女主角叫素净的电影

❶ 哪里能找到泰国电影《o型血》

青春片《O型血》，写五个年轻的艺术学校学生，从入学到毕业，友谊、爱情、理想。
片子开始没多久，学生们同唱一首歌DD《桑塔鲁西亚》，印象里该是东南亚的民歌，出现在泰国的片子里，有一点意外，可是很亲切。
人物
枫细细婀娜的腰身，家境最好，开一辆小车子上下学；第一天相识冰，最漂亮的女孩儿，单亲，母亲是个极美的女人；阿德是五个人中最个性冲动的男孩子，黑色深陷的眼窝，喜欢摄影，探戈跳得棒极了；本家境仅次枫，高大帅气，歌子唱得很棒，一手好吉它；丛普是其中最其貌不扬但内秀的女子，写诗和小说。
五个人很巧合的都是O型血，每天彼此不离不弃，于是称作“O型组合”。四年的时光很快流过，友谊在不知不觉中转变，本与阿德同时爱着冰，枫喜欢本，这一切与丛普无关，她爱上冰的母亲公司里一个高大男人。
故事
枫的生日之夜，她化了淡妆，露背的抹胸，长裙，朋友们全部白色的礼服或是休闲装束，还有白色的百合，那样圣洁的美。
Party过后，五人跟随警察的车子去给车祸拍照，意外地发现，死者是冰的母亲。在巨大的悲痛中，本的父亲出面帮助料理了丧事，在父亲的鼓励下本去安慰冰，阿德本也想去，只是瞬间的犹疑，冰便偎在了本的怀中。
命运仿佛就这样擦肩而过，只因瞬间的犹疑，便失却。
生活中有很多这样的瞬间，可悲的是，当这瞬间发生时，我们并不自知。
毕业在即，大家忙着各自的论文，枫豪不掩饰她对本的爱情，而本在枫的家中，亲吻了冰，并送了她一大束白色的百合。当本把这件事说给阿德听时，他切坏了手中的照片。
在毕业的晚会上，阿德看到本与冰在台上歌唱的情歌，心情很是凄苦，在校门外与前来接枫的男人大打出手，终于因此事没能拿到学位，抑郁中只身去了美国。他与“O型组合”的联系只有给冰的信，只有她一人。
其实早在刚刚入学时，他便爱上冰，他可以对所有人大打出手，除了冰；他可以谁的话都不听，除了冰。
在一次约定的海滩聚会上，清晨迟到的冰看到赤裸在床的枫，本垂头坐在门外。她在绝望中与本拥抱告别，却被枫看到，三人不欢而散。
本明确地告诉枫，他爱的是冰，枫痛苦地去医院拿掉孩子，因失血过多处于生命的边缘。乘车赶往机场的冰在路上听到需要阴性O型血的消息，留下血却没有留名匆匆离去。
病愈的枫参加本的画廊开业庆典，终于收到本的求婚戒指；同时收到的还有来自美国的照片，阿德与冰灿烂的笑脸。
这是一部理想化的电影，五人的离开与选择，很大程度上都在为友谊让步，为了朋友，但承受了巨大的痛楚。青春的理想与善意，情感象丛普吸烟的样子，青涩但不失生命的华美。没有华丽的外表，但是真纯即是最美。
最终五人重归于好，阿德是著名的摄影师，本边读研究生边做老师还开着画廊，丛普爱慕的男人正计划着给她出诗集。
男人们事业有成，女人们爱情幸福。
能够感觉是电影发展的初期，一切皆大欢喜的大团圆结局，是一个欠缺，但仍不失理想之美。
记得读初中时我的班上也有一个五人组合，大家都称“五人帮”，四个男孩子和一个女孩。现在一个在日本，两个在北京已成婚，计划着要出国，剩下一个男的在故乡的小城，也已为人夫，女孩子是最早工作最早结婚的，没有离开家。
现实的生活终究有人的未来是平淡的，不会全部辉煌。
关注他们很大程度是因如今日本的男人是我的初恋，十二年，如花的岁月，全部赋与他，且是单恋。但是并不后悔，美好的东西并不一定要结局，只要是真情付出，若有了结局，反而无可回味了。
电影
泰国近年的电影与越南都处在上升阶段，与韩国、新加坡慢了半拍，不同的是还没有踏上商业化的道路，越南发展得更好一些。曾经看过《恋恋三季》与《青木瓜之味》，《恋》的表演已很成熟到位，是三个片段的加法，描写三个处于社会底层的人，车夫、妓女、流落街头的孩子，在艰难的生活中找寻生活的乐趣、希望，与爱情。《青》则描写了个从小清苦的年青女佣与男主人的爱情。片子最大的特点是导演对节奏的把握，感受到的一种令人沉淀的娴静，在商业片泛滥的大潮中，这种平和淡泊很是难得一见。
前些日子联想环球影视介绍了一部泰国片，忘记了名字，感觉一样的质朴。泰国这个国家对中国人并不陌生，是开发较早的出境旅游线，但是从未想过去，这里有很多的误解，尤其看了《O型血》后。这个国家传递给外人的更多的是扭曲的性文化，人妖、妓女，隐藏了太多对人性的摧残，而更多的人认为泰国之旅最大的看点即是人妖，回来后多半有一张与人妖的合影留念。能想起的还有泰拳，她的国王普密蓬DD农学家，一个傀儡政权下挣扎的君王。
很是不喜欢。
《O型血》给了我认识的转变。纯白的色调，双手合十，这是一个佛教的国度，歌子的美妙，乐曲没有特别大的起伏，轻快规律的节奏，轻轻和着就想手舞足蹈。影片中出现无数处的街景或是道具，纯白色的百合花朵，纯白的衣色，让我知道泰国除了我所不喜欢的，也可以拍出这样清新的电影。
还有钟丽缇的《晚娘》，是一部合拍片，没有看全，只见到几个片段，抛开内容不提，与前几部共同的特点是风情，摄影把握的尺度很是到位，热带异域的风情那种感觉异于张艺谋早期影片的大红色调，热烈鲜艳，是我喜欢的素净。
记得另一部与荷有关的片子（越产）中反复出现的一个场景，拥塞的河道水是浑黄的，来来往往卖水果、鲜花的船只，河道上大概是为死去的人抛撒的白色细碎的花朵，顺流随波，荡荡地漂去，令人怅惘。

