1. 《双峰》、《我心狂野》、《美国史》、《心碎的梦想》影评
《双峰》：
大卫林奇还真是厉害，弄出一部悬疑片竟然没有结果，而我这个被福尔摩斯惯坏的孩子一定要知道最后结局才肯罢休，于是《双峰》着实让我吃惊了一把，也留给我无数发呆时的幻想主题。
故事从一开始就出现凶杀案，美丽动人的女高中生被杀，之后所有的调查又纠结出很多没有结果的故事，这个看似安宁和谐的小镇，充满神秘诡异的气氛，每个人安稳的感情背后都藏着不能告人的秘密。周而复始的生活使小镇经受不住这样的打击，每个人都开始猜测或者闪躲，他们每个人的举动让我想起《狗镇》里那些虚伪的人们，一切的举动不过是为了满足自己的私欲。
对那个在自家旅店故意捣乱的女孩很感兴趣，她在得知劳拉死去时的表情不像其他同学那样悲伤，反而挂满一脸得意，其中必有隐情。而且她的装扮和左眉眼那颗痣，像极某位50年代好莱坞的明星。
看似神经兮兮的FMI探员，看到尸体就会哭泣的警员，说话声音像婴儿的接线员，喜欢和窗帘叫板的女人，故意把客人赶跑的任性女学生，疯狂无赖的男孩，很多人物都和这个案件有千丝万缕的关系。值得注意的是，陈冲在这部电影里扮演锯木厂的继承人，那一片鲜红的唇，充满东方的神秘气质，被警察叫做“全镇最美丽的女人”，看到结尾才明白，原来他们是情人，难怪这么形容。
故事就这样结束难怪会拍成电视剧，很多看过电影版本的人肯定都不甘心，没有结局，还有很多细枝末节的暗线，让人心痒痒，只剩下彻底的绝望，眼看就要知道谁是凶手，影片出现“剧终”的字样，还以为会像《百慕大三角》那样给我来个第二部，第三部的惊喜，把碟片前前后后搜索一遍，才确定，这次是彻底的结束。
也许大卫林奇根本就没打算把结果告诉我们，因为内心阴暗的邪恶力量，不是抓到凶手就算结束，我们面对的是强大无影无踪的恶梦，你能抓住梦的胳膊吗？不能。
希望有机会看到电视剧版本，以此消减心中的疑团，也没准，疑团会像泡沫一样越拥越多。
《我心狂野》：
大卫&。林奇是一个执着地游走于现代主义题材与好莱坞商业制片体制之间的“电影作者”。从他的作品中，我们一面能隐约看到费里尼、安东尼奥尼、布努艾尔等现代主义电影大师的影子，另一方面也能轻易嗅到其中挥之不去的传统好莱坞电影的气息。《我心狂野》便是这样一个极好的例证：在对人物内心世界的开掘上，可以看到欧洲电影特有的深度和批判力量；在视听语言和故事叙述上，它又继承了好莱坞电影善于讲故事的传统，林奇有能力把这个逃亡的故事讲得一波三折而又惊心动魄。
从一踏入影坛，林奇的作品便打上了鲜明的现代主义的烙印。他早期的作品，从第一部短片《六人染病》到《字母表》，直至后来转入好莱坞主流创作的《橡皮头》、《象人》、《沙丘》，林奇醉心于探讨人的存在危机及其本质，表达了对人的异化的极度不安与焦虑，其作品流露出一种混合了神秘主义、表现主义与超现实主义的味道。由此，欧洲电影对林奇的影响可见一斑。事实上，这一主题始终没有从林奇的创作中消失，只不过在视商业利益与票房收入为至高目标的好莱坞，它往往与更为跌宕起伏和生动曲折的情节结合在一起，或者说被更为流畅和有吸引力的叙事所隐蔽而已。
“新好莱坞电影”与传统好莱坞电影的一大差别，是它在美国电影历史上第一次真正做到了把艺术表现的触角深入到人物的内心世界，这使美国电影在人物塑造上彻底摆脱了“平面化”、“模式化”的人物形象。无论是被重新演绎的耶稣基督（《基督最后的诱惑》）还是纽约街头平凡的出租车司机（《出租车司机》）。抑或是“占山为王”的前美军军官克兹上校（《现代启示录》），这些令人难忘的银幕形象相对于传统好莱坞类型电影中千篇一律、“模式化”的人物形象来说，无疑是一种反叛与颠覆。
同样，对人物精神状态和内心活动的探索，始终是大卫&。林奇影片的重要主题。在《我心狂野》中，林奇坚持了他一贯的艺术追求，以非常电影化的方式把潜藏在人物内心的种种孤独与绝望、暴戾与恐惧、梦境与幻想交织、重叠在一起，展现在观众面前。片中的母亲玛丽塔的心理，便是林奇极力营造的一个肮脏龌龊而又疯狂的内心世界：她伙同桑托斯谋杀了自己的丈夫，又怀疑塞勒目睹了她丈夫的死而多次威胁和恐吓塞勒。在指使杀手刺杀塞勒不成之后，又继续派人追杀塞勒，极力拆散塞勒和劳拉这对“落难鸳鸯”。在意识到桑托斯可能会对她的另一个情人强尼下手之时，她掩盖不住内心的惶恐与不安，在极度狂躁和绝望之下，她用口红将脸涂成猩红色，如同一个恶魔一般令人作呕——导演以这样一个非常“银幕化”的方式将玛丽塔内心的丑陋龌龊与惶恐不安展现得淋漓尽致而又令人心悸。同时，在强尼被杀的一场戏中，女杀手惊惧的喊叫、狰狞的表情以及狂乱的场面，无不揭示出人物内心深处的疯狂和欲望。
林奇真正感兴趣的，是人物的“本我”（弗洛伊德）/“实在界”（拉康），而非“自我”、“超我”/“想象界”、“象征界”，亦即他的影片往往聚焦于潜藏在人物内心的种种原始的、本能的欲望与冲动，而非仅仅描述人物之间的社会现实关系。他以少有的冷静和耐心，不动声色地描绘人物的本能和欲望，并用不无神秘色彩的故事和强烈的影像造型将其呈现，令人触目惊心。因此，在可以视作人性恶大暴露的《我心狂野》中，死亡和暴力场面比比皆是便不足为奇：打手鲍比&。雷被塞勒猛击头部，直至脑浆四溢死于非命；劳拉的父亲被火活活烧死；强尼&。费内古特在一个神秘怪异、类似原始宗教的仪式上被枪杀；淫恶的杀手鲍比&。佩鲁在一次抢劫中被从自己的枪里射出的子弹打飞脑袋而身首异处。在这些段落中，人物理智之丧失、人物动作之狠毒、场面之残酷，达到了令人震惊的程度。
从本质上说，林奇是一个“造梦者”或者“幻想家”，他以其特有的敏感冷静地，甚至是冷酷地审视、观察这个混乱和荒诞的世界，他不断地编织一个又一个梦魇一般的故事，以此对现代文明进行毫不留情地批判。林奇眼中的世界，是一个混乱不堪而又充满邪恶、暴力的世界，而生活在这个世界里的人，要么无比丑陋龌龊——比如玛丽塔、桑托斯、鲍比等；要么精神异化、扭曲——比如劳拉不经意谈到的她的表兄戴尔：此人神经分裂、歇斯底里，每天期盼圣诞节的到来（喻指代表信仰和爱的“圣诞精神”的丧失），并且惶惶不可终日（担心地球被外星人所控制），直到有一天无声无息地消失，不知所终——就仿佛他根本没有在这个世界上存在过；要么彻底迷失在现代生活中无法自拔——比如塞勒和劳拉在去大图拉的路上，遇到一个在一起车祸中幸存的女孩，她头上血流不止，但却不知道头发上“黏糊糊的东西”为何物——她濒临死亡却浑然不知，竟然在迷幻中喋喋不休、歇斯底里地坚持寻找自己的钱夹，否则会挨母亲的责骂。导演的这一安排无意是非常有意味的：林奇眼中的人类，就如同这个女孩一样——他们受到了太多的压制，以至于变得扭曲、麻木、迟钝，早已丧失了人之为人的特征，甚至不知死之将至，最后也只能落得一个“在绝望中死去”（萨特语）的悲惨结局。这不禁令人想到荒诞派戏剧大师贝克特的作品《啊，美好的日子！》：女主人公在老迈龙钟、行将入土之际仍然在梳洗打扮，赞美这是个“美好的日子”，甚至唱起了一首轻佻的情歌——其浑浑噩噩、不知死活的状态已经麻木到精神错乱的程度。
二、风格：诡异与神秘
看林奇的影片，不由令人想起风靡于20世纪20年代的德国表现主义电影。表现主义强调人的情感的赤裸裸的宣泄和最直接的表达，激情被无限扩大，甚至成为一个包容一切的存在，在对具体的经验细节的舍弃中，表现主义建立了一个极度抽象、变形、失真的世界的幻象，从而暴露人存在的本质。以《卡里加里博士》、《蜡人馆》等为代表的德国表现主义电影，往往以疯子、鬼怪为主题，通过夸张的造型、鲜明的色彩对比和离奇的情节，竭力表现人物内心的疯狂与暴戾，在世界电影史上留下了重要的印记。它不仅影响了旧好莱坞的犯罪片和强盗片，而且，在《我心狂野》以及林奇的其他作品中，德国表现主义电影的影响仍然清晰可辨。
林奇与库布里克一样,善于人性恶的一面,但较之库布里克的《发条橙子》、《全金属外壳》等作品，其作品的支撑力量显然多了一份无理性、无逻辑的因素；林奇与克波拉一样，善于表现人物的内心世界（《现代启示录》、《对话》），但他的人物塑造中，似乎有更多的神秘与宿命在起作用；林奇与斯克塞斯一样善于叙事，却没有斯克塞斯的俊朗和明快（《愤怒的公牛》、《出租车司机》），而代之以一种羼杂了更多迷幻色彩的、梦境一般的叙事风格；即使较之与林奇年龄相仿的奥利弗&。斯通，即使是一部与《我心狂野》题材相近、同样描写逃亡和反叛、暴力的《天生杀人狂》，只要认真比较，不难发现两者的区别所在：在《天生杀人狂》里，斯通想要营造的是一种近似“狂欢”的氛围，追求“平面化”与“深度削平”，是在后现代语境下对“深度模式”颠覆的一次尝试；而林奇在《我心狂野》则坚守了现代主义的主题，从“背景”与“前景”的关系看，影片的“前景”显然是模糊而遮蔽的，“背景”则是深不可测，两者共同构成了林奇迷幻和梦境一般的现代主义色彩浓重的艺术世界。
古怪离奇而又鲜明突出的影像造型无疑是这个奇特的艺术世界里“标签式”的特征，甚至是林奇作品中最为重要的元素之一。事实上，这种极具震撼力和冲击力的影像表达与作品的主题相得益彰，共同构筑了林奇独特的艺术世界。一张涂成血红色的女人的脸；一团熊熊燃烧的烈火；一具涂着蓝色口红被塑料布包裹的女孩的尸体；一张套着丝袜狞笑的丑陋而恐怖的男人的脸；一辆折射着幽暗的残光奔驰在清冷的公路上的汽车……这些早已成为林奇作品“招牌式”的镜语。
在《我心狂野》中，火的意象反复出现，俨然成为了该片最为显著的造型意象。在林奇卓越的造型追求下，火已经不单单是交代情节的工具，它不仅是重要的造型元素，而且已经成为导演表意抒情的重要手段。片头，黑色的画面逐渐叠出演职员表，黑暗中，出现了特写镜头拍摄的一支突然划着的火柴；紧接着，随着片名字幕的叠出，一片熊熊燃烧的烈焰伴随着浓浓的黑烟徒然闯入观众的视野，占据整个画面。这是火的意象在该片中的首度呈现。总体而言，片中火的意象大致可以分为两类：一是打火机、火柴的火苗，或者燃烧的香烟。这种情形在全片中共出现了六次，通常是伴随着火柴点燃的摩擦声，用特写镜头拍摄的打火机的火苗或者划着的火柴，缓缓引燃一支香烟，然后火柴缓缓燃烧，逐渐熄灭。采用文本细读的方式，我们可以发现此类意象的共同特点：火柴、打火机以及香烟一般都是置于特写镜头中，并且用升格镜头拍摄；火柴一般是突然划破周围的黑暗，开始燃烧；大都伴随着画外的火柴的燃烧声响。我们不难发现，这种意象的火，可以视为生命冲动的象征：虽然燃烧得短，但是它却能在瞬间打破黑暗的控制和束缚，释放出所有能量，直到熄灭——俨然是剧中主人公的抗争精神的视觉呈现。从中，能看到无法阻挡的生命的升腾与悸动。另一类火的意象，则是通过劳拉或者塞勒的回忆的方式多次在闪回镜头中出现的大火：比如，全景镜头中，用升格镜头拍摄的一辆燃烧的小轿车在夜幕中翻滚着坠入悬崖；被大火吞噬的房间；引火上身拼命挣扎的劳拉的父亲……这里，火不仅是生命冲动的象征，同时，火又是不可遏止、疯狂蔓延的欲望的喻像，烈火可以吞噬一切、毁灭一切，那无边无际、熊熊燃烧的大火，仿佛是死亡和毁灭的预兆。
