨画的形象，小蝌蚪有时候镜头会显得特别小。

这是一部非常有趣的幼儿科普故事的电影，艺术价值非常高

《影》这部电影严格意义上来说不算是水墨画电影，只是水墨风格的电影。电影中采用了水墨画特点中的黑白色彩，还有服饰和大殿布置运用了大量的水墨。同时这部电影融入了很多的中国古典元素。

除了水墨画，还有琴瑟弹奏、八卦、阴阳等元素，是一部完完整整的中国国风电影，向世界输出中国文化元素的电影。

《影》似乎是贵族们为了在权力游戏中生存而进行的平民斗争的故事。在生存故事中，电影更加强调了在生存的间隙遇到平民的应变、命运、机会抓住机会的能力。在这个过程中，每个人都要回答“我是谁”的问题。

『肆』 国外电影大师里哪一位导演对色彩运用的很棒

黑泽明大师的电影色彩运用是最顶级的，他本身是学画出身。《乱》、《影子武士》等影片中的色彩运用已成“哲学”，《影子武士》中用四种色彩代表军事上的四大智慧，煞是好看之余，意蕴深渊。《梦》中的色彩也很美。张艺谋的电影色彩美学上有膜拜黑泽大师的痕迹。

Gus Van Sant的《elephant》，极高的色彩饱和度配以冷峻的主题，
Wim Wenders的《paris,texas》，简单的带雹三原色也可以配蠢山帆出绝美的画面，
还有阿莫多瓦，岩山俊二等导演的作品中，色彩的运用都非常出色，

《人鱼朵朵》，漂亮的colourful.美丽的高跟鞋
《rose》，法国香水的色调，天空、泥土与rose的画面
《迷失东京》，迷失在黑白灰的唯毕主调中
《练习曲》，永远淡蓝的天空
《天使爱美丽》
蜷川实花《盛樱花魁（Sakuran）》
导演是日本现在最流行的摄影人，透过粼粼波光看到的吉原游郭
一切恍如梦境

因为色彩而更爱电影

『伍』 纽约著名影视制作人教你如何调色

Vshi Nedomansky是一名来自纽约的影视制作人，他的主要身份是剪辑师,著名短片《最后三分钟》就经由他“妙手”剪辑而成。因为制作规模和经费的限制，单反器材爱好者的他在后期编辑的时候，经常充当调色师的角色。

这篇文章就是他在调色方面的一些经验和建议。【现在很多剪辑软件自带的调色功能已经能应对一般性的调色，有调色插件和预设模板，调色就更轻松了。】

调色虽然只是整个制片的一个部分，但它可以起很大作用。通过调色，能化腐朽为神奇，让画面“声色并茂”，增强你视频的视觉体验；要是有更好的素材，那可供发挥的余地就不可限量了。不过，调色失败的话，画面也可能会变得不堪入目，让整个团队拍摄时的辛苦工作付之东流。因此，调色是一项挑战性工作，如果你负责的是影片调色和色彩分级，那就需要极强的责任心。在电影界，各类工作综合交错，调色逐渐成了剪辑师的工作内容，尤其遇到资金不足、时间紧张的情况时。因此，基于这几年在专题片、短片、广告、MV以及纪录片的调色经验，我借此机会与大家分享一些技巧。

首先重温几个专业词汇。

调色： 人工调整每一个片段以达到较好的曝光度和光平衡。通过调整单个片段，与预设场景的色温相协调。这个过程机械、单一，但至关重要。这一步要使用示波器 (颜色示波器, 矢量示波器, 波形示波器 )，大部分非编软件和调色软件都有这些功能。如果没有以上功能的帮助，那你只能靠眼睛不断去调整光平衡。所以，让示波器来协助你将工作做得更出色。

色彩分级： 是一项富有创造性的工作。使用软件增强或建立新的视觉效果，例如：引入新主题色、重新调光、仿真胶片、设置色彩梯度等等。这些工作是纯创造性的，无对错之分，可微可宏、可隐可现，合适即可以。正因如此，这项工作极富挑战性。可以辅助的软件非常多也都很强大，很多还是免费的，比如Davinci Resolve Lite，因此，一旦踏上这条路，就没理由退缩。