❷ 《八美图》告诉你什么叫千娇百媚

《八美图》聚会了法国影坛老中青三代名伶，环肥燕瘦，五颜六色的八个女人果然唱啊跳啊上演了一出精彩好戏，只是一派“乱花渐欲迷人眼”的风情背后，是一个弄假成真的黑色故事。
白雪皑皑的圣诞日前夕，在温暖明亮，精致富丽的宅子里，男主人匕首插在背后“暴毙”，围绕着他的八个身份不同的女人困守屋内开始相互猜疑，质问，编织谎言，惊爆真相。一身粉红色裙装的大女儿素湘，一进门就像一粒精致甜美的糖果般可喜；苹果绿的小女儿嘉芙莲，带着母亲姐姐表演的开场歌舞活泼泼吹开了我们的笑颜；墨绿色的妻子家琵——当年法国影坛尊贵端庄的女皇凯瑟琳·德纳芙虽然丰满了许多，但是纹丝不乱的金发和剪裁精细的连衣裙衬着她依旧是风致宛然；淡紫色的岳母，乍看上去俨然就是蔼然可亲的老外婆；红褐色的妻妹娥古斯汀，再次充当英法文学写女性形象时，不可或缺的一种角色设置——老处女，往正面去写至多也只是简·奥斯汀《傲慢与偏见》里的三小姐曼丽，为了遮掩外表和资质上的平庸，透出陈腐不堪的女学究气；而一旦作者笔不容情就成了巴尔扎克笔下的贝姨，阴骘外表下是阴暗扭曲的一颗心，总归是可怜又可笑的一类人；红与黑的交响中裹着风骚的小姑贝丽，有着男人的手腕，又有着半老徐娘的阅历和风韵；再加上一个灰色的女管家香奈尔，仿佛（仅仅是仿佛）是从《乱世佳人》里就深入人心的忠心耿耿的“黑嬷嬷”的形象延续；最后是女仆露意莎，一个最常见的女仆的名字，一身规规矩矩的黑白素色装扮，但是如果真是这样无足轻重的一个小角色，大名鼎鼎的艾玛纽·贝阿怎肯屈身俯就？ 全片主要依靠对话叙事，很像一幕室内剧，除了侦破片惯用的一些叙事手法，比如不断插入回溯镜头以再现案发当晚各个人物的行动；又如故意配上一点搅动人心的惊悚音乐渲染情绪；比如刚刚要揭露真实线索的时候证人就会受到生命威胁；最后也让始作俑者完整编演整个过程让真相昭彰等等，妙就妙在：不断揭发出的违背伦常的内幕，妻子与人偷情，对象是导致丈夫破产的合伙人；大女儿未婚先孕，父亲就是“播种者”；岳母当年就曾杀夫，妻妹也意图引诱姐夫；小姑勒索不尽，同时也和妻子的情人有染；女管家与小姑有同性恋关系；女仆与丈夫久有奸情；最最令人大跌眼镜的是女仆和小姑都是双性恋者，对于德纳芙扮演的女主人家琵都怀着欲近不得的渴慕……伴随着这些出轨内幕的显现，是人物言行举措的渐渐失态，互相言语间的诋毁，诽谤，咒骂，多次发生的撕打，母女之间，姑嫂之间，姐妹之间。更有德纳芙放低姿态和小姑在地上翻滚撕扯中居然受到肉欲驱动不由得四唇相接的狂放演出。为了将观众的注意力就集中于这八个女人身上，不仅唯一的男性角色只现了一个背影，而且镜头常常逼近每个女人的脸拍特写，让观众直接逼视这些美丽面庞下暗藏着怎样的心计百转。

❸ 电影《夜宴》：以爱情至上为主题，用华丽绚烂的画面吸引观众，为何评分不理想

电影《夜宴》之所以评分很低，最大原因在于影片华丽的外表下，却有一颗空洞的心，虽意讲中国历史之事，却格外生出日剧之风味，冯导本想制作一桌美味佳肴，奈何有些“多盐少醋”了。总之电影虽众星云集，画面美轮美奂，却因形式大于内涵，使得观众不知所云。

总之，电影《夜宴》评分低的确有很多因素，将一部单薄剧情拍摄出文艺片的感觉，本身便存在着一定难度，加之电影主旨也并未鲜明表露，被人吐槽也在所难免了，不过始终不可否认其艺术美感的贡献。

❹ 她是《安家》中的江奶奶，曾在电影中给未成名陆毅周冬雨当过妈，是谁呢

孙俪、罗晋主演的《安家》，这部剧除了这两位高人气主演，配角演员中也有不少观众熟悉的面孔。比如王自健，还有李菁、闫学晶、代乐乐、杨昆、海清等一众演员，可谓众星云集。

