美國電影獨自一人的評價

① 求用英文寫一篇 美國電影電影《野孩子》的觀後感

A youth inspirational film, the hero is a vibrant beautiful girl, she has a rebellious character, in the film she graally grow and improve the ability to judge things, in friendship, family's help, she was from a "arouses tired "wild child grow into a good girl, so that rebellious is not terrible, terrible is whether there is the correct attitude towards the film has a strong ecational value for children ecation. Youth is a passion, is unassuming, in the good times, enjoy setting off firecrackers youth, it rendered the sky; youth is Kapok, is quietly coming spring, so you eye back then, it has Whispering results; youth everyone has, but not always, so let it enjoy the bloom of youth now.

② 阿凡達觀後感550字以上

一部電影. 一次震撼.
一卷膠片.一串記憶.

如果導演詹姆斯卡梅隆是個追求電影極限的人.那麼他所指導的這部《阿凡達》絕對是追求一種理想的幻夢.我們在電影里，變成了幻游者.當這場夢真實的存在於我們的周圍.全世界的影迷都會為之瘋狂.每每被電影營造出來的迷幻視覺效果而陶醉的時候.當結束時起身走出電影院的時候.你願意夢醒嗎？
----前記
一部《阿凡達》的出現.讓我再一次回憶起了世界上還有那麼一個人，一個讓我為之尖叫的導演：詹姆斯卡梅隆（《星球大戰》《終結者》《第一滴血2》《異形》都是他的代表作）當我們為好萊塢的視覺特效感到審美疲勞的時候.你必須知道的是.他是一個不惜代價都要力求極限特效效果的天才導演.江郎或者會才盡.但是，他不會.未來幾年，我還能看到什麼比《阿凡達》更經典的特效了嗎？答案基本上是否定的.哈哈！「可惡」的卡梅隆...

十年磨一劍：
一部電影的製作.我們必須給予最起碼的尊敬（而不是所謂的在電影里說三道四的胡說一通.難倒不知道在電影里需要保持安靜么？小小的抱怨一下，不知道這是不是資陽人的習慣.杯具.建議電影院應該在電影票上寫上「請在觀看電影保持安靜.以免影響其他觀眾」）讓我們來看下面的一些數據：劇本籌備14年.拍攝4年.耗資5億.平均一秒鍾的膠片價值25W人民幣.語言學家創造娜威語言用了4年.上映19天了吧！已經取得了10億多點的票房我真的不知道還能再在這個數據上面加上什麼.他讓我想到一句老師和書上都經常提到的一句話「世上無難事.只怕有心人」.我也覺得，中國電影人應該反省的是：我們承認.我們缺技錢缺技術.但是我們最缺的是：想像力.

想像力的缺乏是由於人的意識.人的意識產出於何處——教育.（這確實是承上啟下的分割線）

保持人最原始的慾望和信仰：
除去恢宏，夢幻般的電影場景.這也是這部電影以後被老生常談的關鍵詞.大家都說，想必電影都已經將一點展現的淋漓盡致了吧！我在這里就不說了~揀撇托..電影的編劇看起來就像是一部抗戰電影的縮影.娜威人為了自己的領土完整而奮起抗爭.那聖樹下的礦產讓地球開發商帕克·塞弗里奇為之瘋狂，甚至不惜滅族也要得到它.而正是因為聖樹保存了所有娜威精神和記憶.一旦聖樹滅亡.娜威先輩的精神，思想將被摧毀.人們心中的信仰也將會隨著聖樹的滅亡而滅亡.一個人的信仰到底有多重要.自然也就不言而喻.這是我從電影中所看到的.人類教授理想主義的植物學家：格蕾絲·奧古斯汀博士.曾經對娜威人進行西化教育.教他們英語.運用人類工具什麼的.但都沒成功.由此.她便建立了「阿凡達」.但是初衷也只是想與娜威人和平交流.教育的不同，似乎讓我們看到了什麼.一個人的最原始的慾望是與社會，與大自然和諧相處.而一個人最原始的信仰，就是辯證唯物主義的人生價值觀.它不僅代表的是一種精神.一種美式精神.更重要的是，我們必須在其中看到某些差異.取長補短.揚長避短.我們真正缺的不是技術，不是金錢.而是一種精神.一種不死不休也要做到底.做完美的科學精神.劇中的奧古斯汀博士在自己臨死也不忘科研的信仰.盡管這只是電影所展示出來的.難倒不值得學習和發揚嗎？

宏大的戰爭場面和愛情故事
從電影的開始，主人公：前海軍陸戰隊下士傑克·薩利一下飛機，你就看到了.卡梅隆回來了.那個《星球大戰》的主人，天才卡梅隆又回來了.這二十分鍾凝聚了這位天才導演一生的精華.從天空到森林.娜威人騎著飛龍和人類的戰斗機對抗.娜威騎兵和人類肉搏的場面.無一不展示了此電影宏大的戰爭場面，集合了《星球大戰》的高科技戰斗和《特洛伊》中重現古羅馬大型戰斗的場景.二者相結合.必定會創出讓人意想不到的火花和光芒.果然.它籠獲了全球影迷的心.
好萊塢電影從來不缺乏愛情.此電影亦是如此.英雄難過美人關.兩個星球，兩個種族的沖突讓兩個人捲入其中.當然，這「其中」也包括「愛情」.也是本片的主線之一.奈特麗父親因人類的進攻而陣亡時，她不願再見到薩利.薩利為拯救潘多拉星球的娜威人而再次重返.並消除誤會.薩利連接阿凡達的儀器遭到攻擊時.奈特麗挺身而出一波三折的愛情之後.有情人終成眷屬.羨颯旁人也！（今天回來再群里在議論這部電影的愛情情節...忽然一個兄弟冒了一句「阿凡達讓我看到了，原來網戀還是可以變成現實的.當時.全部，包括群主都潛水出來表示支持.人才啊！這位兄弟）

其實我還想說點什麼：
1.關於劇中人：邁爾斯·誇奇上校：說實話，我早就想對這種人說些什麼.盡管他是本片乃至於所有類似電影中的大反派.但是我想說的是.他給我的印象最深...邁爾斯·誇奇上校是最好的戰士.戰爭是不需要憐憫的.是不需要同情的.戰爭本來就殘酷.軍人就必須有軍人的風格.同情和憐憫的下場，就是自取滅亡.當然.這樣的思想僅限於戰爭.特別是這種帶有侵略性質.此等殘酷的不死不休的戰爭.但這只是電影.他必須死.這樣才符合電影的情節.你必須明白一點.：千萬不要挑戰公眾的道德觀.反派就必須死.壞人就必須被抓.主角就必須相愛，並美好的生活下去.更何況.這是一部商業片.

2.我們為什麼要去電影院看電影：
電影的主旋律是票房.票房最主要的一點除了上面那一點「千萬別挑戰公眾的道德觀」以外.在中國.必須是以歷史為背景的大題材電影才值得我們花幾十塊錢去看.在這個盜版橫流的中國.真正看的不是電影.而是一種享受...享受視覺和聽覺帶來的震撼.當電影里聖樹的種子（類似水母的那種生物）漂浮在空中的時候，它即將爬到我臉上.我下意識的用手一揮.這才發現.原來，這只是電影.