低光-中光-高光： 阴影-中间调-高光  黑-灰-白：这三个组合决定了你需要处理哪一部分画面，三者可以相互替代。一般一个项目只用三者之一，不过三者在本质上没有区别。即使在处理色阶或曲线时，除了数值还需要至少三次滑动来进行细微调整。有了这三种，任何画面处理都易如反掌。

除了以上提到的专业词汇，还有很多，就不一一赘述了。这篇文章重点讲几点，这些都会让电影制作人在完成电影的同时，提高工作效率。在此，感谢影片短篇电影“HWY”的导演Michael Evanet提供素材。我刚刚完成这部影片的调色工作。

技巧1-使用低对比度或 LOG模式拍摄

Shane通过大量研究和测试发现，所有拍摄模式中低对比度拍摄捕捉的画面细节信息最多。我用Canon 5D mkii拍摄时，喜欢用Technicolor Cinestyle 或 Canon Neutral，并将清晰度和对比度调到最小。接下来，我会测试Similaar Flaat 文件，这种在四种不同的颜色中可以使用。相机公司的产品一般都配有对比度高、功能全的stock profile，但是，从监视器上看的话，画面会变得非常难看，带有不均匀阴影和亮点。这样的话，一切就毁了。这对于作为制片人的我们来说，难以接受。stock profiles是业余爱好者才用的，就好像将相机调成自动的就能拍片一样。绝不接受！

技巧2-使用颜色示波器, 矢量示波器 和 波形示波器  。

打开premiere，在窗口选项中选择工作空间和色彩调节。在任意窗口低光右侧点击RGB BUTTON键。之后会出现示波器。颜色示波器=明亮度；矢量示波器=色度；波形示波器=红、绿、蓝值。这些工具非常重要。使用示波器，你拍摄起来会得心应手。了解并信任示波器吧。情况紧急时，可以用Matrox Mini来校准LCD电视。示波器完成质量可以达到广播节目或发行效果。我曾单用示波器一个软件完成过四部专题片，而且都一次性通过了质量检查。现在加上Adobe的帮助，更容易了。

技巧3-顺序

要想保证画质并获得最大的信息量，必须按步骤来。就好像做蛋糕，要一步步完成。在这方面，Stu Maschwitz给我的建议非常有帮助。调色时按顺序来，会达到极佳效果。以下是最佳顺序，有些步骤一些情况下可能用不到：

1. 修除画面瑕疵问题并降噪；

2. 通过调整灰平衡，饱和度和白平衡平衡镜头；

3. 用蒙版或避光框调光；

4. 加入渐变、柔化以及其他滤镜；

5. 加入虚光；

6. 图像分级；

7. 进行模拟；

8. 调整尺寸，增加清晰度

技巧4-在Premiere里的快速颜色校正功能是32位的，容易上手且十分实用

这个效果是任意镜头的良好开端。这样可以实时处理色阶、饱和度、色彩强度和白平衡等。我通过调整明暗对比增加对比度得到下面的镜头。我使用色轮，向橙色方向拖动，以中和原镜头的蓝色。也可以使用白平衡调节器。不过我倾向于使用橙色方位，让画面有上世纪50年代的感觉。我将饱和度调高了40%以突出画面。最后，加了2.35的蒙版达到旧式宽银幕电影镜头效果。

技巧5-首先调整低光/阴影/黑平衡

先调整黑平衡，为之后的平衡打好基线。我喜欢从底向上调整，将颜色示波器 上的黑平衡调到0 IRE。之后调高白平衡，以扩展画面并加入一些对比。最后，视情况调整灰平衡。调整黑平衡 或 白平衡时，整个颜色示波器会改变，因此要不断进行微调。最后再调灰平衡，因为它对黑平衡 或 白平衡影响不大。调高灰平衡，画面饱和度会全部改变，因此要注意调高对比度。

