真理电影的理念是什么

1. 苏联蒙太奇电影学派的基本观点是什么

苏联蒙太奇学派

1．爱森斯坦（1898——1948）。

爱森斯坦理论体系发展的四个时期

（1）．“杂耍蒙太奇”时期（1920——1923）：爱森斯坦在参加电影工作以前就发表了
《杂耍蒙太奇》一文。提出的核心观点即杂耍蒙太奇。

*爱森斯坦“杂耍蒙太奇”观念的来源：
1．辨证法：黑格尔的三段论辨证法。两个不同性质的镜头即相当于正题和反题，他们之
间产生冲突，便建立了一个新的概念，相当于合题。
2．先锋艺术派中的构成主义和未来主义：要求打碎线性的戏剧模式，强调以多样化视点
改造戏剧，利用空间的共时性切断戏剧时间的连续性。
3．日本的象形文字。

【名词解释：杂耍蒙太奇】
爱森斯坦于20年代初在戏剧和电影创作实践中采用并在理论上提出的一种结构演出的方
法。即选择具有强烈感染力的手段加以适当的组合，以影响观众的情绪，使观众接受作
者的思想结论。“杂耍是戏剧中每一个特别刺激人的瞬间，即戏剧中能够促进观众足以
影响其感官上或心理上的感受的那些因素，也就是能够保证和精确的预计到如果安排在
整体的恰当次序中就会引起某种感情上震动的每一个因素，它们是能够用来使最终的思
想结论显示出来的唯一手段。” 杂耍蒙太奇不是静止的反映一个事件，不是使活动的一
切可能性处于这一事件的合乎逻辑的表现的限度以内，而是跃到一个新的阶段：把任意
选择的那些独立的杂耍表演自由的组成蒙太奇——从主题效果的立场来合成。

（2）. 理性电影时期（1924——1929）：此期拍摄的作品包括《罢工》、《战舰波将金
号》、《十月》、《总路线》。提出的核心观点即理性电影。

【名词解释：理性电影（理性蒙太奇）】
该理论强调通过画面内部的造型安排，使观众将一定的视觉形象变成一种理性认识。该
理论认为，两个镜头之和会产生一种新的概念，因为两个镜头对列及其内在冲突会产生
对所描绘事物进行思想评价的契机。该理论主张以镜头蒙太奇对列以表现某种抽象概念
，代替艺术形象。

“敖德萨阶梯”经典段落的蒙太奇运用：
1． 以视觉节奏的造型因素突出影片的主题，创造影片的情绪，形成影片视觉感官的冲
击力。
2． 以蒙太奇视觉结构的形式强化影片的视觉形象，扩大影片的空间效果。
3． 以多镜头反复重复的延续动作使得影片的时间抽象化，造成影片的延时表现。

（3）. 建立蒙太奇类型学——多声部蒙太奇体系的时期（1929——1939）：此期拍摄的
作品包括《墨西哥万岁》、《白静草原》、《亚历山大·涅夫斯基》。相继提出了节奏
蒙太奇、复调蒙太奇、声画蒙太奇、镜头内部蒙太奇等问题，在理论上大大修正补充了
早期的蒙太奇思想，最著名的代表作为《蒙太奇1938》。创作中实践了“情绪剧本”理
论。

*【名词解释：“情绪剧本”理论】
20世纪30年代由爱森斯坦提出并由部分剧作家附诸实践的一种电影剧作理论。该理论认
为不需要戏剧冲突和戏剧结构，只要提供一连串诱发导演情绪的刺激物。因此，这种剧
本虽然也有一些简单的情节，但一般是用一种浮夸的词句描写一些互不连贯的场景。代
表作家是苏联的拉热谢夫斯基，他的代表作品有《普通事件》（普多夫金导演）、《白
静草原》（爱森斯坦导演）等。苏联评论界认为这些影片都是失败之作。但“情绪剧本
”作为探索新的形象性以及向文学靠拢的一种倾向，在电影剧作发展史上占有一定的位
置。

爱森斯坦对于电影声音的美学观念及其演变。
1928年，爱森斯坦、普多夫金、亚历山大洛夫联合发表了《有声电影声明》，提出“声
画对位”的主张，并将“声画对位”看成一种普遍原则，否定声画同步，使声音依旧服
从于画面和默片时期的蒙太奇观念，只是配合蒙太奇使用。在爱森斯坦建立蒙太奇类型
学、即多声部蒙太奇体系的时期，他同样大大修正补充了这种思想，将重点转到声画同
步和声画不同步想结合的问题上来。

（4）. 提出作为电影总体的影片结构的理论，提出电影创作方法论的时期（1938——19
48）：此期拍摄的作品包括《伊凡雷帝》（一、二、三集）。

*爱森斯坦完整的蒙太奇体系中的4个最重要的观点：
1． 任何种类的两段影片放在一起，就会从那两种并列的状态中不可避免的产生一种新
的概念，一种新的性质。
2． 蒙太奇就是镜头内部冲突，是由两个并列的镜头冲突所产生的某一概念从而造成有
目的的主题效果。
3． 蒙太奇不仅是产生效果的手段，而且首先是阐明思想的手段，即通过某种电影语言
及其表现形式阐明思想的手段。
4． 蒙太奇的思维是与整个思维的一般思想基础分不开的。

2．苏联蒙太奇学派。

（1）苏联蒙太奇学派

【名词解释：苏联蒙太奇学派】
20世纪20年代，以爱森斯坦、普多夫金、维尔托夫、库里肖夫等为代表的一批人，受到
革命斗争现实的鼓舞，力求探索新的电影表现手段来表现新的革命内容，他们将实验的
重点放在蒙太奇的运用上。库里肖夫和爱森斯坦强调两个不同镜头的对立或撞击会产生
新的质、新的思想涵义，这是他们对蒙太奇理论作出的重要贡献；他们代表性的理论分
别是“库里肖夫效应”和“杂耍蒙太奇”；其他人诸如普多夫金发展了叙事蒙太奇、维
尔托夫创建了“电影眼睛派”，这批人是20年代苏联先锋主义电影美学探索的中间力量
，在蒙太奇理论的创建和运用上贡献卓著，因此被称为苏联蒙太奇学派，他们的理论研
究和拍片实践构成了苏联电影学派的第一个阶段。20年代末30年代初，由于爱森斯坦等
人的极端的蒙太奇探索受到批判，苏联蒙太奇学派开始转向社会主义现实主义创作。

（2）苏联蒙太奇学派的其他代表人物
a . 库里肖夫
库里肖夫在十月革命前就开始了电影工作，建立了“实验工作室”，他是一个构成主义
者，代表作品有《西方先生在布尔什维克国家里的奇遇》、《遵守法律》等；代表理论
有“库里肖夫效应”和“电影模特儿”。

【名词解释：“库里肖夫效应”】
苏联电影导演列夫·库里肖夫通过镜头剪接所作的一项实验，该实验实际上是由普多夫
金具体操作的。库里肖夫为了弄清楚蒙太奇的并列作用，给俄国著名演员莫兹尤辛拍了
一个毫无表情的特写镜头，剪为三段，分别接在一碗汤、一个正在做游戏的孩子和一具
老妇人的尸体的镜头之前，结果观众在观看过程中却似乎发现了莫兹尤辛的情绪变化—
—分别对应着饥饿、喜悦和忧伤。库里肖夫由此看到了蒙太奇构成的可能性、合理性和
心理基础，并创立了“电影模特儿”等理论。他得出的结论是，造成电影情绪反应的并
不是单个镜头的内容，而是几个画面之间的并列；单个镜头只不过是素材，只有蒙太奇
的创作才成为电影艺术。他提出了积极的创作纲领：影片的结构基础不是来自现实素材
，而是来自空间结构和蒙太奇。

b . 维尔托夫（1896——1954）
齐加·维尔托夫原是一位未来主义音乐家，1916年创立了“听觉实验室”，1918年开始
转向电影创作。1923年，维尔托夫发表了《电影眼睛人：一场革命》一文，提出了“电
影眼睛”理论。代表作品有《带摄影机的人》、《前进吧，苏维埃》、《在世界六分之
一的土地上》、《关于列宁的三支歌》等以及24期《电影真理报》（《电影周报》）。
维尔托夫也是苏联电影界最早使用声音的人。60年代法国新浪潮运动中的“真理电影”
就受到维尔托夫“电影眼睛”理论的影响。