音响和音乐在《我心狂野》中同样是极为重要的构成元素。不论是烈火燃烧的声音还是火柴摩擦和燃烧的声音，抑或是人物的尖叫与呼喊，都很好地起到了营造氛围、渲染环境，进而表达导演意图的作用。本片的音乐也十分丰富，比如片头的宴会上，背景音乐是较为轻松的爵士乐，当塞勒痛击鲍比&。雷的时候，音乐骤然变为穿透力、震撼力极强的重金属摇滚乐；在强尼被杀的一场戏中，背景音乐的构成始终动荡不安，渲染了一种恐怖的气氛；塞勒和劳拉在旷野里起舞时，背景音乐是激愤昂扬的摇滚乐，此时镜头缓缓上升，并且对准了远方一片夕阳和广袤的旷野，音乐非常自然地转为细腻抒情的管弦交响乐，让人回味再三。
三、“美国精神”：反抗与叛逆
同样是表现暴力与人物疯狂绝望的内心世界，林奇不像另一位同样是以展示暴力而闻名的日本导演北野武那样——仅仅展现暴力的结果，而是以少有的热情和耐心把暴力的整个过程摆在观众面前，并且以这样一种直接和极端的方式让观众体会到世界之混乱与狂暴。事实上，林奇与北野武的区别可以看作日本文化与美国文化的区别。
在《花火》中，北野武向我们展示的是一种裹挟着暴戾的内敛与含蓄，这正是日本民族所特有的性格：当阿西在车里猜扑克牌时说出“曲奇饼”的时候；当一辆路过的汽车破坏了两人的合影，阿西推开了妻子伸过来的手臂的时候；当然还有影片的最后，阿西夫妻诀别的一场戏，当听到妻子只说了一句“对不起，谢谢你”的时候，我们看到了日本人表达他们感情的方式——这就是他们的爱情和浪漫。
而我们在《我心狂野》等林奇的作品中看到的，则是美国人的精神与民族性格。美国人性格中最显著的特点之一，就是他们骨子里那种对自由的向往与渴望，以及那种与生俱来的叛逆。导演借塞勒之口说道：“它（指蛇皮夹克）是我的信仰与个性的象征。”热情洋溢而又放荡不羁的塞勒和劳拉在逃亡的路上，不停地听摇滚乐、跳舞、做爱。一次，在行驶的公路上，劳拉打开收音机，听到的无一例外——不是枪杀就是强暴，忍无可忍的劳拉和塞勒跳出车外，此时摄影机逐渐上升，在拉开的大全景镜头中，伴随着一阵令人激昂振奋的音乐，两人在广阔无垠的西部旷野中疯狂地跳起舞来。在他们身上，导演让我们看到了美国人特有的热情与反叛的个性，这是一种原始的、内在的生命冲动。片中的塞勒和劳拉还没有被这个世界同化，或者说，他们是在以不懈的抗争来摆脱加于自己身上的种种束缚和压制，他们敢于为了自己的自由与任何压制其理想的东西做毫不妥协的斗争。
塞勒和劳拉就是这样两个被导演赋予了“美国精神”的人物：他们虽身处邪恶（以玛丽塔、桑托斯、鲍比为代表）的包围之中，却从未放弃对个性和自由的追求，而是对邪恶势力愈加疾恶如仇。无疑，林奇在这对叛逆的恋人身上寄予了自己的希望。《我心狂野》的结尾处，已经决定与劳拉分手的塞勒，在幻觉中受到《绿野仙踪》里女巫的指引，再次回到劳拉的身边与妻子、儿子团聚。虽历经波折，他们最终克服恶的力量并得到自己的幸福和自由。可以说，塞勒和劳拉的胜利其实是“美国精神”的胜利。
另外，《我心狂野》还是一个“原型”蕴涵相对丰富的电影文本。众所周知，20世纪以来，西方文论史出现了一个重要的转折。即西方的文学艺术和人文科学出现了一种回归原始的倾向。由于弗雷泽、荣格、弗莱等人的努力，起源于当代人对人类早期文化、原始思维以及人类共同的心理结构研究的神话原型批评一跃成为当代西方文艺批评中的显学。“原型批评”的重要代表人物，瑞士心理学家荣格认为，原型是人类早期生活的遗迹，是人类心理活动的基本范式，它超越了时代与民族，是人类共通的心理结构，并且以一种“集体无意识”的方式传承和延续下来。荣格进而分析了众多的原型，比如力量原型、英雄原型、魔鬼原型、救星原型、大地母亲原型、巨人原型等。
在，《我心狂野》中，我们不难发现这样一些“原型”：最明显的便是魔鬼原型，不管是内心阴暗险恶的母亲玛丽塔，还是心狠手辣的毒贩桑托斯、雷迪尔，不管是玛丽塔指使的打手鲍比&。雷还是淫恶的鲍比&。佩鲁，无一不是魔鬼/邪恶的“原型”；再比如，母亲玛丽塔与劳拉的母女关系，不由让人联想到类似白雪公主与其后母的原型关系：劳拉单纯、美丽、善良，一心追求自己的幸福与自由，但是她就如同童话里的白雪公主一样，是柔弱无力、受到伤害并且是需要被拯救的对象；而她的母亲玛丽塔则如同童话中的后母一样：歹毒、邪恶，对白雪公主心怀妒忌并竭尽迫害之能事；而另一个主人公塞勒则可以被视为“英雄原型”：在一个充满混乱、邪恶、暴力的世界，面对强大的邪恶势力，英雄总是能够挺身而出，与之做坚决的斗争，并且最终拯救弱小者。无疑，片中的塞勒就是这样一个英雄的原型。
西方文论史上“原形批评”的集大成者，加拿大学者弗莱认为，原型是构成人类文学整体经验的一些最基本因素，他进而把“原型”划分为三大意象群：即神启的意象、魔幻的意象、类比的意象。在《我心狂野》中，神启的意象、魔幻的意象都有所体现：片中多次出现《绿野仙踪》里的女巫的形象，她如同神一样，总能在关键的时刻出现，并且给主人公以启示——正是在她的指引和鼓舞下，塞勒和劳拉终于团聚；魔幻的意象是一个“痛苦、愚昧、废墟、堕落的世界”，而林奇在《我心狂野》中所要着力营造的正是这样一个充满
不好意思，其他两部有些困难
2. 求点特黑暗的电影
楼主指的应该是人内心的阴暗面吧，那我首推大卫林奇的片子
导演大卫-林奇(David Lynch)是当代美国非主流电影的代表人物。他的影片以华丽、阴郁、诡异夹带着黑色幽默的风格在影坛独树一帜。他往往在公路片的形式格局中，运用弗洛伊德的心理分析，展示出现代人焦虑郁闷的精神症候。其在现实与超现实之间的自由游走，对暴力和性的大胆表现，前卫奇异、极具视觉冲击力的影像，都使他的作品散发出独特的个人魅力。
林奇尤为擅长充分利用类型电影的元素，将类型片打破／拆解成碎片再予以寓言风格化的混合重构，在游戏般的创作过程中显示出后现代主义的艺术品格。
《橡皮头》(Eraser Head )(1976年)
大卫-林奇是美国电影新浪潮运动的旗手，除此之外，这位多才多艺的导演还是一位摄影家和作曲家，他的作品游弋在黑色的超现实主义和唯美的虚幻风格之间，散发着独特的个人魅力，人们甚至直接用“林奇风格”来形容他的电影。
《橡皮头》是大卫-林奇的第一部公映的影片，旋即一鸣惊人。影片通过描述一名男子的对父亲的焦虑和恐惧，营造了一个黑暗、困惑令人毛骨悚然的梦境。影片中摇晃的镜头和充满矛盾的情绪正是林奇风格的完美体现。影片不仅毫不掩饰林奇对人性阴暗面的偏好，更像一道超现实主义和表现主义的暗流，冲进了当时还相当传统和保守的电影界，林奇走到了先锋派电影浪潮的前沿。
《象人》(The Elephant Man)(1980年)
1980年，大卫-林奇执导的影片《象人》获得了奥斯卡最佳影片和最佳导演的八项提名，虽然最后一无所获，却标志着大卫-林奇也渐渐被好莱坞主流电影所接受。影片是改编自真人真事，讲述19世纪的英国一位天生畸形毁容的人，在一位好心的医生帮助下，重拾信心的经过，奥斯卡影帝安东尼-霍普金斯(Anthony Hopkins)在影片中出色地扮演了那位善良的医生，也让我们不禁思考一个问题：究竟应该如何才能真正帮助一个人，是医好他的创伤还是帮他树立自信？林奇博大的人道主义胸怀和尖锐的思想又一次展现在镜头下面。
《沙丘》(Dune)(1984年)
《沙丘》是大卫-林奇在导演风格上做的一次大胆尝试。影片改编自弗兰克-赫博(Frank Herbert)的同名科幻小说，值得一提的是90年代风靡一时的即时战略游戏《沙丘魔堡》也源自同一部小说。故事发生在一个被称为沙丘的行星上，在这个星球上有宇宙中唯一的能量元素，为了争夺对它的控制权，邪恶和正义的力量都投入了跨越星空的战斗中。影片虽然投入巨大，特技制作效果逼真，但是却出乎意料并没有获得票房的成功，或许是因为太过沉重的气氛压得人喘不过气来，也或许是因为影片太过形式主义。但无论如何，大卫-林奇都展现了他锐意创新的勇气。
《兰色的天鹅绒》(Blue Velvet)(1986年)
大卫-林奇又一部极端个人风格的影片。凭着这部电影，林奇再一次获得了奥斯卡最佳导演的提名。但是人们对影片的评价却是褒贬不一，批评者说这部影片是对人性阴暗面的崇拜……充斥着暴力、虐待、欺骗和滥性，赞扬者则说林奇是以一种面对着魔鬼的勇气来面对着黑暗，但有一点是毋庸置疑的，林奇用他的镜头毫无忌讳地反映了人性中很少有人触及却是真实存在的另一面，就像尼采曾经说过：当你望着深渊的时候深渊也在望着你，当你和魔鬼搏斗的时候你也是魔鬼。
《双峰》(1，2)(Twin Peaks)(1989年，1992年)
大卫-林奇的才华不仅表现在电影中。1989年到1992年，他还为ABC电视台导演了大受欢迎的电视连续剧《双峰》和它之后的续集。林奇在剧中把目光投向了那些生活在现实中的平凡人群，从高中的学生到古怪的老妇女……每一个都具有鲜明的个性，林奇把一部人物众多的的肥皂剧驾驭得井井有条，而他的喜剧天才和独特的处理手法更是在其中展现得淋漓尽致。
《双峰》获得了14项艾美奖的提名，并最终赢得了两项大奖。
《我心狂野》(Wild At Heart )(1990年)
1990年的《我心狂野》是大卫-林奇的个人的代表作，影片为林奇赢得了当年戛纳电影节的最高奖金棕榈奖。这是一部充满林奇风格的公路电影，弗洛伊德式的心理分析，让人心惊肉跳的暴力场面，还有导演林奇的黑色幽默都让人难于忘记。尼古拉斯-凯奇(Nicolas Cage)在影片中是一位刚从监狱中出来的反叛青年，他和女友搭上了一辆前往德克萨斯的汽车，一路上他们遇到了种种恶梦般的意外和不可捉摸的邪恶，一切都似乎在把他们诱入一个毛骨悚然的陷阱……光怪陆离的镜头和令人窒息的节奏展示出了人类那种与生俱来的虚伪本质和恐惧的内心，林奇则把这种情绪推到了极点。
《卢米埃尔和他的伙伴们》(Lumiere＆Company)(1995年)