技巧6-灰平衡会让画面生动

灰平衡会决定画面人物肤色，画面达到平衡后，调高灰平衡会突出人物脸部。有时调高Premiere的 曝光来提亮脸部或场景更简单些，但这样会调高所有部分，效果无法出来。颜色示波器上，人物脸部IRE最佳值为60-70。尽量不要超过这个数值太高。

技巧7- 矢量示波器上的肤色标准轴线（FLESH LINE）

通过矢量示波器上的肤色标准轴线（FLESH LINE）来查看人物肤色。利用三路色彩校正或者Colorista插件方式来改变特定区域的颜色。通过调整灰平衡轮可以调整人物脸部色调。按照所需要的颜色调整灰平衡轮方向，直至其与肤色标准轴线（FLESH LINE）对齐。有趣的是，肤色标准轴线（FLESH LINE）十分精确，我们共用的皮肤色调均为FLESH颜色。在这之前，微调白平衡也十分重要。如果想要自然肤色，最好不要选择粉、红或绿，这时应该调整对比度。人物肤色的调整，并无对错之分，合适即可。

我希望我的分享能为您提供帮助，或者让您了解更多。调色方式多种多样，没有哪一种是最好的。对于调色来说，没必要花费太多物力和财力，需要的仅仅是时间，最简单的效果加上探索精神和热情。尽情去感受，一次错误的拍摄可能带来意想不到的惊喜。去探索并享受吧！

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『陆』 《拉片放映室》第32集:张艺谋电影中的构图和色彩运用01

《拉片放映室》第32集--张艺谋电影里的构图和色彩运用01---《黄土地》《红高粱》《菊豆》

拉片有技巧，观影有门道！哈喽，大家好，欢迎来到拉片放映室！

学会拉片，让你技术性的去看电影！

张艺谋是我国第五代电影导演中的代表人物，从1984年在影片《一个和八个》中担任摄影师到1987年导演第一部电影《红高粱》，到2020年执导超过30部作品，近40年间对华语电影和华语导演产生了巨大影响，他的作品除了环环相扣的剧情、仔细地选角、演员精湛的表演外，张艺谋电影广受好评的一个重要原因就是他出色的色彩驾驭能力。

从他的第一部导演作品《红高粱》到2011年轰动全国的《金陵十三钗》，其色彩设计都有一以贯之的特性，这其中囊括了其镜头运用、色彩搭配、人物画面与构图、形象塑造、叙事节奏等诸多方面，这些镜头都用独特的张艺谋式的风格表达了其特有的蕴涵。

而2014年之后的《归来》《长城》《影》以及尚未上映的《一秒钟》《悬崖之上》《坚如磐石》则是张艺谋作为国师之后多元化的探讨和在色彩运用上的突破。

但是对于张艺谋电影的色彩运用，文艺界和影评人确实是说法不一，大概包含有两大观点：支持和赞扬的一部分人认为张艺谋电影色彩设计的运用有很强的民族气息和民族感，比如以大红、大黄等为基调的作品不在少数，而且他也是有意识的运用西方色彩搭配和设计的第一批中国电影导演，色彩的表现力十分突出；反对派和批评的一些人则认为张艺谋电影的色彩运用过于夸张，艺术美感逐渐走向偏激，而且色彩尽显“后殖民主义”的特质，色彩的视觉冲击力远大于其影片所带来的思想内涵，尤其《十面埋伏》《满城尽带黄金甲》《三枪拍案惊奇》《长城》更是饱受非议。可见，张艺谋电影评论的主要焦点仍然是在影片的视觉形式与内容表达上。因为张艺谋不仅具有高水准的导演技能，摄影师出身的他，在色彩构图上也有相当出色的功力。为了让小伙伴们更直观清晰的了解张艺谋电影作品中的色彩运用，那接下来我们就以张艺谋的所有作品分三个阶段来分别拉片分析一下其中的构图和色彩运用……     