【名词解释：“电影眼睛”】
苏联纪录电影导演齐加·维尔托夫于20世纪20年代初提出并在创作中付诸实践的理论。
他把摄影机比作人的眼睛，主张电影工作者手持摄影机出其不意的捕捉生活，实景拍摄
甚至偷拍、强拍，反对场面调度、剧本、演员和摄影棚，也就是反对故事片。虽然维尔
托夫的“电影眼睛”理论强调对现实的即兴观察，但并不是单纯的摄录现实。他强调将
电影观察的素材加以组织，从而引导观众达到明确的思想结论。他对“电影眼睛”的解
释是“用纪录手段对可见的世界作出解释”。维尔托夫并不反对蒙太奇，他将电影眼睛
称为蒙太奇的“我看”，他认为影片组织的基本手7段就是蒙太奇。他将蒙太奇的功能确
定如下：选择电影观察的最重要的瞬间，将这些观察按照联想的原则加以联接，有节奏
的组织素材以加强其情绪感染力，并通过镜头画面与字幕（政治口号）的结合来解释拍
摄在胶片上的事件的政治意义。维尔托夫在自己周围团结了一批纪录电影工作者，组成
了所谓的“电影眼睛派”，按照自己的理论拍摄了一些成功的影片，如《电影真理报》
、《带摄影机的人》、对谑澜缌�种�坏耐恋厣稀贰ⅰ豆赜诹心�娜�Ц琛返取?BR>
c . 普多夫金
普多夫金电影理论代表作有《电影导演和电影素材》、《电影剧本》、《论电影编剧、
导演和演员》；导演的影片代表作品有《母亲》、《圣彼得堡的末日》、《成吉思汗的
后代》。他后期导演的作品有《普通事件》、《逃兵》、《苏沃洛夫大元帅》、《海军
上将纳希莫夫》等。
普多夫金强调剧本和演员的重要性，他同样把蒙太奇视为电影艺术创作的基础。他从一
般意义上为蒙太奇所下的定义是：蒙太奇就是要揭示出现实生活中的内在联系，是一种
辨证思维的过程。它是为表达一定的思想意图而组织电影动作的手段之一。蒙太奇的运
用则显示出导演观察生活、分析观察结果并对之进行独立思考的能力。基于这种思考，
普多夫金创立了“联想蒙太奇”，具有很浓的诗意和抒情因素。“联想蒙太奇”把没有
物质联系但却具有十分密切主题联系的视象并列起来。这种手法一般只能在影片的局部
使用，而不能用它来统一全部镜头。普多夫金的理论强调了电影的叙事性，即通过分镜
头突出细节的重要性，通过对情节和事件的分解组合，再现情节和事件，使蒙太奇成为
剧情片段的连续 ，从而加强电影的叙事力量；这些理论在一定程度上支持了30、40年代
的苏联和美国的情节剧模式，因此被20年代先锋主义艺术家们看作是格里菲斯电影叙事
结构的继续，甚至被爱森斯坦认为是把蒙太奇这一新的电影造型手段纳入到传统的再现
美学范畴，是现代主义美学道路上的倒退。

*d . 柯静采夫、塔拉乌别尔格等人的“奇异演员养成所”
这是一个纯形式主义的学派，突出一种“奇异化”的电影观念。

【名词解释：蒙太奇理论】
主要指早期电影中以维尔托夫、库里肖夫、爱森斯坦、普多夫金等人为代表的蒙太奇理
论。通称的蒙太奇理论并不能囊括所有对蒙太奇问题的看法。西方的格里菲斯、卓别林
、雷纳·克莱尔、费里尼、爱因汉姆、米特里等，苏联的杜甫仁科、瓦西里耶夫兄弟、
柯静采夫、尤特凯维奇、罗姆、格拉西莫夫等，都曾对蒙太奇的问题作出各自的解释。
但苏联学派对蒙太奇的看法有一定的继承性，即便早期阶段也经历了一定的发展过程。
（以下分别简介维尔托夫、库里肖夫、爱森斯坦、普多夫金的主要观点。略。）
苏联电影理论界比较普遍的看法是：蒙太奇不仅是将各个拍摄下来的片段加以联接使观
众对连续发展着的动作获得完整的印象的表现手段，而且是将各种现象的隐蔽的内在联
系变成明显可见、不言自明的最重要的艺术方法。