在这些配角演员当中，有两位上海老演员显得有些特殊，那就是扮演江奶奶的奚美娟，和扮演天天爸爸的周野芒。

我们没有办法根据一段婚姻的成败，来判断当事人如何如何。而且尤其对于演员来说，他们为我们奉献出优秀作品和印象深刻的人物形象，这就是他们的成功。另外从两人可以同时出现在同一部剧的举动来看，这么多年过去，很多事情也早就放下了。

人生如戏，戏如人生。

❺ 情人眼里出西施 演员表（韩剧）

主演：姜志焕 李智雅 黄静茵
剧情介绍
帅气的外表加上出众的能力，国际建筑师江泰奉，有一天他经历了一起交通事故，而他的后遗症是“暂时性视觉障碍症”，也就是说他无法区分丑女与美女。就在他出事以后，他的眼前出现了“美女”王素净，泰奉对她一见钟情。但是实际上王素净是一个外表上比较有缺陷的动物杂志社记者。不知道泰奉有“暂时性视觉障碍症”的素净，人生第一次经历了完美男人对她的追求，她变得不之所措，同时命运般的陷入到泰奉的魅力中。
就在素净出差的时间里泰奉的后遗症很快没有了，而不知道这一事实的素净仍然以激动的心在等待着泰奉，就当泰奉出现在素净眼前时，泰奉却一点也认不出素净的样子。
曾经的心中女神样貌大变，追求完美的泰奉能否接受真实的素净？他们艰险的爱情能否继续呢？