昨天最後也去看了阿凡達，這個片子給人的感官震撼真的不能用語言表達，片子的前半部分完全是在給你展示另一個星球的絢麗風光，和21世紀最新的電影技術。加上3D效果，無論是在荒野上奔跑，還是在蒼穹上飛翔，直如身臨其境一般，而且是一個新奇的完全不同的世界。

而且我相信看這個電影看到中間的沒有幾個不眼角閃光的，當生命之樹（額。我還真感覺蠻像暗夜精靈的）被人類的機槍導彈掃射倒塌，當人類的推土機推掉一顆顆外星植物，我霎那間想到的這不就是人類對地球現在所做的一切？而電影最後所有潘多拉星球生物聯合起來大反攻這難道不影射著地球對人類的報復？也許我想多了吧，這個片子影影射的東西太多，我還得縷縷，環保，宗教，人性。。。很多很多。。。

說點不好的吧，片子的結局我是很不滿意的。當人類的主艦被幹掉，大反派（叫什麼我忘了）開著機器人下來和主角大戰的時候，我已經沒看下去的慾望了，下來完全是一個好萊塢經典的英雄電影套路，詹姆斯卡梅隆耗時十二年的電影最後的結局還是英雄大勝惡魔，主人公擁的美人歸，我是很失望。如果結局變成主人公被擒，送回地球，潘多拉星球被毀，最後的鏡頭是人類又找到一個新的美麗星球發現礦藏，然後熒幕慢慢落下，我感覺效果會好很多，發人深省。像鐵達尼那樣的悲劇才更加能讓人銘記在心。

人類向世界無節制的索取是可惡的，但當地球被破壞後向別的星球索取則是可悲的。《阿凡達》這部影片雖然是講地球人和外星人的搏鬥，但是時時刻刻都體現出外星人對自己星球的熱愛，無論是一隻野獸還是一顆樹苗，他們總是靈魂相同的，記得影片中女主人公在第一次遇見傑克時，雖然幫傑克打退了野獸，但是她為每一隻野獸都做了祈禱，他們認為能量是流動的。 這是一部震撼人心的電影，它把我們的思維置於一個未來與遠古交織的世界。其中高科技的儀器讓我們大開眼界，美麗的遠古自然世界讓我們沉醉。這是一場原始的正義與先進的貪婪的較量，它讓我們明白自然的重要與人類心靈的貪婪。
這部電影講了一件地球人到潘多拉星球開礦的事情，為了能獲取更多的資源而研製出了一種人與當地土著民納威人基因的合體－－阿凡達。驅使一個失去行動能力的美國前海軍陸戰隊員傑克操縱著他的阿凡達混入納威人群中，想利用他來趕走納威人。正義的傑克被美妙的大自然和熱愛大自然的納威人所感動，團結了許多力量，把擁有許多高科技武器的人類打敗。
我們人類也是從遠古時代和原始的時代發展而來的，也許那時候我們也深深地熱愛大自然，可是，經過了幾百萬年的進化與演變，人類變了，心靈變得污濁，貪婪猶如一滴滴骯臟的墨汁，玷污了人類原本純潔的心靈。人們貪婪的心魔在利益的驅使下開始擾亂人們的精神，使人們砍伐了森林，污染了河水。人類從森林中走出，在泉水與河流的滋潤下成長，到我們有了力量時，卻為何又要毀滅它們？見利忘義現在已經不是特指，而是它已經成為了人類的天性。環保部門頻頻發出環保的號召，行為是對的，但初衷依然是貪婪的。為什麼要少砍樹？那是要讓樹木繁殖。為什麼要讓樹長多了呢？那不是想要長多了之後再砍嗎？！現在還能有幾個人能全心真正地愛著我們的大自然？恐怕已經沒有了吧。
我們要向全世界呼籲：用我們的整個心靈來守護我們的大自然吧！

「阿凡達」這部電影多像美國啊！世界各地到處當霸主，掠奪資源，當看到他們在屠殺外星部落時，我的第一感想好像是「美國在屠殺伊拉克人民的戰爭」等等，說白了就是豪取強奪各國資源。美國對世界人民犯下的滔天罪行，到處稱霸稱王，不顧人民的死活，妄自稱「民主的國家」。當看到最後，外星的各種生物都向他們襲來，我聯想的美國的將來會犯眾怒，世界人民聯合起來共同消滅美國。
我不知道這個導演是不是通過這個電影折射出美國的現狀啊！體現了導演對美國的不滿啊！這或許是為美國設計未來。這個電影根據這個思路看下去會很有看點啊！值得大家欣賞。

有些段落連在一起了，你選幾段放在一起就是一篇了。
選我吧，O(∩_∩)O謝謝

③ 說下Maggie.Q詳細點

李美琪 Maggie Q 資料簡介：
原名：李美琪
英文名：Maggie Q （美、越混血兒）
血統：父（美國）、母（越南）
原英文名：Maggie Quigley
國籍：美國

混血兒美女Maggie Q：集東西方神韻於一身

在夏威夷中學畢業後到香港發展。1998年，為德國化妝品牌Nivea拍攝電視廣告。2000年，被法國皮革名牌Lancel看中，邀請她擔任秋冬季的代言人。2001年，和陳小春、徐靜蕾等兩岸三地演員合作出演電視劇《龍堂》。2001年4月，作為香港最年輕的女藝人登上《時代》雜志亞洲版封面。2001年，和陳冠希、顏穎思合作出演《特警新人類2》，該片的監制評價其：「她成功是因為她的樣子可以感染任何人」。2001年10月，將前往紐約拍攝張堅庭執導的西片《午夜曼哈頓》（Manhattan Midnight），為求在好萊塢一炮而紅，將不惜做出露點的大膽演出。獨自一人從美國來港發展的MaggieQ，專攻廣告和拍電影，兩者叫價起碼五十萬。最新替LANCEL皮具拍一輯手袋廣告，一年合約收取六位數字酬勞。
身材嬌小玲瓏，氣質青春性感，更有混血兒的獨特面孔。不僅被香港的《Him》雜志評為「男人最想抱的女人」之榜首，還以最年輕之香港女藝人的身份登上《時代》亞洲版封面，並被此雜志形容為「Model界其中一大發現」。

20歲的Maggie Q是混血兒，其勝人之處不僅是因為其身形嬌小玲瓏，她還擁有混血兒的獨特面孔，其青春性感的氣質亦是動人之處。難怪被香港的《Him》雜志評為「男人最想抱的女人」之首。她還被《時代》雜志形容為「Model界其中一大發現。」Maggie入行時，還有一種稚氣，但不出一年，就變得成熟又性感，難怪會鬧出那麼多的誹聞。