就在大卫-林奇在影坛的地位不断上升的时候，他却突然沉寂了数年。这期间，他只参与拍摄了这部致敬性质的纪录片。影片邀请了全世界40位著名的电影导演，每个人拍摄了一段52秒钟的影片，根据个人的理解用镜头回答了三个问题：为什么你愿意参与拍摄这部影片？为什么你要拍摄电影？电影是否将会灭亡？
最终的作品是非常有趣的，大师们的回答超出了人们的想象，有的用镜头记录了历史的瞬间，有的拍摄了自己的经历，有的关注于社会的变迁，有的则演绎了电影的发展……而从中看到的是大师们对电影的热爱。
《迷失公路》(Lost Highway)(1997年)
沉默了多年之后，大卫-林奇以一部《迷失公路》重新回到了人们的视野之中。他的导演风格更加成熟和锐利，一如既往地将人性的对立面解剖得入木三分。影片中宁静祥和的气氛仅仅是一个开始，偷窥者、谋杀、轮盘赌……一件件离奇的人和事在之后接踵而来，如同一只看不见的手在背后掌握着一切。大卫-林奇从来就是一个擅长营造气氛的导演，他用影像唤起人们对死亡的恐惧，又一次一次用意识告诫人们冷静，就这样行走在黑暗和希望，深渊和悬崖之间。
《斯特莱特的故事》(The Straight Story)(1999年)
当影片《斯特莱特的故事》在戛纳电影节上放映的时候，大卫-林奇让所有人都大吃一惊，难以想象如此干净、如此质朴的影片竟然是出自一位以黑色风格而闻名的导演之手。
斯特莱特是一位退伍老兵，有一天他决定驾着他唯一的一部机动车……锄草用的拖拉机上路，去看望自己远方的兄弟，一路上他露宿在繁星下，麦田旁，追忆着美好的往事和感人的亲情……蜿蜒的公路在镜头下美得异乎寻常，单纯如初生婴儿般的情感更让人不由泪下。
没有隐晦的暗喻，没有惊心动魄的场面，自始自终都流淌着感人的温情，在斯特莱特满是皱纹的脸上，见不到人性的虚伪和掩饰，只有岁月留下的睿智和真诚，原来每个人都可以拥有天堂。
《穆赫兰道》(DR. Mulhollad)(2001年)
《穆赫兰道》是大卫-林奇自己最满意的作品之一。这绝对不是一部易懂的电影，散乱在各个角落的故事和来回跳跃的镜头像是在考验着观众的心智和耐心，轮廓一点一点地清晰，如同一个人在早上醒来竭尽全力在回忆着昨晚的梦境。你必须一遍一遍反复留意那些看似毫不相干的细节，但即使是这些独具匠心的细节，比起影片深邃的主题、扣人心弦的情节发展和非凡的技巧也只能黯然失色。这次我又是谁？我活在镜头的里面还是外面……影片里的主人公一次一次地问着，也把你带到了银幕的黑暗面。也许戛纳电影节上主持人的一句评论是最准确的：这是一部只有天才才能拍出的电影！-kamidi
大卫-林奇曾经这样评价自己的作品：“用57秒来成长和燃烧，之后用3秒钟呕吐！”从出道伊始，他就毫不掩饰自己对人性阴暗面的偏好，勇气和天才让他在深渊和悬崖之间找到了完美的平衡。林奇也有安静的时候，只是悲天悯人的情怀让他宁愿一头扎入黑暗之中，偶而地显露峥嵘，却足以将我们感动得一塌糊涂。
还有蒂姆伯顿，也是比较黑暗，偶尔有点小温馨
七宗罪 不错
3. 美国有哪些青年爱情电影
这里的大部分影片都是我曾经看过或不同程度接触过的，感触比较深的都写了自己的观感，现在加以总结和按时间归类，献给喜欢青春片的朋友，供你们寻碟提供帮助，我是费了不少时间才想起这么多并写下，希望得到共鸣，希望有人喜欢。
九十年代中后期的美国青春片校园片代表（四十五部电影，两部电视剧）
I know what you did last summer我知道你去年夏天干了什么(1997)
Sarah Michelle Gellar，Jennifer Love Hewitt，Freddie Prinze Jr.，Ryan Phillippe主演的校园恐怖片，取得美国票房榜双周冠军，当时这四位演员可谓是红遍了全美，也掀起了九十年代后期校园恐怖片的热潮，续集是一部烂的不行的电影，主演包括当时处于事业上升期的黑人R&B歌手Brandy。本片第一集撮合了sarah和Freddie两位演员若干年后的婚姻，后来二人又合作了史酷比狗系列，而Sarah最知名的代表作，就是“吸血鬼杀手芭菲"剧集，近两年主演了美国版“咒怨"。
Scream惊声尖叫系列
著名恐怖片导演Wescraven执导，此君曾创造了经典恐怖电影“榆树街的恶梦"，主角就是佛莱迪对杰森中的佛莱迪，Scream系列拍了三集，在当时反响非常大，捧红了Neve Campbell，也成就了David Arquette 和Courteney Cox的婚姻，第三集是该系列的败笔，不看也罢，该系列的电影原声非常出色，收录了当时红遍全美的collective soul,foo fighters等乐队的歌曲。
Urban Legend 都市传说(1998)
在这股青春恐怖题材泛滥的时期的又一平庸之作，但是仍然取得票房好成绩。
Wild Things 野东西 (1998)
Denise Richards最知名的电影，当然全因为片中她扮演的那个娇纵蛮横恶毒的富家女形象和暴露两点的激情戏，Matt Dillon，凯文.贝肯，Neve Campbell等明星也加盟了此片，一部关于连环阴谋的惊悚电影。续集也是全部人马大换血，我没看过，可能还是卖弄性感为噱头吧，而且第二部直接作了DVD发行，没有公映。
Disturbing Behavior (1998)
“Dawson''s Creek道森的小溪"，“the first daughter"，“Pieces Of April"，“Abandon"，“Teaching Mrs.Tingle"等片的女主角Katie Holmes主演的校园片，我印象里好像是以校园暴力为关注点的电影，可惜没有看过。
faculty老师不是人(1998)
“指环王"里的佛拉多的扮演者Elijah Wood主演的一部校园科幻片，其中不乏一些明星，这在青春片里是比较少见的强大阵容了，有人物杂志评选的最美的五十人之一的Jordana Brewster（后来主演过“速度与激情"第一集） ，Josh Hartnett（珍珠港），Famke Janssen（X战警，黄金眼），内容是一群学生与被外星人附体的老师斗志斗勇，娱乐性很强。
Teaching Mrs. Tingle（港台翻译为：玩死Miss J）(1999)
又是Wescraven导演，Katie Holmes主演，内容和上面那部电影有相同之处，那就是都是讲学生和老师作对的内容，哈哈，不知道中国的一些老师看了会有什么想法，美国对电影题材是放得很宽的，这种内容也可以随便拍的。不过这部更有趣，讲述了一个爱跟学生做对的老师发现几名学生的作弊行为后，发誓要整垮他们及他们的朋友，于是几个胆小的学生为了保住自己不被降级，绑架了这个老师，然后对老师“百般折磨"用尽红脸和白脸招数，希望老师开恩放过他们的故事。强烈推荐这部影片，太有创意了！
Drop Dead Gorgeous(1999)
Denise Richards的另一部青春电影，没看过，无从评价。
She Is All That她是一切（又译：窈窕美眉）(1999)
帅哥Freddie Prinze Jr.和美女 Rachael Leigh Cook联袂主演的校园爱情喜剧，里面有一首非常好听的的插曲七便士乐队演唱的“Kiss Me"，一部浪漫的电影，值得推荐。
Cruel Intention残酷动机(1999)
Sarah Michelle Gellar, Ryan Phillippe等人主演，翻拍自同名影片，后来扮演该片女主角之一的瑞斯威瑟斯蓬大红大紫，出演了“情归阿拉巴马"等卖座影片，而日后她的丈夫也就是本片男主角Ryan Phillippe事业确走了下坡路，除了“枪之道"还算过得去，就再没有什么轰动的影片了。
Drive Me Crazy (1999)
Varsity Blues 校园蓝调(1999)
运动题材的励志校园片，当时反响不错，可惜一直没有看过。
10 Things I Hate About You (1999)
Heath Ledger，Julia Stiles联袂主演，没有看过，就不加评论了。
Never Been Kissed从未被吻过 (1999)
Drew Barrymore 德鲁巴丽摩尔这位有点胖胖的女演员主演的校园喜剧，本片明星云集，包括日后因主演詹姆斯卡梅隆执导的电视剧“dark angel"而一炮而红的“Jessica Alba"，和ABC热门电视剧“Alias"双面女间谍的男主角扮演者“Michael Vartan"麦克.瓦唐，片中充满德鲁的各种出丑笑料，结尾处女主角终于得到真爱，很是感人。
The Skulls 骷髅(2000)
一部讲述校园里一个秘密组织的校园惊悚片。曾经拍过几部续集，还是推荐第一集。
What ever it takes (2000)
又一部青春喜剧，太多了，以致看了都记不清了。
Bring It On(2000)
（拉拉队题材的校园片，取得全美票房冠军，是Kirsten Dunst出演过的众多青春片里非常好看的一部，后来拍过续集，演员全部大换血，也是平庸之作了。）
Down To You(2000)
Freddie Prinze Jr.和Julia Stiles主演的青春喜剧，曾经在我国上映过的“王子与我"和“伯恩的身份"中都有Julia Stiles的身影，另外她和Josh Hartnett主演过现代版的“奥塞罗"。
Boys And Girls男孩女孩(2000)
Freddie Prinze Jr.和气质美女Claire Forlani主演的青春喜剧，演员Claire曾是美宝莲的广告模特，曾出演过the rock里肖恩康纳利的女儿和meet joe black中爱上死神brad pitt的女孩，可惜这几年少有作品问世了。
Final Destination死神来了(2000)
青春恐怖片里另辟蹊径的故事题材，虽然很荒诞，但是却让人看的很过瘾，片中最吸引人的恐怕就是死神让主角们一个个死于看似巧合又非常诡异的死法，谁也逃不出死神的安排。
Here On Earth (2000)
美国派1中参加合唱队的那个帅哥Chris Klein主演的青春爱情片。
Loser失败者 (2000)
美国派中两位演员Jason Biggs(后后，就是男一号了，在家偷看黄色录像和被父母捉奸那个)和Mena Suvari（米娜在“美国丽人"中饰演那个诱惑凯文.斯派西的拉拉队员，他女儿的同学，后来弄得凯文神魂颠倒那个，呵呵）再度合作的校园喜剧片。