❻ 天上的恋人的影片评价

这部爱情电影将给观众带来一种纯真爱情感受，将对人们现代的爱情生活产生极大的冲击。
《天上的恋人》中国第一位在日本获得电影硕士学位的青年导演蒋钦民执导，该片在日本大受欢迎，被日本观众誉为“最美丽的爱情故事”。此片不同于中国以往几部打入国际市场的农村片，没有笼罩着一种愚昧的氛围，而是充溢着浓艳的浪漫与美丽，片中主人公虽然大多是残疾人，但却表达一种美好向上的精神，这使该片既有一种清新不流俗的外貌，又具备了更深切的人文思想。这部电影可以归入诗意电影一类。农村题材，广西山区的天成景色，竹楼石径暮归的老牛，“代仔求亲”唱山歌的古老风习，刘三姐传下来的“树缠藤”民谣，这些都美丽得很实在。人物的时髦着装则不属于山里人，陶虹一转身就一套绝色的裙子，董洁素净得像个小仙子，这些则美丽得很虚幻。故事是这样的：山里人瞎子爹和聋儿刘烨留宿了寻亲的哑巴董洁，不识字的刘烨深爱着邻家凤凰陶虹，求兽医站的张站长代笔写求爱信，比《周渔的火车》里那个兽医还花的张站长狸猫换太子，以自己的名义写了情书，山里妹子陶虹自然经不起“文化人”的勾搭，二人背着刘烨就成了好事。
后来不知情的刘烨父子摆开阵势唱歌求亲，结果自然是未果。张站长回城，抛弃了怀孕的陶虹，陶虹乘气球而去，一直暗怀情愫的董洁与刘烨牵了手。整个故事洋溢着一种简约的美丽。人们常说“盲婚哑嫁”误会多，这片子正是借用各种人的生理死角，荡出了故事的层层波澜。这固然有些戏剧化，好在人物的内心活动是真实无欺的。
全片没有一个坏人，张站长也不过是个软弱自私的人。也没有以道德的名义评判什么，只是一味地展示，展示田园牧歌，展示淳朴心灵，展示山里人的某种生存状态。当然，劳苦困窘那个侧面全然从略，留下的只是一片浅浅的美丽。
《那山那人那狗》则在美丽的山水之间从容勾画了一个平凡的邮递员，他的美丽心灵还有挣扎与痛。讲故事全然不动声色，只是走过了一村又一庄，父亲与儿子隔阂层层消融，而父亲平凡敬业的形象一步步走向观众。这样的片子没有刺激性的视觉效果，当然远不如商业片叫座，我甚至不知道它是什么时候上映的，只是它拿了金鸡奖后偶然在电影频道看见。这当然不是什么庙堂之作，也绝非农村面貌的典型展现，这就是城里人的溢美想象加上乡村的真实表面，合成一首轻歌曼舞中略带愁苦的散文诗。它不同于同样可以归入诗意电影的《那时花开》、《那山那人那狗》。《那时花开》表述青春的感伤，有恍惚迷离的情绪而无完整故事，感同身受的则情难自已，更多的人是老虎吃天。据说，《天上的恋人》在东京被誉为“最美丽的爱情故事”，2000观众为之把巴掌都拍肿了，法国导演吕克·贝松单独约见董洁，影片最终得了最佳艺术贡献奖。这个奖项的具体含义我搞不清楚，但显然从规格上来说低于“最佳影片”，我就想，假如它在美丽而外还能有些捶打人心窝子的东西，也许就真的最佳了。《那山那人那狗》在美得不遑多让的同时，直达了人们心灵深处的隐痛，其“蛊惑”人心的力量自然更加醇厚而绵长———那应该是诗意电影的更高境界。
这部片子反映了两位聋、哑青年男女用独特生活语汇演绎的爱情故事。董洁依然是那副平静的表情，她的一招一式都是那么矜持而有分寸，没有丝毫的夸张与张扬，而陶虹却簇满一脸的笑容。她二人的性格反差，正好与这部即电影里人物的性格反差相吻合。制片方称：“她俩搭配很适合。尤其董洁，不说话的时候更有味道。”本片在第十五届东京电影节上大放异彩，被日本观众誉为“最美丽的爱情故事”。 作为惟一一部入围的华语电影，《天上的恋人》有幸成为东京电影节上第一部与观众见面的影片，2000个座位的观赏券在电影节开幕10天前便全部售磬。放映当天连平常很少有人光顾的二层都座无虚席。主演刘烨、董洁在这次盛典上成为万众瞩目的偶像，长达一个半小时的影片放映结束后，全场掌声雷动，2000名观众无人离去，都参加了舞台见面会，观众的提问十分踊跃，限制在30分钟的见面时间一拖再拖，这在电影节上也是很少见到的。该片的日本制片人佐佐木亚西子在广西天峨县看样片后说：“在以往的爱情电影中还没有过这样的环境，一个哑巴、一个聋子、一个瞎子和其他正常人能和谐地生活在一起，而且他们当中发生了一段纯真浪漫的爱情故事，很难得。这部片子在日本市场会受到欢迎。”
第十五届东京国际电影节大会对《天》片在演员、音乐及导演手法艺术上的成就给予了充分的肯定，尤其对青年摄影邵丹的个人才能给予了高度评价，评价影片就如一幅充满诗意的中国画画卷。
艺术风格
《天上的恋人》，是根据东西获首届鲁迅文学奖的作品《没有语言的生活》改编而成。无论是在人物形象上、情节发展上、叙事风格上,原著和电影都有很大不同。经过从写实到写意，从现实到浪漫，从叙事到抒情的转换，电影获得了巨大的成功。
这是一部由两位聋、哑青年男女用独特生活语汇演绎的爱情故事影片。剧本的视角与表达手段极端独特，在广西如歌如诉的优美景色里，有聋人对爱情的炽热倾诉，有哑女对情爱的欢呼高歌，构成了青春、健康、纯美而朴实的爱情画卷。故事的主角是残疾人，他们在积极的生活，健康的爱，但它不是一部残疾人题材的影片，这就是本片最大的特色。
电影画面本身提供了一些更宽阔的背景，可以使人有更大的空间添加各种元素的音乐。在创作《湘雨潇潇》时，基本上还是出什么样的画面就配出什么音乐，而《天上的恋人》则将有些音乐游离于画面之外，把声音与画面按照立体的状态处理的。
因为他内涵比较大，他的文化含量也很大，这部影片把历史、文化、地域全都折射出来了。
应该说为这个诗意的电影加了一层彩，音乐使影片的诗意更加明显，使影片在思想上更有厚度，使观众看到影片后有更深刻的思索。给了观众更多的信息量。
主线有一条，就是那个女孩子的那条（音乐）主线，她非常的温柔善良，虽然她的情绪从总体上说很平静，但也有波澜壮阔的。在表现她的善良、她内心美好时用了很多广西民歌。
另外一个就是那个聋子，描写他的音乐动态比较大，音乐中有些烦躁不安的东西，就是这些烦躁不安的东西构成了这个电影音乐中比较现代化的那些元素。这些现代元素的电影音乐正好与当地这种未经雕琢、淳朴的自然环境很吻合。
在音响效果的处理上有些与众不同。因为如果一部情节性很强的影片它的线条肯定是单一的，但由于这部电影线条并不单一，所以在音乐上我可能会处理的风格更多样化，会与画面的情绪反着走。比如在家宽（刘烨饰）理发这一段落，用了一个非常奇怪的节奏，和理发的那个动作以及当时的情绪都不搭调的，但是组合在一起特别新鲜。
民乐的运用是很重要的，因为民族音乐的音色对于这部片子的勾画起着很重要的作用，如果这个民族乐器的音色变成西洋乐器可能就不是那么回事了，所以这个音色起了绝对性的作用。至于（用）弦乐队是因为这个电影是立体声的电影，需要强烈的感情冲击时光用几个民族乐器是不够的，还需要弦乐队给予强烈的听觉冲击，所以把这两个结合在一起。比如刘烨在悬崖上跳舞这段音乐，长笛和竹笛混合在一起就是要突出一种比较诡异的风格，这时音乐充满了想象力。这两种音色的组合会造成一种新的视听感觉，并没有什么特殊的意义。另外，在影片最后我还加入了童声合唱，这样做主要是为了表现画面上没体现出的那种感情强烈冲动。
在该影片中用了很多广西民歌，比如说刘烨唱的那首歌以及那个女孩子摇着橹去找她哥哥时，这些唱段都是当地的一些音调，这些都是典型的广西音调。广西的民族音乐风格是很重要的，别的地方不可能产生这样的旋律，这是相当具有地域化的。
因为这个电影其实最后还是很伤感的，它是一个能令人静下来沉思的故事。所以音乐尽量去符合。去营造电影的气氛，使观众在离开电影院时能若有所思。
董洁这个演员选得非常合适，她的形象、气质特别符合这个角色，非常的质朴。所以在音乐上主要突出她善良的品质，所以等到最后陶红演的那个角色飞走以后，用了一些童声表达这个女孩子的心情，在音乐创作上给予这个女孩子很大的同情。如果这个电影音乐中有抒情部分的话，那很大的成分都是给这个女孩子的。
她的令人同情在于她喜欢家宽，但是家宽又是喜欢另外一个人，她目睹了很多很多事情，她的心情非常复杂。我觉得我很能理解她的这种心情，所以一旦有这个机会我绝对不会放过去渲染她一下。比如有一段画面是玉珍对着镜子梳头，然后家宽来送桂花，那一段是玉珍顾影自怜的一段音乐，充满了对他充满了同情，特别希望人家观众看到这能掉眼泪，说：“这个女孩多可怜”！这种艺术上的渲染是必要的。
结尾是很伤感的，感情其实是很强烈的它只是表现的比较含蓄，他们两个人目睹她的气球远飞。关于气球远飞这种处理要是放在生活中它很可能就掉下去了对，可能就是自杀。电影只是将其做了一个唯美的处理，所以这个远走高飞其实是很惨的，令人震惊的一种结尾，所以音乐到最后是很煽情的，情绪也比较悲。到最后上字幕时音乐也一直在延续，要把情绪做足了，这样也能增强音乐的感染力。
电影所讲述的故事虽然是比较个别的现象，但是它或多或少的折射了一些社会发展脉络。另外它表现了当代农村年轻人的思想状况，他们也不是说两眼只看到黄土，像陶红演的那个角色她不甘于在乡村里呆着，她愿意跟外面的人好，恐怕有这方面的精神追求在里面，这是无可指责的。那么这部影片把这个社会发展的那种思想状况以及社会状况表现出来了，还是有一定意义的。那么他们三个人在表达爱情时，也是非常含蓄、不可言状的，这恰如其分的表现这个年龄层当地人的生活状况。
不同于中国以往几部打入国际市场的农村片，《天上的恋人》不再笼罩于一种愚昧的氛围中，反倒处处洋溢着浓艳的浪漫与美丽，即便主人公大多是残疾人，它依然在传达着美好向上的精神。这不仅使本片有了一种清新不流俗的外貌，更使它具备了更深切的人文思想。（新浪评）