1984年的电影《黄土地》中，作为摄影师的张艺谋虽然不能完全主导，但是他也充分的发挥了自己作为摄影师对镜头呈现内容的把控能力，主要着重表现了黄土地、窑洞、黄河、红嫁衣、红盖头、黑粗布棉袄、白羊肚毛巾这些物象，而与之搭配的色彩则是饱满凝重、温暖沉稳，对比强烈，大面积黄色块的运用以凸显电影主题，土黄为主色调，黑、白、红等为辅。通过这昌谨兆些镜头表达了他对于色彩运用在电影中叙事和左右观众情绪的思考。

1987年在张艺谋拥有能力导演自己的第一部作品《红高粱》中，漫漫的黄土，弥天的风沙，赤膊轿夫们背扛着灼热的烈日，他们黝黑的皮肤，拖曳着欢快的脚步，按照船艇的风俗“颠轿”。无论是中远近景的使用和色彩的搭配，都还是在重点凸显他对自己出身黄土地的热爱，而轿子中的新娘，头顶着凤冠霞帔，身穿大红色的新娘装。通过大红单色的使用表现九儿怀着红色而炽热的心，轿子外漫天黄沙和大黄单色则表现旧时的女人出嫁未来渺茫，张艺谋通过一望无际的黄土地和红色装扮的轿子以及新娘形成的对比来反衬那个时代下包办婚姻对于女性的压迫。在电影中，红色的着装、盖头、红轿、红鞋、红日、高粱酒、酒坊、贴纸、窗花等元素是作品主要渲染的物象，构成了《红高粱》中独特的美学特点，搭配晌告剧情，色彩设计也表现出浓郁饱满，饱和度高，色彩纯粹，且大色块大面积运用，颂扬中华民族激扬昂奋的民族精神，融叙事与抒情、写实与写意于一炉，发挥了电影语言的独特魅力，于1988年获第38届柏林国际电影节最佳影片金熊奖，第8届中国电影金鸡奖最佳故事片奖，第11届大众电影百花奖最佳故事片奖，第5届津巴布韦国际电影节最佳影片奖、最佳导演奖、故事片真实新颖奖等等！

进入20世纪90年代，对于当时通过《红高粱》获得一系列国际认可的张艺谋来说，没有获得当时象征着电影人最高荣誉的奥斯卡的认可，就还是证明不了自己。

所以当时张艺谋迎合奥斯卡之心也是路人皆知。当时的奥斯卡评委最爱看什么，禁忌的性，愚昧落后的制度以及桎耐租梏下如蛆虫般生活的丑陋的中国人。张艺谋投其所好，1990年，与杨凤良合作导演影片《菊豆》，《菊豆》继续继承张艺谋电影的主要特色，染坊、瓦墙、服饰、灯笼、各色染布、红烛、棺材、白布、纸钱、火焰等纷纷出现，色彩依旧浓郁饱满，环境以青灰色为主，人物着装色彩对比突出，片中菊豆的服饰多为旗袍，主要有四种颜色，红、黄、蓝、白，蓝色短旗袍最为惊艳。紫色、粉色为辅。

张艺谋为了冲击奥斯卡也算是煞费苦心，为了拍本片他看了超过50部当时称之为变态的电影，拍摄的内容对于很多观众来说也是重口拧巴至极……在那个伟光正的年代，拍这样题材和内容的电影是需要十足的勇气和决心的。

以至于太过于用力，让《菊豆》跑偏，批判不足，猎奇有余，成了许多人心中的情欲片，一度被禁，直到下一部《大红灯笼高高挂》才重新找准方向和定位！

《菊豆》在张艺谋的电影推荐序列中是比较靠后的电影，因为同样是谈性，它没有《红高粱》那种的热情似火，激昂向上的力量；而和《大红灯笼高高挂》相比，它的批判力度又浅尝辄止，少了力透纸背的深刻，像是个半成品。不过在中国影史，它却有着里程碑式的意义。它是中国第一部获得奥斯卡提名的内地电影作品，是以张艺谋为代表的第五代导演正式向奥斯卡发起冲击的标志，从《菊豆》中能看到张艺谋锐意探索的勇气，也能看到他急功近利的谄媚。可大多时候这部作品却被低估，纵观张艺谋导演生涯，被奉为文艺圭臬佳作不胜枚举，可这部无限接近奥斯卡，并在人性方面多方揣度与衡量的《菊豆》却鲜有人提。