Road Trip公路之旅 (2000)
其实很多人知道的那部“Euro Trip欧洲之旅"是在这部“公路之旅"大获成功后拍摄的续集，这是当时的票房黑马，梦工厂的小小投资换来了近亿元的票房，也是很搞笑的一部电影，有美国派里面的Seann William Scott主演。讲述了一个大学男孩误将自己与另一女孩的一夜情录像带寄给了远方的女友，于是他和伙伴要赶到女友收到录像带前拦截带子，娱乐性很强的美式厕所喜剧，极力推荐！
Coyote Ugly丑娇狼俱乐部 (2000)
金牌制作人Jerry Bruckheimer （杰瑞.布鲁克海默）制片，此君投资过“壮志凌云" “加勒比海盗" “疾走60秒"“勇闯夺命岛"，是好莱坞名副其实的摇钱数，Piper Perabo 主演，名模Tyra Banks客串，原声带具有很强的可听性，由Leann Rimes主唱的几首插曲很动听。这实际上不是一部校园片，而是有点励志性质的青春歌舞片，喜爱此类题材的朋友不能错过。
Saving Silverman拯救希尔曼 (2001)
Jason Biggs的令一部搞笑片
Sugar & Spice甜与辣 (2001)
Mena Suvari的另一部校园喜剧片，又是关于拉拉队题材的。
Not Another Teen Movie这不是一部青春片 (2001)
看电影名字的噱头就知道其实这还是一部校园喜剧。
summer catch夏日收获 (2001)
Jessica Biel（日后的“德州链锯杀人狂"“刀锋战士3"都有她的矫健身影。），Freddie Prinze Jr.联手打造的青春爱情喜剧。
Get Over It! (2001)
蜘蛛侠的女朋友Kirsten Dunst主演的青春喜剧
Save The Last Dance留住最后一只舞（又译：舞出一片天）(2001)
MTV音乐频道和派拉蒙（这两家子的上家都是VIACOM这个巨头，难怪会合拍）合拍的一部青春歌舞题材的校园片，里边的舞蹈很值得看，全片充满了各种黑人R&B和HIP-HOP音乐，原声带很好听，影片主旋律采样了“True Colour"这首老歌，听来别有一番风味。
Valentine致命情人节(2001)
Denise Richards主演的青春恐怖片，对于这位充满野性的性感花瓶，我们实在是太熟悉了，“野东西"中的蛇蝎美女大胆暴露演出，“星际舰队"中的能干的女舰长，“007"中的邦德女郎都是她，那两年她的性感无处不在，可惜现在嫁给了著名演员Charlie Sheen后，就很难在荧屏上看到她狂野的身影了。片中的男主角扮演者David Borinaze也是位著名的帅哥了，“吸血鬼杀手芭菲"和“Angel"两部剧集中那个被吉普塞人诅咒的善良吸血鬼angel，就是他。影片在美国的情人节上映这样一部血淋淋的电影实在很有意思，但是在国内恐怕无论何时都不会上映这样暴力的电影吧。
A Walk To Remember（2002）
偶像女歌手Mandy Moore主演的一部校园青春片，这是她比较成功的一部片子。
40 Days and 40 Nights(2002)
不算校园题材，青春片吧，帅哥Josh Hartnett主演的，也叫“禁欲40天"，一部充满美女的搞笑的片子，还算值得一看。
Abandon遗弃(2002)
又是Katie Holmes主演，校园题材的惊悚片，不过这次她饰演了一个心计颇重的女学生兼杀人凶手，利用自己的男朋友然后并杀掉，之后祥装成受害者，然后再勾搭下一个牺牲者，呵呵，影片题材还是颇让人回味的。
Orange County 桔子郡男孩(2002)
Colin Hanks主演，他是大名鼎鼎的tom hanks的儿子，票房和评论都还不错的处女作。
Final Destination 2死神来了2 (2003)
虽然是续集，仍然有很强的可看性，新线公司的无限版系列DVD也推出了此片，内有大量包括化妆在内的花序。
Freaky Friday怪诞星期五(2003)
这就是令Lindsay Lohan在好莱坞真正大红大紫的成名作，听名字和出品公司是迪斯尼公司就知道又是一部搞笑片，Lindsay和母亲在一次意外下交换了躯壳，母亲现在实际是女儿，女儿的身体里则是妈妈，总之乱套了，自己看吧，2003年的票房黑马，小制作换来巨额票房，难怪Lindsay现在都成校园片的新代言人了，片酬一路飙升到几百万了，又诞生一个小富婆。前不久她也出了自己的第一张唱片，可惜在美国音乐市场teenage girl能成功的实在不多，她不算其中。
My Boss''s Daughter 我老板的女儿 (2003)
被公认很有演技的帅哥Ashton Kutcher（你可以看看他演的“蝴蝶效应"反响不错）和美国派里的女演员Tara Reid合演，如果不是对青春片太赶兴趣的吧，不看也罢。
Just Married新婚告急(2003)
Ashton Kutcher和人气女星Brittany Murphy（“小黑书"“uptown girl"“Sin City"）主演的青春喜剧，但不是校园题材的，讲述了一对新婚燕尔的年轻夫妇的不平凡的蜜月之旅，从头搞笑到尾，从头吵到尾，看这样的电影，你绝对不会感到闷。
Honey热舞甜心(2003)
这是我非常想向大家推荐的一部歌舞片，喜欢黑人HIP－HOP舞蹈和音乐的人绝对不能错过这部影片，而女主角honey的扮演者Jessica Alba也是近年来青春影星中的后起之秀，长相自然不用说了，是个大美女，片中很多舞蹈动作是她亲自完成，舞姿非常曼妙，显露出她很好的身材，今年她有两部片会公映，一部是众星云集的“sin city"罪恶都市，另一部是万众期待的科幻大片“4"神奇四侠，真是非常期待！
Blue Crush
这是一部关于女孩子冲浪的故事，阳光，沙滩，美女，比基尼，高高的海浪，神出入化的翻板动作你想看的一切这里都有，还有向“Cruel Summer(Remix)"这样动感十足的音乐由Kate Bosworth和性格演员Michelle Rodriguez主演，Michelle也曾出演过“SWAT"“生化危机1"等影片。
Confessions of a Teenage Drama Queen (2004)
Lindsay Lohan去年的另一部校园影片，有关校园舞会皇后的内容。
New York Time 纽约时刻(2004)
好莱坞著名的Ashton姐妹主演，虽然不是校园题材，但也是青春喜剧。
Coach Carter卡特教练(2005)
大概是派拉梦和MTV音乐频道上次合作尝到了甜头，所以这次将真人真事美国历史上著名的卡特教练的故事搬上银幕，卡特教练在一所黑人学校任篮球教练，他是美国历史上第一个为了学生的学业而关闭篮球馆结束篮球队的教练，当时引起了很大的反响和社会舆论关注。可想而之本片又会充满了真正的HIP-HOP音乐和纯正的黑人篮球竞技场面。著名的murder INC厂牌旗下的当红R&B女歌手Ashanti也出任
Man Of The House(2005)
老戏骨Tommy Lee Jones(“黑衣人"“亡命天涯"“猎杀")扮演的警官因为一起谋杀案而去保护一群大学里叽叽喳喳的漂亮美眉的故事，光看这个情节就想必又是很恶搞的一部电影。
最后推荐两部在美国热播多年的青春电视剧：
buffy the vampire slayer吸血鬼杀手芭菲（1997-2003）
校园背景下的吸血鬼题材电视剧，在美国热播了7年，Sarah Michelle Gellar主演，其衍生剧集“Angel"也是大受好评，在美国造成了“芭菲热"，世界各地都有很多芭菲迷，他们每年定期举办聚会，对于一部已经下线的电视剧，其至今仍有广泛影响力。
Dawson''s Creek道森的小溪(1998-2003)
也是一部热播了很多年的青春偶像剧，James Van Der Beek，Katie Holmes等人主演，剧中人物的爱恨关系一直牵动着美国很多观众的心很多年，是一部风格清新的青春言情剧。
4. 求一部欧美电影的片名。
<菲比梦游奇境>
剧情简介
天真可爱的小女孩儿菲比(艾丽·范宁饰)一直以来都渴望能够出演学校里即将推出的经典剧目《爱丽丝漫游仙境》。在同学间竞争激烈的小演员竞选中，小菲比终于如愿以偿地被戏剧老师道吉尔小姐(派翠西娅·克拉克森饰)选中，并召入剧组之中。接下来，小菲比除了面临丝毫没有减少的功课之外，就是严谨严格的戏剧排练了。然而，这显然给了小菲比不少的压力。甚至小菲比连自己的一言一行都格外注意，生怕老师不满意自己的表现而临时换角。但事与愿违，小菲比越是小心，越是出错，在巨大的压力下，菲比的表演状态越来越糟糕，她的父母得知状况之后也很替小姑娘着急，试图帮助菲比走出困境。可倍感沮丧的菲比还是渐渐开始自闭，而她在重压之下竟在脑海里幻想出另一个奇异美妙的“仙境”，并渐渐在自己的幻想世界中不能自拔……
有关“成长”的奥秘
《菲比梦游奇境》是于2008年圣丹斯电影节的剧情片竞赛单元里首次在大银幕上亮相的，与此同时，它还是电影人丹尼尔·巴尔兹(Daniel Barnz)自编自导的处女作，内容所关注的是有关“成长”的复杂性的非常丰富的研究结果。整个故事详细地描述了一个叫做菲比的小女孩的经历，她的妈妈因为太过追求自己在学术事业上的成功，而忽略了她作为一个母亲的职责和义务。另外还有一位戏剧老师，正在执导校园舞台剧《爱丽丝梦游仙境》(Alice in Wonderland)，而菲比则想尽办法可以从中谋得一个角色……负责为圣丹斯电影节选片的杰弗里·吉尔摩(Geoffrey Gilmore)对这部影片给予的是极高的评价，他说：“《菲比梦游奇境》是一部非常真诚且很有深度的电影作品，算得上是一次对常态和疯狂的情感彻底地检验，拥有的是一种现实主义风格和理智并存的讲故事方式，同时还散发着奢侈、浪费的奇幻主义色彩，结合了比喻性的寓言故事之后去研究一下所谓的童年时光。我们企图了解孩子的一切，即使作为父母和老师，我们所采用的方法有的时候根本就是不恰当的。”
来自于费城的丹尼尔·巴尔兹在耶鲁大学主修的是英语，毕业之后，又跑到美国南加州大学继续进修，这一次他所选择的是电影专业，并拿到了美术硕士学位，巴尔兹说：“让我感到最欣慰的一点就是，自从我毕业之后，就一直靠写一些电影方面的东西赚钱，足以养活自己了--虽然我在接下第一份创作的工作之前，确实过了一段时间不算太长的节衣缩食的日子，当时不觉得什么，现在回想起来还是挺可怕的。”