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《情人眼里出西施》讲述了帅气的外表加上出众的能力，国际建筑师江泰奉，有一天他经历了一起交通事故，而他的后遗症是“暂时性视觉障碍症”，也就是说他无法区分丑女与美女。就在他出事以后，他的眼前出现了“美女”王素净，泰奉对她一见钟情。但是实际上王素净是一个外表上比较有缺陷的动物杂志社记者。不知道泰奉有“暂时性视觉障碍症”的素净，人生第一次经历了完美男人对她的追求，她变得不之所措，同时命运般的陷入到泰奉的魅力中。

❽ 半生缘电影简介

《半生缘》由东方电影制作有限公司于1997年出品，该下面是我给大家整理的半生缘电影简介，供大家参阅!

半生缘电影简介

《半生缘》由东方电影制作有限公司于1997年出品，该片改编自张爱玲的小说《十八春》，由许鞍华执导，由黎明、吴倩莲、梅艳芳、葛优主演。

该片以1930年代的上海为背景，主要讲述了黎明和吴倩莲饰演的一对恋人在保守的时代因承受生命中不可得知的遭遇，饱受命运折磨的故事。

半生缘电影电影剧情

三十年代的上海，性格内向的沈世钧(黎明饰)和顾曼桢(吴倩莲饰)在同一工厂做工，两人产生感情。曼桢早年丧父，家庭生活靠姐姐曼璐当舞女维持。张豫瑾(王志文饰)先爱上顾曼璐(梅艳芳饰)，后来又追求其妹曼桢。后来曼璐又离弃恋人，当了妓女，最终嫁给投机分子有妇之夫祝鸿才(葛优)。世钧的母亲撮合他和表妹石翠芝成婚，而世钧却她没有好感。翠芝所暗恋的人却世钧表弟许叔惠(黄磊饰)。为了保全自已的地位，不能生育的曼璐以设下圈套让曼桢被祝强奸。曼璐小产后，要求曼桢陪她，当天晚上，喝醉了的鸿才把曼桢玷污了，曼璐企图劝曼桢嫁给鸿才做姨太太，更把曼桢软禁。曼桢为姐姐、姐夫生下一子，葬送了自已的恋情。世钧失去了曼桢，父亲又病逝，在家人的安排下与富家女翠芝(吴辰君饰)结婚。曼桢在医院生孩子的时候，终于找到机会逃走，她马上四处打探世钧的消息，后来知道他结了婚，也没有再找世钧，姐姐死后，她也嫁给了祝鸿才。十几年后，世钧与曼桢重逢，世钧希望再续情缘时，曼桢说此情不再，大家都回不去了。

半生缘电影影片评价

与小说相比，电影《半生缘》以曼桢与豫瑾的纠葛为主线，人物的复杂性有所降低，但人物个性更加清楚。近镜镜头的运用削弱了人物间的情感交流。作为女性世界细腻情绪的表露，许鞍华展现了现实的无奈与回忆的永恒，提示人生的苍凉，错失情缘的主题以及大时代改变个人命运的感叹。这是十三年后许鞍华与张爱玲的二度结合，之前是《倾城之恋》。

影片风格如同小说，精致、刁钻、敏锐，观察事物很细。本片在香港上映票房不俗。张爱玲小说原著《十八春》的结局，写男女主人公走过十八年曲折的情路之后，虽然各有家庭，但还是一同去参加国家刚解放时东北的建设，化哀怨为淡泊。许鞍华如今的《半生缘》则让这个哀怨的故事彻底以宿命的结局完成“苍凉”的主题。

《半生缘》的导演很少采用宽阔的取景空间，这一点正可包容了故事中人物的所有特征：纷乱中的平静，没有准确目标的循规蹈矩，没有大悲亦没有大喜的灰色心绪。在这样的环境中，所有的喜怒哀乐也都被克制在很小的限度里，绝对无法张扬。