相對於別的模特兒，MaggieQ較少接天橋工作，這與她個子矮小不無關系，連經理人公司老闆鄒世龍也這么說：「她個子小，拍戲的話不難找對手，這方面很適合香港市場。」

MaggieQ 的負面新聞停不了，一時傳她與男友吳彥祖分手，一時又與同門師妹顏穎思爭寵不和，還被拍到坐羅兆輝遊艇遊玩，令人懷疑MaggieQ是否有意製造新聞搏宣傳。對於這些傳聞，老闆鄒世龍說：「年輕人談戀愛很正常！她知道自己在做什麼的！」 他還認為，MaggieQ是第一個能夠在本地演藝圈竄紅又站得住腳的混血模特兒。對於新工作，MaggieQ曾說：「我不是什麼都接，例如要和男朋友吳彥祖一齊做工作的話，我就一定會推了！」

星路歷程：在夏威夷中學畢業後到香港發展。 1998年，為德國化妝品牌Nivea拍攝電視廣告。 2000年，被法國皮革名牌Lancel看中，邀請她擔任秋冬季的代言人。 2001年，和陳小春、徐靜蕾等兩岸三地演員合作出演電視劇《龍堂》。 2001年4月，作為香港最年輕的女藝人登上《時代》雜志亞洲版封面。 2001年，和陳冠希、顏穎思合作出演《特警新人類2》，該片的監制評價其：「她成功是因為她的樣子可以感染任何人」。 2001年10月，將前往紐約拍攝張堅庭執導的西片《午夜曼哈頓》（Manhattan Midnight），為求在好萊塢一炮而紅，將不惜做出露點的大膽演出。

④ 一個勵志的電影 美國的 一位年輕人嚮往獨自的生活 一個人帶著生活必要品去了一個荒島 最後餓死在了那

電影《荒野生存》

中文名： 荒野生存
外文名： Into the Wild
其它譯名： 荒野伴我心；阿拉斯加之死
製片地區： 美國
導演： 西恩·潘
編劇： 西恩·潘；Jon Krakauer
類型： 劇情，冒險，傳記
主演： 埃米爾·赫斯基，瑪西婭·蓋伊·哈登，威廉·赫特，凱瑟琳·基納
片長： 148 min
上映時間： 2007-09-21

⑤ 求一部美國電影名字

原 名： An Angel for May

譯 名： 梅的天使

湯姆是一個生活在英國鄉村的孩子,在他很小的時候，他的父母就離婚了，他一直企盼著爸爸能夠回來，重新回到他和媽媽的生活里。但是，這似乎是一個不可能實現的想法，因為他突然發現，媽媽居然和他的體育老師好了，這一點本來就讓湯姆很難接受了。可是，有一天媽媽居然告訴他，她要和體育老師結婚了。湯姆一氣之下跑到了郊外，就在這時，神奇的事情發生了。在一隻小狗的帶領下，湯姆居然穿過廢棄的壁爐，回到二戰時期的法國。在那裡，湯姆結識了小狗的主人，——可愛的女孩梅，二人一見如故，成為了好朋友。梅的家人死於轟炸，而她自己也被壓在了廢墟下面，還好受到善良的軍官小姐埃里森的救助，她才死裡逃生，撿回一條性命。
埃里森把梅安排在父親和他的女朋友蘇珊的家裡，得到很好的照顧。但因為那次爆炸，梅對房屋產生恐懼,一直執意睡在屋外的狗窩里，與人溝通也有問題。但奇怪的是，她對湯姆十分有好感，不僅和他交談，還幫助這個陌生的小男孩躲避警察的追捕。在梅的請求下，蘇珊小姐答應也收留湯姆。雖然湯姆很喜歡梅這個朋友，但他現在更想回家，他十分後悔在離開家之前說的那些傷媽媽心的話。終於，在一個下雨天，告別了梅，在小狗的帶領下，他又回到了正常的時空。此時，湯姆已經失蹤了兩天，媽媽急壞了，她答應湯姆為了他，自己願意不和體育老師結婚。但此時的湯姆已經想通了，他真誠地祝福母親。
回來後的湯姆努力地打聽著關於梅和那堆廢墟的事情，在一個偶然的機會下，他得知埃里森小姐等人在一場爆炸中喪失了性命，而梅也因為受到刺激變成了瘋子。經過內心的掙扎，湯姆決定回到過去的時空拯救大家。而媽媽也決定相信兒子，在過去的時空，經過一番努力，湯姆終於使梅避開了爆炸，並幫助她恢復正常。而Tom的神奇出現卻對於孤單的May來說有種特殊的意義。就像是上帝的安排一樣,神奇卻又有趣.看著眼前的同齡人,May的心中產生了無法割捨的喜愛.
也許是今生無法避免的相逢，讓兩顆年輕的心碰撞到了一起，他們很快就手拉著手，互相扶持著，愛也在這不知不覺間悄悄萌芽。May更是在這一刻不知有多麼希望和Tom在一起永不分離。
可是人生總是殘酷的。Tom雖然也很喜歡May這個朋友，但是他更希望的是怎樣回家！面對即將到來的分離May默然無語。
是啊，面對現實這個小女孩還能說什麼呢？Tom要回家這也是理所當然，May總也不能因為喜歡Tom而去拆散一個家庭。看過太多的家破人亡，妻離子散， May也明白親人的可貴，這世上能有一個無條件寬愛和包容自己的人是多麼難能可貴的一件事啊！還有什麼比這個還重要呢？即使內心有多麼的不想分離，善良的 May在最後還是祝福了Tom,這個新朋友。
終於Tom回到了他自己的世界。媽媽急壞了，並且答應Tom，為了他，她自己什麼都可以放棄。可是這時Tom也已經想通了，他真誠的希望媽媽也能尋找到屬於她自己的幸福。
回來後的Tom還是很牽掛著May，經過多方打聽，終於得知在自己走後五天May就遭遇到不幸的消息，這時Tom的心中一定波讕起伏，這洶涌的情緒起了令Tom再次回到May的世界拯救May的決心.在回去的路上,命運又嘲弄似的安排了Tom遇見了50年後的May,那是一個白發蒼蒼而又悲傷潦倒的老嫗.在Tom叫出了May的名字後,那老嫗回視了Tom,而Tom也回望著那個曾經熟悉現在卻又陌生的朋友,這無聲的對望又彷彿千語般在訴說著失去了 Tom的May一生有多麼的不幸與哀傷.這時的May或許也已經認出了那個少年時自己朝思暮想的朋友Tom就站在自己的面前,又或許沒有認出.因為現在的 Tom看上去是那樣的年輕,彷彿歲月的痕跡就停留在分離的那一刻.
不過這一切都不在重要了,Tom在心中這樣想著,自己很快就會回到過去,並會把May的一生重新改寫,不願May在50年後自己看見的那樣悲傷.就算這是違反上帝的安排也在所不惜.
Tom終於再次找到了那個50年前的好朋友May,May仍像上次分別時一樣年輕,只是經歷了戰火的洗禮,眉宇間多了不可釋懷的憂愁.Tom看著這時的May,心中也不知是什麼感覺,都是這個罪惡的戰爭的錯誤.大概也只能在心中這樣想吧!
最後的Tom要May與自己一起離開這個混亂的時代,回到自己的世界去,他甚至也已經為May看到了幸福的將來,自己的家會變成May的家,自己的媽媽也會變成May的媽媽.他們會永遠在一起,會在一起長大,在一起玩耍,又會在一起上學,甚至會在一起...
Tom相信自己會有能力慢慢撫平May的心靈傷口,並讓May快樂的過完這一生.可是May最終還是拒絕了Tom的好意.因為她的親人都在這里,她又怎能一走了之?這也讓Tom無言以對,就像上次分離時無言以對的May一樣!
這都是時間的錯誤,明明是兩個時代的人為什麼又偏偏相遇?明明不能相守卻又為什麼相見?早知相見是那麼痛苦倒不如還是不見來的好!
失望Tom的最終只好去尋找那個年老的May,希望在最後的時間里還能帶給她一絲喜悅和安慰.可是現在就連這個願望也無法來完成,因為他再也找不到了 May,自責的Tom來到了墓地對著哀傷的靈魂發泄,卻發現哪也找不著的May就在自己身旁,這時的May笑容可拘,再不像初見時的那樣悲涼哀傷,並告訴了Tom自己已經獲得了幸福的生活.
誰說Tom的出現什麼都沒有改變呢?May不是在最後也得到了幸福了嗎?
生活的幸福讓May在最後挽著丈夫的手離去的時候,仍不停的回頭張望著Tom,她知道她年少時的夢就在那裡,雖然近在只尺,可卻又遠在天涯!
原來生活可以這樣,有些人永遠可以活在別人的心中,正如50年過後May的心中依然有那不可思議的Tom一樣.固然生活很幸福,可卻也不能替代Tom, 縱然和丈夫很相愛卻也不能忘記Tom.但這卻也不會干涉到自己的幸福生活,因為Tom是活在自己的心裡的,那最初的純真與那不可替帶的思念,也僅僅只有思念而已.