其实丹尼尔·巴尔兹最早展现出来的和艺术有关的天分，是表演，他甚至将自己描述成是那种一登上舞台就会进入表演状态的天才型，巴尔兹说：“每个夏天，我都要去参加那些喧闹异常、极其令人愉快的戏剧夏令营……直到上大学的时候，我才开始认真思考也许自己对导演这个领域要更加地感兴趣，虽然我在耶鲁大学主修的是英语，但那里对于戏剧来说，可是一个不折不扣的天堂，我将所有的夏日几乎都泡在了‘威廉斯镇戏剧节’上。大学毕业后，我搬到了洛杉矶，在蒂姆·罗宾斯(Tim Robbins)的剧团‘演员同盟’里得到了一份工作，然后我取得了南加州大学的入学资格，从那个时候起，才算是正式并入了电影的领域。”
虽然有了南加州大学科班出身的正统身份，可是毕业后的丹尼尔·巴尔兹却很清楚地认识到，可能很少有人会冒险雇他给影片做导演，所以他只能从创作开始一点点地探索和寻找，巴尔兹说：“我写的第一个剧本就是《菲比梦游奇境》，然后在10年后的今天，它成了我的导演处女作……菲比这个角色对于我来说算得上是一个样本，而且很容易被人接受，帮助我接到了越来越多的创作工作。几年以来，我和奈德·泽曼(Ned Zeman)一起搭档，写了一些电影方面的模板故事，很多都是以他在《名利场》杂志发表的文章作为依据的。对于我来说，这段时间的经历让我积累了许多经验，受益匪浅。我们一起创作了一大堆专门为像朱迪·福斯特(Jodie Foster)、梅尔·吉布森(Mel Gibson)和莱昂纳多·迪卡普里奥(Leonardo DiCaprio)等这样非常难以置信的明星量身定做的电影剧本，可是出于种种原因，它们中没有一个最终被拍出来的。但是，每一次创作的过程，都是一个更好地理解讲故事的方式的机会，我现在特别庆幸的是，没有一写完《菲比梦游奇境》就去为它做导演，经过了这么多年，我想自己已经成长为比当初更加优秀的讲故事高手了。”
“怪小孩”也有大作为
丹尼尔·巴尔兹之所以会产生要创作《菲比梦游奇境》的想法，还源于他自己在孩童时代曾经有过的真实体验，巴尔兹说：“在我成长的过程中，已经不止一次听到有人称呼我为‘怪小孩’了……如果你在童年的时候有过类似的痛苦折磨，肯定会在一定程度上影响你的生活和性格，但在我看来，我对于这样的经历其实是怀着感激之情的，因为是它把我变成了现在这般模样、。我打小的时候想象力就特别地丰富，已经到了一种成瘾成癖的程度了，虽然中间有过各种各样的挣扎和挫败，但是跨过了某一个障碍之后，反而更加激发了我的创作天分--正是由于这个原因，我才决定以此为依据写一个电影剧本，里面的内容就是有关一个如此与众不同的小女孩的，她将会从自身的差异中成长，最终得到继续下去的能量。后来，我也有了自己的小孩，心态方面发生了根本性的转变，剧本所关注的方向也有了变化，开始向拥有着一个不同寻常的小孩的父母的视角靠拢。每一个父母都希望自己的小孩非常特别或不那么平庸，但如果你的小孩真的变成了你期望的模样，你又会心疼孩子因为特殊而产生的不适--如果你没有小孩的话，是不可能对此有如此深刻的体会的。自从我爱上了戏剧，决定自己制作一部影片，我就已经下定决心，要把这些情感和认知全部传达给那些曾经像我一样‘古怪’的人们。”
在拍摄《菲比梦游奇境》的过程中，丹尼尔·巴尔兹还从许多部专门描述孩子的影片中获得了巨大的灵感，他说：“比如说彼得·杰克逊(Peter Jackson)的《罪孽天使》(Heavenly Creatures)吧，在我看来，这是对焦少女问题的电影作品中有史以来最伟大的一部，不仅完美地捕捉到了那种非常有感染力的孩子独有的天真烂漫和轻率无知，而且还在孩子的想象力所营造出来的美感和恐怖之间找到了很好的平衡。另外，我还非常欣赏《王者之旅》(Searching for Bobby Fischer)所坦露出来的真诚的表演，让观众进入一个小孩的脑子里一探究竟的视觉风格，是影片的编剧兼导演斯蒂文·泽里安(Steven Zaillian)利用非常少见的远景拍摄形式所做出的一种大胆的尝试。当然，《芬妮与亚历山大》(Fanny och Alexander)同样也是这里不得不提的一部影片，它是如此地美丽，又那么让人心碎，而我之所以没第一个就提到它，是不想令自己听起来太过狂妄自大。最后要提一下的是在世界上很知名的怪异的时尚摄影大师大卫·拉沙贝尔(David LaChapelle)，他对于色彩的运用和思考，也给予了我极大的启发，你肯定能从《菲比梦游奇境》里的一些系列画面中找到类似的影子。在为这部影片创造出视觉化风格的过程中，我要特别感谢几个人，有摄影师波比·布高斯基(Bobby Bukowski)、艺术指导德海斯·德佩(Thérèse DePrez)和制片人雷奈特·豪威尔(Lynette Howell)，如果没有他们，就不可能制作出一个如此出乎人意料的作品。基本上而言，我们就是来到一间位于纽约的公寓，然后在那里讨论这部电影所涉及到的主题，进而研究几百幅照片和图画，观看来自于不同的电影作品的片断--我们花了差不多一个周末的时间，就将影片的拍摄工作和日程彻底地定了下来。”
几位电影人首先在电影的概念上达成了共识，让这部影片所有的部分都能保持风格的一致，丹尼尔·巴尔兹说：“我们尽可能地处理好从故事主题所衍生出来的所有视觉想象，比如说学校，我们做了带有图解的台词，盼望着每一个人可以更了解故事所切入的视角……然后我们需要支撑的是一个更加自由的环境，因为我们不断地受到鼓励，想要打破某些惯例。拍摄的时候，我们尽可能地给摄像机的运作留下了广阔的空间，画面的色彩方面也要越来越具有某种刺激的煽动性。当然，我们之间发生过很多次争论，但这也允许我们更加地开阔思路，完善所有的一切。我们从一开始就意识到，这里最关键的地方就在于一定要衔接好现实和菲比想象出来的世界，我们不得不让《爱丽丝梦游仙境》中的角色一个一个走进菲比周围的环境中，然后变得更加地具有奇幻色彩，因为我们最不想做的，就是被CGI搞得心烦意乱，而混淆了真实与虚幻。当我还是个小孩的时候，我总是以我身边的环境为基础，去发挥想象力--所以我们希望保留住其中真实的那一部分，然后再将所有的一切转移到菲比的思维当中。”
丹尼尔·巴尔兹还坦承，表示自己做梦也没想到，在第一部电影作品中就可以集合一个如此优秀的演员阵容，巴尔兹说：“即使是在我最狂野的白日梦中，也没有发生过类似的情况……菲丽西提·霍夫曼(Felicity Huffman)和派翠西娅·克拉克森(Patricia Clarkson)都是我的第一选择，两个人很早就决定签约影片，而且她们的名字对于我们筹备拍摄资金无疑起到了积极的促进作用。紧随她们之后的是比尔·普尔曼(Bill Pullman)和坎贝尔·斯科特(Campbell Scott)，最后，我见到的是艾丽·范宁(Elle Fanning)--比达科塔·范宁(Dakota Fanning)小4岁的亲妹妹，我一看到她，就意识自己面前站着的正是代表着整部影片的中心内容的那个勇敢、充满智慧的小女孩菲比。”
【本片的背后：强迫症与精神分裂】
其实菲比是一个非常典型的强迫症患者。她为了出演主角而不断地重复进行没有意义的仪式化动作，比如不断地在草地上转圈，在楼梯上下跳跃……她还想从高处跳下，但她其实内心是知道这么做的危害的，这就是强迫意念的表现。而菲比在看舞剧时不断说到的“醒来”和万圣节看到胖女人就脱口而出的“河鼠”都体现了强迫症所带来的不可控制的症状。强迫症还给菲比带来了精神分裂的幻觉，她认为存在的仙境其实就是她精神分裂的幻觉，而到了本片的最后，她还是没有摆脱精神分裂——她看到她的戏剧老师和爱丽丝一起奔跑消失在走廊的尽头……
5. 如何评价《触不可及》这部电影
《触不可及》带给人的感动实在太自然、太清新了。已经很久没有看过如此不带价值判断的电影。里面有种族差异，却不提种族差异；里面有阶级差异，却不提阶级差异；里面有身体健康的人和高位截瘫的人，但双方在人格上没有差异。高位截瘫的富翁菲利普只希望别人把他当正常人对待，所以前来应聘陪护的众多人员中，他只看上了大大咧咧、毫无经验、甚至有犯罪前科的街头小混混德希斯，因为只有德希斯没有把他当残疾人看待。
6. 大卫林奇所拍摄电影的风格以及什么是公路影片
公路电影最初出现在美国，按照美国的电影类型细分法中，有种roadmovie，即公路电影，虽不能说出它的确切含义，但大体也明白那是怎样的内容，主要是以路途反映人生。 公路电影身为类型片(genre)的一种，与西部片(frontiermovie)颇有相似之处：两者都是美国文化特有的产物，两者描绘的也都是对美国边疆的探索。不同之处在于，西部片的时代背景是19世纪到20世纪初，片中的英雄们骑马越过辽阔的草原沙漠，公路电影的时代背景则设定在20世纪，车辆成为冒险探索的工具；西部片影片强调人与自然搏斗而胜利的过程，以及沿途所出现的种种困难险阻，如红番、狼群、暴风、冰雪等，多半是主人翁需要奋斗克服的，自然或野蛮的目标。公路电影>则受到现代主义的影响，主人翁在沿途所遇到的事件与景观，多半是在为本身的孤独疏离作注脚；西部电影里的旅程，是为了主角要完成某一特殊目的而存在.公路电影里的旅程，则多半是主角为了寻找自我所作的逃离，旅程本身即是目的，而通常发生的结果是这条路把他们带到空无一物之处(nowhere)，他们的自我也在寻找的过程中逐渐消失了。简而言之，西部片突出个人的冒险刺激，而公路片则反应人的内心情感。 参考资料： http://ke..com/view/670374.htm 另外推荐2部经典公路片《阳光小美女》《疯狂的阿拉巴马》
7. 请问美国当代独立电影的特点请详细，谢谢
独立电影来源于英文“independed film”，又被称为独立制片电影，它是与好莱坞主流电影相对应的一个概念。众所周知，电影发展成一个成熟的产业基本上是在好莱坞完成的，在大制片厂制度、明星制、类型片模式等逐渐成型以后，好莱坞的电影工业也基本上成熟了；好莱坞成为世界电影工业的中心，其在美国本土的地位更是说一不二，已然成为电影工业的代名词。但是电影的特性决不仅仅只能用商业来衡量，从电影诞生的那一天开始，其作为艺术形式和思想表达工具的一种，就不断的被人们探索着、实践着。当然，从整个电影发展史的角度来看，好莱坞电影工业对电影在全世界的推广起到了至关重要的作用，但矫枉难免过正，电影工业的过度发达，必然会损害到电影艺术的发展，因此，有一批艺术家们开始不考虑商业利益，仅以个人意志为标竿，自筹资金开始了电影创作，这种创作就被冠以了“独立电影”的名头。