当初《菊豆》出现还有一段渊源，1989年张艺谋执导《代号美洲豹》折戟，那是他生涯第二作，标志华语片对商业片的初步试探，此片讲述了海峡两岸携手打击劫机犯故事，两岸同胞情更成为人文核心。可是商业文化上的不兼容导致张艺谋几度崩溃，于是几经拖延与转变，造就了那部敷衍的半成品以及张艺谋生涯黑点，这种情况下张艺谋需要被认可，于是在1990年他又找来巩俐拍了《菊豆》。

影片改编自作家刘恒的小说《伏羲伏羲》，张艺谋之所以选择改编《伏羲伏羲》，最重要的在于作品除了中西文化底色上的交融，其立意上更有着反封建、反枷锁的人性寓言。这是他擅长的领域，如拍摄《红高粱》时利用动荡年间祸乱，来诠释人性的挺拔与癫狂、并利用色彩间的斑斓，来表露人性的欲望与对抗。

同样《伏羲伏羲》改编的《菊豆》亦是毫不遮掩。无论是当时的时代背景或者人性千面，张艺谋都运用了极致渲染给予诠释，除此之外相较《红高粱》的跋扈与粗犷，在这部作品里张艺谋更是百无禁忌的将情欲跟人性暴露的更直接。最初张艺谋定名为《呻吟》，后来改名为《菊豆》。不少影评人都认为原名《呻吟》才更接近电影核心，因为呻吟本是人性映照，而影片所阐述的也正是人性最压抑、最求而不得的内心交响，以及与封建传统间的殊死对抗。呻吟本就是凝结电影始末悲剧的人文核心，可由于名字过于赤裸露骨，碍于民众的接受度，张艺谋还是选择了以主人公的名字为题。可是在仔细观影数遍之后，相信不少小伙伴都会发现《菊豆》是一部越看越让人觉得纠结拧巴的电影。而这是因为第五代电影人大多经历过文革，戴着沉重的枷锁，作为导演，他们的观念里，电影必须批判，必须深刻，必须性压抑。他们渴望被西方主流电影圈认可，他们在谄媚刻意迎合状态下拍出来的电影自然就是纠结拧巴的。

所以导致了电影《菊豆》里，大染坊日夜不停歇的旋转着的彩色，古宅层层叠叠的灰黑色瓦面，菊豆赤裸的身体……这些色彩在推动故事发展、塑造人物性格、反映影片主题等方面起到不可忽视的巨大作用。

《菊豆》通过天青与菊豆的爱情故事，探讨伦理、欲望、人性之间的关系。而这些色彩，就像那条被画在墙上的龙，恰到好处的运用让这龙顿时有了眼睛，破壁飞出！

这座灰黑色的宅子，是杨金山住的地方，也是工作的地方，也是一切故事发生的开始。宅子的杨金山买了一个年轻漂亮的姑娘菊豆，想藉由她来完成传宗接代的任务，这种家族传承的封建思想深深根植在他心里。因为长期无子，让他喜欢通过性虐的方式的来获得快感和证明自己还是个男人，在菊豆之前已经虐死两任妻子。在菊豆身上的施虐，让他有一种征服的快感，让他以为自己雄风犹在，不减当年。这里的镜头展示和屋内红色屋外蓝色对比的色彩运用让人无比拧巴。我们此刻都变成了天青一样在屋外偷听偷窥的人，闹心！  