⑥ 有一部美國電影,一個小孩獨自在家一人斗竊賊

《小鬼當家》

⑦ 請問美國當代獨立電影的特點請詳細，謝謝

獨立電影來源於英文「independed film」，又被稱為獨立製片電影，它是與好萊塢主流電影相對應的一個概念。眾所周知，電影發展成一個成熟的產業基本上是在好萊塢完成的，在大製片廠制度、明星制、類型片模式等逐漸成型以後，好萊塢的電影工業也基本上成熟了；好萊塢成為世界電影工業的中心，其在美國本土的地位更是說一不二，已然成為電影工業的代名詞。但是電影的特性決不僅僅只能用商業來衡量，從電影誕生的那一天開始，其作為藝術形式和思想表達工具的一種，就不斷的被人們探索著、實踐著。當然，從整個電影發展史的角度來看，好萊塢電影工業對電影在全世界的推廣起到了至關重要的作用，但矯枉難免過正，電影工業的過度發達，必然會損害到電影藝術的發展，因此，有一批藝術家們開始不考慮商業利益，僅以個人意志為標竿，自籌資金開始了電影創作，這種創作就被冠以了「獨立電影」的名頭。

獨立電影發端於上個世紀60年代的美國，最初僅僅是對好萊塢製片體制的一種反叛。但隨著電影事業的發展，現在的獨立電影，已經不能僅僅從製片體制上來區分了。在當今，獨立電影更加類似於「作者電影」，在形式上、精神內核上都呈現出某種內在的特性，是不是被製片商納入電影工業體系，倒並不重要了。也就是說，所謂「獨立電影」，更多的應該是從其藝術、思想特性上來考察，至於製片體制，則僅僅是個參考指標罷了。如果一部電影從一開始，就能保證按照藝術家的自由意志來進行創作，而製片商僅僅作為投資人的角色出現，並不幹預影片的具體內容，那不管該片在片頭加上米高梅的獅子還是派拉蒙的雪山峰，都不會影響其作為獨立電影的身份了。

獨立電影發展到今天，已經是一個被廣泛接受的概念了。事實上，世界各國都有所謂「獨立電影」的稱呼，從廣義上來說，只要是游離於該國主流（商業/官方）電影體系之外的電影創作，都可以被歸入到獨立電影的范疇里去。這也就造成了獨立電影在質量上的參差不齊，根據創作者的個人水準，它既有可能是上乘的藝術精品，也有可能是粗製濫造的垃圾。但相對而言，獨立電影最為發達、取得成就最高的地區恰恰是商業電影最發達的美國，所以，以美國獨立電影為例，能夠讓我們對獨立電影有一個相對全面和較為深入的認識。當然，單純從概念出發，紀錄片、動畫片都可以被算在獨立電影之列，但在實踐中，獨立電影一般只是指劇情片，在這里，我們也是從劇情片的意義上來指稱「獨立電影」的。

多元的靈魂

美國是一個多元的社會，在這里，各種各樣的文化、思想和價值觀念都能找到自己的一席之地，這也是美國獨立電影之所以層出不窮的一個重要原因。當然，主流的「權威」聲音還是存在的，但對熱衷於獨立電影創作的藝術家們來說，那些聲音只是「Bull Shit」罷了，他們所要做的，是發出他們自己的聲音。對獨立電影來說，重要的不是你說了什麼，而是你說了。

這種開放、多元的文化形態也直接造成了美國獨立電影的開放和多元。基本上，美國獨立電影的題材是沒有任何限制的。政治、暴力、情色、科幻、犯罪，甚至莫名其妙的夢幻，都可以成為獨立電影的題材。因此，我們很難用某一種具體的類型來涵蓋獨立電影——那些類型片的劃分方法通常只對好萊塢商業片有效。

獨立電影的多元特徵甚至能從它們的創作者身上得到印證，如果你仔細考察一下，你就會發現獨立電影導演們往往出身於不同的種族、階層、地域，他們各自有最擅長的題材領域，這些領域交織在一起，就構築成了美國獨立電影的復雜景觀。比如約翰·卡薩維蒂，這位「美國獨立電影之父」，就是出身於希臘移民的家庭，希臘人對家庭觀念、家族關系的重視，也自然而然的影響到了卡薩維蒂的創作，所以，在他的作品中，我們能很清晰的看到他對美國家庭細致入微的觀察和拷問，貫穿卡薩維蒂作品的，就是這種深入人物內心的對家庭以及由家庭所帶來的各種關系的反思；大名鼎鼎的伍迪·艾倫則是出身於紐約布魯克林區的猶太知識分子家庭，這樣的家庭環境使得伍迪·艾倫的作品由衷的散發出一種知識分子的氣息，因此，我們可以看到，他總是在批判，從《安妮·霍爾》到《梅蓮達與梅蓮達》，伍迪·艾倫的知識分子責任感一點也沒有消退的跡象；同樣是出身紐約，同樣是大腕級導演的斯派克·李則站在了另一個截然不同的角度，由於膚色的原因，種族問題成了斯派克·李電影中揮之不去的主題線索，平民家庭的出身又讓斯派克·李的電影街頭味十足，二者相疊加，所構制出的斯派克·李的電影風貌與伍迪·艾倫自然是大相徑庭，同是紐約城，但在兩位藝術家的眼裡，卻有著截然不同的景象；吉姆·賈木許的父親是匈牙利人，母親是伊朗人，這樣的血統使得賈木許的電影就多了幾分「異客」色彩，很明顯的一點就是賈木許的作品中所蘊含的非基督教的思考方式，顯然，作品中的這種特點與他的家庭出身——特別是他的那位伊朗母親不無關聯；大衛·林奇動盪的童年生活和他在費城貧民區生活的經歷，則讓他的作品總是黑暗色彩十足，而且充滿了對腐敗、暴力的恐懼感，這與其他導演的風格又是迥然相異的，有所謂「林奇主義」之稱。