独立电影发端于上个世纪60年代的美国，最初仅仅是对好莱坞制片体制的一种反叛。但随着电影事业的发展，现在的独立电影，已经不能仅仅从制片体制上来区分了。在当今，独立电影更加类似于“作者电影”，在形式上、精神内核上都呈现出某种内在的特性，是不是被制片商纳入电影工业体系，倒并不重要了。也就是说，所谓“独立电影”，更多的应该是从其艺术、思想特性上来考察，至于制片体制，则仅仅是个参考指标罢了。如果一部电影从一开始，就能保证按照艺术家的自由意志来进行创作，而制片商仅仅作为投资人的角色出现，并不干预影片的具体内容，那不管该片在片头加上米高梅的狮子还是派拉蒙的雪山峰，都不会影响其作为独立电影的身份了。
独立电影发展到今天，已经是一个被广泛接受的概念了。事实上，世界各国都有所谓“独立电影”的称呼，从广义上来说，只要是游离于该国主流（商业/官方）电影体系之外的电影创作，都可以被归入到独立电影的范畴里去。这也就造成了独立电影在质量上的参差不齐，根据创作者的个人水准，它既有可能是上乘的艺术精品，也有可能是粗制滥造的垃圾。但相对而言，独立电影最为发达、取得成就最高的地区恰恰是商业电影最发达的美国，所以，以美国独立电影为例，能够让我们对独立电影有一个相对全面和较为深入的认识。当然，单纯从概念出发，纪录片、动画片都可以被算在独立电影之列，但在实践中，独立电影一般只是指剧情片，在这里，我们也是从剧情片的意义上来指称“独立电影”的。
多元的灵魂
美国是一个多元的社会，在这里，各种各样的文化、思想和价值观念都能找到自己的一席之地，这也是美国独立电影之所以层出不穷的一个重要原因。当然，主流的“权威”声音还是存在的，但对热衷于独立电影创作的艺术家们来说，那些声音只是“Bull Shit”罢了，他们所要做的，是发出他们自己的声音。对独立电影来说，重要的不是你说了什么，而是你说了。
这种开放、多元的文化形态也直接造成了美国独立电影的开放和多元。基本上，美国独立电影的题材是没有任何限制的。政治、暴力、情色、科幻、犯罪，甚至莫名其妙的梦幻，都可以成为独立电影的题材。因此，我们很难用某一种具体的类型来涵盖独立电影——那些类型片的划分方法通常只对好莱坞商业片有效。
独立电影的多元特征甚至能从它们的创作者身上得到印证，如果你仔细考察一下，你就会发现独立电影导演们往往出身于不同的种族、阶层、地域，他们各自有最擅长的题材领域，这些领域交织在一起，就构筑成了美国独立电影的复杂景观。比如约翰·卡萨维蒂，这位“美国独立电影之父”，就是出身于希腊移民的家庭，希腊人对家庭观念、家族关系的重视，也自然而然的影响到了卡萨维蒂的创作，所以，在他的作品中，我们能很清晰的看到他对美国家庭细致入微的观察和拷问，贯穿卡萨维蒂作品的，就是这种深入人物内心的对家庭以及由家庭所带来的各种关系的反思；大名鼎鼎的伍迪·艾伦则是出身于纽约布鲁克林区的犹太知识分子家庭，这样的家庭环境使得伍迪·艾伦的作品由衷的散发出一种知识分子的气息，因此，我们可以看到，他总是在批判，从《安妮·霍尔》到《梅莲达与梅莲达》，伍迪·艾伦的知识分子责任感一点也没有消退的迹象；同样是出身纽约，同样是大腕级导演的斯派克·李则站在了另一个截然不同的角度，由于肤色的原因，种族问题成了斯派克·李电影中挥之不去的主题线索，平民家庭的出身又让斯派克·李的电影街头味十足，二者相叠加，所构制出的斯派克·李的电影风貌与伍迪·艾伦自然是大相径庭，同是纽约城，但在两位艺术家的眼里，却有着截然不同的景象；吉姆·贾木许的父亲是匈牙利人，母亲是伊朗人，这样的血统使得贾木许的电影就多了几分“异客”色彩，很明显的一点就是贾木许的作品中所蕴含的非基督教的思考方式，显然，作品中的这种特点与他的家庭出身——特别是他的那位伊朗母亲不无关联；大卫·林奇动荡的童年生活和他在费城贫民区生活的经历，则让他的作品总是黑暗色彩十足，而且充满了对腐败、暴力的恐惧感，这与其他导演的风格又是迥然相异的，有所谓“林奇主义”之称。
即使是同样一个题材类型，在不同的独立导演那里也往往有不同的视角和观点。以性爱为例，在伍迪·艾伦的《性爱宝典》那里，无厘头的闹剧解构了传统的性爱模式，插科打诨的玩笑取代了原本严肃的讨论，为了把这场闹剧进行到底，伍迪·艾伦甚至亲自扮演了一个喋喋不休的精子（天哪，也只有这家伙能想得出来）；而在索德伯格那里，性爱又成为指代当代人精神危机的一个符号，所以在《性，谎言，录像带》里，性爱都是扭曲变形的，只会让人们焦虑不安，而绝不会有伍迪·艾伦般的轻松搞笑；到了格雷格·阿拉奇的《三人同床》那里，性爱则成为了年轻人标榜自我、张扬个性的有效途径，它既不沉重、也不搞笑，甚至连既有的模式也没有，几乎走向了一种“性爱虚无主义”；而在理查德·科恩的独立电影短片中，所有的性爱又都是变态、畸形的自我表达手段，是彻彻底底的沦丧和颓废……总之，独立电影的导演们，各有各的风格，各有各的主题，这种多元化的面貌混杂在一起，也就成了独立电影的整体景观。
当然，虽然多元，但相对的中心还是有的。从地域上看，美国独立电影的中心是在纽约，这或许有些讽刺意味：纽约是全美乃至全世界的经济中心，是商业化氛围最浓厚的地方，怎么会孕育出反商业的独立电影？主要原因莫非如下几点：一来从文化上看，好莱坞属于西海岸的太平洋文化圈，纽约则属于东海岸的大西洋文化圈，两地在文化属性上的迥异，为独立电影在纽约的兴盛，奠定了文化上的基础；二来从经济上看，纽约虽然经济发达，但电影产业的中心却是在好莱坞，纽约不能也不可能再树立起一个商业电影的体系，这也就为独立电影预留了生存空间；此外，纽约作为一个庞大的都市，其文化消费也是多元、多层次的，单一的好莱坞商业电影无法满足芸芸“纽约客”的众多口味，独立电影的出现，也恰好填补了这个空白。不过，随着近几年独立电影的发展，纽约的中心地位已经开始动摇，相信在今后的几年中，美国独立电影应当呈现出一种无中心的散乱发展态势。
黑色幽默
美国独立电影里的黑色幽默，更多的是一种心酸的幽默，用来作为那些边缘的、社会底层的小人物的精神寄托。这种幽默所造成的情感效果，要么是对他们自身的怜悯，要么就是对那些虚伪的“大人物”的嘲讽。后者的主要代表就是伍迪·艾伦，这位知识分子气十足的独立电影导演，以夸张、嬉闹的喜剧见长，而且大都是对传统和权威的颠覆，特别是他的早期作品，如《香蕉》、《性爱宝典》和《傻瓜大闹科学城》，就是对好莱坞的政治片、情色片和科幻片等经典类型片的嘲弄和戏仿。但这些嘲弄、戏仿绝不是无价值的、廉价的笑料，而总是发人深思，并让人在笑过之后，颇感几分心酸。在伍迪·艾伦中后期的作品中，这种黑色幽默获得了长足的发展，不再仅仅是针对好莱坞，而是对整个社会和人性本身进行调侃、讽刺了。例如在《星尘往事》、《人人都说我爱你》和《子弹横飞百老汇》里，人性、爱情、暴力、幸福等深层次的概念取代了好莱坞，变成了伍迪·艾伦的靶子。尽管听起来有些玄乎，但伍迪·艾伦天才的喜剧本领总能抖出意想不到的包袱来，让观众们捧腹。即使是那部被认为是向伯格曼致敬的最晦涩的《星尘往事》，还是清楚的能看到伍迪·艾伦的自嘲，他在这部影片中大肆模仿欧洲艺术电影大师们的技法，以致于被评论界语带嘲讽的称为是伍迪·艾伦的“9又1/2”，但伍迪·艾伦不仅接受了这样的评价，还心安理得的把它当作自己最出色的作品。当然，对好莱坞的嘲讽是伍迪·艾伦永志不忘的主题，最具有代表性的就是《开罗的紫玫瑰》了，这部影片好莱坞电影工业制造梦幻进行了辛辣嘲讽和对抗。影片中真实世界和电影世界形成巨大的反差，也是片中各种噱头笑料的来源，这无疑是在把现实生活和电影中夸张、粉饰了的生活做着对比，从而对电影工业提出凶猛的反诘。影片选择的大萧条时期的历史背景，也是伍迪·艾伦用来刻意强调银幕内外反差的重要条件。这是伍迪最重要的作品之一，它对电影本身的思考已经使它具有经年不朽的独特魅力。
而更直接的，对小人物自身的嘲讽，则是大多数独立电影导演的常用技巧。如科恩兄弟就是个中翘楚，从他们踏入影坛的《血迷宫》开始，这种温柔、谦逊而又略显怪异的黑色幽默，便成了科恩兄弟作品的标记。尤其是《血迷宫》一片，它是独立电影史上一部具有里程碑意义的影片，这部影片的内容和形式上的基本特征，影响了以后很多的美国影片，尤其是90年以后出现的大量独立电影作品，几乎在十年后成为一种潮流。不过《血迷宫》还只是科恩兄弟的初试啼声，数年后的《巴顿·芬克》才使得科恩兄弟真正的蜚声国际，同时，在这部作品中哥俩的黑色幽默也走向成熟。与伍迪·艾伦一样，在《巴顿·芬克》中，也充满了科恩兄弟对好莱坞的嘲讽，也许这是《血迷宫》成名之后兄弟俩切身感受的体现。对于那些好莱坞大亨们来说，《巴顿·芬克》中的电影公司老板就是他们的典型代表，金钱至上的态度使他可以跪下去吻一个编剧的脚，也可以把一个不符合要求的职员一脚踢开，毫无人情味可言，当然，所谓电影艺术更不在他的考虑范围之内。在这之后，科恩兄弟的《赫德萨克代理人》、《法尔戈》和《谋杀绿脚趾》，都承袭了《巴顿·芬克》中的黑色幽默风格，藉由这种黑色幽默，科恩兄弟不仅延伸了他们在电影中对金钱、艺术的思考，更使他们在商业上获得了意想不到的成功。而2000年的《老兄，你在哪里》则成为继《巴顿·芬克》之后，科恩兄弟创作历程的又一个里程碑，这部描述三个笨贼越狱的电影，竟然是改编自史诗《奥德赛》。在这个故事中，科恩兄弟对美国历史和政治进行了隐喻式的探讨，追寻着美国民主政治、宗教以及民众心态在上个世纪30年代的历史性变迁，在这一点上，影片可以被称为一部史诗而当之无愧。例如在这部影片的结尾，科恩兄弟的黑色幽默让影片本该具有的悲剧色彩最终有了一个喜剧的结局：天降洪水救出了即将被处死的三个笨贼。看来，科恩兄弟在这里调侃的不仅是好莱坞的老板，而是《圣经》的老板了。
同样的例子还有昆汀·塔伦蒂诺。这位迷恋中国功夫的美国电影奇才，也是以黑色幽默的风格而著称的。从他的成名作《水库狗》开始，这种以黑帮、犯罪、暴力等为主要对象的嘲弄和讽刺，就已然成为昆汀特有的标记；而在《低俗小说》里，所有的黑帮成员都被描绘成龌龊、愚蠢、缺乏正常思维能力之徒，他们在弱者面前往往虚张声势，而遇到比他们更强的角色，就手忙脚乱不知所措，甚至甘愿接受人格、肉体的侮辱来摆脱窘境，十足一帮跳梁小丑，让人忍俊不禁；在昆汀的近作《杀死比尔》里，这种“黑色暴力美学”更是发展到了极致，女主角挥舞着武士刀，与日本黑帮火并，杀个人比踩只蚂蚁还简单，这种场景，恐怕也是昆汀对好莱坞滥用中国功夫的嘲讽吧！