《半生缘》还有很多有味道的地方，譬如现场原声录音产生的真实感，回忆引出陈年往事时营造的遥远的陈旧感。最值得一提的是吴倩莲的表演，曼桢这个角色就是为她度身定做的。没有夸张的表情，除去矫饰的作态，纯粹是一种素净、含蓄的本质，这才是真正的美。

半生缘电影相关新闻

半生后再重逢，是不是我们都回不去了?这是曼桢和世钧的结局抑或是张爱玲自己的故事?……记者昨天获悉，由香港进念·二十面体和上海话剧艺术中心联合制作的多媒体音乐话剧《半生缘》将从香港、新加坡、澳门一路辗转演到张爱玲小说的发生地上海。

《半生缘》原名《十八春》，1997年由许鞍华导演，吴倩莲、黎明主演的电影版曾让许多影迷唏嘘不已。故事发生在上世纪30年代的上海，世钧和曼桢两情相悦，叔惠与石翠芝互生爱慕之心，在时间无涯的乱世里几个男女阴差阳错地上演了一幕幕的错过，重逢在上海之时，一切只剩下枉然。

值得一提的是，柏林电影节新科影帝廖凡也曾与话剧《半生缘》有过不解之缘，他在2005年胡恩威和林奕华共同编导的话剧《半生缘》中饰演世钧，展现了不凡的舞台功底。时隔多年，当时在舞台上启用廖凡版世钧的香港导演胡恩威又将《半生缘》带了回来。

胡恩威表示，《半生缘》这部戏是献给杨德昌导演的，“我们回不去了”的感受是相对的，相对于不同年纪时的不同心情。对他来说，以杨德昌为代表的黄金时代好像永远回不去了。所以，胡恩威自己特别喜欢《半生缘》的第一段。

据了解，话剧《半生缘》由进念·二十面体(中国香港)与上海话剧艺术中心联合制作，并将在6月献演于上海文化广场。拥有超过30年历史的进念·二十面体剧团，是香港先锋文化的代表，此次《半生缘》聚集了知名导演胡恩威、电影《蓝宇》的编剧魏绍恩等，主创阵容极具实力。

据悉，《半生缘》曾两度亮相香港文化中心大剧院，并受邀分别于新加坡滨海艺术中心及澳门艺术节演出，在华语市场上备受好评。据主创人员介绍，呈现上海文化广场的演出将在多媒体影像的表现手法上推陈出新，代表“时间”的元素将在舞台上以不同方式频频出现，时刻提醒观众，这是“一场回不去的戏”。连续两届香港金像奖最佳女配角奖得主金燕玲将以上世纪20年代的爵士老歌风格，演绎为该剧特别创作的歌曲《半生缘》和《你也在这里?》，而苏州评弹代表性传承人金丽生将搭档评弹新秀郁群，特别创作弹词《回首往事》、《寻访曼桢》等。(记者陈熙涵)

❾ 《言叶之庭》赏析

一、开场（5分11秒）

制片方片头动画（27秒）

【开端】

黑场转淡入，以现场音的鸟鸣声带入，雨滴敲落的湖面泛开圈圈涟漪（近景），由近及远缓摇；【以景开幕，开篇即点出典型情境，隐隐点题；】

电车轰转的车轮特写【动景，特写，与第一个镜头形成强烈反差，营造出戏剧空间，为接下来的叙事铺场】

翠绿的树枝底抚着着湖面，幽静的鸟鸣声；【湖面的场景在开场部分的开端部不时插入，先入为主，以静制动，整个的统御了开端的节奏和氛围】

接下来男主角挤电车、出电车、刷卡、撑伞出站，画外音是男主角的独白：

“这些事，直到2个月前升入高中我都还不知道——

陌生人的雨伞打湿校服的衣角，谁的西服传来樟脑球的气味；

旁人的体温紧贴在背后，浑浊的空调风扑面而来。

小时候，天空分明触手可及

于是喜欢上雨，因它带来天空的气味

经常在下雨的早晨，不再换乘地铁

转身走出车站……”

【男主角的独白，一是以散文化的手法，与画面上的人群、站台、天空等景物共同阐释了男主角的生存环境；二是交代了男主角当前的心理状态：是一个刚刚踏入高中生活，对这种生活状态——“陌生人的雨伞打湿校服的衣角，谁的西服传来樟脑球的气味；旁人的体温紧贴在背后，浑浊的空调风扑面而来”——还并不适应，男主角正面对着接触社会、学会独立的人生临界点，敏感内向的他显然并没有准备好，怀念着美好的过去时光。从整部影片的角度统观，影片是以很直接、很深入的方式从男主角的心理角度切入的，这样一种方式带给影片很强的叙述风格，娓娓道来一个故事，真实感人；并且极为加强了观众对男主角的认同，想男主角之所想，爱男主角之所爱，恨男主角之所恨，这种强加给观众的主观视角迥异于好莱坞的客观叙事风格，丧失了戏剧性，却在情感表达的深度与灵活度上得天独厚。影片最后的结尾仍然以男主角的独白收束，照应开头，加强了影片统一的形式风格。】