即使是同樣一個題材類型，在不同的獨立導演那裡也往往有不同的視角和觀點。以性愛為例，在伍迪·艾倫的《性愛寶典》那裡，無厘頭的鬧劇解構了傳統的性愛模式，插科打諢的玩笑取代了原本嚴肅的討論，為了把這場鬧劇進行到底，伍迪·艾倫甚至親自扮演了一個喋喋不休的精子（天哪，也只有這傢伙能想得出來）；而在索德伯格那裡，性愛又成為指代當代人精神危機的一個符號，所以在《性，謊言，錄像帶》里，性愛都是扭曲變形的，只會讓人們焦慮不安，而絕不會有伍迪·艾倫般的輕松搞笑；到了格雷格·阿拉奇的《三人同床》那裡，性愛則成為了年輕人標榜自我、張揚個性的有效途徑，它既不沉重、也不搞笑，甚至連既有的模式也沒有，幾乎走向了一種「性愛虛無主義」；而在理查德·科恩的獨立電影短片中，所有的性愛又都是變態、畸形的自我表達手段，是徹徹底底的淪喪和頹廢……總之，獨立電影的導演們，各有各的風格，各有各的主題，這種多元化的面貌混雜在一起，也就成了獨立電影的整體景觀。

當然，雖然多元，但相對的中心還是有的。從地域上看，美國獨立電影的中心是在紐約，這或許有些諷刺意味：紐約是全美乃至全世界的經濟中心，是商業化氛圍最濃厚的地方，怎麼會孕育出反商業的獨立電影？主要原因莫非如下幾點：一來從文化上看，好萊塢屬於西海岸的太平洋文化圈，紐約則屬於東海岸的大西洋文化圈，兩地在文化屬性上的迥異，為獨立電影在紐約的興盛，奠定了文化上的基礎；二來從經濟上看，紐約雖然經濟發達，但電影產業的中心卻是在好萊塢，紐約不能也不可能再樹立起一個商業電影的體系，這也就為獨立電影預留了生存空間；此外，紐約作為一個龐大的都市，其文化消費也是多元、多層次的，單一的好萊塢商業電影無法滿足芸芸「紐約客」的眾多口味，獨立電影的出現，也恰好填補了這個空白。不過，隨著近幾年獨立電影的發展，紐約的中心地位已經開始動搖，相信在今後的幾年中，美國獨立電影應當呈現出一種無中心的散亂發展態勢。

黑色幽默

美國獨立電影里的黑色幽默，更多的是一種心酸的幽默，用來作為那些邊緣的、社會底層的小人物的精神寄託。這種幽默所造成的情感效果，要麼是對他們自身的憐憫，要麼就是對那些虛偽的「大人物」的嘲諷。後者的主要代表就是伍迪·艾倫，這位知識分子氣十足的獨立電影導演，以誇張、嬉鬧的喜劇見長，而且大都是對傳統和權威的顛覆，特別是他的早期作品，如《香蕉》、《性愛寶典》和《傻瓜大鬧科學城》，就是對好萊塢的政治片、情色片和科幻片等經典類型片的嘲弄和戲仿。但這些嘲弄、戲仿絕不是無價值的、廉價的笑料，而總是發人深思，並讓人在笑過之後，頗感幾分心酸。在伍迪·艾倫中後期的作品中，這種黑色幽默獲得了長足的發展，不再僅僅是針對好萊塢，而是對整個社會和人性本身進行調侃、諷刺了。例如在《星塵往事》、《人人都說我愛你》和《子彈橫飛百老匯》里，人性、愛情、暴力、幸福等深層次的概念取代了好萊塢，變成了伍迪·艾倫的靶子。盡管聽起來有些玄乎，但伍迪·艾倫天才的喜劇本領總能抖出意想不到的包袱來，讓觀眾們捧腹。即使是那部被認為是向伯格曼致敬的最晦澀的《星塵往事》，還是清楚的能看到伍迪·艾倫的自嘲，他在這部影片中大肆模仿歐洲藝術電影大師們的技法，以致於被評論界語帶嘲諷的稱為是伍迪·艾倫的「9又1/2」，但伍迪·艾倫不僅接受了這樣的評價，還心安理得的把它當作自己最出色的作品。當然，對好萊塢的嘲諷是伍迪·艾倫永誌不忘的主題，最具有代表性的就是《開羅的紫玫瑰》了，這部影片好萊塢電影工業製造夢幻進行了辛辣嘲諷和對抗。影片中真實世界和電影世界形成巨大的反差，也是片中各種噱頭笑料的來源，這無疑是在把現實生活和電影中誇張、粉飾了的生活做著對比，從而對電影工業提出兇猛的反詰。影片選擇的大蕭條時期的歷史背景，也是伍迪·艾倫用來刻意強調銀幕內外反差的重要條件。這是伍迪最重要的作品之一，它對電影本身的思考已經使它具有經年不朽的獨特魅力。

而更直接的，對小人物自身的嘲諷，則是大多數獨立電影導演的常用技巧。如科恩兄弟就是個中翹楚，從他們踏入影壇的《血迷宮》開始，這種溫柔、謙遜而又略顯怪異的黑色幽默，便成了科恩兄弟作品的標記。尤其是《血迷宮》一片，它是獨立電影史上一部具有里程碑意義的影片，這部影片的內容和形式上的基本特徵，影響了以後很多的美國影片，尤其是90年以後出現的大量獨立電影作品，幾乎在十年後成為一種潮流。不過《血迷宮》還只是科恩兄弟的初試啼聲，數年後的《巴頓·芬克》才使得科恩兄弟真正的蜚聲國際，同時，在這部作品中哥倆的黑色幽默也走向成熟。與伍迪·艾倫一樣，在《巴頓·芬克》中，也充滿了科恩兄弟對好萊塢的嘲諷，也許這是《血迷宮》成名之後兄弟倆切身感受的體現。對於那些好萊塢大亨們來說，《巴頓·芬克》中的電影公司老闆就是他們的典型代表，金錢至上的態度使他可以跪下去吻一個編劇的腳，也可以把一個不符合要求的職員一腳踢開，毫無人情味可言，當然，所謂電影藝術更不在他的考慮范圍之內。在這之後，科恩兄弟的《赫德薩克代理人》、《法爾戈》和《謀殺綠腳趾》，都承襲了《巴頓·芬克》中的黑色幽默風格，藉由這種黑色幽默，科恩兄弟不僅延伸了他們在電影中對金錢、藝術的思考，更使他們在商業上獲得了意想不到的成功。而2000年的《老兄，你在哪裡》則成為繼《巴頓·芬克》之後，科恩兄弟創作歷程的又一個里程碑，這部描述三個笨賊越獄的電影，竟然是改編自史詩《奧德賽》。在這個故事中，科恩兄弟對美國歷史和政治進行了隱喻式的探討，追尋著美國民主政治、宗教以及民眾心態在上個世紀30年代的歷史性變遷，在這一點上，影片可以被稱為一部史詩而當之無愧。例如在這部影片的結尾，科恩兄弟的黑色幽默讓影片本該具有的悲劇色彩最終有了一個喜劇的結局：天降洪水救出了即將被處死的三個笨賊。看來，科恩兄弟在這里調侃的不僅是好萊塢的老闆，而是《聖經》的老闆了。