而这座宅子有着跟杨金山一样的秉性。影片电影中使用俯拍仰拍的镜头非常多，构图也多次用俯拍的视角展现建筑的封闭和压抑，斑驳的墙壁、深棕色的楼梯、灰黑的屋顶，幽深的像野兽的眼睛，让人感到窒息。这种环境这是中国几千年来封建思想的真实写照。

而菊豆在电影中每套着装的颜色也代表着不同时期的人物心理，两人初见时是黄色，发现天青偷窥时是粉色，下定决心想让天青救他之时是蓝色，两人坦诚相对欲望勃发之时是白色，怀孕时是黑色，杨金山瘫痪之后，菊豆换上了红色的衣服，杨金山落红色染池水死亡和菊豆天青两人穿白色孝服挡棺也颇具有戏剧性…… 

我们之前在第21集《电影里的色彩处理》这一小节里面也重点说过影片《菊豆》中菊豆和天青在染坊里的情爱一场戏中来看色彩在影片中视觉语言的综合修辞方法，银幕色彩在强化自然表现力方面的综合作用；

高深、封闭的染坊里深棕色的背景下，有几块色彩鲜艳的红布悬挂其中，隐喻着菊豆和天青二人的激情和情欲被封建礼教深深地压抑和封锁着；当二人在激情中拥抱在一起时，天青扯开菊豆的外衣，露出红色的肚兜，暗示出菊豆冲破压抑后内心的躁动与不安；二人在剧烈的动作中蹬倒支撑晾晒染布的支架，镜头急转如同瀑布般的落下来的大红色彩布，天光同红布一起直泄下来，强烈的天光象征着菊豆和天青彻底打开的不再自我封锁的心扉；而一泄到底、重复交叠的大红彩布，此时此刻则成为二人炽热爱情的欢喻。在这一段落里，一系列红色的由远而近、由弱到强地不断重复，通过视觉修辞形式集中表现了用话语描述方式难以表达的丰富的、微妙的情绪和气氛。导演通过对艺术材料的重新结构，极大地强化了影片的自然表现力，从而获得了震撼人心的艺术效果。

这一段是天青菊豆情感开始的地方，也算是天白诞生的地方，可是最终杨金山在天白3岁时溺水死在红色的染布池里，最终天白亲手将自己亲爹丢进红色的染布池里，并且一棍子打死，这里呼应了一开始急转如同瀑布般的落下来的大红色彩布，最终布落完，镜头定格在染架上，也预示着天青命运的终结！下一个仰拍大火烧毁染布的镜头，也是菊豆此生命运的终结……

染坊是电影里是欲望的开始，也是欲望的终结。所有一切的人性面都是发生在染坊里，天青第一次见到菊豆，第一次偷窥，菊豆第一次暗示天青，第一次欢愉等等……张扬的红色，滚动的染车，像极了在封建礼教下的两个人，流动的欲望，压抑的情感，在染坊里得到了释放。可是，这红色的人性正常舒展的开始，也是封建荼毒的结束。尽管说了许多次，天青仍然没有勇气带菊豆离开。也同样没有勇气告诉天白真相，最终造成了悲剧。他适应以为熬下去就能熬到好日子，越来越离不开这座赖以生存的宅子，他也恨，可他终究做不到。贾宝玉勇敢的和林黛玉自由恋爱，可最终结果却也逃不出那个禁锢他一生的大观园。

菊豆最终也没能逃离这座禁锢她一生的老宅，即便杨金山落水而死以为人生即将迎来新的转机，结果不想自己的儿子害死了老爹，人生彻底黑暗无望，一把大火终结一切，拧巴么？拧巴就对了……