这种黑色幽默在吉姆·贾木许的作品中也是司空见惯。例如他那部《鬼狗杀手》，影片的主角是一个以日本武士的方式做杀手的美国黑人，但贾木许找了个大胖子来演绎这个角色，看这个几百斤的黑哥们在银幕上大耍武士刀，展转腾挪，本身就是一找乐的事，但这还不算，贾木许还让杀手用“飞鸽传书”的方式跟他师傅联系，加上Hip-Hop音乐的衬托，更是让人捧腹。除了《鬼狗杀手》之外，《天堂陌影》、《神秘列车》、《你看见了死亡的颜色么》，乃至最近的《破碎花》，如果细细品味，你就会发现其中隐含着不少的黑色幽默的桥段。虽然贾木许的影片素来以冷峻、异样和对美国文化的疏离而著称，但其中的黑色幽默成分，却是地地道道的美国货。
美国独立电影中最典型的黑色幽默片的代表，还得数凯文·史密斯的《店员》。这部只花了2万7千美元的独立制作，足以让1994年乃至整个90年代的好莱坞喜剧电影汗颜。故事很简单，主角是两位普通的店员，他们的生活中并没有发生什么惊天动地的大事，但导演匠心独运，让二位主角经历了一连串看似啼笑皆非但又都在情理之中的糗事：开店没有生意；关店去打高尔夫球，却洋相百出；去参加葬礼，甚至打翻了棺材……影片的故事都是发生在一天之内的，虽没有直接的联系，但却演绎得丝丝入扣，导演编故事、讲故事的能力实在是让人佩服。故事稀松平常，却饱含着深刻的哲理，在这样一连串的小故事中，人与人之间的交往被不断的反思着，最后向我们揭示了一个看似简单却常常被忽略的道理：善待你身边的亲人和朋友，时刻不要忘记。《店员》的成功很大程度上还要归功于那些精彩的对白，凯文·史密斯天马行空，不忌荤腥，牢牢抓住了年轻人的口味。
此外，在独立电影中，往往会有一个或几个出彩的喜剧角色，来贯穿全片的黑色幽默。如《木兰花》中的汤姆·克鲁斯，《我爱哈克比》中的达斯汀·霍夫曼，《为所应为》中的塞缪尔·杰克逊，等等。他们这些角色的设置，给原本严肃的影片增添了几许轻松色彩，看似无足轻重，其实承前启后、结构全篇，在表演上也有较大的空间，所以，欣赏这类角色，看着他们的扮演者大飙演技，实在也是一件过瘾之事。
自由·反叛·暴力
对独立电影来说，自由，应当是其最核心的特性所在了。这里的自由，不仅是指摆脱了商业羁绊的自由，更是指表达自我心灵的自由。从这个意义上来说，所谓“独立电影”，其实也就是“自由电影”。当然，自由也就意味着冲破束缚，而冲破束缚，又意味着对既有的反叛。如此说来，独立电影所特有的独特精神内涵，也就是这种“自由的反叛”了。
所以我们会发现，在许多独立电影里，主人公们都是不为现有社会体系相容的，他们往往愤世嫉俗、放纵不羁，以此来作为反抗的方式。以大卫·林奇的《我心狂野》为例，片中的主人公就是这样一对男女，他们为了冲破世俗的阴谋和阻力而在一起，不惜采用种种耸人听闻的方式。在这部影片中林奇运用超现实的血腥暴力场面和色情幻想，展示出现代人焦虑郁闷的精神状态，充满了弗洛伊德式的心理分析，诡异色彩浓重，但也不时流露出一种浪漫激情，是一种极其另类的爱的执着。《我心狂野》也是一部典型的公路片、摇滚片，主人公最常见的状态就是开着车在高速公路上疾驰，以一副叛逆摇滚歌手的面目出现在世人面前。尔后的《迷失的高速公路》则基本上可以看作是《我心狂野》的延续，影片的风格、特征、影像手法甚至主演（尼古拉斯·凯奇）都没有更换。只是这一次，《我心狂野》中那些抽象、概念化的世俗压力被具象成了一盘盘揭人隐私的录像带，这是一部实验性、梦魇般的影片，描述了人物黑暗、诡异、混乱的心理，是林奇影片中最怪异、最不明就里的影片。值得注意的是，除了主人公的反叛不羁以外，这种直达人物内心深处的赤裸裸的揭示，其实也是独立电影反叛的一种形式，艺术家藉由这种形式来释放人物的心灵，实际上就是对好莱坞虚假的“造梦工厂”的反叛，这样的情形在独立电影中是普遍存在的，只是在大卫·林奇这里，更明显、更极端一些罢了。
不过跟奥利弗·斯通比起来，大卫·林奇就显得温柔多了。至少那部《天生杀人狂》的狂暴乖戾在《我心狂野》和《迷失的高速公路》里是绝对找不到的，《天生杀人狂》可能是整个90年代美国独立电影中最暴力的一部作品了。在这部影片中，奥利弗·斯通砸碎了一切条条框框，甚至毫不顾及观众的观影感受，把暴力对感官的刺激发挥到了极致。这不仅仅是对好莱坞的反讽，更是对美国社会、美国文化阴暗面的彻底反击。然而，这种反击是绝望的，相对于社会来说，个体的力量总是显得那么渺小，主人公只能通过大开杀戒甚至滥杀无辜来表达他们的愤怒和反抗。当然，对于暴力斯通也不是无条件的绝对美化，当男主角杀死一位慈祥的印第安老人后，影片对他的态度明显转向了贬抑，这与监狱暴动那场戏里对男主角英雄般的刻画形成了鲜明的对比。
《天生杀人狂》的这种纯粹、不加修饰的、赤裸裸的暴力与昆汀·塔伦蒂诺的黑帮片有着异曲同工之妙，在昆汀为数不多的几部作品里，暴力同样成为贯穿影片的有力线索。特别是《杀死比尔》一片，在叙事上昆汀并没有下多大功夫，但对暴力本身却详加描绘，甚至让其呈现出某种诗意的色彩。这种极端的暴力美学在感观上要比《天生杀人狂》让人舒服得多，但在表意效果上却并无二致。
值得一提的还有《枪击安迪·沃霍尔》一片，这部由女导演玛丽·哈伦在1996年拍摄的独立电影是根据真实事件改编而成，基本采用了白描的手法，对事件做了简单而真实的复述，冷静的为我们呈现了一个女权主义者的悲剧一生。对于安迪·沃霍尔这位在通俗艺术史上举足轻重的人物，影片没有太多的正面描绘，而是把视线集中在刺杀他的维米莉身上，而且着重表现这次刺杀的内在动机，把维米莉这个女性主义先驱人物推到前台。维米莉并不是多么自觉的女性主义先驱，她的反抗更多的是来自于她的个人经历，也正是因为这种情绪性反抗是来自深层次的冲动，才使得它冲击力更强也更猛烈。维米莉身为一个大学生，在街头乞讨、卖淫，本身就是对体制的反叛。从这个意义上讲，《枪击安迪·沃霍尔》中的暴力并不是维米莉施加给安迪·沃霍尔的暴力，而是美国社会施加给维米莉的暴力。《枪击安迪·沃霍尔》作为女权主义电影的代表，表达了美国现代女性对男权社会的控诉和反抗，意味着女性意识在上个世纪末的重新崛起。从这个意义上来说，《枪击安迪·沃霍尔》即使是在独立电影中也算得上是反叛之作，因为该片所反抗和控诉的男权意识，不仅仅在好莱坞主流电影中，在独立电影中，也是普遍存在的。《枪击安迪·沃霍尔》的成功也启迪了后来者，此后不久，《男孩不哭》、《女魔头》、《百万美元宝贝》等女权主义电影相继登上了大银幕并都取得了巨大的成功。
当然，并不是只有暴力才能作为反叛的手段。有时候，温情脉脉也是一把无声的手枪。例如《水牛城’66》一片，在这部由文森特·加洛自编自导自演自弹自唱的独立电影中，几乎没有任何暴力镜头的出现，全片只是在低调哀伤的气氛中，辅以淡淡的钢琴、感伤的另类民谣和晃晃悠悠的踢踏舞配乐，给我们娓娓讲述了一个落魄孩子回家的故事。但就在这种看似温情脉脉的氛围中，美国家庭人际关系的冷漠与疏离扑面而来。最令人印象深刻的是主人公和父母、女友同在一个桌上吃饭的戏，镜头故意生硬地只给餐桌上的四分之一的人，镜头里独自的夸夸其谈然后换人，然后下一个人夸夸其谈，缺乏交流没有感情的家庭尴尬在这里表现得淋漓尽致。在这种简单的镜头剪切中，观众可以强烈感受到一种“冷暴力”的存在，正所谓“此时无声胜有声”，虽然没有任何强烈的肢体语言，但在这种木讷和无言中，主人公其实已经发表了他的反叛宣言。
与《水牛城’66》相仿，斯派克·李的《为所应为》也更多的采用了“冷暴力”的表现手法。这是一部关于种族问题的电影，从影片一开始，白人族群与黑人族群之间的尖锐对立就被清晰无疑的展现出来。但与其它街头电影不同的是，斯派克·李并没有让这种对立很快转化为强烈的肢体冲突，而是含而不露，将暴力化为一堆影像的碎片，并尽量拉长事件的瞬间，从而形成一股强大的戏剧张力，让观众在观影过程中不自觉的投入到事件之中。在斯派克·李的这部《为所应为》中，暴力的反叛呈现出一条清晰的发展曲线，温水煮青蛙式的层层推进，最终达到一个不大不小的高潮，既没有《水牛城’66》那样温情，也没有《天生杀人狂》那样暴力，可以说，斯派克·李的创作是独树一帜的，在他的手里，暴力被拿捏得恰到好处，反叛和自由才是他作品中的主题，暴力决不会喧宾夺主。
思想的痛苦
决不是故弄玄虚愣充大尾巴狼，之所以使用“思想的痛苦”这样酸溜溜的词藻，实在是因为找不到比这更恰当的表达方式了。犹太人说：“人类一思考，上帝就发笑”，但总还是有那么一群人，固守着思想的芦苇地。具体到美国电影来说，没有所谓“艺术电影”、“诗电影”的群体，电影的思想、艺术功能，主要是由独立电影来承担的。当然，我并不是说主流电影没有思想、艺术功能，只是相对于大多数商业片纯粹的感官刺激来说，独立电影在这方面的气质，要浓厚得多了。
此外，与欧洲和世界其它地方的艺术电影不同的是，美国独立电影植根于当代西方的文化土壤，习惯于直接反映当下人的生存问题。不管影片采用何种题材、何种类型，这种对人性的深层次探索和对当下生存的焦虑，在美国独立电影中是普遍存在的。
以约翰·塞尔斯的《孤星》为例。该片采用了警匪片的题材，而且结合了悬疑、西部、恐怖等商业片常用的因素，乍一开始，还真让人以为这是一部稀松平常的商业片而已，但随着影片的进行，独立电影的气质也就逐渐显现出来。对故事抽丝剥茧般的叙述，带给观众一个又一个的谜团，而随着谜团相继的解开，事实的真相也逐渐浮出水面。就在这一过程中，影片对美国当代社会中政治的作用及其对普通民众的影响进行了深入的反思，可以说，《孤星》披着警匪片的外衣，实质上却是一部严肃的政治片。
同样，斯派克·李的《山姆的夏天》也是一部犯罪题材的独立电影。在这部影片中，故事同样是由凶杀案引起，并由凶杀案作为情节助推器层层推进，影片的主人公卷入到这场由凶杀案所引起的风波中，但重点却不在凶杀案本身，而是围绕着凶杀案，对人与人之间的关系，展开了深入的探讨。随着情节的进展，凶杀案最终只是作为一个背景被彻底虚化了。斯派克·李想要给我们讲述的，决不是一个犯罪推理故事，而是在面临危机时，亲情、友情、背叛、忠贞交织在一起的伦理问题。在《山姆的夏天》中，这种痛苦的思考是可以明显感受得到的，事实上，斯派克·李自己也没有答案，他只是给我们指出了若干可能性，究竟该怎么办，恐怕还是留待观众自己思考。