同樣的例子還有昆汀·塔倫蒂諾。這位迷戀中國功夫的美國電影奇才，也是以黑色幽默的風格而著稱的。從他的成名作《水庫狗》開始，這種以黑幫、犯罪、暴力等為主要對象的嘲弄和諷刺，就已然成為昆汀特有的標記；而在《低俗小說》里，所有的黑幫成員都被描繪成齷齪、愚蠢、缺乏正常思維能力之徒，他們在弱者面前往往虛張聲勢，而遇到比他們更強的角色，就手忙腳亂不知所措，甚至甘願接受人格、肉體的侮辱來擺脫窘境，十足一幫跳樑小丑，讓人忍俊不禁；在昆汀的近作《殺死比爾》里，這種「黑色暴力美學」更是發展到了極致，女主角揮舞著武士刀，與日本黑幫火並，殺個人比踩只螞蟻還簡單，這種場景，恐怕也是昆汀對好萊塢濫用中國功夫的嘲諷吧！

這種黑色幽默在吉姆·賈木許的作品中也是司空見慣。例如他那部《鬼狗殺手》，影片的主角是一個以日本武士的方式做殺手的美國黑人，但賈木許找了個大胖子來演繹這個角色，看這個幾百斤的黑哥們在銀幕上大耍武士刀，展轉騰挪，本身就是一找樂的事，但這還不算，賈木許還讓殺手用「飛鴿傳書」的方式跟他師傅聯系，加上Hip-Hop音樂的襯托，更是讓人捧腹。除了《鬼狗殺手》之外，《天堂陌影》、《神秘列車》、《你看見了死亡的顏色么》，乃至最近的《破碎花》，如果細細品味，你就會發現其中隱含著不少的黑色幽默的橋段。雖然賈木許的影片素來以冷峻、異樣和對美國文化的疏離而著稱，但其中的黑色幽默成分，卻是地地道道的美國貨。

美國獨立電影中最典型的黑色幽默片的代表，還得數凱文·史密斯的《店員》。這部只花了2萬7千美元的獨立製作，足以讓1994年乃至整個90年代的好萊塢喜劇電影汗顏。故事很簡單，主角是兩位普通的店員，他們的生活中並沒有發生什麼驚天動地的大事，但導演匠心獨運，讓二位主角經歷了一連串看似啼笑皆非但又都在情理之中的糗事：開店沒有生意；關店去打高爾夫球，卻洋相百出；去參加葬禮，甚至打翻了棺材……影片的故事都是發生在一天之內的，雖沒有直接的聯系，但卻演繹得絲絲入扣，導演編故事、講故事的能力實在是讓人佩服。故事稀鬆平常，卻飽含著深刻的哲理，在這樣一連串的小故事中，人與人之間的交往被不斷的反思著，最後向我們揭示了一個看似簡單卻常常被忽略的道理：善待你身邊的親人和朋友，時刻不要忘記。《店員》的成功很大程度上還要歸功於那些精彩的對白，凱文·史密斯天馬行空，不忌葷腥，牢牢抓住了年輕人的口味。

此外，在獨立電影中，往往會有一個或幾個出彩的喜劇角色，來貫穿全片的黑色幽默。如《木蘭花》中的湯姆·克魯斯，《我愛哈克比》中的達斯汀·霍夫曼，《為所應為》中的塞繆爾·傑克遜，等等。他們這些角色的設置，給原本嚴肅的影片增添了幾許輕松色彩，看似無足輕重，其實承前啟後、結構全篇，在表演上也有較大的空間，所以，欣賞這類角色，看著他們的扮演者大飆演技，實在也是一件過癮之事。

自由·反叛·暴力

對獨立電影來說，自由，應當是其最核心的特性所在了。這里的自由，不僅是指擺脫了商業羈絆的自由，更是指表達自我心靈的自由。從這個意義上來說，所謂「獨立電影」，其實也就是「自由電影」。當然，自由也就意味著沖破束縛，而沖破束縛，又意味著對既有的反叛。如此說來，獨立電影所特有的獨特精神內涵，也就是這種「自由的反叛」了。

所以我們會發現，在許多獨立電影里，主人公們都是不為現有社會體系相容的，他們往往憤世嫉俗、放縱不羈，以此來作為反抗的方式。以大衛·林奇的《我心狂野》為例，片中的主人公就是這樣一對男女，他們為了沖破世俗的陰謀和阻力而在一起，不惜採用種種聳人聽聞的方式。在這部影片中林奇運用超現實的血腥暴力場面和色情幻想，展示出現代人焦慮郁悶的精神狀態，充滿了弗洛伊德式的心理分析，詭異色彩濃重，但也不時流露出一種浪漫激情，是一種極其另類的愛的執著。《我心狂野》也是一部典型的公路片、搖滾片，主人公最常見的狀態就是開著車在高速公路上疾馳，以一副叛逆搖滾歌手的面目出現在世人面前。爾後的《迷失的高速公路》則基本上可以看作是《我心狂野》的延續，影片的風格、特徵、影像手法甚至主演（尼古拉斯·凱奇）都沒有更換。只是這一次，《我心狂野》中那些抽象、概念化的世俗壓力被具象成了一盤盤揭人隱私的錄像帶，這是一部實驗性、夢魘般的影片，描述了人物黑暗、詭異、混亂的心理，是林奇影片中最怪異、最不明就裡的影片。值得注意的是，除了主人公的反叛不羈以外，這種直達人物內心深處的赤裸裸的揭示，其實也是獨立電影反叛的一種形式，藝術家藉由這種形式來釋放人物的心靈，實際上就是對好萊塢虛假的「造夢工廠」的反叛，這樣的情形在獨立電影中是普遍存在的，只是在大衛·林奇這里，更明顯、更極端一些罷了。