2. 安德烈·巴赞的电影理论

核心、基本观点：影像客观现实中的被摄物同一。（出处：《摄影影像的本体论》）电影再现事物原貌的本性是电影美学的基础。
【名词解释：影像本体论】巴赞的电影现实主义理论体系的基石。其核心和基本观点是影像与客观现实中的被摄物同一。在《摄影影像的本体论》一文中，巴赞提出，电影再现事物原貌的本性是电影美学的基础。因为一切艺术都是以人的参与为基础的，唯独在摄影中，我们有了不让人介入的特权。所以摄影取得的影像具有自然的属性。影像本体论和巴赞的电影起源心理学以及电影语言进化论都有密切的关系。巴赞认为，电影发明的心理依据是再现完整现实的幻想，而现实主义是电影语言演化的趋向。 核心、基本观点：电影发明的心理依据是再现完整现实的幻想。（出处：《完整电影的神话》）电影是人类追求逼真的复现现实的心理的产物，这种心理因素决定了银幕形象的真实感，决定了电影技术的完善和电影艺术的发展方向：再现一个真实的世界。但电影不可能实现对客观现实的完整摹写，“电影是现实的渐进线”。（出处：《杰作：〈温别尔托．D〉》）
【名词解释：木乃伊情结】巴赞借助精神分析解释电影起源的一种阐释。巴赞为研究电影起源的心理，追溯到雕刻和绘画的起源。他认为人有永久性保存自己尸体的驱动。涂上香料的木乃伊是第一个雕像。雕刻和绘画成为人的替代品。他们起源与一种愿望，是一种原始需要。摄影不是创造永恒，而是给现实涂上香料，使时间免于腐朽。巴赞认为，摄影作为自然的补充，而不是替代，第一次有了不让人干预的特权。电影也因此第一次实现了影像与被摄物的同一，仿佛木乃伊。
【名词解释：完整电影】巴赞在《完整电影的神话》一文中提出的关于电影起源观的电影观念。他认为电影起源的心理原因是再现完整电影的神话，也就是再现声、色、主体感受一应俱全的外部世界的幻景。 核心、基本观点：现实主义是电影语言演化的趋向。巴赞的电影现实主义包括三个方面：表现对象的真实；时间空间的真实（美学核心）；叙事结构的真实。为了实现这些审美理想，巴赞提出了“长镜头理论”。
【名词解释：“长镜头（景深镜头）理论”】长镜头理论是对巴赞提出的“景深镜头理论”的不严密的概括。按照长镜头（镜头—段落）和景深镜头的原则构思拍摄影片，是一种旨在展现完整现实景象的电影风格和表现手法。它具体的实践要求是：
a．避免严格限定观众的知觉过程，它是一种潜在的表意形式，注重通过事物的常态和完整的动作揭示动机。保持透明和多义的真实。
b．长镜头（镜头—段落）保证事件的时间进程受到尊重，景深镜头能够让观众看到现实空间的全貌和事物的实际联系。
c．连续性拍摄的镜头—段落体现了现代电影的叙事原则，屏弃了戏剧的严格符合因果逻辑的省略手法，再现现实事物的自然流程，因而更有真实感。
（4）电影是现实的渐近线
巴赞在《摄影影象的本体论》中，提出了“摄影的美学特征在于它能揭示真实”的美学原理。他说：“……摄影机镜头摆脱了陈旧偏见，清除了我们的感觉蒙在客体上的精神锈斑，唯有这种冷眼旁观的镜头能够还世界以纯真的面貌，吸引我的注意，从而激起我的眷恋”。由此，巴赞得出了这样的结论：电影艺术所具有的原始的第一特征就是“纪实的特征”。它和任何艺术相比都更接近生活，更贴近现实。巴赞的“电影是现实的渐近线”，被称作是“写实主义”的口号。
在“新浪潮”的作品中，特昌弗的《胡作非为》直接实践了巴赞的理论，是一个很能说明巴赞理论的影片。《胡作非为》描写了一个12岁男孩安托纳，由于得不到家长和老师们的理解和关心，两次出逃，流落街头，后因行窃经受警察与心理学家的审问，被送进劳教营，后又逃跑出来奔向大海的过程。特吕弗打破了传统叙事手法，将影片的叙事语言始终保持在生活的渐近线上，形成了一种崭新的艺术风格。这部影片同时在国际影坛上产生了巨大的反响和欢迎，为“新浪潮”的崛起打下了基础。
（5）场面调度的理论
巴赞认为：“叙事的真实性是与感性的真实性针锋相对的，而感性的真实性是首先来自空间的真实”。蒙太奇理论的处理手法，是在“讲述事件”，这必然要对空间和时间进行大量的分割处理，从而破坏了感性的真实。相反，景深镜头永远是“纪录事件”，它“尊重感性的真实空间和时间”，要求“在一视同仁的空间同一性之中保存物体”。巴赞希望电影摄制者认识到电影画面本身所固有的原始力量，他认为，解释和阐明含义固然需要艺术技巧，但是通过不加修饰的画面来显示含义也是需要艺术技巧的。所有这些，构成了巴赞“场面调度”的理论，也有人称其为“景深镜头”理论或“长镜头”理论。巴赞提出的“场面调度理论，几乎在一切方面与蒙太奇理论相对立。蒙太奇出于讲故事的目的对时空进行分割处理，而场面调度追求的是不作人为解释的时空相对统一；蒙太奇的叙事性决定了导演在电影艺术中的自我表现，而场面调度的纪录性决定了导演的自我消除；蒙太奇理论强调画面之外的人工技巧，而场面调度强调画面固有的原始力量；蒙太奇表现的是事物的单含义，具有鲜明性和强制性，而场面调度表现的是事物的多含义，它有瞬间性与随意性；蒙太奇引导观众进行选择，而场面调度提示观众进行选择。
巴赞的这个理论影响了整整一代人。特吕弗是巴赞的忠实弟子，他说：“没有正确的画面，正确的只有画面”。戈达尔说：“电影就是每秒钟24画格的真理”。他们的电影观念，同巴赞的场面调度的理论一脉相承。

3. 真实电影与直接电影的异同点

先说“直接电影”。美国电影史专家罗伯特·C·艾伦认为，“直接电影”是60年代初美国纪录电影制作中一次独具风格的运动，这一运动被后人称为“直接电影”，它“过去是、现在也仍然是利用同步声、无画外解说和无操纵剪辑尽可能忠实地呈现不加控制之事件的一种尝试。简言之，直接电影作品企望给予观众一种正当摄影机前的事件展开之时‘他们身临其境’的感觉。”早期阶段的美国直接电影作品主要是指罗伯特·德鲁领导的摄制组为电视台制作的影片，史蒂文·芒贝在《美国的直接电影》一书中指出，这些影片“表明了自发的、不受约束的拍摄影片的可能性，并且第一次直接触及了这一做法所派生出来的主要美学问题。德鲁小组实际上为美国真实电影作了界定，他们创建了一种强有力的方法，其影响至今仍起着主导作用”。
再说“真实电影”，又称“真理电影”。北京电影学院文学系胡濒教授认为，“真理电影”是法国“新浪潮”中的一股现实主义潮流。依照他在《当代法国电影》一文中的看法，“新浪潮”由三股潮流组成：一是作为新浪潮核心的“作者电影”，二是与新浪潮相伴而生的“作家电影”，三是以“真理电影”为代表的现实主义潮流。法国电影史学家克莱尔·克卢佐把这股现实主义潮流细分为三个支流或团体：故事片、纪录片和介于两者之间的“真理电影”。1960年12月20日，《法兰西观察家报》刊登了法国电影理论家艾德迦·莫兰对记者提出的“您所理解的真理电影是什么？”这个问题的回答，认为“真理电影”是“一种战胜了故事片与纪录片之间的根本对立的电影”。60年代的法国电影在现实主义方面最有特色的创新和探索便是真理电影，它持续影响了直至今日的法国电影。
“直接电影”与“真理电影”是有区别的，巴尔诺甚至认为两者互不相关，唯一的共同点是它们都是从同期录音的实践中发展起来的，而且这样来描述它们之间的区别：1）主张“直接电影”的纪录电影工作者手持摄影机处于紧张状态，等待非常事件的发生，鲁什式的“真理电影”纪录片人试图促成非常事件的发生。2）“直接电影”艺术家不希望抛头露面，“真理电影”艺术家则公开参加到影片中去。3）“直接电影”艺术家扮演的是不介入的旁观者的角色，“真理电影”艺术家起到的是挑动者的作用。4）“直接电影”作者认为事物的真实随时可以收入摄影机，“真理电影”是以人为的环境能使隐蔽的真实浮现出来这个论点为依据的。
“直接电影”与“真理电影”之间的区别，关键在于对“纪录”与“虚构”的看法存在根本分歧。前者认为纪录电影应该是对现实的纯粹纪录，在被动状态中捕捉真实，反对在纪录片中使用虚构手法；后者则认为纪录电影不应该纯粹地纪录现实，应该主动地去挖掘真实，不排斥在纪录电影中采用虚构策略。鲁什在拍完《夏日纪事》几年后接受采访时重申，他确信电影具有“揭示我们所有人的虚构部分（to reveal a fictional part of all of us）的能力，尽管很多人对此表示怀疑，但对我而言这正是一个人的最真实的部分。”摄影机能够刺激人们展现他们自己的虚构面貌，以及他们作为想象、幻想和神话的创造物的能力，这一点被鲁什称为“真实电影”实践的试金石。在鲁什看来，《夏日纪事》绝不仅仅是一部纪录片，因为影片中的人们都被激发表现出了他们的虚构部分；同时，它又绝不仅仅是一部故事片，因为它所展现的虚构部分都是真实的。影片结尾处有一个简短场面，正是对电影通过“谎言”展现真实的实践的一个明确宣言。
在对“直接电影”和“真理电影”的概念进行一番梳理之后，我们接着进行本节的讨论。不论是“直接电影”还是“真理电影”，拟或是带有折中色彩的“真实电影”，这些概念甚至词汇本身都含有向格里尔逊为代表的传统纪录电影挑战的意味。标榜自己是“直接”就可能意味着别人是“间接”，标榜自己是“真实”或“真理”，就可能意味着别人是“虚假”或“谎言”。从根本上说，“真实电影”是一种反对虚构的电影，以至于“非虚构影片”（non-fiction film，港台译作“非剧情片”）一词逐渐成为后格里尔逊时期占主导地位的纪录电影定义，并且得到人们的普遍接受，甚至成了“纪录电影”的代名词。
转摘自：单万里 ——《纪录电影文献》序言