『柒』 中国最懂色彩的导演，到底有多懂

最会用色彩的大师公认的是张艺谋，到底有多懂你就可看看他的电影
1984年完成的《黄土地》中，主要表现了黄土地、窑洞、黄河、红嫁衣、红盖头、黑粗布棉袄、白羊肚毛巾这些物象，而与之搭配的色彩则是饱满凝重、温暖沉稳，对比强烈，大面积黄色块，土黄为主色调，黑、白、红等为辅。三年后完成的作品《红高粱》进一步发挥这种特色，红头盖、红轿、红衣鞋、红高粱、红日肢肆、红高粱酒、红酒坊是作品主要渲染的物象，搭配剧情，色彩设计也表现出浓郁饱满，饱和度局，色彩纯粹，且大色块运用，酣畅淋漓，红色为主的特色。
1990年的《菊豆》继续继承张艺谋电影的主要特色，染坊、瓦墙、服饰、灯笼、各色染布、红烛、棺材、白布、纸钱、火焰等纷纷出现，色彩依旧浓郁饱满，环境以青灰色为主，人物着装色彩对比突出，以红、黑、斗滚白为主，黄、紫、蓝等色为辅。一年之后的《大红灯笼高高挂》更有民族气息，红轿子、红灯笼、黑布套、服饰、院墙、雪都被纳入色彩建构的范围内，浓郁饱满，艳丽，大色块单色运用，以红色为主，黑白蓝灰为辅。1992年空饥余的《秋菊打官司》里展现了红辣椒、服饰（红衣、绿头巾等）、黄工米、土屋、白雪、窗花、对联，浓郁饱满依然是一贯风格，且更多了纯朴自然，极具地方特色，以红色为主，黄、绿、黑、白、蓝等色为辅。1993年的《活着》是一部很沉重的电影，以暗红色为主，表现了红手印、红灯笼、红烛、红袖章等。
2002年上映的《英雄》是我国电影市场化改革之后张艺谋导演的首部电影，这部电影也堪称商业电影的典范之作，在《英雄》中，导演注意到了色彩的国际化问题，服饰、竹林、碧水、青山、书馆、酒肆、秦宫等，鲜艳明丽，饱和度高，大面积单色运用，色彩对比强烈，酣畅淋漓，以红、绿、蓝、白、黑为主，黄色为辅。2006年的《满城尽带黄金甲》把渲染的色彩风格发挥到极致，以金黄、红金色为主，银黑绿等色为辅，表现了宫殿、琉璃装饰、服饰、**花、银色盔甲、墨绿色的药碗。

『捌』 姜文导演的电影是什么风格

在我个人看来，他的电影的景别带有极强的主观性，集中地体现了创作者与欣赏者之间的关系，即创作者是在“叫你看什么”，还是在“随你看什么”。景别元素的运用，直接决定了影片的风格特征。姜文电影大量运用近景、特写等小景别，强调、夸张、放大地表现对象，来突出其戏剧化的特征。

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『玖』 电影制作的艺术：10位好莱坞导演的10大标志性视觉特色

人物不分先后，文章仅代表个人观点，仅阐述大概，仅供 娱乐 参考，欢迎评论和交流。

虽然昆汀·塔伦蒂诺并不羞于在银幕上展示他对脚的兴趣(在他的电影中，他经常至少一次框住女人的脚)，但他使用过度暴力的方式也很有特点。除此之外，这位天才导演还因在许多场合反复使用低角度视角而闻名。

昆汀·塔伦蒂诺并没有发明从 汽车 后备箱里捕捉胶片的电影镜头(因此有了“后备箱镜头”)，但这无疑是他的标志之一。他在这方面取得了如此辉煌的成就，也已经成为他电影中一个与众不同的部分。

“库布里克凝视”对任何人来说都不陌生。这位才华横溢的电影人在他的电影中融入了很多导演技巧，它采用了一种镜头构图的方法，角色的头稍微向下倾斜，从眉毛下面往上看，有时会露出令人毛骨悚然的微笑或鬼脸。

这样的结果通常会告诉观众，这个角色要么是真的很生气，要么是真的疯了，很显然，在电影中，被“库布里克凝视”的人很可能真的倒霉了。

让“诺兰御用”演员迈克尔·凯恩出演他每一部电影都算不上是视觉上的标志，克里斯托弗·诺兰精彩的电影中最引人注目的导演技巧就是“翻转”，也被称为镜头的转动，在这种转动中，镜头会把视野中的所有东西都翻转过来。