【带入】

“六月”的大字幕，镜头从雨幕中的高楼（近景）往下摇，湖面，主人公逆人流而行，公园大门，投币，过桥，女主角的脚部特写，两人视线相交，入庭，坐定，背后视角两人在同一画框中，却被中间的庭柱分隔开，镜头语言中是一种陌生人的间离关系，【此一小段是将男主角带入先前已多方营造出的典型情境中，与女主角相遇，带入故事，卷入冲突。最出彩的镜头是在平移镜头中以树干划接入女主角的脚部特写，以远景接特写的突兀转换，将脚与鞋这一贯穿影片始终的重要道具强调出来，而且将女性的纤纤秀脚在绿荫掩映、花丛衬托、木廊对比、镜头运动中表现的如此美好动人】

【展开】

小湖出水口动感的水流，潺潺水声【好的，外部动作加强了，预热，我们的故事开始了】

镜头先给男主角一个基本描绘，高中生拿出画笔在本上认真的画着女式鞋子的草图【这癖好，还挺值得吐槽的哦】

然后又通过男主角的眼睛给了女主角一个基本描绘，素净的职业装，都市女白领形象，却有着巧克力配啤酒的行为【这癖好，你俩谁也别说谁了】

接下来一个掉橡皮擦，一个拾橡皮擦【小小的情节设计，两个人就是这样交集的】

接下来很自然的有了进一步的语言交流关系——

“请问，我们是否在哪里见过？”

“没有”

“对不起，认错人了”

“没关系”【埋下了小小的伏笔，引起小小的悬念——观众都会认为：他们肯定在哪里见过！两人的对话场面依然是背后的小全景角度，故意为之的构图，故意为之的“客观”，虽然有了对话关系，但两个人的陌生、疏远、孤独使场面如此的尴尬；同时，不管是呆板的四方形构图还是沉闷的情绪，在节奏上是一种抑制的功能，因为高潮即将到来】

【高潮】

高远的天空中几声闷雷，几丝电闪。

女主角的眼部特写，视线剪辑，男主角胸前的校徽。

女主角近景，惊讶的表情，微笑，男主角低头绘画的近景。“也许真的见过”女主角说。男主角讶异的抬头，切回女主角的中景，是大倾斜式构图，音乐起，女主角一边站起身一边吟道：

“隐约雷鸣

 阴霾天空

 但盼风雨来

 能留你在此”

【这个倾斜式构图的镜头在整部影片中惊鸿一瞥，却是极富艺术魅力的华彩篇章。我看完这部片子后好几天依然清晰地、来来回回在脑中浮现的就是这一个画面。可以说因了这个画面才打算写一篇赏析文章。我们可以从好几个方面来感受作者那横溢的才华。

   在构图上，敢用大倾斜的结构自然是最具匠心的地方，有种很感性的说法是，“画面的倾斜意味着世界的失序”，我们对倾斜式构图的了解无疑是不足的，女主角在画面中的倾斜给予了她很强的感染力，作用于心理的一种动感。画面中，女主角像要跌倒一样，不过她跌进了男主角的心里，也跌进了我们的心里。

   在视觉构成上，我们观察一下画面的线性主题，画面上方的庭檐和下方的庭栏是一对平行横线，与女主角身体的竖线在画面右侧垂直相交，非常突出的对比，让视觉峰值在右半部陡起，而远处的背景是柔和自然的丘陵线条，对前景的硬性直线起到了衬托作用；画面右侧、女主角左手后的一截庭柱与女主角的身体直线有相似的倾角，加重了画面右侧的分量，引导观众的注意方向的同时却不分担女主角的重量。

   在色彩上，女主角虽是暗色系的职业装，背景的天空却是有相当明度的浅灰色（雨天在摄像中会有大量的光线漫射，但这里并非如此，新海诚的画面对质地的重视要远大于光线，因此我们看到的是通透的空气和水墨画一样的天空），而且近浓远淡的透视规律使背景中苍翠的树木大大减淡，女主角从背景中分离突出出来。

   运动给予视觉分量，也给予节奏分量，女主角由坐到站到起身迈步，增加了我们的感官刺激，加快了故事的进展节奏。

   这一个倾斜式构图很顺畅地突兀着，并没有造成困惑或一丝一毫的违和感，流畅合理的剪辑是其中的玄机所在。这个镜头的前一个镜头是男主角从画册中抬起头来，剪辑逻辑上下一个镜头是男主角视线顺接，而男主角的姿势决定了是一个仰角度和倾斜的角度，这是一个很有代入感的设计。但女主角的镜头却又不是完全遵从镜头剪接原理的，因为女主角在画面中没有产生广角仰镜头的难堪变形，纤美柔弱的女性体态反而得到了更加完美的展现。我们说动画片比之电影有什么什么样的优势，这里就是——动画片在画面设计上依据着摄像原理，却遵从着绘画美学，每一个画面都能雕琢到完美。

  音乐是不可或缺的元素，新海诚动画中的音乐更侧重于情感的引导与烘托。这一段音乐的响起将情感推向了了高潮。

  从剧作方面来讲，这个仅仅几秒的画面，要担负起开场部的高潮任务，势必要在调度、动作、构图、台词、表演、音乐等所有方面穷尽巧思，那么这个倾斜式构图的镜头有没有完成这一任务呢？有没有激发开场以来最强烈的的情感？有没有视听上造成最大的冲击力？有没有最紧张的动作？有没有将主人公的性格集中体现呢？有没有系下扣、留下悬念？答案是肯定的，这个镜头让我们拍案而起，久久回味。