4. 推荐电影

《环球银幕年鉴特别版2010完全电影》评选的2010年年度十佳电影
一.十大佳片

1.《盗梦空间》（美国）诺兰的一小步，大片的一大步。

本片并非诺兰最出色、最复杂的电影，但绝对值得影迷、影评人和电影制作者为之思考——一个原本可能前卫、晦涩、充满实验性的题材，如何被演化成一部雅俗共赏、拍摄成本高达1.6亿美元的娱乐大片，创作者的自觉性和电影投资市场的包容性、绝非一日成功。本片的成功，出人意料的创意与明星阵容、重金打造的大场面相辅相成，后二者尤其不可或缺，否则又只能沦为影迷和影评人的一则新谈资而已，本片对于习惯故事直来直去的观众而言，试一次刺激的考验，对于唯恐观众不明就里的通俗商业大片，是一次巨大的叙事形式冲击和拓展。

2.《国王的演讲》（英国）传统戏剧的胜利

从各个方面来看，本片堪称是今年的《女王》，只不过主人公从伊丽莎白二世本人变成了她的父亲乔治六世，而且选取了乔治六世一生中最低谷的时期，宏大格局在现在早已失去人心，以小见大反而是历史传记题材电影的常见表现手法。本片剧本充分遵循了英国传统戏剧：情节步步为营，台词含蓄狡黠，且带一点英国人干巴巴的幽默感，每个人物都被赋予了闪光点，没错，本片最大的看点就是演员的演技。

3.《社交网络》（美国）这就是时代精神

如果说《华尔街》代表了上个世纪最后二十年人们的所有热情、理想和成功法则，那么《社交网络》则属于新的时代。这部马克.扎克伯格（facebook之父）的传记电影告诉我们：“网络接通现实，极客继承世界。这就是我们这个时代的精神，不管你愿不愿意成承认。

4.《告白》（日本）以复仇的名义

有这样一种电影，你在温暖的秋日遇见它，它面向平和，神态自若，像个熟人一样拉起你的手，继而，便把你一步步带入一个你从未涉足，甚至闻所未闻，连想象都未赶到达的世界。接下来的两个小时，你会沉沦在这里，被一帧帧完全颠覆你人生观的画面和一句句跳过骨膜直接刺进脑干的对白灭顶。等电影放完，你走出门外，耀眼阳光再度直射下来，你一阵眩晕，要扶着墙壁才能行走，看着眼前的车流和行人，你甚至不知道那个世界是真的世界。

5.《127小时》（美国）一个人的断代史

三分之二的时间里几乎没有对白，四分之三的时间里镜头都是悬崖峭壁和天空，五分之四的时间都是主角一个人的流浪和挣扎，六分之三的时间画面里都有他的脸，换做以往，如果有人向你推荐这样一部电影，你会让他滚的越远越好，但《127小时》让你没有一分钟的时间可以离开，除非你是个严重晕血症患者。这是一部动作片，只是主角只有一个且无法行动。

6.《三傻大闹宝莱坞》（印度）救救孩子

一部好莱坞类型电影大杂烩式的印度电影，在一个强大的故事内核之下，人物的脸谱化根本不成问题。

7.《我是怎样度过这个夏天》（俄罗斯）极地传说

作品有油画般的影像和精彩绝伦的表演，熊大叔和小帅哥在年初一起分享了柏林影帝的桂冠。

8.《大叔》（韩国）别惹开当铺的

情节通俗到朴实，但是元彬在电影中帅得掉渣，以眼还眼、以牙还牙，个人英雄主义在此。“为明天而活的人，会被为今天而活的人杀死”

9.《让子弹飞》（中国）骄阳落处子弹飞

虽然成不了姜文又一部里程碑式的作品，但本片毫无疑问是今年华语片的翘楚，一部纯粹的商业片，足以令我们的审查机关和文化体制汗颜。

10.《玩具总动员3》（美国）漂亮的告别礼

影片结尾，在巨大的焚化炉前，这十五年来所有我们认识的玩具们手拉着手，勇敢的面对即将来临的毁灭。但凡对这些玩具有爱的人怎么经得起这些泪点的诱惑？看得出，这是皮克斯精心为那一代小孩子准备的情绪小爆发，这大概是动画史上最令人难忘的镜头之一。

二、年度十佳纪录片

1.《音乐人生》国别：中国香港 导演：张经纬

电影的主人公黄家正只有17岁。他是公认的音乐神童，11岁就和捷克的乐团演出贝多芬第一号钢琴协奏曲，只是他不太快乐，一直思考着生命的意义这样深奥的命题。问他的理想是什么，他说是做human being。这部电影让人想起《莫扎特》和《社交网络》，都是讲述孤独的天才的故事。天才是恩赐也是诅咒。他是同辈中的幸运儿，恃才傲物、狂放不羁，小小年纪已经能弹出直击人心的乐曲，但也因为早慧比别人经历了更多的痛苦，过于庞大的光环也遮蔽和伤害了许多人。他不算可爱，但却可敬。张经纬温和、宽容地传递着他的观点。这是一部“人性”地表现出真实人性的电影：不管什么天才，首先都是一个人。

2.《阳光宝贝》国别：法国 导演：托马斯.巴尔姆斯

这部电影记录了分别来自四个国家的四名不同种族、肤色和性别的婴儿从出生到学会走路的成长过程。四个国家分别是非洲的纳米比亚、日本、蒙古和美国。影片采用了纯观察的记录方式，完全取消字幕和解说，却清楚地呈现出截然不同的生活环境对孩子成长的影响。非洲宝贝最可爱，生活却几近原始：美国宝贝却跟着妈妈在大超市里随意挑选东西。人的命运大概在出生的那一刻就注定了百分之八十。但导演并未对这些生活环境做出任何价值判断，而将重心完全放在婴儿的成长过程之上，那些令人莞尔的点滴生活片段串联起这份关于生命起点的采样记录。被生活弄得灰头土脸的成年人应该看看这部电影：生命原本是多么美好的奇迹。

3.《海豚湾》国别：美国 导演：路易.西霍尤斯

2010年知名度最高的纪录片非《海豚湾》莫属。一手带动海豚表演行业的里克.奥巴瑞花费了35年时间亲手摧毁这个行业，他和他的同伴们深入日本太极地，在那里，每年都有超过20000头海豚被屠杀。本片导演为了挺身而出支持老友而拍摄了这部电影处女作。这部电影走的是“真理电影”的路子，延续的是迈克尔.摩尔的风格，将电影视作自己呐喊的扩音器。因此，影片挑选的都是利于表达自己观点的素材，当地渔民和政府官员通通都是脸谱化的可憎嘴脸，高潮部分那鲜血染红的海水更是让人悲愤难平。说到底，这只是一个质量上乘的环保纪录片，你可以感动可以从此拒绝吃海豚肉，但千万别天真地以为这就是全部真相。

4.《海上传奇》国别：中国 导演：贾樟柯

这些年，贾樟柯的焦点逐渐从汾阳转移到更为开阔的世界，这回，他用自己的生命体验书写了上海的前世今生。镜头里的所有人都自然如日常生活。受访者有大流氓、政治家、电影明星的后代，也有流落到台湾、香港的上海人。有些人说大事件，有些人说小细节，也许他们讲了什么不是最重要，最重要的是他们还活着，他们的举手投足，连同清晰的口音，都带有海上余味。这些来自个人的回忆碎片延续了时间的脉络，在历史、心理和地理三重空间之间，自如地切换。然而，时间的脉络下潜藏着怎样的精神脉络？电影的回答正如其英文名字：“I knew I knew.”尝试去求索追问，已经都是现在的贾樟柯所能做的最好的事。