《山姆的夏天》与格斯·范·桑特的《大象》有着异曲同工之妙，在《大象》里，格斯·范·桑特也是用冷峻的镜头语言来交待故事，虽然全片以校园枪击事件为主题，但直接描写这一事件的场景并不多，跟斯派克·李一样，格斯·范·桑特也是引领观众自己去思考，他所做的，只不过是尽可能真实的还原事件的原本场景而已。
值得一提的还有麦克·菲吉斯的《远离拉斯维加斯》，这部充盈着浓浓感伤色彩的独立电影，从一开始就把观众带入到了导演设置的思考情景中。在你观看《远离拉斯维加斯》时，绝不会体会到好莱坞“梦工厂”般的虚假刺激，而是真真切切的痛苦。菲吉斯给我们安排了一个妓女和酒鬼的爱情故事，但在影片中，不管是妓女还是酒鬼都没有丝毫人性的缺失，相反，我们所感受到的，却是整个社会对两位主人公的压制和束缚，在这里，妓女和酒鬼其实都只是身份的隐喻，导演真正想说的，是对当下人们生存困境的焦虑。
保罗·托马斯·安德森的《木兰花》比《远离拉斯维加斯》走得更远。在《木兰花》里，导演给我们呈现了一个惶恐、焦虑、颓废的当代人群像，在长达三个多小时的篇幅里，安德森运用插叙的手法巧妙地将一天24小时内平行发展的9个事件连缀起来，以父母与孩子、愤怒与宽恕、电视里的虚幻世界与真实生活、期盼与迷失、机会与错失等为切入点，真实的展现了人们的迷惘和抗争。《木兰花》的这种带有浓厚的现代气息表达手法，与好莱坞商业电影可谓是泾渭分明。
更为典型的现代派则要属索德伯格的《卡夫卡》了，这部以著名作家卡夫卡为主角的影片其实跟卡夫卡本人并无任何关系，索德伯格重新编织了一个政治惊险片的故事，卡夫卡只不过是他所借用的表意符号而已。整部片子紧凑而节奏清晰，为我们清晰的展现了一个迷离、狂乱的妄想狂的内心世界。能够把卡夫卡的故事改编到如此地步，索德伯格的编导功力确实令人叹服。
讲到这里，有一部电影不得不提。那就是吉姆·贾木许的《你看见死亡的颜色了吗？》与其它独立电影不同，该片的时代背景设置在19世纪末的美国，讲述了一个无辜青年的逃往历程，在逃亡的过程中，情节越来越超现实，人物的内心也越来越匪夷所思，该片使用了西部片惯用的场景与气氛，精致的黑白影像完美再现了西部的原始和苍凉，也纯化了影片在精神层面上的思考。当主人公在结局时躺在小舟中安然接受死亡的时候，影片便具有了一种启示录般的救赎情怀。《你看见死
8. 找几部欧美电影名
第一部叫雨人
片长 133 min
国家/地区 美国
拍摄日期 1988年5月2日 - 1988年7月28日
查理·巴比特是洛杉矶一名青年汽车商。经营着一家小型汽车行，凭着精明的头脑和灵活的手腕，也算事业小成。今天查利又眼见着做成一笔生意，高兴之余，他带着女友苏珊娜——也是他仅有的两个手下职员之一，去棕榈泉渡周未。
路上，他接到留守在公司的助手伦尼的电话，通知他说他的父亲刚刚去世了。查理表现得很漠然，不过他还是决定去辛辛那提参加父亲的葬礼。
原来查理的母亲在他两岁时去世，而父亲对他管教甚严。查利十六岁时，有次不顾父亲的禁令，擅自将父亲最喜爱的1949年产的"别克"牌白色敞蓬车开出去带同学兜风，不料父亲竟然故意报警说车子被盗，以至查理和他的同学被警察以"偷车"罪名拘留，查里的同学们很快被各自的父母保释，而查理的父亲为了给他一个教训，故意让查理在警察局关了两天。由此父子反目，查理愤而离家出走，之后拒绝以任何形式与父亲联系。查理父亲在遗嘱里的说法是“让他失掉了另一个儿子”。不过父亲毕竟是父亲，除了祝福查理一切如意以外，父亲给他留下了那辆导致他们父子反目的白色别克轿车以及他获奖的嫁接玫瑰花丛。至于他的房屋及其它共值三百万美元的遗产，则被列为信托资金，由被委托人为这笔遗产的受益人托管。
查理大失所望，极其愤怒，他原以为自己是父亲唯一的财产继承人，谁想竟横生枝节。不过，性格强硬头脑精明的查理绝不打算就此罢手，他决定把父亲留下的巨额遗产的去向查清，准备打一场捍卫自己天赋权利的遗产争夺战。 顺藤摸瓜，查理和苏珊娜找到一家叫做沃尔布鲁克的疗养院。并很快弄清楚原来三百万美元遗产的托管人是院长布鲁诺。布鲁诺大夫是查理父亲多年的老友。受命管理遗产，而遗产受益者是长期住在该疗养院的雷蒙.巴比特。雷蒙患有自闭症，他不能以正常的方式与人交往，不能适应通常意义上的社会生活。 查理这才知道他还有一个哥哥。面对这个“对数字没概念”却继承了三百万美元遗产的兄长，查理出离愤怒，笑了出来：“这笔钱对他（指雷蒙）有什么意义呢？”他觉得父亲在故意愚弄他，惩罚他，跟他开了一个大大的玩笑。他将对父亲的怨恨迁怒于眼前这个突然冒出来的“哥哥”，看着这个智力有问题的傻乎乎的兄长，查理又嫉妒又轻蔑。不过这个雷蒙看起来倒是容易摆布，查理决定利用他夺回本该属于自己的一半遗产。
未经布鲁诺同意，查利私自将雷蒙带离疗养院，只要争取到对雷蒙的监护权，也就争回了父亲的遗产。况且他还要赶回洛杉矶打理生意上的事。苏珊娜对查理利用雷蒙的做法很不满，愤然离开了他。
于是查理只得独自带着雷蒙踏上旅程。然而，跟这个心理有问题的哥哥相处绝非易事，雷蒙的生活刻守固定的仪式，他要在固定时间看某个固定的电视节目（大概因为他只能从电视里了解外部世界）每一餐都要按着疗养院的步调要求固定的食谱，他也只穿从某个商店购买的平脚内裤，他还拒绝乘飞机，拒绝在高速公路行驶。。。在机场时他突然情绪失控大喊大叫，因为查理试图强迫他乘飞机。。。 旅途中，查利被雷蒙这许多古怪的生活习惯和因不谙世事而出的洋相弄得筋疲力劲。不过，查利也很快发现这个低能的哥哥的高度才能：雷蒙记忆力惊人，有“过目不忘”的本事。他可以准确报出飞行史上所有重大空难发生的航班班次、时间、地点、原因，他能迅速地数清掉落在餐厅地板上的246根牙签。他也能记得电话簿上任意一个读过的电话号码。他的心算速度不输计算器。 机灵的查理灵机一动，计上心来：“他对雷蒙做了一番训练，又做了一番“包装”，随后带着他来到赌城拉斯维加斯一家赌场，不负他的期望，雷蒙赁着惊人的记忆力靠赌牌赢了八万六千美元。
而对于雷蒙来说，这也是一次不寻常的旅行，离开了疗养院一成不变的生活，改变了他习惯的固定不变的生活仪式，这一切让他感到不安，但也是一次全新的体验：就连乘自动扶梯这样的小事也让雷蒙感到新奇有趣，他算牌替弟弟赢了钱，还玩了一回轮盘赌，与一位夜总会女郎有过一次短暂的谈话，一厢情愿地订了一个约会，他坚持要求查理教他跳舞，以便赴约。虽然他的“女伴”最终没来，不过，为了安慰他，善良的苏珊娜在电梯里给了他接吻的体验，也算补偿得过。
也就是这充满连串的磨擦争执和别拗的旅程，使兄弟俩逐渐萌生出手足情，或者说找回了从前的亲情。一次，雷蒙看到浴缸里注入的热水，突然又一次情绪失控，大喊着：“热水会伤到小宝宝，绝不能伤害查理巴比特”。查理才知道，原来存留在儿时模糊记忆里的“雨人”就是雷蒙，儿时，每当小查理害怕时，“雨人”会唱歌给他听，安慰他。一直以来，查理以为“雨人”只是自己儿时幻想中的朋友，而眼前这个脆弱的需要被保护的人却曾经保护过他安慰过他，也因为差点伤到他而被父亲送入疗养院……查理这才知道他曾经得到过多么深切地关爱和呵护，父母和哥哥为他做出了怎样的牺牲……虽然他对母亲没有一点印象，又不能觉察不擅表达感情的父亲的爱意。可是，他曾经得到过多少来自家庭的关爱啊…… 一向冷竣的查理被深深触动了，对父亲的怨恨也冰消雪融……眼着的雷蒙，是他骨肉相连的哥哥，见证着他的家庭对他深沉的爱……而查理对雷蒙表现出的感情也使苏珊娜看到查理真实的内心世界，他本来的情感和与生俱来的美德。他们的爱情也更深更浓了…… 查理最终没能赢得雷蒙的监护权，不过，这回查理在乎的不是那笔遗产了，他担心的是不能再次见到雷蒙了，雷蒙将头抵在弟弟头上。他用这种幼稚的方式表达他对弟弟的爱和依恋……
第二部叫道林·格雷
导演：奥利弗·帕克
主演：本·巴恩斯 科林·费尔斯 本·卓别林
国家/地区：英国
片长：101分钟
上映日期：2009年9月9日
永远年轻，是一个不分国度、不分时代的永恒话题，这中间所蕴含的诱惑力，是任何人都想象不到且没办法抵挡的……当拥有着令人侧目的惊人美貌且天真率性的年轻人道林·格雷（本·巴恩斯饰）来到了维多利亚时代的伦敦时，他迅速在拥有着超凡魅力的亨利·沃托（科林·费尔斯饰）的引领下，直接卷入了一场名流社交所引起的旋风当中--亨利负责将道林介绍给了这个城市所有快乐至上的享乐主义者，而道林也不负所望地以最快的速度融入其中。
亨利的朋友，同样也是一位社交艺术家的巴兹尔·霍尔沃德（本·卓别林饰）为道林画了一幅异常传神的画像，捕捉到了这位年轻的美男子全部的气质和能量，这也使得涉世不深的道林做下了一个轻率的决定--他发誓，只要能永远保留住自己在画像中的模样，他愿意付出一切，包括他的灵魂。
在亨利的引导和鼓动下，道林继续着属于他自己的狂野的冒险之旅，但是当他以一种永葆青春和美貌的姿态不断地示人的时候，他却把那幅画像锁进了不见天日的阁楼里。每当他对邪恶屈服并成为帮凶，画像都会变得愈加地丑陋和恐怖--看起来，道林正在无所节制地纵容自己的每一个应当被禁止的欲望和需求，根本就不在乎如此做最终会给自己造成什么样的后果。而且当巴兹尔坚持让他去看一眼自己的画像的时候，道林却杀死了他，然后逃离了这座城市。
25年后，道林重新回到了这片他一直在竭力逃避的土地，而且让他的那些老朋友感到尤为震惊的是，他看起来还像以前那般光鲜亮丽，一点都没变老--其实他现在已经变成了一个正在遭受痛苦折磨的男人，因为在他的生命中，爱与生存的意义全部都被剥夺了。道林不断地受到自己的过去的困扰，还有那个隐藏在阁楼里的画像中的畸形怪物的辱骂和奚落，然后，他遇到了艾米丽（丽贝卡·豪尔饰），一个聪明、迷人的美丽女子，让道林深深地为她所着迷。但是，艾米丽却是亨利的女儿，他肯定会想尽办法，就为了让女儿远离这个半人半鬼的家伙。当伦敦的好事者都在秘密地讨论"道林与魔鬼订下了契约"时，亨利也决定让他女儿的那个不正常的恋人彻底地曝光……道林能够把握住找回爱和救赎的最后的机会吗？更重要的是，他能够逃离自己的命运吗？ 最后，艾米丽使道林觉醒，在亨利发现了道林的画像后，道林推走艾米丽和亨利，自己拔剑刺向了画像。最后道林找到了真爱。道林“死后”艾米丽无法原谅亨利，不再联络她的父亲。而亨利把那副在火中留下的画像，安好如初的画像，道林依然美丽的画像锁在了阁楼里。