不過跟奧利弗·斯通比起來，大衛·林奇就顯得溫柔多了。至少那部《天生殺人狂》的狂暴乖戾在《我心狂野》和《迷失的高速公路》里是絕對找不到的，《天生殺人狂》可能是整個90年代美國獨立電影中最暴力的一部作品了。在這部影片中，奧利弗·斯通砸碎了一切條條框框，甚至毫不顧及觀眾的觀影感受，把暴力對感官的刺激發揮到了極致。這不僅僅是對好萊塢的反諷，更是對美國社會、美國文化陰暗面的徹底反擊。然而，這種反擊是絕望的，相對於社會來說，個體的力量總是顯得那麼渺小，主人公只能通過大開殺戒甚至濫殺無辜來表達他們的憤怒和反抗。當然，對於暴力斯通也不是無條件的絕對美化，當男主角殺死一位慈祥的印第安老人後，影片對他的態度明顯轉向了貶抑，這與監獄暴動那場戲里對男主角英雄般的刻畫形成了鮮明的對比。

《天生殺人狂》的這種純粹、不加修飾的、赤裸裸的暴力與昆汀·塔倫蒂諾的黑幫片有著異曲同工之妙，在昆汀為數不多的幾部作品裡，暴力同樣成為貫穿影片的有力線索。特別是《殺死比爾》一片，在敘事上昆汀並沒有下多大功夫，但對暴力本身卻詳加描繪，甚至讓其呈現出某種詩意的色彩。這種極端的暴力美學在感觀上要比《天生殺人狂》讓人舒服得多，但在表意效果上卻並無二致。

值得一提的還有《槍擊安迪·沃霍爾》一片，這部由女導演瑪麗·哈倫在1996年拍攝的獨立電影是根據真實事件改編而成，基本採用了白描的手法，對事件做了簡單而真實的復述，冷靜的為我們呈現了一個女權主義者的悲劇一生。對於安迪·沃霍爾這位在通俗藝術史上舉足輕重的人物，影片沒有太多的正面描繪，而是把視線集中在刺殺他的維米莉身上，而且著重表現這次刺殺的內在動機，把維米莉這個女性主義先驅人物推到前台。維米莉並不是多麼自覺的女性主義先驅，她的反抗更多的是來自於她的個人經歷，也正是因為這種情緒性反抗是來自深層次的沖動，才使得它沖擊力更強也更猛烈。維米莉身為一個大學生，在街頭乞討、賣淫，本身就是對體制的反叛。從這個意義上講，《槍擊安迪·沃霍爾》中的暴力並不是維米莉施加給安迪·沃霍爾的暴力，而是美國社會施加給維米莉的暴力。《槍擊安迪·沃霍爾》作為女權主義電影的代表，表達了美國現代女性對男權社會的控訴和反抗，意味著女性意識在上個世紀末的重新崛起。從這個意義上來說，《槍擊安迪·沃霍爾》即使是在獨立電影中也算得上是反叛之作，因為該片所反抗和控訴的男權意識，不僅僅在好萊塢主流電影中，在獨立電影中，也是普遍存在的。《槍擊安迪·沃霍爾》的成功也啟迪了後來者，此後不久，《男孩不哭》、《女魔頭》、《百萬美元寶貝》等女權主義電影相繼登上了大銀幕並都取得了巨大的成功。

當然，並不是只有暴力才能作為反叛的手段。有時候，溫情脈脈也是一把無聲的手槍。例如《水牛城』66》一片，在這部由文森特·加洛自編自導自演自彈自唱的獨立電影中，幾乎沒有任何暴力鏡頭的出現，全片只是在低調哀傷的氣氛中，輔以淡淡的鋼琴、感傷的另類民謠和晃晃悠悠的踢踏舞配樂，給我們娓娓講述了一個落魄孩子回家的故事。但就在這種看似溫情脈脈的氛圍中，美國家庭人際關系的冷漠與疏離撲面而來。最令人印象深刻的是主人公和父母、女友同在一個桌上吃飯的戲，鏡頭故意生硬地只給餐桌上的四分之一的人，鏡頭里獨自的誇誇其談然後換人，然後下一個人誇誇其談，缺乏交流沒有感情的家庭尷尬在這里表現得淋漓盡致。在這種簡單的鏡頭剪切中，觀眾可以強烈感受到一種「冷暴力」的存在，正所謂「此時無聲勝有聲」，雖然沒有任何強烈的肢體語言，但在這種木訥和無言中，主人公其實已經發表了他的反叛宣言。

與《水牛城』66》相仿，斯派克·李的《為所應為》也更多的採用了「冷暴力」的表現手法。這是一部關於種族問題的電影，從影片一開始，白人族群與黑人族群之間的尖銳對立就被清晰無疑的展現出來。但與其它街頭電影不同的是，斯派克·李並沒有讓這種對立很快轉化為強烈的肢體沖突，而是含而不露，將暴力化為一堆影像的碎片，並盡量拉長事件的瞬間，從而形成一股強大的戲劇張力，讓觀眾在觀影過程中不自覺的投入到事件之中。在斯派克·李的這部《為所應為》中，暴力的反叛呈現出一條清晰的發展曲線，溫水煮青蛙式的層層推進，最終達到一個不大不小的高潮，既沒有《水牛城』66》那樣溫情，也沒有《天生殺人狂》那樣暴力，可以說，斯派克·李的創作是獨樹一幟的，在他的手裡，暴力被拿捏得恰到好處，反叛和自由才是他作品中的主題，暴力決不會喧賓奪主。
思想的痛苦

決不是故弄玄虛愣充大尾巴狼，之所以使用「思想的痛苦」這樣酸溜溜的詞藻，實在是因為找不到比這更恰當的表達方式了。猶太人說：「人類一思考，上帝就發笑」，但總還是有那麼一群人，固守著思想的蘆葦地。具體到美國電影來說，沒有所謂「藝術電影」、「詩電影」的群體，電影的思想、藝術功能，主要是由獨立電影來承擔的。當然，我並不是說主流電影沒有思想、藝術功能，只是相對於大多數商業片純粹的感官刺激來說，獨立電影在這方面的氣質，要濃厚得多了。

此外，與歐洲和世界其它地方的藝術電影不同的是，美國獨立電影植根於當代西方的文化土壤，習慣於直接反映當下人的生存問題。不管影片採用何種題材、何種類型，這種對人性的深層次探索和對當下生存的焦慮，在美國獨立電影中是普遍存在的。

以約翰·塞爾斯的《孤星》為例。該片採用了警匪片的題材，而且結合了懸疑、西部、恐怖等商業片常用的因素，乍一開始，還真讓人以為這是一部稀鬆平常的商業片而已，但隨著影片的進行，獨立電影的氣質也就逐漸顯現出來。對故事抽絲剝繭般的敘述，帶給觀眾一個又一個的謎團，而隨著謎團相繼的解開，事實的真相也逐漸浮出水面。就在這一過程中，影片對美國當代社會中政治的作用及其對普通民眾的影響進行了深入的反思，可以說，《孤星》披著警匪片的外衣，實質上卻是一部嚴肅的政治片。