  我们还没讲究台词设计……

  套用一位评论家的话“第一次，在心中隐隐出现了超越这一时代的感觉。”作为有些年月的日本动画爱好者（我是不敢妄称otaku的），我第一次看《秒速五厘米》的时候就是这种感觉。网上称新海诚的动画为“桌布流”，一来是对“每一帧画面都可以截下来做电脑背景桌面”的肯定性概括，另一方面恐怕也有些对新海诚叙事能力的微词。我认为这种说法流于表面，如果欣赏新海诚的动画只得出这一层面的结论，鉴赏力实在不敢让人恭维。好莱坞的动画是夸张的艺术，与日本动画的写实风格差异太大，不敢品较高下，但可以说日本动画其“恬静的魅力绝非吵嚷的迪士尼卡通可以比的上”。全世界的动画有各种各样的题材，各种各样的创作材质，但大都有夸张和幼稚的倾向，唯日本动画独树一帜、独领风骚，极大地开拓了动画这一艺术形式的表现力，其贡献就像苏东坡对于词的发展。

而在日本动画的几十年发展历史中，大师辈出，以宫崎骏动画电影为杰出代表，宫崎骏老爹的动画风格中我看到的突出的一点就是——“永恒的运动”（日本的战后一代是有运动拼搏精神的），宫崎骏老爹以毫不夸张做作的写实态度把运动美展现得淋漓尽致（还记得《天空之城》中小男孩站在矿井之巅吹小号，群鸽环绕的镜头吗）。现在看新海诚的动画，可以说，新海诚动画把画面的静态美发展到了前所未有的高度。将画面的每一个细节都打磨到近乎病态的完美，这种程度不是没有动画家能做到，但只有新海诚敢于用静态的画面来说话，来讲故事，来表达感情，来结构高潮。新海诚的静态画面中所拥有的张力让人目眩神驰，叹为观止。】

全景，女主角走出画框，近景，女主角撑开的红色雨伞，后景中男主角错愕迷惘的表情。全景，女主角撑着红色雨伞走过小桥，出镜。

片头字幕“言叶之庭”像树叶一样飘落在湖面似的浅绿底色上，而后迅速的晕染稀释去了。黑场。音乐停。

【导演特意为女主角安排了一柄红色的雨伞，万绿丛中一点红，这一视觉元素在最后又加重了我们对女主角的印象，反正是挥之不去了。】

【段落分析】

   开场又称为序曲或序幕，是从戏剧中借鉴的技巧，电影的情节量远大于戏剧，要有力地控制剧情，就必须有一个提纲挈领的引子，又由于当代电影的娱乐功能，需要在电影的一开头就将观众的注意力吸引住，提起他们的观影兴趣，往往设计一个具有冲击力的开头，然后再进入正题（参考《007》）。

开场部分要初步介绍全片的基本情境。其基本任务是多方面的：要交待时间、地点，给出人物关系的起点，交待人物的生存状态，提供主人公的例证性动作，暗示风格体裁的特点，交待先行事件等等，它们涉及到总情境的所有内容。

时至今日，电影早已进化成独立的艺术形式，大大超出了戏剧的视野，体裁结构不拘一格千姿百态，有戏剧体、史诗体、意识流、生活流等等不一而足。其实，故事内容与故事结构是内容与形式的关系，好比人与衣服，只有量体裁衣，未闻削足适履，没有最好的，只有最合适的。但我们在分析电影的时候一般还是将其归纳到一定的结构中去，好比套用解决某类问题的理论范式，有益于我们的理解赏析。

我个人比较倾向于传统戏剧体结构的分析方式，即：开场——开端——展开——递进——高潮——结尾，因为我越来越发觉这种滥觞于古希腊的两千多年的经典结构天然地合乎自然法则。比如我们喝水这一动作过程：端杯——倒水——起杯——喝水——放杯，对位于这一结构，“喝水”就是整个过程的高潮——动作的高潮和意义的高潮。在我们的生活与生命中，这种发展结构俯拾即是。

就《言叶之庭》来讲，这部片子不符合于我们列举的任何一种体裁，它是好莱坞戏剧体吗？是纪传体吗？是意识流吗？是生活流吗？也有人一拍脑袋会说，这是“散文诗结构”，这种不经大脑的感性肤浅认识不值一哂。

我认为，新海诚的《秒速五厘米》和《言叶之庭》最好叫做情感流。

从影片主题看，《秒速》描写了深深的思念与羁绊在岁月的涤荡中、在距离的撕扯中渐渐消磨殆尽的情感历程，《庭》则描写了在各自孤独的世界里坚守“孤悲”之恋的情感状态，两部影片都重在展示而不在表达，新海诚并不曾呼喊“爱”或“勇气”，他只会用静美无瑕的画面把情感的原态本真的还原出来，像一面镜子，像一个世界。

某些人说，新海诚的叙事一如既往的渣，那是因为他们没有把握新海诚电影的真正脉络，那就是情感的发展变化这一千回百转、荡气回肠、贯穿于影片始终的主体脉络。新海诚是以情感的发展变化来结构影片的，所有素材的堆积运用也是为了情感的表现，所以，“情感流”一说是有一定的根据和价值的。

情感，尤其是爱情虽然虚无缥缈，若昙花之现，若星子之逝，但总是依附于人、事，影片中男女主角的情感发展就有着相遇——相识——相熟——相知——相爱的明晰脉络，对这部动画的赏析也就依势而为。开场部就是整个情感的“相遇”阶段。

开场的短暂奇遇将两位主人公的命运系上了扣，两人依然在各自孤独的世界里踯躅。影片并没有给予我们明确的情感走向的暗示，反其道而行之，让我们感受到了两人的巨大的“次元”级差异，女主角的年龄和“轻率”的举动使其占据了强势的地位，为两人的关系设置了障碍，埋下了冲突的伏线。

作者∶青丝飞扬