5.《雷斯特雷波》国别：美国 导演：塞巴斯蒂安.容格尔

这部纪录片记录了一队美国士兵在阿富汗克伦加尔山谷野战排整整一年的经历。摄影机从未离开这个山谷，也没有任何官方采访，因而保持了强烈的身临其境感。这是阿富汗战场上美军伤亡最惨重的战线之一。每个礼拜队长都要把村子里所有的长老们都请来“恳谈”，希望他们告知塔利班的去处，却始终无法和当地人顺利沟通。闲暇时，士兵们会跟着Ipod内的音乐起舞，在夕阳下弹吉他，对他们来说，战争只是一个职业。小队里一位战士牺牲，闻讯赶来的占有抱着裹尸袋失声痛哭，但就在前一天，空中部队的轰炸误伤了当地儿童并且杀死了7名本地平民。这场无因的战争没法让人感到丝毫宽慰，即便是生死与共的兄弟情义。

6.《从礼物店出门》国别：美国 导演：班克斯

这部电影片头写着“Paranoid Films”的电影从头到尾都像是导演跟观众开的一个大玩笑，他讲述了一个古怪的法国商店店员寻找班克斯的过程。班克斯是在英国颇有名气的涂鸦艺术家，艺术圈中神秘的怪人，全片关于他的场景里他都蒙着脸，连声音都处理过，故事的焦点是那个激情澎湃的法国人，他在画廊旁边的礼品店买了纪念品之后，便萌生了当艺术家的热情，从开始了解班克斯及其街头艺术到最后投入成为其中一员，最后他的涂鸦作品竟然大卖，连麦当娜都请他设计最新专辑的封套。在电影中，班克斯无情地嘲弄了那些只会抄袭别人来赚钱的伪艺术家，但从观众的角度看，这更像是班克斯的一次聪明的自我炒作。

7.《监守自盗》国别：美国 导演：查理斯.福格森

这是一部详细探讨2008年金融危机的纪录片。在2小时的影片里，汇集了来自亚洲、欧洲和美洲各类政治人物、金融专家、大学教师和记者的访谈，被访人物级别都很高，连新加坡总理李显龙，法国的财政部长都被请出。影片利用了大量法庭对峙的片段作为佐证，分析非常有逻辑性。它讲的不仅仅是金融，更多的是金融和政治、学术界的关系，鲜明的观点隐藏在尽量客观的表述之后，让观众自己去玩味。尽管阐述的是金融业运作模式，影片依然是表述得清晰自如，同时也没忘了利用明星效应，让马特.达蒙来负责旁白。对抗危机是表象，对抗贪婪才是核心，难以置身世外的我们都应该看看这部电影。

8.《等待超人》国别：美国 导演：戴维斯.古根海姆

美国人居安思危，开始反思本国公共能够教育体制的缺陷：为何有越来越多的孩子无法受到正常的中学教育。古根海姆的上一部纪录片《难以忽视的真相》得了奥斯卡奖，他对美国公众的口味拿捏颇有心得，摆事实讲道理，大量采访，中间夹杂一点小幽默，绝对不能少的是煽情；再加上数据、图标、小动画等趣味性的说明手法，就成了这部大众喜闻乐见的纪录片。而稍作探究就会发现，古根海姆的说理是缺乏严密逻辑支持的，学生成绩下降的标准是什么？就是老师打的C或D吗？将美国教育问题笼统地归咎于师资力量的问题似乎也过于偏激。我们看得见问题，却看不到解决方法，因此，只能无奈地“等待超人”。

5. 真实电影作为非虚构电影

本章主要讨论1960年代的纪录片历史，这个年代的纪录片历史，如同1950年代的纪录片历史，依然头绪繁多。但是没有关系，梳理1960年代的纪录片历史，我们只要抓住一个重要概念即“真实电影”，纷乱的头绪就会变得清晰明了。我曾经在上一章《影视争端》中指出，二战后是电视纪录片兴起的年代，电视纪录片的兴起引发了影视争端，这是一个缓慢的过程，直到1960年才形成“真实电影”运动。

汉语中所说的“真实电影”，是对二战后西方出现的两种纪录电影即“直接电影”和“真理电影”的统称。“直接电影”是由美国电影团体德鲁小组创立的一个纪录电影流派，“真理电影”是由法国电影导演让·鲁什创立的一个纪录电影流派。在英语中“直接电影”有时被称为“真理电影”，在汉语中“真理电影”有时被翻译为“真实电影”，这种情况导致了理解上的混乱，既有概念方面的混乱，也有翻译方面的混乱。由于“真理电影（cinéma-vérité）”这个名称取自苏联电影导演在1920年代创立的“电影真理报（kino-pravda）”，所以我坚持将之译为“真理电影”。

我可以坚持将cinéma-vérité翻译成“真理电影”，但我不能保证别人也这样翻译，更不能阻止英语学者将direct cinema称为cinéma-vérité（虽然有时也用英语cinema-truth，但是经常直接使用法语）。那么，如何鉴别这两种电影呢？“直接电影”与“真理电影”的相同点与不同点在哪里呢？美国纪录电影史学家巴尔诺在《世界纪录电影史》第5章指出：直接电影与真理电影只有一个相同点：二者都是从同期录音的实践中产生出来的，而在其他方面是互不相关的。

具体来说，直接电影与真理电影的区别在于：（一）直接电影的纪录电影工作者手持摄影机处于紧张状态，等待非常事件发生，真理电影试图促成非常事件发生；（二）直接电影的艺术家不希望出头露面，真理电影的艺术家往往公开参与影片中的活动；（三）直接电影的艺术家扮演的是不介入的旁观者的角色，真理电影的艺术家都担任了挑动者的任务；（四）直接电影作者认为事物的真实可以随时收入摄影机，真理电影是以人为的环境能使隐蔽的真实浮现出来这个论点为依据的。

总体来说，直接电影与真理电影的区别在于：直接电影是“观察型纪录片”，拍摄者不参与拍摄对象的活动；真理电影是“参与型纪录片”，拍摄者参与拍摄对象的活动。问题在于，拍摄者与拍摄对象的关系是非常复杂的，“参与”或“不参与”之间并没有非常明确的界限。有人甚至指出，无论直接电影还是真理电影，拍摄活动本身就已经“参与”了拍摄对象的活动，只是“参与”的程度不同而已，而且大多数拍摄对象都会有镜头意识，会在镜头面前表演自己，这个问题我会在后面详述（参见本书第7章《独立精神》第？节“基氏悖论与纪录片的独特角色”）。

更为复杂的是，真理电影创始人让·鲁什在1978年倡议创办的“巴黎真实电影节”没有以“cinema-vérité”而是以“cinéma réel”作为名称（相当于英语cinema of real），汉语直译为“真实电影”，似乎可以理解为是“真理电影”与“直接电影”的折中，这种情况使得“真实电影”这个概念变得更难理解了。没关系，我们将以后继续探讨（参见本书第9章《新纪录片》）。毕竟，纪录片真实问题每隔十年都会被拿出来进行一次大讨论，尽管不会有明确结论，但是以后还会被继续讨论。