同樣，斯派克·李的《山姆的夏天》也是一部犯罪題材的獨立電影。在這部影片中，故事同樣是由兇殺案引起，並由兇殺案作為情節助推器層層推進，影片的主人公捲入到這場由兇殺案所引起的風波中，但重點卻不在兇殺案本身，而是圍繞著兇殺案，對人與人之間的關系，展開了深入的探討。隨著情節的進展，兇殺案最終只是作為一個背景被徹底虛化了。斯派克·李想要給我們講述的，決不是一個犯罪推理故事，而是在面臨危機時，親情、友情、背叛、忠貞交織在一起的倫理問題。在《山姆的夏天》中，這種痛苦的思考是可以明顯感受得到的，事實上，斯派克·李自己也沒有答案，他只是給我們指出了若干可能性，究竟該怎麼辦，恐怕還是留待觀眾自己思考。

《山姆的夏天》與格斯·范·桑特的《大象》有著異曲同工之妙，在《大象》里，格斯·范·桑特也是用冷峻的鏡頭語言來交待故事，雖然全片以校園槍擊事件為主題，但直接描寫這一事件的場景並不多，跟斯派克·李一樣，格斯·范·桑特也是引領觀眾自己去思考，他所做的，只不過是盡可能真實的還原事件的原本場景而已。

值得一提的還有麥克·菲吉斯的《遠離拉斯維加斯》，這部充盈著濃濃感傷色彩的獨立電影，從一開始就把觀眾帶入到了導演設置的思考情景中。在你觀看《遠離拉斯維加斯》時，絕不會體會到好萊塢「夢工廠」般的虛假刺激，而是真真切切的痛苦。菲吉斯給我們安排了一個妓女和酒鬼的愛情故事，但在影片中，不管是妓女還是酒鬼都沒有絲毫人性的缺失，相反，我們所感受到的，卻是整個社會對兩位主人公的壓制和束縛，在這里，妓女和酒鬼其實都只是身份的隱喻，導演真正想說的，是對當下人們生存困境的焦慮。

保羅·托馬斯·安德森的《木蘭花》比《遠離拉斯維加斯》走得更遠。在《木蘭花》里，導演給我們呈現了一個惶恐、焦慮、頹廢的當代人群像，在長達三個多小時的篇幅里，安德森運用插敘的手法巧妙地將一天24小時內平行發展的9個事件連綴起來，以父母與孩子、憤怒與寬恕、電視里的虛幻世界與真實生活、期盼與迷失、機會與錯失等為切入點，真實的展現了人們的迷惘和抗爭。《木蘭花》的這種帶有濃厚的現代氣息表達手法，與好萊塢商業電影可謂是涇渭分明。

更為典型的現代派則要屬索德伯格的《卡夫卡》了，這部以著名作家卡夫卡為主角的影片其實跟卡夫卡本人並無任何關系，索德伯格重新編織了一個政治驚險片的故事，卡夫卡只不過是他所借用的表意符號而已。整部片子緊湊而節奏清晰，為我們清晰的展現了一個迷離、狂亂的妄想狂的內心世界。能夠把卡夫卡的故事改編到如此地步，索德伯格的編導功力確實令人嘆服。

講到這里，有一部電影不得不提。那就是吉姆·賈木許的《你看見死亡的顏色了嗎？》與其它獨立電影不同，該片的時代背景設置在19世紀末的美國，講述了一個無辜青年的逃往歷程，在逃亡的過程中，情節越來越超現實，人物的內心也越來越匪夷所思，該片使用了西部片慣用的場景與氣氛，精緻的黑白影像完美再現了西部的原始和蒼涼，也純化了影片在精神層面上的思考。當主人公在結局時躺在小舟中安然接受死亡的時候，影片便具有了一種啟示錄般的救贖情懷。《你看見死

⑧ 美國一個男人在家困40天外面都是喪屍的電影叫什麼

喪屍電影《獨自一人》，絕對無誤

⑨ 如何評價阿甘正傳

《阿甘正傳》是由著名導演羅伯特·澤米吉斯執導的，由湯姆·漢克斯、羅賓·懷特主演的一部經典勵志電影。電影改編自美國作家溫斯頓·格盧姆於1986年出版的同名小說，描繪了先天智障的小鎮男孩福瑞斯特·甘自強不息，最終「傻人有傻福」地得到上天眷顧，在多個領域創造奇跡的勵志故事。在電影的細膩刻畫下，主人公福瑞斯特·甘是樂觀、勇敢與長情的。阿甘表現出來的就是樂觀，阿甘正傳要向世人表達的更多的就是樂觀精神。啊甘是樂觀的，盡管他是一個智商只有75的「低能兒」，但也不妨礙他熱愛生活。盡管他的智商只有75，盡管會因此而經常被其他小朋友欺辱，盡管幼時的他甚至不能正常的行走，但是，他是樂觀的一如既往地，在躲避欺辱的同時，他學會了奔跑，跑進了別人的橄欖球場並因此而跑進了大學，跑進了國家級的橄欖球賽，並受到了當時總統肯尼迪的接見。他是樂觀的，他的樂觀使他在越南戰爭的槍林彈雨中存活了下來(僅存的倖存者)，在狂風海嘯中倖存了下來，在已誤入歧途的珍妮身上得到了愛情…
阿甘是勇敢的。當得知國家需要他的時候便毫不猶豫應征入伍，在越南戰爭的泥潭裡硬是把好友救出，獨自一人面對狂風海嘯的時候愣是連人帶船保存了下來。盡管他是一個智商只有75的「低能兒」，但他勇敢面對生活，熱愛生活，並引導誤入歧途的珍妮、因失去雙腿而絕望無助的丹中尉堅強起來。就像他母親說的一樣，生活就像巧克力，你永遠不知道你會嘗到什麼味道，所以我們要勇敢面對積極嘗試啊。你不試一下怎麼會知道是什麼味道呢？
阿甘又是長情的，友情愛情在他身上並沒有看到缺失了一點。他一生只愛一個女孩——他的兒時玩伴珍妮，即使她早已不是當年的她，早已自甘墮落，放盪不堪。所幸，最終長情的他還是深深打動了珍妮，如果沒有癌症相信他能與珍妮幸福廝守剩下的時光。他可以僅僅是因為別人的一句話，為了紀念死去的戰友布巴，而干起自己並不熟悉的捕蝦業。面對珍妮的去世，阿甘是痛苦的，他又是毫不猶豫的跑了三年，跑了三年終平復傷痛。


阿甘生活在一個風起雲涌的時代了，被三代總統接見。他樂觀、勇敢又長情，盡管他只有75的智商，但在我看來他並不缺失了什麼，相反，他還達到了一般所謂智商優越而終其一生也無法企及的高度，盡管他的智商只有75！！就這樣，我們也不用羨慕阿甘什麼，只不過他比我們多一點樂觀多一分勇敢多幾許長情罷了。聰明的確是好事，可是一個人在一生中還有許多比聰明更重要的事。有時候，人生本不需要太多聰明，簡簡單單足矣…