虽然“翻转”可以在多种情况下使用，但它的使用往往会引发观众的不确定性。同样，他的一个镜头经常出现在电影里，“让角色从背后看东西”，就像《蝙蝠侠：黑暗骑士》和《敦刻尔克》里都有这样的镜头，这也是他制作电影的一个特色标志。

从慢动作、360度镜头到大量使用特效，迈克尔·贝很喜欢展示震撼的大场面技术。在他史诗般的旋转镜头中，镜头慢慢地围绕着一个或多个角色，再到频繁地描绘巨大的爆炸，这位天才导演大胆地展示他的风格。

迈克尔·贝的电影往往有一个相似的情节，通常都是“大”的东西，这是他许多动作片最具标志性的特点。

斯派克·李无疑是21世纪最有影响力的导演之一。他的作品激励了许多人，并塑造了电影史。由这位电影制作人推广的双重移动镜头，已经成为他的标志性视觉特色。

而双重移动镜头由一个安装在沿着轨道移动的摄影车上的相机组成，这是一种用于创建稳定移动的镜头技术，双重移动涉及移动摄影车与摄影车上的相机以及相机操作员设置。虽然浮动的构图技术是李安电影重要组成部分，但充满活力的色彩也几乎出现在斯派克·李的每一部电影中。

韦斯·安德森是当今最 时尚 的导演之一。导演在创作许多美丽的电影时，不得不利用和谐与平衡的镜头——除了那些让每个热爱美学的人都倾心不已的镜头之外，几乎每个镜头都存在着强迫性的对称构图。

除了导演通过统一和一致来营造出的组合风格，柔和的色调也是他每部电影的必备元素。而御用演员比尔·默里之于韦斯·安德森就像迈克尔·凯恩之于克里斯托弗·诺兰一样。

凭借独特的镜头转换，导演埃德加·赖特在加速一系列角色动作（最终导致场景转换）方面是一位大师。虽然配乐也是他的标志之一，但快节奏的剪辑和快速的镜头无疑是使埃德加·赖特脱颖而出的标志性风格。

这种技巧经常被用于喜剧效果，比如他与编剧西蒙·佩吉的合作，包括恶搞僵尸的《僵尸肖恩》和科幻喜剧《世界尽头》。

马丁·斯科塞斯无疑是业内最受好评的电影人、制片人和编剧之一。虽然大多数影迷通常一看到斯科塞斯的电影就知道他是谁，但“长镜头”和“定格镜头”通常是他的电影特色。

在将观众带入影片《好家伙》里的“科帕卡巴纳夜总会”的3分钟时间里，导演使用了一个镜头，镜头随着一个对象在场景中移动，在较长一段时间内在场景中移动，完美地展示了电影发生的虚构世界。他的定格画面也是他令人难以置信的作品的一个标志——它们旨在捕捉电影中的某个关键时刻，强调它是多么短暂，并最终回到真实的情节。

著名导演弗朗西斯·科波拉的女儿本身就是一位技艺高超的导演。索菲亚·科波拉的电影中有很多反复出现的主题，但人们首先想到的可能是人与人之间的联系。这位魅力非凡的电影人对讲故事有着特别的偏爱，并慢慢建立起了自己独特的风格。

既然索菲亚·科波拉导演的电影非常欣赏亲密关系，那么在观众看来，还有什么比一个角色在重新思考他们所有的人生选择时望着车窗外更忧郁的呢？

达米恩·查泽雷的电影《爆裂鼓手》有一些影片最好的特写镜头——虽然这种技巧可以让演员与观众建立起强烈的 情感 联系，但它也很容易引起观众的不安情绪。达米恩·查泽雷熟练地做到了这一点。

在《爱乐之城》中，这位导演也运用了这种手法，将观众与米娅（艾玛·斯通饰）和塞巴斯蒂安（瑞恩·高斯林饰） 令人心碎的恋情之间建立了强有力的联系。