二战硝烟散，热战转冷战；影视起争端，自由变垄断。无论“直接电影”，还是“真理电影”，或者“真实电影”，这些名称中都有一个对立面（“真实”对“虚假”，“真理”对“谎言”，“直接”对“间接”），这些名称无不表明，二战后的纪录片工作者继承二战前的先驱探索真实的优秀传统，继续探索自己身处其中的生态环境的真实，这个生态环境可以简要地概括为“一个地球，两大阵营，三个世界”。如果只用一句话来概括“真实电影”，我想说：“真实电影”是“为自由和真理而直接战斗”的纪录电影。这句话中包含着四个关键词，这四个关键词也代表着二战以来的纪录片领域被继承以及新出现的四种美学理想：自由电影、真理电影、直接电影、战斗电影。

直接电影被称为“观察式纪录片（observational documentary）”，真理电影被称为“参与式纪录片（participatory documentary）”，这种区别是以纪录片叙事模式划分的，二者都是相对于此前已经盛行半个世纪之久的“陈述式纪录片（expository documentary）”而言，这种叙事模式又称“格里尔逊式纪录片”，是以“上帝之声”和“第三人称”为特征的“画面加解说式纪录片”。20世纪的纪录片历史被分为“格里尔逊时代”和“后格里尔逊时代”，分水岭是1950年代中期发生在英国的“自由电影”运动，就让我们从这场运动开始讲述真实电影的历史吧。

6. real电影讲的到底是什么

电影《Real》主要讲述了黑暗世界的“问题解决者”张泰英（金秀贤 饰）遇到潜伏记者后发生的故事。片中，金秀贤饰演患有解离性人格障碍的地下赌博组织头目，与对手赵元根（成东日 饰）、康复治疗师宋宥花（崔雪莉 饰）等众人展开微妙的神经战。

又因为崔真理在电影中扮演康复治疗师宋有华，电影里面上演大尺度戏份。《Real》业已被韩国影像作品委员会判定18禁。

剧情简评：

《Real》的故事与片名相当呼应，这是一个很难辨析所谓“真实”的故事，金秀贤因角色设定，一人分饰两个人物的多重性格，无论是健壮强大的赌场大佬，还是阴柔腹黑的“复制者”。

无论是充满杀机的帅气男人，还是戴着面罩的神秘“怪人”，这一次的金秀贤，已经不仅仅是在用肢体和表情在演戏，很多时候，他通过对声音的奇妙控制，也让剧中人物丰满立体、呼之欲出。

7. 《天空之城》这部电影，告诉我们了一些什么真理

《天空之城》这部电影，在开始聆听天空之城的音乐时，柔和的旋律和动人的旋律都让我对它产生了浓厚的兴趣。众所周知，天空之城的旋律和音调很简单，但同时，让人感觉心中都有自己的天空之城。宫崎骏老爷爷给我们带来很美好的幻想空间，我们都知道宫崎骏的动画都是环保主义作品，那《天空之城》这部动画给我们带来哪些含义呢？

《天空之城》充满浪漫主义色彩，在这部童话动画影片中体现了现实。它充满了哲学思想，这是宫崎骏导演自己对世界的思考的精髓，让人们在看电影时感叹不已。在这样一个浮华的世界里，仍然有人以这样一种纯粹的方式表达他们的想法，而对于宫崎骏本人，我也越来越钦佩这一点。

《天空之城》网络网盘高清免费资源在线观看：
链接：https://pan..com/s/19AmBsn9jp_KZ3pOJLIedMA

8. 真理是战争的第一个受害者

                                ——看《天空之眼》有感

        在战争面前，或许每个人都有着自诩正确的立场，但却没有去否认战争本身就是一种对生命的原罪。《天空之眼》这部电影以一位小女孩的生命为引诱发的艰难抉择，形成了电影对道德矛盾的情节，而最终戛然而止的结局，则让我们对战争与文明做出了耐人寻味的沉思。

        这部电影的剧情奠基其实就是伦一个尤为典型的“电车难题”。当一个疯子把一个无辜的人绑在火车轨道上，火车即将开过，即将碾压到他，这时候你有一根操纵杆，可以把火车立刻转到另一个轨道上去，但另一个轨道上却也被那个疯子绑上一个无辜的人，这时候你会怎么做？

        这部电影就是具体形象的把它刻画了出来，是牺牲一个无辜小女孩的生命，打击一群恐怖分子，还是等待小女孩离开，错失把暴徒一锅端的机会？电影抛出这样的一个问题，所直指的并不再是个人的“电车难题”，而是在战争面前对一个正义、文明政权体系的拷问。

        《天空之眼》——讲述了美国和英国联合追击恐怖分子的故事，美国的无人机在两万尺的高空锁定恐怖分子的位置，并且发现恐怖分子正在筹划一起人肉炸弹事件。

        当指挥官下达利用无人机发射地狱火导弹摧毁恐怖据点的时候，一个卖饼的小女孩走进了空袭的范围内。在是否执行空袭命令的选择上，从一线执行者，到前线指挥官，到后方的将军，内政部长，司法部长，外交部长乃至总统都在做出选择。

        无人机飞行员首先拒绝了执行这项命令，他要求重新对平民伤害做出评估，而当地面特种部队为了让小女孩离开想尽一切办法之后，悲剧还是发生了，空袭完成了对恐怖分子的摧毁，也结束了小女孩的生命。

        这部电影对弱小生命的尊重表达的无比重视，在这场空袭中，几乎每个人，无论他的身份或者是地位如何都体现出了对生命的尊重。尤其是一线人员，眼睁睁看着生命在自己的手上丧失是一件很难接受的事情。

        正如电影中的将军所说：“如果你看过真正战争的残酷，你就能够理解生命的意义。”

        这部电影的最大意义也就在于此，他通过对生命的尊重，反映出了现代的战争理念。如果可能，哪怕只是为了一条生命也不要发动任何一场战争，哪怕这场战争对某些人来说只是说一句话，只是按动一个按钮，但对平民来说这却代表着整个家庭，甚至整个家族的生存希望。

        美军的战争手册是非常严格的，发射一枚导弹其实没有我们想象的那么简单，是需要多人评估，以及多达数十条的手册命令才可以做出的抉择，并且即使是指挥官下达了发射命令，在作战协议的允许下，执行官是有权利提出自己的不同意见的——“将在外，君命有所不受”。

        在影片当中，无人机指挥官就是依靠着作战规定，驳回了上校的第一次命令，从而为小女孩赢得了一个生还的机会；当地的特工，不顾自己的安危想尽一切办法让小女孩离开这里……许多人都在为这样一个无辜的小女孩争夺她生存的机会。

        然而令人失望的是，小女孩还是在空袭中遇难，希望拯救她的人都已经尽力了，他们为此感到遗憾，感到悲哀。

        这样的悲剧结尾相当有力，真实地告诉我们，即使是为了正义发动的战争，最终得到的依然是一个悲剧，战争悲剧在大众面前可能是万分之一的机会，但是对于一个家庭来说却是一万分的灾难。

      《天空之眼》这部电影也引用了希腊悲剧诗人埃斯库罗斯的一句话——“ 真理是战争的第一个受害者 ”。这句话表明了电影的战争理念，无论是什么样的战争最终都没有胜利者，受伤害的只有真理和人类。

9. 真理电影为什么是石头

因为石头这部影片出其不意地捕捉生活的眼睛。
石头这部电影出其不意地捕捉生活的眼睛‘，以最简练的，最生动的方式，把电影语言的词组引向辨析的高度和深度。一方面，在前期拍摄中不干扰被摄者，不知不觉的摄取素材。另一方面，在后期剪辑中极大地发挥主观能动性，统辖素材皆为我的情感和观点服务。也就是说并没有否认记录电影的主观性，通过后期剪辑就可以赋予影片的某种主观特征。
2017年9月，赵祥凭借该片获得第12届华语青年影像论坛年度新锐导演奖项。

10. 巴赞的电影理论是哪些

他的电影理论很多,具体内容你可以买一本《电影是什么》看看。

给你摘抄一小段：

法国电影理论家巴赞的"段落镜头"理论 新现实主义电影的手法和美学主张，促使以后的电影理论界不论在电影的叙事手法，蒙太奇剪辑、摄影、表演，以致在剧场景的结构上都出现新的论证和观点。最明显的是法国电影理论家巴赞的"段落镜头"理论(即长镜头理论，反对单镜头剪辑，而主张像一些新现实主义影片一样，更多以"段落"或一场戏作为一个剪辑单元。在他看来，只有这种剪辑方法，才更符合生活。

“新浪潮”电影诞生于年1958年，该电影流派把巴赞推崇为自己的精神领袖。巴赞的理论主要表现在两个方面：
一、“电影是现实的渐近线”

巴赞在《摄影影象的本体论》中，提出了“摄影的美学特征在于它能揭示真实”的美学原理。他说：“……摄影机镜头摆脱了陈旧偏见，清除了我们的感觉蒙在客体上的精神锈斑，唯有这种冷眼旁观的镜头能够还世界以纯真的面貌，吸引我的注意，从而激起我的眷恋”。由此，巴赞得出了这样的结论：电影艺术所具有的原始的第一特征就是“纪实的特征”。它和任何艺术相比都更接近生活，更贴近现实。巴赞的“电影是现实的渐近线”，被称作是“写实主义”的口号。

在“新浪潮”的作品中，特昌弗的《胡作非为》直接实践了巴赞的理论，是一个很能说明巴赞理论的影片。《胡作非为》描写了一个12岁男孩安托纳，由于得不到家长和老师们的理解和关心，两次出逃，流落街头，后因行窃经受警察与心理学家的审问，被送进劳教营，后又逃跑出来奔向大海的过程。特吕弗打破了传统叙事手法，将影片的叙事语言始终保持在生活的渐近线上，形成了一种崭新的艺术风格。这部影片同时在国际影坛上产生了巨大的反响和欢迎，为“新浪潮”的崛起打下了基础。

二、场面调度的理论

巴赞认为：“叙事的真实性是与感性的真实性针锋相对的，而感性的真实性是首先来自空间的真实”。蒙太奇理论的处理手法，是在“讲述事件”，这必然要对空间和时间进行大量的分割处理，从而破坏了感性的真实。相反，景深镜头永远是“纪录事件”，它“尊重感性的真实空间和时间”，要求“在一视同仁的空间同一性之中保存物体”。巴赞希望电影摄制者认识到电影画面本身所固有的原始力量，他认为，解释和阐明含义固然需要艺术技巧，但是通过不加修饰的画面来显示含义也是需要艺术技巧的。所有这些，构成了巴赞“场面调度”的理论，也有人称其为“景深镜头”理论或“长镜头”理论。巴赞提出的“场面调度理论，几乎在一切方面与蒙太奇理论相对立。蒙太奇出于讲故事的目的对时空进行分割处理，而场面调度追求的是不作人为解释的时空相对统一；蒙太奇的叙事性决定了导演在电影艺术中的自我表现，而场面调度的纪录性决定了导演的自我消除；蒙太奇理论强调画面之外的人工技巧，而场面调度强调画面固有的原始力量；蒙太奇表现的是事物的单含义，具有鲜明性和强制性，而场面调度表现的是事物的多含义，它有瞬间性与随意性；蒙太奇引导观众进行选择，而场面调度提示观众进行选择。
巴赞的这个理论影响了整整一代人。特吕弗是巴赞的忠实弟子，他说：“没有正确的画面，正确的只有画面”。戈达尔说：“电影就是每秒钟24画格的真理”。他们的电影观念，同巴赞的场面调度的理论一脉相承。

摄影影像的本体论（安德烈-巴赞）

如果用精神分析法去分析造型艺术，就可以把涂防腐香料殓藏尸体看成是造型艺术产生的基本因素。精神分析法追溯绘画与雕刻的起源时，大概会找到木乃伊“情意结”（complexe)。古代埃及宗教宣扬以生抗死，它认为，肉体不腐则生命犹存。因此，这种宗教迎合了人类心理的基本要求-----与时间相抗衡。因为死亡无非是时间赢得了胜利。人为地把人体外形保存下来就意味着从时间长河中攫住生灵，使其永生。妥善保存死者骨肉的完整外形，这曾经是天经地义的事。一具用泡碱处理过的，干瘪的，呈褐色的木乃伊也就是古埃及的第一个雕像。但是金字塔或通道中的迷宫不足以防止墓穴被盗，还要采取另外的保险措施，以防万一。所以，在石棺附近，除了撒些小麦当作死者的食物外，还放上几尊陶制的小雕像，作为备用的木乃伊，死者身体一旦毁坏，这些雕像便可充当替身。从雕像艺术这种宗教起源中，我们可以看到它的原始功能：复制外形以保存生命。显然，在史前洞穴中发现乱箭穿身的泥雕熊表现了同种心愿更积极的一个方面：泥熊等同于知兽的神化物，为的是祈求狩猎成功。

当然，艺术与文明同时在演进，造型艺术也终于摆脱了这种巫术职能（路易十四就没有让后人把他的尸体涂上香料保存，只是请勒＊布朗画了一幅肖像）。但是，降伏时间的渴望毕竟是难以抑制的，文明的进步只不过是把这种要求升华为合乎情理的想法罢了。我们不再相信模特儿与画像之间在本体论上有同一性，但是我们承认后者帮我们回忆起前者，因而使他不至于被遗忘。描形绘像的做法已经与人类本位说的实用主义无关。它涉及的不现是人生命延续的问题，而是更广泛的概念，即创造出一个符合现实原貌，而时间上独立自存的理想世界。倘若人们在我们对绘画的盲目赞叹中有没有看到用形式的永恒克服岁月流逝的原始需要，“绘画便实在太虚妄”了。如果说造型艺术不仅是它的美学史，而且应先是它的心理学历史，那么，这个历史基本上就是追求形似的历史，或者说是写实主义的发展史。

从这种社会学观点看问题，照相术与电影的出现便自然而然地解释了现代绘画肇始于19世纪中叶的精神与技术的重大危机。

安德烈＊马尔罗在发表于（激情）杂志上的那篇文章中写道：“电影只是在造型艺术现实主义演进过程中最明显的表现，而现实主义的原理是随文艺复兴运动出现的，并且在巴罗克风格的绘画中得到了最极端的体现。”

确实，世界绘画曾经实现了形式的象征主义与现实主义这间不同程度不同的平衡，但是，到了15世纪，西方绘画开始不再单纯注重用特有手段表现精神现实，而力求把对精神的表现和对于外部世界尽量逼真的描摹结合起来。毫无疑义，一个具有决定性意义的事件就是透视画法的发明，这是第一个科学的初具机械特性的体系。透视法使画家有可能制造出三度空间的幻象，物像看上去能够与我们的直接感受相仿。

从此，绘画便在两种追求之间徘徊：一种属于纯美学范畴－－表现精神的实在，在那里，形式的象征含义超越了被描绘的原形；而另一种追求是仅仅用逼真的模拟品替代外部世界的心理愿望。这种追求幻象的要求一旦有所满足，便愈益强烈，以至于逐渐吞噬了造型艺术。然而，由于透视画法只解决了形似问题，并不能表现运动，因而那里的现实主义自然只能限于探讨如何把事物的瞬间表现得富于戏剧性，即通过某种心理上的第四维暗示出在苦于静止不动的巴罗克艺术中是蕴含着生命的。

当然，伟大的画家总是把这两种倾向结合起来：他们既能把握现实，又将现实融于艺术形式中，使两种倾向主次分明。但是，我们看到的毕竟是本质迥异的两种现象，客观的评论应当善于将其区分，以便了解绘画艺术的演进。从16世纪以来，对现实幻象的追求不断从内部影响绘画。这是一种纯心理的需求，它本身并不属于美学范畴，只有从追求魔力的心理中才能找到它的根源。但是，这种需求十分强烈，在它的影响下，造型艺术的平衡被全盘打乱了。

围绕着艺术中的真实进行的论争就是由于这种误解，由于美学与心理学的混淆引起的。要求既具体又本质地表现客观世界的真正现实主义，与迷惑视觉的（或迷惑头脑的）虚假现实主义混为一谈，后者满足的是几可乱真的幻象。由此看来，中世纪艺术似乎就没有尝过这种冲突的苦头：它既有强烈的写实性，又是高雅的精神表现，它对于由新技术手段揭开的这一幕还一无所知呢。透视法成了西方艺术的原罪。

替它赎罪的人是尼埃普斯和卢米埃尔。照相术既完成了巴罗克艺术的夙愿，也把造型艺术从追求形似的困扰中解放出来。因为绘画曾经竭力为我们制造几可乱真的幻象，这种幻象对艺术来说已经足够了，但毕竟似真非真，而照相术与电影这两大发明从本质上最终解决了纠缠不清的现实主义问题。一个画家不论有多巧，他的作品总要被打上不可避免的主观印记。既然由人执笔作画，对画像的怀疑便不会消除。所以，从巴罗克风格的绘画过渡到照相术，这里最本质的现象并不是单纯器材的完善（摄影在模仿色彩方面还远不及绘画），而是心理因素：它完全满足了我们把人排除在外，单靠机械的复制来制造幻象的欲望。问题的解决不在于结果，而在于生成的方式。

因此说，保持风格与形似两者之间的冲突是较为现代才有的现象，在感光玻璃片发明之前，恐怕还找不到这类冲突的迹象。显而易见，夏尔丹的作品中令人赞叹的客观性与摄影师的客观性完全是两码事。现实主义的危机真正开始于19世纪。今天，毕加索成了这场危机的神话般人物，这场危机涉及到造型形式存在的条件及社会学基础。现代画家摆脱了追求形似的心理，把形似与否的问题丢给了平民百姓，往后，就由平民百姓一方面把照相术与形似问题等同起来，另一方面把只求形似的绘画与这个问题等同起来吧。

因此，摄影与绘画不同，它的独特性在于其本质上的客观性。况且，作为摄影机眼睛的一组透镜代替了人的眼睛，而它们的名称就叫（法文OBJECTIF）。在原物体与它的再现物之间只有另一个实物发生作用，这真是破天荒第一次。外部世界的影像第一次按照严格的决定论自动生成，不需人加以干预，参与创造。摄影师的个性只是在选择拍摄对象，确定拍摄角度和对现象的解释中表现出来。这种个性在最终的作品中无论表露得多么明显，它与画家表现在绘画中的个性也不能相提并论。一切艺术都是以人的参与为基础的，唯独在摄影中，我们有了不让人介入的特权。照片作为“自然”现象作用于我的感官，它犹如兰花，宛若雪花，而鲜花与冰雪的美离不开植物与大地的本源。

这种自动生成的方式彻底改变了影像的心理学。摄影的客观性赋予影像以令人信服的，任何绘画作品都无法具有的力量。不管我们用批判精神提出多少异议，我们不得不相信被摹写的原物是确实存在的，它是确确实实被重现出来，即被再现于时空之中的。摄影得天独厚，可以把客体如实地转现到它的摹本上。最逼真的绘画作品可以使我们更了解被描绘物的原貌，但是，不论我们怎样雄辩，它终究不会像摄影那样具有异乎寻常的威力，以博得我们的完全信任。

于是，在达到形似效果方面，绘画只能作为一种较低级的技巧，作为复现手段的一种代用品。唯有摄影机镜头下的客体影像能够满足我们潜意识提出的再现原物的需要，它比几可乱真的仿印更真切，因为它就是这件实物的原型。不过，它已经摆脱了时间流逝的影响。影像可能模糊不清，畸变褪色，失去纪录价值，但是它毕竟产生了被摄物的本体，影像就是这件被摄物。相簿里一张张照片的魅力就在于此。这是些灰色的或黑色的幽灵般的几乎分辨不清的影子，这不再是传统的家庭画像，而是能撩拨情思的人生的各个瞬间，它们摆脱了原来的命运，展现在我们面前，把它们记录下来不是靠艺术魔力，而是靠无动于衷的机械设备效力。因为摄影不是像艺术那样去创造永恒，它只是给时间涂上香料，使时间免于自身的腐朽。

其于这种观点，电影的出现使摄影的客观性在时间方面更臻完善。影片不再满足于为我们录下被摄物的瞬间情景（就像琥珀中数百年的昆虫保存完整无损），而是使巴罗克风格的艺术从似动非动的困境中解脱出来。事物的影像第一次映现了事物的时间延续，仿佛是一具可变的木乃伊。

摄影影像具有独特的形似范畴，这也就决定了它有别于绘画，而遵循自己的美学原则。摄影的美学特性在于揭示真实。在外部世界的背景中分辨出湿漉漉人行道上的倒影或一个孩子的手势，这无须我的指点；摄影机镜头摆脱了我们对客体的习惯看法和偏见，清除了我的感觉蒙在客体上的精神锈斑，唯有这种冷眼旁观的镜头能够还世界以纯真的原貌，吸引我的注意力，从而激起我的眷恋。凭借着摄影技术创造出来的，我们不曾了解的或未能见到的世界的自然影像，大自然最终做到了不仅模仿艺术，还仿效艺术。

大自然的创造力甚至可以超过艺术家。画家的美学世界与他周围的世界是异质的，画框圈出了一个实体上和本质上迥然不同的小天地。相反，印在照片上一物像的存在如同指纹一样反映着被摄物的存在。因此，摄影实际上是自然造物的补充，而不是替代。

当超现实主义流派为了生出造型畸胎而求助于感光底片时，他们已经隐约地悟出了上述道理。因为对超现实主义来说，美学目的离不开影像对我们头脑产生的机械效应。想像与现实两者之间合乎逻辑的区别趋于消失。任何形象都应被感觉为一件实物，任凭任何实物都应感觉为一个形象。所以摄影曾经是超现实主义流派在创作中优先采用的技术手段，因为摄影取得的影像具有自然的属性：一种真正的幻象。超现实主义绘画使用制造逼真效果的技巧，并且注重细节的精确，这就是摄影术的一种反证。

显而易见，摄影的出现是造型艺术中最重要的事件。它解除了困扰，又实现了夙愿，使西方绘画最终摆脱了现实主义的纠缠，恢复了自己独特的美学。印象派的“现实主义”科学为借托，与制造逼真效果的技法截然对立；况且，只有不再注重外形的模仿时，色彩才能把外形淹没。后来，在塞尚的作品中，坚实的形态重新进入构图，但是，它毕竟摆脱了制造幻象的透视法的几何学。由机械产生的影像与绘画相颉颃，终于超过了巴罗克的形似，达到了与被摄物等同的水平，迫使绘画本身也变成了摄影的对象。

既然摄影术使我们能欣赏到直观上未必能惹人喜欢的原物摹本，又不妨碍我们去欣赏不必以大自然为参照物纯画作，从此，帕斯卡式的指责就毫无意义了。

此外，电影还是一种语言。